El reconocido cantante y compositor sevillano Beret, vuelve a sorprendernos con el lanzamiento de su más reciente sencillo “Hola, qué tal?”, una balada cargada de emoción que ya está resonando profundamente entre sus seguidores, desde la publicación de su primer adelanto en TikTok. Con su estilo único, que mezcla el pop con influencias de reggae y rap, Beret ha logrado conectar con millones de personas, tanto en España como en Latinoamérica, a través de letras sinceras y melodías conmovedoras, y “Hola, qué tal?” no es la excepción.
En esta nueva canción, Beret aborda una temática universal: el hipotético reencuentro con un antiguo amor y todo lo que queda sin decir. “Hola, qué tal?” es una conversación imaginaria en la que el artista enfrenta los sentimientos que nunca pudieron ser expresados, las preguntas que quedaron en el aire y las disculpas que nunca llegaron a pronunciarse. A través de versos profundamente introspectivos, Beret nos invita a acompañarlo en un viaje emocional que explora el arrepentimiento, la nostalgia y la necesidad de cerrar ciclos.
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La sinceridad como marca personal
Lo que ha diferenciado a Beret desde sus inicios es su capacidad para transmitir emociones de manera honesta y directa, algo que se ha convertido en su sello distintivo. Canciones, como “Lo siento” o “Me llama”, han calado en el corazón de un público que encuentra en sus letras un reflejo de sus propias vivencias. “Hola, qué tal?” sigue esta línea, pero con una madurez lírica que evidencia el crecimiento del artista.
En esta balada, Beret canaliza ese reencuentro hipotético con una antigua pareja, enfrentando las incógnitas que surgen cuando el tiempo y la distancia han hecho su trabajo. Con su estilo lírico siempre cercano, Beret nos invita a reflexionar sobre esos amores no resueltos y sobre cómo las heridas no sanadas pueden perdurar con el tiempo.
Un impacto que trasciende fronteras
Desde que irrumpió en la escena musical con sus primeros lanzamientos, Beret ha demostrado ser una de las voces más representativas de la música pop en español. Lo que comenzó como un fenómeno local en Sevilla, rápidamente se convirtió en un éxito internacional. Su crecimiento ha sido exponencial, conquistando los mercados de España y Latinoamérica, donde sus canciones son coreadas por cientos de miles de personas en conciertos y festivales. Su capacidad para fusionar diferentes géneros musicales, desde el reggae hasta el rap y el pop, le ha permitido crear un sonido auténtico y fresco, que conecta con una amplia audiencia.
Feli Ruiz irrumpe en la escena musical con “Me Olvidé Qué Era el Amor”, su álbum debut que se presenta como un viaje introspectivo a través de los laberintos del corazón y la mente. Este esperado lanzamiento, que llega tras su reciente arribo a Buenos Aires en 2023, marca el inicio de una prometedora carrera con una identidad sonora y estética claramente definida.
El álbum consta de siete canciones que oscilan entre el indie pop, el indie rock y el bedroom pop, cada una con su propia particularidad tanto musical como lírica. La pregunta central del disco, “¿Qué sucede si algún día nos olvidamos qué es el amor?”, sirve como hilo conductor para una narrativa que Feli explora a fondo.
Musicalmente, Me Olvidé Qué Era el Amor es un mix de géneros. Encontramos temas más alegres que se alternan con momentos de introspección oscura y profunda. Esta diversidad sonora no solo enriquece el álbum, sino que también refleja la complejidad de la experiencia humana y emocional que Feli busca transmitir.
Inspirado por las películas y las historias que lo conmueven, Feli integró su devoción por el cine en la creación del álbum. Esta influencia se manifiesta en la imagen visual del disco y en la forma en que cada canción actúa como un capítulo en una historia más amplia. La producción, a cargo de Pablo Giménez (El Zar), y la mezcla realizada por Nicolás Btesh, contribuyen a la concreción de una obra musicalmente fresca e interesante, con un diseño sonoro completamente a la altura.
