Desaparecida durante más de medio siglo entre cajas de mudanza en un ático de la Inglaterra rural, la emblemática Framus Hootenanny de doce cuerdas acústica de John Lennon, guitarra de la histórica ‘Help!’, sale a subasta para batir récords.
Alma de la mítica banda británica en la década de los sesenta, su época dorada, fue utilizada en los álbumes ‘Help!’ y ‘Rubber Soul’ (ambos en 1965) por las manos de George Harrison y John Lennon.
«Es una guitarra histórica», afirma Martin Nolan, experto y director ejecutivo de la casa de subastas Julien’s Auctions, encargada de encontrarle un nuevo dueño el próximo 29 de mayo en Nueva York.
Madonna convirtió la playa de Copacabana de Río de Janeiro en la mayor discoteca del mundo con un histórico concierto en la noche de este sábado al que acudió un público calculado en 1,5 millones de personas, que no paró de bailar en dos horas y media de espectáculo.
La reina del pop no les dio respiro a sus admiradores y fue encadenando uno tras uno los mayores éxitos en sus 40 años de carrera ante un público, principalmente mujeres y personas del colectivo LGTBI, que coreó y bailó todas las canciones.
La diva de 65 años no defraudó a los que esperaron hasta doce horas para verla y se acercó al público varias veces por las tres pasarelas que se desprendían del gigantesco escenario de 812 metros cuadrados montado en las arenas de la playa más conocida de Brasil.
No le negó saludos ni a las cientos de personas que asistieron al concierto desde decenas de embarcaciones fondeadas frente al escenario.
Y sus admiradores la ovacionaron a todo momento y la acompañaron varias veces con un concierto de sonoros abanicos -obligatorios ante la temperatura inusual de 30 grados Celsius en esta época-, en su mayoría decorados con los colores del arcoíris.
El público ya estaba animado a la hora en que su ídolo apareció en el escenario, a las 22:36 hora local (1:36 GMT del domingo), ya que el pinchadiscos estadounidense Diplo se encargó de calentar los motores con una selección que incluyó varios clásicos del funk, el género musical nacido en las favelas de Río de Janeiro.
La estadounidense, como en todas sus presentaciones, cambió varias veces de vestimenta durante el espectáculo y vistió incluso un traje con los colores amarillo y verde de la bandera brasileña, los mismos con los que pintó sus uñas.
Pero también se ganó el público al llevar a un conjunto de niños percusionistas de una escuela de samba para acompañarla en la interpretación de ‘La isla bonita’, canción en la que vistió la camiseta de la selección brasileña de fútbol y en la que se presentó junto a la popular cantante y drag queen Pabllo Vittar.
Nada mejor que Copacabana
Durante la presentación de exaltación a Brasil, en la que declaró su amor al país y dijo que no había un lugar mejor para su concierto que la playa de Copacabana, las pantallas exhibieron fotos de personalidades brasileñas como el educador Paulo Freire, la futbolista Marta, la concejala asesinada Marielle Franco y el líder indígena Raoni.
Poco antes había aparecido en el escenario al lado de la también popular Anitta, la única brasileña con la que ha grabado una canción, durante la interpretación de ‘Vogue’.
Tampoco faltaron aplausos a los numerosos homenajes que rindió, principalmente en las gigantescas pantallas de televisión, a ídolos como Prince y Michael Jackson, a personalidades brasileñas que murieron de sida, como el cantante Cazuza, y a famosos líderes negros.
Con el concierto de este sábado, Madonna puso fin a la gira de conmemoración de sus 40 años de carrera, ‘Celebration Tour’, en la que hace un repaso de toda su carrera con sus mayores éxitos, como ‘Like a Virgin’, ‘Vogue’, ‘Holiday’, ‘Like a prayer’ y ‘La isla bonita’.
El concierto fue histórico para Madonna, que nunca tocó para un público tan numeroso, pero también para Río de Janeiro, que registró una movilización de cerca de 60 millones de dólares con un único evento musical y cientos de miles de visitantes.
