Mes: junio 2024
Aukan lanzó “Amigos imaginarios”, un nuevo anticipo de su próximo disco; el tema ya está disponible en todas las plataformas digitales y su video se puede ver en su canal de YouTube. En un evento realizado en Local Support, el rapero también anunció su próxima fecha: el domingo 28 de julio se presentará en La Tangente. Las entradas ya se pueden conseguir a través de www.latangente.com.ar .
“Amigos Imaginarios» es una canción que propone dos narrativas dentro de una misma ejecución. Distintos estados de ánimo, colores musicales y matices conforman una composición cambiante e impredecible. Es una catarsis que no busca consuelo, solo exterioriza conflictos internos que necesitan ser exorcizados”, cuenta Aukan. El video, dirigido por Armin Marchesini, fue filmado en Capital Federal y en Bariloche.
De esta manera, Aukan sigue posicionándose como uno de los nuevos referentes del hip-hop emergente de nuestro país, con un estilo experimental, que mezcla el rap con el rock, el funk y otros géneros.
SOBRE AUKAN
Aukan es un rapero y compositor argentino, del barrio porteño de Colegiales. Desde muy temprano tuvo contacto con la música y el rap llegó a sus oídos cuando tenía sólo 5 años. Sus referentes en la música son Tupac Shakur, Andre Benjamin, Snoop Dogg y Eminem entre otros.
Hizo su debut musical con el single «25 inviernos» en el 2020, al poco tiempo pudo lanzar su primer featuring junto a Nucleo aka Tinta Sucia, referente y pionero del Rap Argentino. En junio de 2022 lanzó su primer disco, RCP: un álbum de Rap y Trap conceptual, una propuesta que incluye sonidos de otros géneros musicales y busca lograr una fusión para generar una personalidad original y propia.
En 2023, además de editar dos singles, “Volá libre” y “Mente astuta”, Aukan realizó una sesión en vivo con cuatro canciones que expresan su poderosa identidad musical, donde transita diferentes ritmos y propuestas. La sesión completa se puede ver en su canal de YouTube.
BB ASUL continúa con un año muy explosivo. Luego que Pura, su disco debut, recibiera dos nominaciones para los Premios Gardel, y de ser invitada a cantar en la ceremonia de entrega de los premios y de una presentación de su álbum ante un Niceto agotado, la cantante se une L-GANTE y a la artista mexicana EMJAY para presentar el single “I’M A SLUT”. Esta canción nació en un camp de composición en Argentina, en donde participaron los 3 artistas.
Sobre la canción, BB ASUL comentó «Im a slut» es el primer cruce internacional que mezcla Pop, Trap y Rkt. Tiene referencias como Kim Petras y Charli XCX. Y es la primera vez que un cantante de RKT colabora en una canción de este estilo,con un mood oscuro y sexy para bailar. Además, el encuentro entre los tres en Buenos Aires fue muy lindo, nos divertimos mucho en el estudio y en la grabación del video”.
Emjay es una cantante mexicana emergente que lleva varios años creciendo en la escena del trap de su país, en donde ha tenido varias colaboraciones con exponentes del género como Gera MX, y más recientemente Joaquín Medina. L-Gante, sigue reinventándose dentro del género urbano. Un gran ejemplo de esto es su participación en esta canción, con un estilo muy distinto al RKT que tanto lo caracteriza.
Sobre BB ASUL
Es una joven cantante y compositora que, desde su surgimiento, viene creciendo y sorprendiendo en la escena musical Argentina. Entre el 2020 y 2022 editó sus primeras canciones, que concluyeron en un primer EP que se llamó «UWU“. Está formado por 7 canciones que combinan sonidos del R&B y el Pop, con referencias sobre el anime. Contó con colaboraciones de artistas de su generación en hits como «Yandere» ft TAICHU, y «FOCUS» ft ODDMAMI. En este primer trabajo la artista logró gran aceptación de la prensa y el público, con millones de reproducciones en todas las plataformas digitales.
En su corta trayectoria se ha presentado en festivales como Festival LGBT+, Festival Billboard Argentina, Festival Marvin México, Festival FM Like, Ciudad Emergente Bue, Primavera Sound Buenos Aires y Lollapalooza Argentina. Además, fue apertura para varios grupos de K-pop como KARD y The Rose. En 2023 presentó su show más bailable en el escenario principal de La Marcha Del Orgullo.