En palabras del propio Feli Ruiz: “Este disco creo que es un antes y un después en mi carrera como artista. Entendí muchas cosas de mi proceso creativo y pude encontrarme con mi forma más sincera de expresarme”. Sin duda, Me Olvidé Qué Era el Amor es un testimonio de su evolución como músico y narrador, y promete dejar una huella significativa en la escena musical contemporánea.
Andrea Álvarez presentará su último y quinto disco solista, La Cadena del Mal, el próximo viernes 4 de octubre, a las 20. La legendaria baterista, cantante y compositora, junto a Lonnie Hillyer (bajo) y Tomás Brugués (guitarra), desembarcará en el escenario de The Roxy Live, (Cnel. Niceto Vega 5542), con su repertorio rockero, de 11 temas, en el que volcó su emesis de inconformidad, ahora también trasladada a sus redes sociales, transformándose en una voz de resistencia en estos tiempos convulsos.
– Pogo de Rock: Sobre este álbum, iniciado en la pandemia, hiciste referencia en algunas oportunidades acerca de lo que costó parirlo. ¿Es el último de tu carrera? Sin embargo, material para seguir no te falta por las situaciones que solés denunciar en «X», ex Twitter.
– Andrea Álvarez: Sí, pero gastar pólvora en chimango también es agotador. Me la paso diciendo que es el último disco cuando saco uno (risas), pero después siempre hay algo más. Mientras lo hacíamos pensaba, sin decirlo, que por ahí es el último. Seguramente no, pero es una posibilidad.
– Pogo de Rock: Más allá de hacerlo para los ensayos del próximo concierto, ¿disfrutás escuchar tus trabajos discográficos cuando salen a la luz? ¿Qué te pasó con La cadena del mal?
– Andrea Álvarez: No me pasa en general, pero este álbum me gusta mucho escucharlo. Ahora, además, lo hago bastante porque vamos a tocar en vivo. Entonces, por ejemplo, cuando voy al gimnasio, me pongo el disco para escuchar detalles que por ahí si estoy sola en casa, al lado de la batería, no los estoy escuchando porque me pongo a tocar y los tapo.
– Pogo de Rock: «Andrea, ya sos grande, ¿no ves? Vivir es más fácil, lo sabés. Eran dos minutos, aguantar y el mundo entero a tus pies», dice la canción Dos minutos. ¿Qué fue lo que no aguantaste?
– Andrea Álvarez: ‘Dos Minutos’ es un tema que empecé a tocar en vivo y muchas chicas lloraban, se emocionaban, porque es una cuestión de cambiarle el nombre, ¿viste? Trata sobre las decisiones que tomé en la vida y las consecuencias. En mis últimos discos, hay varios temas que parecen lentos e inocentes, pero en realidad son más bien cínicos.»
Álvarez, quien fue nominada a los premios Grammy Latinos 2016 como Mejor Álbum de Rock por su trabajoY Lo Dejamos venir, hace un paréntesis dentro de la última respuesta que deriva en uno de los temas troncales del disco: la muerte.
Cuenta que «Uh-Uh», la última canción el disco, la hizo con Karina Cohen después de que la exintegrante de Los Visitantes soñara con Palo Pandolfo (el músico falleció en julio de 2021). «Es un tema que había hecho hace miles de años, sin letra. Lo terminé de hacer cuando me enteré de la muerte de (la periodista) Mariana Moyano (octubre de 2023). Por eso puse ‘hoy te he tocado a vos, nos sorprendimos las dos mientras dormía te sentí maldita música y obvio vos ahí’.
– Andrea Álvarez: El disco trata bastante de la muerte. Es una manera de sobrevivir, aceptarla sin patalear y sin convertirte en lo que no tenés ganas de ser.
– Pogo de Rock: ¿Cómo fuiste asimilando las muertes de tus viejos y los amigos?