Pese a que las autoridades aún no habían divulgado el público al final del concierto, lo más probable es que la estadounidense haya superado la marca que lograron los británicos Rolling Stones en febrero de 2006, cuando atrajeron a 1,5 millones de personas también a la playa de Copacabana.
La misma playa ha sido escenario de otros dos conciertos aún más multitudinarios, el de Rod Stewart en 1994 con 3,5 millones de personas y el del brasileño Jorge Ben en 1993 con 3 millones, que figuran en el libro Guinness de Récords.
La masiva movilización provocada por Madonna obligó a las autoridades de Río a montar una infraestructura similar a la usada en las fiestas de Reveillon, cuando hasta cinco millones de personas despiden el año en Copacabana.
”¿La están pasando bien?, ¿vamos bien?, ¿estamos bien?, hace un mes que estoy nervioso con este show”. Las palabras (confesiones) brotaban de un David Lebón visiblemente emocionado. No era para menos. Un Movistar a pleno fue testigo de un artista, que a los 71 años, mostró que todavía tiene mucho para dar. “Gracias por venir. Con Serú llenamos River, pero acá estoy solito. Algo me quieren”, lanzó el Ruso a un público que festejó cada alocución.
En una noche que trascenderá el tiempo, transformó el imponente recinto de Villa Crespo en un santuario de emociones, donde cada nota, cada acorde, fue un puente hacia lo más profundo del corazón de su audiencia. La proximidad entre el artista y su público fue la piedra angular de este espectáculo magistral, tejiendo un vínculo que convirtió cada asiento en un lugar íntimo y especial.
A las 21:15 el telón se levantó con la fuerza arrolladora de “No seas dura”, una declaración de principios incluida en su último álbum, HERENCIA LEBÓN 3. Desde el primer momento, se respiraba la energía inconfundible del rock en el aire, una energía que Lebón lleva en las venas. Temas como “Cuánto tiempo más llevará” y “En la vereda del sol” resonaron con una intensidad visceral, sacudiendo a los presentes.
FOTOS DE MARTÍN BONETTO
El viaje musical abarcó diversas etapas de su carrera, cada canción una joya que brillaba con luz propia. El blues encontró su voz en temas como “Esperando nacer” y “Copado por el diablo”, donde la guitarra de Lebón habló con el alma. La colaboración especial del virtuoso guitarrista Alambre González en “Copado por el diablo” y la emotiva interpretación de “Mundo agradable” dejaron una huella imborrable. ¡Cómo toca Alambre!, resaltó Lebón.
“Me pasaron algunas cosas y ustedes me salvan”, indicó el Ruso, para luego invitar al escenario a la impresionante Luz Gaggi, quien se lució en “Frecuencia Modulada” y “Encuentro con el diablo”.
La versión de “Pubis angelical” mostró a Lebón en la batería y el joven prodigio Carmelo Addario (de 9 años) al piano y su padre Palmo Addario en la guitarra.
Después se atrevió con “Blackbird” de The Beatles, donde demostró toda versatilidad y amor al cuarteto de Liverpool.
En la versión de No soy un extraño se sumaron Nico Sorín y Hernán Jacinto, ambos en teclados y Gabriel Pedernera, en batería electrónica. David se equivocó en una parte y muy compungido pidió perdón. “¡Me perdonan, me equivoqué, qué vergüenza, toco desde los 14 años y me pasa esto!”. Y agregó, entre risas: “Esto seguro lo va a ver Charly”.
La interpretación magistral de “Layla” de Eric Clapton, con la participación del excepcional Luis Salinas en la guitarra y Cristian Judurcha en la batería, fue un momento sublime lleno de magia y emoción. “Siempre quise tocar como Eric Clapton, pero nunca pude hacerlo como él”, comentó Lebón y el público estalló en risas.
El show no dio respiro. Y apareció en escena Baltasar Comotto (guitarrista de Los Fundamentalistas, la banda de Indio Solari) con todo su virtuosismo en “Despiértate nena” y “Noche de perros”. Sus solos elevaron la experiencia a un nivel superior.”