También participó de dos proyectos a cargo del Director Alejandro Terán, en los que un ensamble Sinfónico se encontró con artistas de la escena urbana e indie de Buenos Aires. El primero fue “La Trampa”, en el que BB ASUL interpretó su canción 1312, y que incluyó a enormes artistas referentes de su generación como Ca7riel y Paco Amoroso, Zoe Gottuso , Chita, Taichu y Benito Cerati. El segundo proyecto fue «Tesoro», en el que participó presentando «Mar», una canción de su nuevo disco, y «Blue Bird», un opening de Naruto. También se presentaron Lara 91k, Neo Pistea, Alejo y Valentín, Nina Suárez, Juana Aguirre, Marki, Blair y Odd Mami.
En 2023 editó su álbum PURA, el cual ella define como «música triste para chicas lindas».
Blas Mora es una banda argentina de rock crudo, potente y simple que surge en el 2014. Con Blas Mora en voz y guitarra, Oscar Manassero en batería y Charlie Giardina en bajo forman una banda de rock clásico, basada en las raíces del rock and roll e influenciado por bandas como Riff, AC/DC, Thin Lizzy.
Tras una intensa carrera en el mundo del canto lírico en Buenos Aires, Croacia ,Italia y Suiza, Blas Mora presenta también en sus shows en vivo versiones de O´Sole Mio, Funinculi Funincula, Nessun Dorma y otros clásicos de la ópera italiana, reversionados al rock and roll, también cantó el himno nacional argentino en partidos de rugby Los Pumas vs All Blacks. Durante el 2020 comienzan grabar canciones de su primer CD TRABAJO SUCIO con la producción musical de Ricardo Tapia de La Misissippi.
Como parte de su exitosa trayectoria, se preparan también para presentar cinco nuevos temas que llegarán junto a un video promocional que dejara sin aliento.

Ya está disponible en todas las plataformas: “PRIMER PASO”, Ep adelanto del tercer trabajo discográfico de María Florencia Silva y Animales de Poder, trío integrado por María Florencia Silva en voz y guitarras, Zico Legal en bajo y Ramiro Scavuzzo en batería. Este Ep tiene cuatro canciones que invitan al oyente a la transformación y búsqueda personal, ese gran viaje que es la vida, el PRIMER PASO que da origen a todo.
Grabado y mezclado por el destacado ingeniero Mario Breuer (Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, Fito Paez, Fabulosos Cadillacs, etc) y masterizado por el ingeniero Andrés Mayo, contó con la producción artística de la guitarrista cordobesa Marian Pellegrino (Los Caligaris, Fabiana Cantilo, Lucila Cueva).
Después de un 2023 de muchos shows, incluida una gira por los principales puntos de CABA, tocando en vivo ARRIBA DE UN CAMIÓN, interactuando con los transeúntes, incluyendo una parada en la ventana de Radio Pop durante el programa de Elizabeth Vernaci, quien salió a saludar, destacando el hecho de que una mujer estuviera haciendo rock arriba de un camión. Este nuevo EP llega luego de un trabajo personal de María Florencia Silva hacia un cambio en la performance en vivo como cantante y guitarrista.
El lanzamiento está acompañado del video de la canción “PARE DE SUFRIR” que describe muy bien la idiosincrasia argentina. “Pare de sufrir” es una alegoría al cambio. Todos tenemos una segunda oportunidad y esta particular “brujita” invade la mente de nuestros personajes, invitándolos a dar un paso hacia la reflexión.
¡SHOW PRESENTACIÓN!
MARÍA FLORENCIA SILVA Y ANIMALES DE PODER
VIERNES 2 DE AGOSTO/ 20 HS!
EN: NICETO HUMBOLDT – HUMBOLDT 1358 – PALERMO
PIBA arrancó el 2024 con una gira por Córdoba y un show junto a La Bomba de Tiempo en Konex, donde fueron invitadas. Además, se encuentran preparando su tercer álbum que saldrá el año que viene. En julio tienen una serie de shows que compartirán con bandas como Las Tussi, Ayermaniana, Ale Cares y Los Magos Farciar, entre otras.