– Andrea Álvarez: La llevo mal. ¿Viste cuando la gente dice ‘soltar’? Yo soy más de agarrar. Le rindo culto a las cosas y a las historias que hay detrás. Por ejemplo, en mi casa tengo la sillita que hizo mi abuelo cuando yo tenía un año, y los cuadros de las fotos de chica (las que aparecen en el video de ‘2 minutos’) también están acá. Además, cuando me mudé, me traje una mesa y unas sillas de mi abuela. Tengo hasta el cuadrito de Mafalda que estaba en mi pieza de chica. No es que diga ‘ay, el tiempo pasado fue mejor’, pero me encanta tener estas cosas porque creo en la identidad desde la raíz.
En la misma línea, Andrea continuó: ‘Mis viejos eran grandes mentores de eso, ¿viste? Guardaron todo y creían en ello. De hecho, tengo libros que eran míos de chiquita y que usó mi hijo. Los guardo por si soy abuela alguna vez (risas). Y si no, los regalaré. Las cosas que me gustan tienen una historia. Mi marido me dice ‘pero esto es muy viejo…’, pero no me importa, lo sigo usando igual. Me encanta. Aparte, recuerdo a mi abuela contándome cosas con determinadas fotos, y ahora tengo esa imagen en mi casa. Para mí es mágico todo eso.
Retomando la pregunta, la ex Rouge y Soda Stereo, hizo referencia a los «amigos» de la infancia, el secundario y de la música que fallecieron. » A veces me olvido de que hay gente que no está. Digo ‘uy, este se murió’. Prefiero pensar que no los veo, porque no eran personas que veía siempre, como Prince. Hacerme la idea de que no se murieron me ayuda, porque me pone triste y no me gusta. Es como si talaran un bosque y no plantaran nada después. Eso es lo más molesto: talan, se van los árboles, pero no plantan nada. Los yuyos que quedan, la verdad, no me interesan mucho«.
– Pogo de Rock: En los últimos tiempos, tuviste un vuelco notable hacia las redes sociales, donde, de alguna manera, encontraste un lado B de ‘La Cadena del Mal’ para expresar tus inconformidades y ciertos mensajes de resistencia. ¿Cómo es tu experiencia en ese mundo virtual y hostil?
Andrea Álvarez: Hay gente en las redes que es increíble; me escribe siempre y me llena de amor. En este momento, tengo el poder de decidir dónde quiero estar, y generalmente es en lugares donde el arte prevalece.
La resistencia no es un slogan; en realidad, ya existe. La resistencia está presente porque hay quienes no se sienten cómodos con lo que pasa y quieren hacer cosas verdaderas, ¿viste? No hablo de un partido político, sino de un tema artístico. Hay muchos artistas haciendo cosas hermosas, y me parece importante pensar en eso. Muchas personas trabajan y se exponen, pero se nota que algunos se sienten cómodos con lo que pasa y otros no. Yo no me siento cómoda, pero no porque sea una rebelde. Prefiero hablar. Me gusta hacer un chiste, una canción y charlar con un amigo en un bar. Prefiero eso a quedarme callada.
TAHUE continúa anticipando a su público lo que será su próximo disco de estudio. Esta vez, lanza una versión con un sonido muy propio de “Gato del festival”, tema de Raly Barrionuevo. Recientemente, la banda lanzó “Calle Angosta”, con José María Martínez de Tabaleros como invitado especial. Ambas versiones formarán parte de “Árbol de estrellas”, su tercer álbum de estudio, que podrá disfrutarse en plataformas digitales desde el próximo 25 de octubre.
Al momento de contar por qué eligieron “Gato del festival”, la banda comentó “Es una canción que nos viene acompañando hace unos años en nuestros shows en vivo, pero que no habíamos tenido la oportunidad de grabar hasta ahora. Nos encanta ver desde el escenario el baile que se arma, y por eso la agregamos hace tiempo a nuestro repertorio. Ahora, con esta versión de estudio de la canción, buscamos darle esa fuerza que caracterizará al sonido del disco”.
TAHUE es una banda nacida en la Ciudad de Buenos Aires, que fusiona el folklore con los distintos géneros que conviven en la metrópoli. Eso los convierte en una de las agrupaciones que forman parte del nuevo semillero del género, que aporta una mirada actual a las raíces folklóricas que atraviesan el país.