“Fue pura felicidad mi paso por esta vida. Amémonos”, expresó el Ruso. “¡Olé olé olé, David, David!”, replicó el público que llenó el Movistar.
Pero no faltaron los clásicos que hicieron vibrar a todos: Desde “No llores por mí Argentina”, siguiendo por “Seminare”, pasando por “Puedo sentirlo” y la versión impecable de “Desarma y sangra”, acompañada por violín (el notable Alex Musatov), contrabajo y piano.
El cierre del show con el eterno “Nos veremos otra vez” fue el broche de oro de una noche inolvidable, un momento en el que el tiempo pareció detenerse y la música se convirtió en eternidad.
Después de más de dos horas y media de show, llegó la presentación de su banda, que estuvo integrada por Leandro Bulacio (dirección musical, piano y coros), Daniel Colombres (batería), Roberto Seitz (bajo y coros), Gustavo Lozano (guitarra y piano) y Daniel Ferrón (guitarra y coros).
“Gracias por venir”, exclamó Lebón al público. Luego hizo subir a su mujer, Pato, para que también recibiera su merecida ovación.
David Lebón demostró porque es un ícono del rock. Su habilidad para conectar con cada persona, es verdaderamente especial. Su legado musical es una herencia invaluable que seguirá por muchas generaciones.
“Amémonos. El amor es todo”, indicó.
Así será, David.
LISTA DE TEMAS
1- NO SEAS DURA 2- CUANTO TIEMPO MAS LLEVARA 3- EN LA VEREDA DEL SOL 4- BONZO 5- ESE TREN 6- NUEVAS MAÑANAS 7- LATIN RUMBA 8- ESPERANDO NACER 9 - 32 MACETAS / NO CONFÍES 10- COPADO POR EL DIABLO INVITADO ALAMBRE GONZÁLEZ 11- MUNDO AGRADABLE INVITADO ALAMBRE GONZÁLEZ 12- FRECUENCIA MODULADA INVITADA LUZ GAGGI 13- ENCUENTRO CON EL DIABLO INVITADA LUZ GAGGI 14- SAN FRANCISCO Y EL LOBO / BLACK BIRD 15- EL TIEMPO ES VELOZ 16- SIN DECIR ADIÓS 17- PUBIS ANGELICAL DAVID LEBÓN EN BATERÍA, BULACIO EN TECLADO 18- NO SOY UN EXTRAÑO INVITADOS NICO SORIN/ HERNÁN JACINTO/GABRIEL PEDERNERA 19- DESARMA Y SANGRA 20- LAYLA INVITADO LUIS SALINAS 21- PUEDO SENTIRLO 22-DESPIÉRTATE NENA INVITADO BALTASAR COMOTTO 23- NOCHE DE PERROS INVITADO BALTASAR COMOTTO 24- NO LLORES POR MI ARGENTINA 25- SUELTATE 26- SEMINARE 27- NOS VEREMOS OTRA VEZ
Javier Martínez, baterista y cantante deManal y pionero del rock en Argentina, murió hoy a los 78 años. Autor de clásicos del cancionero popular como “Jugo de tomate” y “No pibe” estaba internado en un centro de alta complejidad del barrio porteño de Almagro.
Martínez integró a comienzos de los 70 el trío Manal junto con Alejandro Medina y Claudio Gabis. La banda está considerada una de las pioneras del rock en la Argentina a la par de Almendra y Los Gatos.
Nacido en Berazategui en 1946, Martínez fundó Manal en 1968. El trío apenas duró tres años, hasta 1971, pero su influencia fue decisiva. En 1970 lanzaron su álbum debut, llamado con el nombre de la banda, pero popularizado como La bomba. Martinez fue el autor de todos los temas del disco, que incluye clásicos como «Avellaneda Blues» y «Jugo de tomate». En 1971, antes de la separación, lanzaron el disco El león.