Piba es una banda argentina alternativa formada en Buenos Aires en el 2017. En sus temas conviven y se mezclan el garage, surf, punk y space rock. Sus integrantes son Macarena Merlo (composición, guitarra y voz), Margarita Ruben (guitarra y coros), Estefanía Rey Quintana (bajo y coros) y Martina Boixader (batería). Su estilo e influencias musicales están basados en bandas como Nirvana, The Vines, Pixies, The Breeders y Sonic Youth entre otras.
Luego de unos años de haber sacado su primer EP con la producción de Barbi Recanati a través de Goza Records, y de haber participado en eventos importantes como el Primavera Sound, el Festival Ciudad Emergente y el PehuaRock, en el 2023 arrancaron el año con un lanzamiento donde se solidifica el audio y la esencia de la banda.
PIBA SHOWS
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PIBA EN FESTIVAL FIERA // VIERNES 5 DE JULIO/ 19 HS
EN: AV. JUAN B. JUSTO 2959 – CABA
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PIBA // SÁBADO 13 DE JULIO/ 23 HS
EN: FINISTERRE – VOLTA 363 – SAN ANTONIO DE PADUA
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PIBA EN FESTIVAL PLASMA // SÁBADO 10 DE AGOSTO/ 21 HS
EN: EL EMERGENTE – FRANCISCO ACUÑA DE FIGUEROA 1030 – ALMAGRO
Por Daniel Accornero
El power trío mexicano SMASH-O, integrado por Chris Dylan (Voz y guitarra), Johny Richard (Batería) e Isaac Harris (Bajo) está de gira por Argentina. Antes de su show en Strummer dialogaron con Pogo de Rock.
«El público en Argentina es maravilloso, lleno de energía y entrega durante los shows. En la última presentación en Vorterix, se notó la buena aceptación de la gente hacia el heavy metal y el punk, géneros que tienen muchos adeptos en el país. La preparación para estos shows siempre busca dar lo mejor, ofreciendo una experiencia divertida tanto para la banda como para el público. El objetivo es que todos se diviertan y disfruten del espectáculo», dispara Chris Dylan, cantante y guitarrista de SMASH-O, la banda mexicana que tocará este sábado en Strummer.

Sí, obviamente nosotros tenemos como que esta vibra de siempre dar lo mejor, siempre hacerlo mejor. Porque obviamente es lo que el público merece y básicamente nos divertimos para que todas las personas se diviertan con nosotros. Ese es el objetivo de ir a un show de rock, o a donde vayas, es ir a divertirte. Entonces ese es el objetivo de todo.
Con respecto al sábado en Strummer, ¿qué es lo que van a tocar? ¿Qué tienen previsto en el setlist?
Vamos a estar dando nuestro full set. Es la única ocasión que tendremos el full set aquí en Buenos Aires. Ya hay algunas personas que han estado mandándonos la compra de su boleto. Igual es importante mencionar que al comprar su boleto, nosotros les vamos a regalar una remera, como ustedes le dicen, a las playeras que… Las playeras, sí. Y pues nada, la verdad es que estamos muy felices de que esto se pueda realizar de esta manera y comentarles que, pues bueno, esto será el próximo 29 de junio, y será la única fecha con el full set. Al igual que va a estar Club Infierno y Momias, que son unas bandas amigas que estaremos compartiendo escenario el sábado en Strummer. Y vamos a estar tocando nuestro sencillo que acabamos de estrenar, que se titula Solo, que está en plataformas digitales también en Spotify.
¿Cómo es el proceso compositivo de ustedes? ¿Ha cambiado en el tiempo? ¿Se lo dividen? ¿Traen una maqueta y empiezan a partir de ahí? ¿O alguno trae ya algo ya masticado?
Chris Dylan: Bueno, el proceso compositivo de nuestra música empieza conmigo, yo soy quien hace como la letra, la estructura de la canción como tal, ya llego con ellos, les enseño la maqueta, entonces empezamos a hacer un jam sobre la maqueta, sacamos la canción y cada quien le va metiendo su estilo, su esencia a la canción. Hacemos todo ese proceso de producción y también cabe mencionar que a raíz de la primera pandemia en el 2020 empezamos a hacer nuestras propias producciones, a autoproducirnos. No solo la composición, sino hacer preproducción, producción y una postproducción adecuada y profesional.