Con este sello propio en su sonido, en “Árbol de estrellas” la banda rinde tributo a sus ancestros y a todos aquellos que trajeron consigo sus canciones, historias y sueños a la capital. El álbum estará formado por 10 canciones, de autoría propia y del cancionero popular, y será una celebración de la identidad argentina, vista a través de los ojos de una nueva generación, y un puente que conecta el pasado con el presente.
Antes de la salida del álbum, la banda anunció que lanzará otro single anticipo. Su público podrá enterarse de cuándo será en las redes de Tahue.
La banda nace en 2015 en la Ciudad de Buenos Aires. Desde entonces, ha participado en numerosas peñas y circuitos de folklore en la ciudad y el Gran Buenos Aires, además de en en el Festival de Cosquín en 2023 y 2024, tanto en la Peña Oficial como en el circuito callejero del festival, destacándose en la escena musical argentina gracias a su estilo propio.
En 2020 lanzan su primer álbum, Evolución, con gran respuesta del público y la prensa. Al año siguiente, presentan Azul, un EP formado por tres canciones. Ambos trabajos han sido elogiados por sus innovadoras chacareras y la mixtura de sonidos contemporáneos con las raíces folklóricas.
Con un estilo vanguardista que mantiene la esencia del canto popular, TAHUE está compuesta por Julio Fimiani, Santiago Alvarez, Sergio González y Emiliano García Pérez.
Los populares artistas del folklore argentino se unen en una cumbia-folk de desamor que resuena con frescura y nostalgia.
“No me sale” es el título de la nueva canción de Campedrinos y Sele Vera, una colaboración que ya está dando que hablar. Esta cumbia-folk de desamor está pensada para aquellos que, con el corazón roto, aún se resisten a olvidar a ese gran amor del pasado.
Campedrinos, que se preparan para su esperado show el próximo 25 de octubre en el Teatro Ópera de Buenos Aires, han tenido un año exitoso tras el impacto de su tema “Pasión Prohibida” en una novela de Telefe. Por su parte, Sele Vera, quien sigue arrasando en TikTok con su hit viral “Bailongo en lo del Rengo”, y en YouTube con su más reciente lanzamiento “Ya te olvidé”, aporta su autenticidad y popularidad a esta unión que promete conquistar a su público.
“No me sale” es una mezcla perfecta de la frescura que ambos artistas traen a la escena del folklore argentino, un estilo que, si bien está fuertemente arraigado en la tradición, no teme fusionarse con géneros más actuales como la cumbia. La canción está impregnada de nostalgia, y su letra refleja ese sentimiento de desamor que tantos corazones rotos comprenden: la dificultad de dejar ir a un amor que ha marcado profundamente.
Con esta colaboración, Campedrinos y Sele Vera consolidan su lugar en la nueva ola de artistas que está renovando la música folclórica en Argentina, conectando tanto con las nuevas generaciones como con los amantes de los sonidos tradicionales.
La talentosa cantante, compositora y multi-instrumentista Maro, originaria de Lisboa, Portugal, llegará a Argentina para ofrecer dos conciertos únicos en el ND Teatro. El primero de ellos será el 20 de octubre a las 21hs, y por entradas agotadas, se agregó otra función ese mismo día a las 18.30. Este será su debut en el país, y promete ser una experiencia inolvidable para los amantes de la música.
Con una carrera en ascenso y el respaldo de grandes artistas, capturó la atención del mundo musical con su voz cautivante y su habilidad excepcional como productora. Su formación en la prestigiosa Berklee School of Music en Boston, seguida por su etapa en Los Ángeles, forjó su estilo distintivo, que combina elementos de pop, folk y jazz.