Una década más tarde, Gabis, Medina y Martínez se reencontraron para una serie de conciertos. De esa experiencia, en 1981, nació el disco Reunión. En el medio, tras la separación de 1971, Martínez se había instalado en Barcelona, donde formó el grupo Esqueixada Sniff. Tras su regreso a la Argentina y el reencuentro con Medina y Gabis, se dedicó a su carrera solista.
Radicado en Francia en los 80, protagonizó un auténtico tour de force al conseguir el récord mundial de tiempo ininterrumpido tocando la batería. Fue en Toulon, en 1985. Fue en un torneo benéfico y su marca fue de 41 horas y media, con un intervalo de cinco minutos para comer.
De vuelta en la Argentina, en 1987 formó Manal-Javi, que duró hasta 1990. Después armó un trío con ese nombre, al que siguió en 1993, la Javier Martínez Blues Band. Más cerca en el tiempo formó Manal Javier Martínez, con mucha influencia del jazz y volvió a tocar con Gabis y Medina. En 2010 fue designado ciudadano ilustre de Berazategui.
Los Premios Gardel 2024, uno de los eventos más destacados en la industria de la música argentina, ha anunciado a los nominados en sus 50 categorías. Desde Álbum del Año hasta Mejor videoclip largo, la lista está repleta de talentosos artistas y emocionantes colaboraciones. Aquí te presentamos a todos los nominados, desde el primero hasta el último:
Escalectric – Intérprete: Escalandrum / Productores: Escalandrum y Esteban Sehinkman
Hotel Miranda! – Intérprete: Miranda! / Productores: Evlay, Mauro De Tommaso, Alejandro Sergi, Big One, Brian Taylor, Didi Gutman, Jay De la Cueva, Gabriel Lucena, Renzo Luca y Cachorro López
Eadda9223 – Intérprete: Fito Paez / Productores: Fito Paez, Diego Olivero y Gustavo Borner
Nuevo artista
333 – Evlay
111 – Milo J
Altar – Luz Gaggi
El sonido del éxtasis – Winona Riders
El consorcio – Tomi Lago
Big One crossovers – Big One
Pura – BB Asul
Constimordor – Barro
Pulsión – Mar Marzo
Cómo estás? :$ – Un Verano
Clase b – Mujer Cebra
Perdont – Julián Baglietto
Del interior – Mariela Carabajal
Colección de catálogo
Grabaciones completas en Music Hall 1969-1972 – Banana
El hombre que canta al hombre (1964 – Remasterizado) – Ramón Ayala El Mensú
Muerte en la catedral 50 aniversario – Litto Nebbia
Álbum conceptual
111 – Milo J
Mojones “Signos y memorias de la patria” – Liliana Herrero, Teresa Parodi & Juan Falú
Mercedes florecida – Mercedes Sosa
Sur – Yami Safdie
Álbum canción de autor
3D – Santi Celli
Tríada – Sol Bassa
El rostro de los acantilados – Lisandro Aristimuño
La fuerza – Duratierra
Álbum instrumental – Fusión – World Music
Eiké! (Entrar en el alma) – Chango Spasiuk
Semillas de milonga (Libro 1 y 2) – Martín Liut
Ecléctica – Ecléctica
Álbum de jazz
Escalectric – Escalandrum
La falacia del espantapájaros, música de flores vol. 6 – Juan “Pollo” Raffo feat. Tomás Pagano & Rodrigo Genni
Los trabajos y las noches – Roxana Amed
Álbum de música clásica
Metamorphosen – Ernesto Acher & Ensamble Sur
Sergio Parotti / Obras para violín y piano vol. 1 – Elías Gurevich & Melina Marcos
Dos siglos de música/ Compositoras argentinas: Volumen 2 – Melina Marcos
Álbum infantil
Malos negocios – Raviolis
Upa – Pim Pau
Para saber que te quiero – Canticuénticos
Álbum banda de sonido de cine / Televisión / Producción audiovisual
El encargado 2 – Alejandro Kauderer & Ignacio Gabriel
Norma (Banda sonora original) – Tomi Lebrero
The last of us, season 1 – Gustavo Santaolalla
Álbum en vivo
XV Años – En vivo Estadio Obras – Eruca Sativa
Miguel Mateos sinfónico (En vivo) – Miguel Mateos
Homenaje a De Ushuaia a La Quiaca – Barbarita Palacios & Javier Casalla
Divididos en Vélez / Agradecer y seguir – Divididos