¿Y cómo resultó ese proceso? ¿Mejor que el anterior?
Ha sido mucha prueba y error durante todos estos años. Empezar de cero, aprender cómo producir bien una canción, y hemos ido haciendo prueba y error, prueba y error, y hemos llegado a un punto en el que podemos entregar unas canciones, un producto de bastante buena calidad.
Vamos a las letras, ¿son autoreferenciales? ¿Son de historias, ficticias o no? ¿O fluctúan, cambian?
Pues es de todo, ¿no? Es básicamente de todo, ¿no? Pueden ser experiencias personales, experiencias basadas en personas cercanas, historias. Tomamos mucha inspiración de otros elementos como, por ejemplo, las películas de terror, películas de ciencia ficción. Contamos con una canción que se llama Monstruo, que es básicamente una canción que habla sobre Godzilla. Por ejemplo, contamos con una canción que se llama Dulce o Truco, que habla sobre un grupo de zombis, que la única manera en la que ellos quieren sentirse vivos y la única manera que encuentran es comiéndose el cerebro de la gente. Y luego hay canciones más personales que hablan de experiencias ya más de uno, como por ejemplo la canción más popular que tenemos que se llama Dame un momento, que es como la que más gusta, ¿no? Se titula Dame un momento, que ya es un tema más personal. Entonces ahí tenemos de todo, básicamente.
Y las influencias, me imagino como en todo, ¿no? Como en toda profesión, como en todo gusto musical, ¿fue cambiando con el tiempo? ¿Empezaron queriendo parecerse a alguno, o con la influencia de alguno en particular, y fueron retroalimentándose de otros? ¿Cómo fue desde que empezaron hasta ahora?
Chris Dylan: Desde que comenzamos el proyecto, digo, tenemos bastante… Al final somos hermanos y, pues bueno, comenzamos la banda hace mucho tiempo, nos llamamos primero Ironhead, después nos llamábamos Smash y ahorita somos Smash- O. Éramos una banda de metal. Fuimos una banda de metal y hemos tenido un camino, pues bueno, un recorrido normal como cualquier otra banda, pero, pues bueno, cuando llegó la pandemia, cortamos justamente el movimiento, y hace 11 meses comenzamos a reactivar otra vez los conciertos. En resumir las cuentas de la historia de la banda, nosotros somos hermanos desde muy niños, literalmente desde niños, empezamos a hacer esto de tocar, pero para nosotros en ese entonces era un juego. Nosotros en lugar de irnos a jugar el fútbol o así, nos poníamos a tocar. En ese momento de nuestra vida nunca fue como «ah, sí, vamos a hacer esto ya de una manera como trabajo,» ¿no? Era nuestro juego cuando éramos niños, y pues, debido a nuestra familia, tenemos como influencias del heavy metal y del rock, ¿no? Por ejemplo, metal como Iron Maiden, Just Freeze, Black Sabbath, un metal muy clásico, ¿no? Y del rock, pues ya un rock más clásico, como Queen, los Beatles, Creedence, un rock más clásico, más 70, 60. Hasta que llegó el punk, ¿no? Y de pronto, cuando éramos adolescentes, descubrimos el punk rock. Entonces, la verdad es que nos enamoramos del género y básicamente nos llamamos Smash porque viene de las onomatopeyas de las historietas de los cómics, cuando ocurre un golpe. Entonces tenemos estas influencias de todos lados y si ocurre un golpe de cosas.
Isaac Harris: De ahí viene el nombre y la influencia es básicamente, es como un pastel donde el pan, el bizcocho es el pan rock, y todo lo demás que está alrededor, la cultura, los hip hop, todo es este… Viene del heavy metal, del grunge, del hard rock, del rock clásico, de todos lados. Inclusive no tenemos miedo en experimentar con sonidos nuevos dentro de nuestra base de pan rock, metiendo sintetizadores, metiendo a lo mejor baterías programadas en ciertas canciones que las que estamos haciendo que van a ser nuevas y vamos a estar lanzándolas en los próximos meses. Exacto. Claro, de eso se trata, por eso es evolución también, ¿no? Tener a mano un montón de alternativas, el fin es que el producto cada vez sea mejor. Yo lo planteo por el hecho de que ahora hay de moda, entre comillas, otro tipo de música, a mí me gusta obviamente, pero está claro que muchas veces esto también va allá de, como dicen ustedes, de que uno comienza por gusto y todo, después hay un tema que para mantenerse, muchas veces, no se claudica, pero necesitas bandearte para algún lado que sea monetariamente cierre.