Su discografía, que cuenta con siete álbumes de estudio, es aclamada por críticos y fans. Uno de los momentos destacados de su carrera fue cuando Jacob Collier (VER), el prodigio de la música contemporánea, la invitó a unirse a su banda como vocalista e instrumentista. Además, su colaboración con el legendario Eric Clapton (VER)en una emotiva versión de “Tears in Heaven” reafirmó su estatus como una de las voces más prometedoras de su generación.
Sin embargo, no solo los artistas consagrados reconocen su talento: Billie Eilish (VER) expresó su admiración por Maro, describiendo su canción “We’ve been loving in silence” como “la banda sonora de su vida” y elogiando su “increíble voz”.
En su presentación en Buenos Aires, ofrecerá un formato íntimo y acústico, acompañada solo por tres guitarras, lo que permitirá al público conectar de manera profunda con su música y su esencia. Su reciente álbum, “hortelã”, será el eje central del recital, donde las emociones y la cercanía se fusionarán en un ambiente mágico.
El dúo de alt-pop formado por Ross y Rocky Lynch, The Driver Era, comparte el video oficial de su último lanzamiento, “You Keep Me Up at Night“.
Dirigido por Gordy De St Jeor, el ritmo rápido del vídeo capta a la perfección la esencia enérgica del tema. Con una fiesta en una casa abarrotada como centro de atención, el vídeo demuestra que «You Keep Me Up At Night» es un animado éxito en el ya impresionante catálogo del dúo.
La banda dio a sus fans una primera muestra de «You Keep Me Up at Night» en su concierto especial de una sola noche en el Wiltern de Los Ángeles a principios de este mes. El single sigue al lanzamiento en febrero de «Get Off My Phone», un himno de ruptura moderno con el que el dúo se adentró en un sonido más alternativo. El mes pasado, The Driver Era estrenó su primera película de concierto, live at the greek, en Veeps, inmortalizando aún más su actuación del 11 de junio de 2023 con todas las entradas agotadas en el legendario Greek Theatre de Los Ángeles, CA. Con más de 500 millones de transmisiones globales hasta la fecha, 75 millones de visitas en YouTube y 33 millones de seguidores en las redes sociales, The Driver Era se han consolidado como una fuerza impulsora en el espacio del alt-pop.
2024 ha sido un año de giras monumental para The Driver Era, en el que se han embarcado en una gira norteamericana, seguida de actuaciones en los principales festivales sudamericanos, como Lollapalooza en Chile, Argentina y Brasil, y una actuación épica en el Bonnaroo Music and Arts Festival de Tennessee. Este mes, llevarán su eléctrico espectáculo en directo a Europa y el Reino Unido en una extensa gira como cabezas de cartel.
El dúo argentino Ainda presenta “Éramos lo Más”, el primer adelanto de su nuevo disco. Esta canción, que sorprende desde su título, es el resultado de una colaboración íntima y espontánea con el reconocido músico español Leiva. La historia detrás del nombre comenzó como un chiste entre los artistas, pero se convirtió en un reflejo de la identidad argentina y en un guiño cómplice. “Jamás lo hubiésemos dejado. Pero ahora nos encanta. Como que es muy argento el ‘lo más’”, comentan Yago y Esmeralda.
Producida por Nico Cotton, la canción refleja la habilidad de Ainda para entrelazar historias y emociones en sus letras, mientras que la mención de capital juega con un doble significado: Buenos Aires y Madrid, uniendo así dos ciudades clave en la vida y carrera de los músicos. “Me gusta mucho que hayamos logrado de vuelta lo de los dos personajes, ese diálogo entre las dos partes del dueto”, añaden.
El lanzamiento viene acompañado del videoclip oficial de la canción, un film dirigido por Federico García Rico. “Éramos lo Más” promete ser un hit que marca el inicio de una nueva etapa en la carrera de Ainda.
Esmeralda Escalante y Yago Escrivá formaron Ainda hace más de diez años y desde ese entonces su música los llevó a importantes escenarios de Europa, Latinoamérica, Estados Unidos y el interior de Argentina.
Reconocidos desde sus comienzos por las armonías y la combinación de sus voces, Ainda ha sabido reinterpretar el formato dúo y adaptarlo a diferentes situaciones en el vivo.