A principios de 1993, el legendario Johnny Cash se encontró entre contratos en su carrera de casi 40 años y grabando demos de propia composición como para sacar un álbum en los estudios LSI en Nashville de canciones que había ido escribiendo a lo largo de los años. LSI en aquel momento era propiedad de su yerno, Mike Daniels y de su hija Rosey, y quería ayudar a su familia económicamente, al mismo tiempo que grababa algunas canciones especiales para él. Poco después de aquella fructífera sesión, Johnny conoció al productor Rick Rubin y las grabaciones se quedaron aparcadas mientras se embarcaba en una de las uniones más importantes y prolíficas de la música, que revitalizó la carrera de del Hombre de Negro, que duraría el resto de su vida.
Casi treinta años más tarde, John Carter Cash, el hijo de Johnny y June Carter Cash, redescubrió las canciones y trabajó para dejar tan solo la potente y clara voz de Johnny y su guitarra acústica. Junto con el co-productor David “Fergie” Ferguson, los dos invitaron a un selecto grupo de músicos para tocar con Johnny: el guitarrista Marty Stuart, el bajista Dave Roe, el batería Pete Abbott y algunos más a la Cabaña Cash, un espacio estrecho en Hendersonville, Tennessee donde Johnny escribía, grababa y se relajaba, para insuflar nueva vida a estos temas, llevando el sonido de vuelta a las raíces y al corazón de las canciones.
Saliendo el 28 de junio a través de Mercury Nashville/Ume, el sencillo y acertado título, Songwriter (compositor) incluye canciones solo de Johnny Cash, uno de los compositores y narradores más importantes. Al centrarnos en las propias composiciones de Cash, la colección de 11 canciones muestra el abanico de sus composiciones, que siempre han representado la gran amplitud de la condición humana: hay canciones sobre el amor, la familia, la pena, la belleza, la salvación espiritual, la supervivencia, la redención y por supuesto, un poco de ese típico sentido del humor por el que Johnny era conocido, todo cantado con su grave, inconfundible e inimitable voz.
Songwriter estará disponible en streaming y descarga así como en CD y en una variedad de vinilos, que incluyen el estándar en negro y varias ediciones limitadas en una serie de colores.
Hoy ya está disponible un avance de Songwriter con la salida de su primer single “Well Alright”, una canción optimista y pegadiza sobre encontrar el amor en el sitio más improbable: en la lavandería. Con sus letras divertidas, ritmo imparable y tenso sonido de bajo, “Well Alright” es Johnny Cash en esencia, volviendo a sus éxitos de los 50 como “Get Rhythm”, “Five Feet High and Rising”, “Cry! Cry! Cry!” y “Big River”.
“El consejo de papa con cualquier cosa, tanto sobre la vida o sobre hacer música, siempre fue ‘sigue tu corazón’”, cuenta John Carter. Y es esto tan obvio lo que le llevó a guiarse en cada paso del camino cuando hizo Songwriter. Después de desnudar las grabaciones originales para dejar solo la voz y la guitarra de Johnny, llamó a Fergie, un amigo de toda la vida e ingeniero de Johhny de casi treinta años, y los dos se embarcaron en la creación de un álbum que honrara y amplificara la composición y la mítica voz de Johnny al tiempo que se mantuvieron fieles al espíritu de las grabaciones. Junto con John Carter, Fergie es una de las personas que conocían mejor lo que le gustaba a Johnny a la hora de grabar porque trabajaron juntos a principios de los años 80 cuando él era ingeniero de la casa de Cowboy Jack Clement donde a Johnny le gustaba normalmente grabar. Trabajó con él en muchos discos, incluidos los álbumes de Mercury y la tan aclamada serie American Recordings con Rick Rubin, incluso grabando sus últimas canciones hasta el final de su vida en 2003. “Siempre será mi héroe y me siento el hombre con más suerte del mundo por haber grabado con él”, dice Fergie.