¿Cómo ven el movimiento de una música que no es masiva, de consumo actual? ¿Cómo se manejan con eso?
Pues mira, nosotros como lo vemos es que de toda la música uno puede aprender algo, ¿no? Ahora, cuando tú analizas las estrategias de venta de estos artistas de reggaeton, de trap. Hay ciertas cosas que claro que puedes tomar para vender, por ejemplo, una banda de rock, ¿no? En este caso. Una de ellas es que ellos ya no lanzan álbumes completos, lanzan sencillos. Bombardean de contenido todo el tiempo en redes. ¡Pum! ¡Una tras otra, una tras otra! Entonces, yo creo que en todos los artistas de estos géneros se pueden tomar ciertos elementos, adaptarlos a nosotros y utilizar sus mismas estrategias para vender esto. Toda esta creación de contenido en redes, estar sacando sencillos en lugar de discos, que hoy en día ya es más rentable estar haciendo eso que grabar un álbum completo. Y eso es básicamente como lo vemos, ¿no? De todos los géneros y de todos los artistas puedes tomar algo. Siempre tienen algo que puedes retomar. Exacto. En todos lados hay algo donde puedes apretar.
¿Eso les cambió también la dinámica de la creación de canciones?
Sí, pues obviamente en ese entonces, en cuanto a la historia de la industria, en los 40, 50, se sacaban los sencillos, igual en los 80. Y obviamente todo eso, en ese entonces, como tú lo mencionaste, era porque en un vinilo no cabían todas las canciones. Entonces las sacaban una por una. Entonces adelantamos un poquito el tiempo y ya después obviamente existe el cassette, existe los CDs y ya cabían las canciones y se trataba de vender discos en ese entonces, ¿no? Claro. Adelantamos el tiempo un poquito más, ya no es rentable vender CDs, no es rentable vender discos, ahora ¿qué está pasando? Que los artistas están vendiendo… Views. Reproducciones y conciertos. Exactamente donde se puede hacer redituable el negocio es haciendo shows. Digo, si lo vemos como esta parte, como insistir que sea de manera redituable. Ha cambiado la industria, ha cambiado el negocio. Y el artista en general nunca ganó tanta plata con la venta de cintos para discográficas, lamentablemente. Y en general ganaba con los shows, y bueno, ahora más que nunca creo que el hecho de salir a tocar.
¿Cómo viene el tema de giras?
Bien, pues bueno, ahorita tenemos justamente contemplado esta gira en Argentina. Vamos a comenzar este 26 de junio aquí en Buenos Aires, en el Roxy. Tenemos el viernes 28 de junio en Casa Rincón, que vamos a estar con una banda que se llama Mi Terror, Tan de Golpe y Resiliencia. Todas estas bandas son amigas nuestras que igual vamos a estar compartiendo. Y bueno, para cerrar con broche de oro el 29 de junio, vamos a estar con Momias y Club Infierno en Strummer. Es nuestra única fecha, la fecha más importante, full band, de esta gira. Terminamos esta gira, regresamos a México a grabar un disco, un sencillo prácticamente, que vamos a estar sacando.
¿Cómo manejan la interacción con las redes sociales?
Yo creo que es importante generar una conexión con los fans. Obviamente la más importante siempre va a ser en los shows. O sea, que es en donde existe ese enamoramiento… ¿Dónde se consagra? Donde se consagra la conexión, donde existe un poco de… Cuando te enamoras del artista, dices, ¡ay, me encantó su música, me encantó su vibra! Y después viene la otra parte, en redes sociales es donde realmente uno como artista demuestra que sí te importan las personas que te siguen. Porque ellas al final del día también son personas igual que uno. O sea, realmente generar un vínculo con ellos y que realmente demostrar que ellos nos importan, de la misma manera que a ellos les importamos nosotros. Entonces, es como que es la forma en la que lo vemos y como lo manejamos todo esto. Tratando de contestar todos los mensajes que nos mandan, todos los comentarios, y estar generando contenido diferente. No solo hablamos de estarles generando canciones nuevas para que sigan escuchando música, sino también esa pista dentro del artista. Realmente mostrarnos como realmente somos auténticos y obviamente está esa parte de que también somos personas.