Cada año que pasa es una nueva aventura y un espacio donde Esmeralda y Yago se pueden explayar y jugar a distintos niveles. “Intentamos sentirnos muy libres, poder ser sinceros y jugar con esa honestidad haciendo canciones”.
“Ainda es un proyecto que nos llevó mucho de viaje para conectar con gente, lugares y músicas diferentes a nosotros. Si pienso en Ainda pienso en trabajar con amigues.” Es un proyecto que también creció mucho a la par de bandas amigas y colegas, lo cual se refleja en todas las colaboraciones de su último disco “Te Quiero” (2023).
Fueron convocados por Jorge Drexler para abrir sus shows en Buenos Aires y San Pablo, con quien lanzaron el single “Primavera” en 2019. También, durante 2022 y 2023, fueron los artistas invitados en la última gira del reconocido músico español Leiva.
Por su tercer disco “Animal”, estuvieron nominados a los Premios Gardel en la categoría “Mejor álbum pop alternativo”. Ya llevan grabados cinco discos de forma independiente: UNO (2013), SEGUNDO (2015), ANIMAL (2018), MILLONES (2020) y, el más reciente, TE QUIERO (2023), que cuenta con feats como Bandalos Chinos y Conociendo Rusia.
Recientemente lanzaron «Te Quiero – Un Año Después», su nueva sesión en vivo compuesta por tres canciones reversionadas a piano y voz de su último disco que acaba de cumplir un año. La sesión ya se encuentra disponible en el canal de YouTube del dúo e incluye las canciones «Adiós», »Kilómetros» y »No Te Alejes». “A un año del lanzamiento de Te Quiero hicimos esta sesión en vivo de tres versiones que en el álbum tienen colaboraciones, pero las llevamos al formato dúo con el piano para mostrar un poco de esa faceta íntima que nos representa mucho.”
El dúo porteño viene de presentarse en Montevideo, Lima, Bogotá y Medellín en este mismo formato íntimo de piano y voz, con el cual llegarán también a Chile en octubre, en el marco de su gira por Latinoamérica. Por otro lado, el tour llegará a Europa, donde se presentarán a banda completa en las ciudades de Madrid, Barcelona, Berlín y Copenhague.
En cuanto a Argentina, el próximo 18 de octubre se presentarán en Niceto Club, Buenos Aires, con un show único y especial, y el 26 de octubre formarán parte del Festival Bandera en la ciudad de Rosario, Santa Fe.
Jero Jones es una toma de estilos. Revive elementos de la new wave, de la nueva ola del Indie sleaze y el rock en su sentido más puro. Juega con ritmos punzantes, letras satíricas y emotivas, y sintetizadores frenéticos.
En septiembre lanzó el single “Crónicas”, como adelanto de su disco debut. Una canción de rock con raíces de la electrónica y el neo disco que habla de la monotonía y el estado de confort en una canción que no deja de cambiar constantemente.
Con este primer sencillo el artista nos introduce al nuevo sonido de lo que será su primer álbum de estudio, que cuenta con influencias de LCD soundsystem, CSS, The Rapture, Underworld, entre otros. En “Crónicas”, Jero busca elementos más industriales de la electrónica, pero a su vez encuentra algo más pop de lo que venía trabajando en materiales previos.
“Crónicas” cuenta con la producción de Jero Jones y Ezequiel Mutti, master por Facundo Jara. Grabado en Estudio M con producción y mezcla de Ezequil Mutti. Tanto el video como el arte de tapa y fotos estuvieron a cargo de Chiara Girimonti. El primer disco larga duración de Jero Jones se titula “Circuito” y verá la luz a principios del año 2025.
Jero Jones es un artista solista que comenzó con su proyecto musical en el año 2022, buceando en un sonido vivo, nostálgico y nuevo, y fuertemente influenciado por el rock alternativo y el new wave.
Recorrió distintos escenarios alrededor de CABA y zona sur, tocando en lugares como Makena, Lucille, Complejo Art Media, El emergente, Pura Vida, La Tangente, entre otros.