Cuando llegó el momento de llamar a una banda, dos músicos eran esenciales: el guitarrista Marty Stuart, que tocó con Johnny en su banda The Tennesse Three desde el año 80 al 86, y el ya fallecido, genial bajista Dave Roe, que giró con la banda de Johnny, a comienzos de los años 90 y durante casi una década. Para Roe, la experiencia fue una oportunidad para volver a trabajar en ese material ya que él había trabajado en las sesiones originales del 93, pero a pesar de ser un increíble bajista eléctrico, el contrabajo era nuevo para él y le faltaba experiencia. De hecho, después de un concierto sobre esa misma fecha, Johnny le pagó unas lecciones a Roe y le dijo que le daba 6 meses para aprender a tocar. Roe terminaría convirtiéndose en uno de los mejores bajistas con la técnica “slap” del mundo y tocó en cientos de álbumes antes de su muerte en el 2003. Songwriter es probablemente una de sus últimas sesiones.
El batería, Pete Abbott, de Average White Band, entre muchas otras bandas y premios, llegó para completar el trío que grabó juntos y por separado en la Cabaña Cash, el santuario y espacio de estudio que construyó Johnny en su propiedad en 1979 y donde John Carter siguió grabando el disco. Otros nombres importantes de lo mejorcito de Nashville como Ana Cristina Cash (background vocals), Matt Combs (acoustic guitar, mandolin, strings), Mike Rojas (B3 organ, piano), Russ Pahl (acoustic & electric guitar, bass, dobro, steel) y Sam Bacco (congas, percussion) se alistaron para redondear al corazón de la banda para la mayoría del álbum, mientras que otros como el guitarrista Kerry Marx y el vocalista Harry Stinson hacen apariciones en algunas canciones seleccionadas. “Todos esos chicos son lo mejor, la creme de la creme”, dice Fergie.
Dan Auerbach de los Black Keys ofrece un solo blues de guitarra en la canción “Spotlight” y Vince Gill le presta su voz a “Poor Valley Girl”. El viejo amigo de Johnny, la leyenda rebelde del country, Waylon Jennings, canta en dos canciones en la sesión original, “I Love You Tonite” y “Like A Soldier”.
“Nadie toca a Cash mejor que Marty Stuart y Dave Roe por supuesto tocó con papá muchos años”, dice John Carter. “Los músicos que se unieron estaban sincronizados con papá, sabes, grabando con papá, justo como, en el caso de Marty y Dave, que lo habían hecho tantas veces antes, así que conocían sus energías, sus movimientos y le dejaron ser el guía. Era como estar tocando con Johnny de nuevo y así fue. Esa fue la energía con la surgió todo”.
Mientras que la interpretación de los músicos en las grabaciones originales de 1993 eran potentes, la calidad del sonido dejaba que desear ya que colocaba la música en una época muy concreta. Al grabar con una banda nueva, John y Fergie, junto con el ingeniero Trey Call, devolvieron a Johnny a la edad moderna y consiguieron una grabación de sonido increíble que suena como su Johnny lo hubiera grabado hoy.
“Fuimos a lo básico”, cuenta John Carter sobre la aproximación al proyecto. “Fuimos directamente a las raíces, en lo que toca al sonido, e intentamos no aumentarlo. Lo construimos como si papá hubiera estado en la habitación. Es lo que intentamos hacer. Entre los dos, Fergie y yo hemos pasado miles de horas con papá en el estudio de grabación, así que intentamos actuar como si estuviera allí: WWJCD (what would Johnny Cash Do), ¿no?”.