Nosotros hacemos siempre una pregunta, si Smash tuviese una acepción en el diccionario, ¿cuál sería esa… ¿Qué sería?
A ver. Smash O es una banda que se dedica, con su música y sus shows, a explotar la cabeza de la gente.
Smash O es poder y autenticidad. Es una banda con momentos inesperados, que busca siempre sorprender y conectar con su audiencia de manera genuina.
El tema de ser power trio, ¿lo condiciona en algo o los potencia?
Obviamente en el principio cuando éramos una banda de heavy metal, sí existía esa limitante de no llenar el sonido porque éramos tres, ¿no? Ese sí fue como un factor importante en la hora de decir, es que sí vamos a hacer punk rock. Nos enamoró la música y el hecho de ver que había otras formas de hacer música. Pero no es porque echarnos flores, no es eso. ¡Crudo, directo! Pero la verdad es que tenemos tanta pinche energía cuando nos la echan a tocar, que no encontramos como la necesidad de… O tener la necesidad de un guitarrista más o así. Simplemente es mucha la energía que le damos a la gente.
El rock nunca muere. Vitico y Los Leones lo demostraron con creces en su presentación en The Roxy. Hace poco más de un año, a través de Ale Soto, Víctor se unió con los hermanos Pistarelli para formar una nueva alineación que reivindica la contundencia del auténtico rock and roll. Este grupo, que hizo su primera aparición en junio de 2023, ha estado tocando incansablemente por el gran Buenos Aires y otras provincias, consolidándose como un pilar del rock nacional.
La noche en The Roxy comenzó, pasadas las 21:30, con un ambiente cargado de expectativa. El público llenó el lugar, ansioso por disfrutar de puro rock. Desde el primer acorde de “Rayo Luminoso”, quedó claro que este sería un concierto de energía desbordante.









































Con “Macadam” y “Acción”, la banda mostró su habilidad para fusionar riffmelodías fuertes con letras profundas y significativas. “La Espada” y “Exterminador” mantuvieron la intensidad alta, llevando al público a un frenesí de emoción y adrenalina.
La banda, integrada por Víctor “Vitico” Bereciartua en el bajo y voz, Alejandro Soto en la batería, Demon Pistarelli en guitarra y voz, y Pollo Pistarelli también en guitarra y voz, mostró una cohesión impecable.
El set continuó con “Gran Río” y “Que Sea Rock”, canciones que resonaron profundamente en los corazones de los fanáticos. “Jenny” y “Cabaret” trajeron un aire de desenfreno y celebración, mientras que “Forastero” introdujo una melancolía que conmovió a todos.
La recta final del show incluyó “Ruedas de Metal” y “Mucho Por Hacer”, recordando al público que el camino del rock es largo y gratificante. “Fiesta Cerveza” puso a todos a bailar y cantar, celebrando la esencia festiva del rock. Con grandes versiones de “Sucio y Desprolijo” y “Susy Cadillac” cerraron la noche con broche de oro, dejando a todos en un estado de euforia.
Vitico, el bajista y fundador de Riff junto a Pappo, reafirmó su absoluta dedicación y lealtad al rock and roll. Pappo siempre estuvo presente en espíritu, inspirando a la banda y al público con su legado. Ochenta minutos de una celebración del rock en su forma más pura, una experiencia inolvidable para todos los presentes y un recordatorio de que el rock no estará de moda, pero sigue más vivo que nunca.
Beret está de regreso con un nuevo single que promete conquistar corazones y pistas de baile por igual. “Cupido”, su más reciente creación, es una irresistible canción que mezcla ritmos bailables y letras profundas, un auténtico temazo diseñado para convertirse en el soundtrack de este verano español.
Y es que “Cupido” ha demostrado todo su potencial de ser un hit antes de su lanzamiento, ya que, el pre-release en TikTok cuenta con más de 8500 creaciones y millones de visualizaciones antes de su lanzamiento oficial.