Oriundo de Quilmes, Buenos Aires, Jero publicó su primer material a principios de abril del 2022: “Hollywood Está Lejos de Casa”, que cuenta con la producción del mítico productor Nelson Pombal, y la participación exclusiva en la percusión de Fernando Samalea. El mencionado EP es un veloz y sólido comienzo para el artista, que utiliza los elementos que lo nutrieron en sus primeras composiciones como el rock nacional, combinado con ingredientes de la música funk y pop.
En su segundo trabajo, “Transferencia” (2023) el solista se empecina con la idea de cambiar radicalmente su estilo estético y sonoro, con el afán de encontrar nuevos horizontes para su propuesta artística. Así, logró captar en cinco canciones lo más orgánico del post punk, el new wave y el rock alternativo para combinarlo con una gran pizca de modernidad.
“Fin de Fiesta” el nuevo lanzamiento de Marcelo Carrascosa es un lamento millennial a esos tiempos de juventud que están lógicamente terminando. Es el entendimiento de que una etapa está finalizando, pero la negación absoluta a que eso suceda. Es el grito del último que queda el boliche, el que cierra la fiesta. La nostalgia del pasado, gloria del presente y miedo del futuro. Un tema pop con unos destellos de disco. Un poco de influencia de Pet Shop Boys, Miranda y Daft Punk, con melancolía porteña.
Su último lanzamiento fue “Lentos”, un jazz que está acompañado de un videoclip realizado y dirigido en su totalidad por Marcelo y su grupo de amigos más cercano. El clip es casi indescriptible, se destaca por su originalidad visual, su estética y la performance de Marcelo.
Esta fórmula de equipo se viene repitiendo, ya que los videoclips de «Mambos. “Ave Fénix”, “Surmenage” y “Vos” también fueron creados en su totalidad por ellos.
Marcelo dio inicio a su carrera en agosto 2022 con su single debut “Chico Sirena”, un denominado “bolerock”, y continúa el 2023 bien arriba, con un pop pegadizo con algo de milonga llamado “Activemos”. Luego prosiguió con su primer y único EP hasta el momento, “Atemporal I”, conformado por tres covers de clásicos reversionados, dándoles una impronta distinta al estilo Marcelo Carrascosa: “Alfonsina y El Mar”, “Nunca es Suficiente” y “Recuerdos de Ypacaraí”.
Marcelo es actor, cantante y escritor de teatro y se mantiene siempre en constante evolución para aprender, perfeccionarse y plantearse nuevos desafíos.
Empezó a escribir este camino como artista musical, donde se destaca como un peculiar intérprete potenciado por sus dotes de actor, coronando cada canción desde adentro de su corazón.
Marcelo Carrascosa nace en Misiones, para en su temprana infancia trasladarse a Buenos Aires y vivir en el barrio de Colegiales donde creció.
La carrera de Marcelo comienza a sus 18 años cuando partió para ir a vivir a Estados Unidos, donde se dedicaba a cantar en bares mientras cursaba en Rutgers University y recibía su licenciatura en Teatro de The New School University. Completó sus estudios cursando la Maestría (MFA) en Columbia University, durante 3 años.
Poco tiempo después, da inicio a su carrera dentro del mundo de la actuación, comenzando como asistente de dirección para terminar debutando como actor en diferentes obras y uniéndose a la Compañía Residente del prestigioso teatro La MaMa en Nueva York, llamada Actors Without Brothers.
En el 2018 regresó a Argentina donde continuó con su carrera como actor, participando en la serie “El Marginal II”. Además trabajó como asistente de dirección de Helena Tritek, “Sonetos de Shakespeare” en el Museo Larreta, “Suite Chekhov” en El Patio de Actores y “Raza Extraordinaria” en Centro Cultural 25 de Mayo.
En 2022 inicia su carrera solista, perfeccionando sus originales letras, y su estilo único y original para lanzarse en la industria de la música de lleno.