“Creo que este disco es la manera en que me hubiera gustado hacerlo si hubiera tenido que hacerme cargo de hacer un disco, antes de Rick Rubin o después de Jack Clement”, dice Fergie. “Conozco a John Carter desde que era un niño, así que es genial que finalmente haya podido trabajar con él. Me dio mucha libertad, especialmente en términos de onda y cosas. Estuvimos en la misma página siempre. Nunca hubo una conversación o plan de hacer un producto, era en plan, hagámoslo lo mejor que podamos”.
Charly Zurcher, el talentoso cantante y compositor argentino conocido por su habilidad para capturar emociones y experiencias con sus letras poéticas, está emocionado de anunciar el lanzamiento de su nuevo sencillo, “LATE”.
Con una formación musical sólida y una pasión innegable por la música, Zurcher ha estado en constante evolución desde que comenzó su carrera. Después de una serie de éxitos que han dejado una marca indeleble en la industria, Charly Zurcher regresa con “LATE”, una canción que promete cautivar a los oyentes con su emotiva letra y su distintivo estilo musical.
“LATE” es una poderosa balada que habla del dolor y la resignación que acompaña al final de una relación. Con una combinación única de pop consolidado y toques de rock, la canción transporta a los oyentes a un viaje emocional mientras Charly Zurcher comparte su profunda conexión con la música.
Charly Zurcher comenta: “Con ‘LATE’, busco tocar el corazón de las personas y transmitir la complejidad de las relaciones humanas. Es una canción que espero resuene con aquellos que han experimentado el dolor de un amor tardío”.
“LATE” estará disponible en todas las plataformas de streaming a partir del 30 de abril a las 21 horas. Además, vendrá acompañado de un videoclip visualmente impactante que ofrece una experiencia única para los espectadores. Inspirado en un estilo de ilustración distintivo, el videoclip de “LATE” complementa a la perfección la profundidad emocional de la canción. Con una estética cautivadora y una narrativa evocadora, el videoclip lleva a los espectadores en un viaje visual que intensifica la experiencia auditiva de la canción.
En tres horas de show, una puesta hipnótica, repleto de hits y una producción coreográfica de altísimo nivel internacional, la colombiana Karol G reafirmó ante sus fans argentinos porque es hoy una de las artistas más influyentes del mundo.
Vivir un show de Karol G es siempre una experiencia superadora, que explota todos los sentidos ansiando que no termine. Y es que la colombiana tiene un poder escénico único, que trasciende el género en el que tanto han querido encasillarla, para dar cuenta que la fortaleza de su talento interpretativo y compositivo es justamente la libertad con la que se mueve en la música.
Consagrada como una de las referentes latinas más importantes de la música urbana, Karol G viene transitando años cargados de reconocimientos y batiendo récords de convocatorias en cada uno de sus pasos artísticos. Siguiendo con este nivel de éxito rotundo, agotó en tiempo récord sus shows en el Estadio Vélez como parte de “Mañana Será Bonito Tour” por Latinoamérica.
Embanderada por completo, desde un especial look elegido con los colores argentinos, flameando nuestra bandera y vistiendo nuestra camiseta de la selección, Karol G demostró el afecto y lazo profundo que la une con nuestro país, emocionando en cada palabra dedicada con atención a sus fans, leyendo carteles y generando momentos únicos de complicidad.
Con un cuerpo de bailarines que potenciaba la inmensidad de su presencia en vivo, la interpretación de cada canción fue arrolladora. Así pasaron “TQG”, “Provenza”, “El makinon”, “Gato malo”, “Tusa”, “Bichota”, “Mañana será bonito”, entre las casi 30 canciones que abarcaron el repertorio, haciendo un recorrido por su enorme trayectoria.