Beret, conocido por su habilidad para fusionar emotividad y melodía, continúa evolucionando y sorprendiendo a su audiencia con este lanzamiento. La canción se destaca por su carácter alegre y festivo, una variación refrescante de sus trabajos anteriores, sin perder la esencia inconfundible que ha hecho de Beret un nombre propio en la escena musical.
Las letras de “Cupido” abordan con maestría la temática del desamor, una constante en la obra de Beret, pero esta vez con un enfoque renovado que combina profundidad emocional con un ritmo contagioso. Esta fusión promete resonar no solo con sus seguidores más fieles, sino también atraer a una nueva ola de oyentes que se identificarán con su mensaje y se dejarán llevar por sus melodías.
“Cupido” no solo reafirma el talento de Beret como compositor y cantante, sino que también muestra su versatilidad y capacidad para reinventarse sin perder su autenticidad. Este single es una prueba más de su destreza para contar historias íntimas y emotivas, ahora con un toque que garantiza poner a todos a bailar.
El próximo sábado 3 de agosto, a las 21 en el Teatro Ópera, se realizará el concierto Ennio Morricone Homenaje Sinfónico: “La Música de las Películas”. En esta ocasión especial, la Orquesta Sinfónica Aeropuertos Argentina y el Coro Rendezvous se unirán bajo la dirección del maestro Néstor Tedesco para ofrecer una experiencia sonora inolvidable.
Por casi dos horas se celebrará la vida, obra y el bello legado musical del gran maestro italiano, recorriendo los mejores momentos de su extensa carrera como compositor, arreglador y director de las más destacadas bandas sonoras producidas para la industria del cine.
La magia musical de Ennio Morricone nos hizo sentir y escuchar como tres bandoleros del viejo oeste se traicionaban entre sí por unas bolsas de dinero enterradas en un cementerio, nos colmó el alma de intriga mientras Elliot Ness planeaban arrestar a Al Capone en los años 30 o como dos curas de la conquista española arriesgaban sus vidas para llevar el evangelio de Jesús a las entrañas de Sudamérica. Todo esto y mucho más se transformaron en escenas icónicas de grandes películas que contaron con el toque mágico e incomparable del inolvidable compositor y director italiano.
Este sentido y merecido homenaje sinfónico contará con una espectacular puesta de producción con más de 70 artistas en escena de la Orquesta Sinfónica Aeropuertos Argentina que incluye músicos, cantantes y el Coro Rendezvous , todo bajo la dirección de Néstor Tedesco. Habrá una gigante pantalla digital en la cual serán proyectadas las grandes películas en las que el maestro aportó su talento, sincronizadas en vivo con la orquesta, los cantantes y el coro.
Ennio Morricone nació el 10 de noviembre de 1928 en Roma, Italia y falleció el 6 de julio de 2020. Fue un genial compositor y director de orquesta, autor de más de quinientas bandas sonoras de películas y series televisivas. Recibió un Oscar honorífico en 2006 y ganó el Oscar a la mejor banda de sonido en 2016 por The Hateful Eight.
Algunas de sus composiciones se incluyen en más de veinte películas galardonadas, además de realizar también piezas sinfónicas y corales. Sus trabajos más destacados en películas del llamado «spaghetti western» llegaron de la mano de su amigo Sergio Leone a través de filmes clásicos como Por un puñado de dólares (1964), Por unos dólares más (1965), El bueno, el feo y el malo (1966) o Erase una vez en el oeste (1968).
Sin embargo, su obra se extendió a múltiples géneros de composición y lo convirtió en uno de los compositores más versátiles de la historia del cine y también de los más influyentes del siglo XX.
Su trabajo para Días de Gloria de 1978, La Misión de 1986 o Cinema Paradiso de 1988 son catalogadas como auténticas obras maestras. Y hay más, en películas icónicas como Los Intocables de Eliot Ness (1987), Bugsy (1991), Malena (2000) y tantas otras.
Los Intocables, El bueno, el feo y el malo, El profesional, Cinema Paradiso, El clan siciliano, La Misión, Erase una vez en el oeste, Erase un tiempo en América, entre otros y más títulos cinematográficos dirán presente en este esperado homenaje sinfónico.
La cita es para el próximo sábado 3 de agosto a las 21 en el Teatro Opera, Av Corrientes 860, Capital Federal.