Su paso por Vélez brindó una producción integral extraordinaria, con una puesta audiovisual impactante, tanto en su despliegue de pantallas como en el escenario con pasarela y estructuras aéreas que lograban que el público disfrutaran al extremo desde cualquier lugar del estadio. La narrativa y concepto del show de Karol G es capítulo aparte, por la impronta siempre tan especial que la estrella latina transmite en sus letras y melodías, en esta oportunidad complementando de manera perfecta con las visuales, voces en off y cambios de vestuarios, como en un especie de obra dividida en actos que marcaban el clima. Su potente voz y la potencia de sus movimientos en escena transmutan de lo erótico, sensual a lo romántico y angelical en las horas que dura el show.
La cantautora argentina Margarita Pla estrena nuevo single “Con vos en la cueva”, segundo adelanto de su próximo álbum. La canción “básicamente habla de una cueva como una metáfora de refugio, un lugar en el que te encuentres seguro. Me gusta la idea de que cualquier persona que escuche la letra, pueda apropiarse de esa ´cueva´, cuenta Margarita sobre el mensaje que quiere dar con su nueva canción.
Anteriormente, lanzó “Ahí donde huimos”, que también formará parte de su segundo álbum de estudio.
Cantautora Argentina, recibida en la carrera de Licenciatura en Música Cinematográfica en la UCA. Viene de una famila de artistas, lo que la impulsó a comenzar a tomas clases de piano a los 9 años y más adelante guitarra, hasta su carrera universitaria.
En 2017 comenzó a producir sus canciones junto a Juan Cordone, y fue en ese momento que lanzó su primera canción “Respirar de nuevo”, y no paró de componer hasta el día de hoy.
Publicó su primer álbum de 12 canciones en 2022 titulado -al igual que su primera canción- “Respirar de nuevo”. Menos de un año después lanzó su EP “Confesiones de otoño”, una colección de 4 canciones que exploran temas íntimos y nostálgicos.
Ha compartido escenarios con artistas como Angie Cadenas, y Silvina Moreno.
La gran artista mexicana Ana Gabriel vuelve al escenario del Movistar Arena el 9 de mayo con su nuevo tour “Un Deseo más” donde festejará su 50 Aniversario con la música, con la producción de Fenix Entertainment.
Luego de 2 años la gira que traerá a la “Luna de América” nuevamente a nuestro país, la llevará también a recorrer las ciudades de Córdoba, Asunción y Montevideo con su nuevo espectáculo que festeja los 50 años de trayectoria, repasando todos sus grandes éxitos.
Como una de las mayores exponentes de la música mexicana, Ana Gabriel ha lanzado más de 30 álbumes y ha logrado posicionar 20 de sus éxitos en el Top 10 de la lista Hot Latin Songs de Billboard, incluyendo seis impresionantes #1.
Nominada a múltiples premios por éxitos como “Quién como tú,” “Ay amor,” “Luna”, “Simplemente amigos,” y “Aquí estoy,” Ana Gabriel cuenta con una trayectoria musical de cinco décadas y es una de las artistas más taquilleras con más de 40 millones de discos vendidos a nivel mundial. Su trabajo ha sido reconocido con una nominación al Premio Grammy y cuatro nominaciones al Premio Latin Grammy.
En Septiembre del 2015, la Fundación Hispanic Heritage la reconoció con el Premio “Leyenda” por su impresionante carrera y el pasado 3 de noviembre 2021, Ana Gabriel recibió la estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, uno de los reconocimientos más prestigiosos en el mundo del espectáculo.
Originaria de Guamúchil, Sinaloa, México, Ana Gabriel también cuenta con 13 Premios Lo Nuestro (Univisión), incluyendo el Premio a la Excelencia que recibió en el 2006. La artista quien a lo largo de su carrera ha recibido infinidad de certificaciones de Platino, Doble Platino y Diamante, inició su tour 2024 comenzando por su país de nacimiento, México para luego continuar con una extensa gira mundial.
Con producción de Fenix Entertainment, podrás pedir “Un Deseo Más” para disfrutar del nuevo espectáculo de Ana Gabriel en Buenos Aires el próximo 9 de mayo. Entradas disponibles únicamente en www.movistararena.com.ar
