La banda lanza un single introspectivo que combina melodía clásica y una mirada profunda sobre la identidad y las emociones.
Tras celebrar los 20 años de Armando Camaleón, uno de los discos más emblemáticos de su carrera, Los Tipitosvuelve a la escena con “Una Palabra”, el primer adelanto de su próximo trabajo discográfico, ya disponible en todas las plataformas digitales.
La canción marca un regreso con identidad, manteniendo el ADN melódico de Tipitos pero con una impronta más introspectiva. Con un ritmo suave y una estructura clásica, el tema invita a una reflexión personal sobre la esencia del ser, en un contexto atravesado por la ansiedad, las decisiones y las tensiones cotidianas.
Un viaje interno con sello propio
“Una Palabra” propone un recorrido emocional que conecta con lo más íntimo. La frase central del tema —“Un viaje a lo profundo de mí, a mi letra de niño, a mi niño viejo”— sintetiza el espíritu de la canción: una mirada hacia adentro que mezcla pasado, presente y búsqueda personal.
Lejos de quedarse en lo superficial, el single plantea preguntas concretas: qué impulsa a seguir, qué define a una persona y cómo se construye la identidad en tiempos de incertidumbre. En ese camino, el estribillo funciona como un mantra que se repite y se instala, dejando una idea clara: si hay que definirse en una palabra, que sea “amor”.
@agustindusserre
Continuidad y renovación de Tipitos
El lanzamiento llega en un momento particular para la banda. Luego del aniversario de Armando Camaleón —un disco que marcó un antes y un después en su historia— y de su versión de Campanas en la noche junto a No Te Va Gustar, el grupo retoma el camino de las composiciones propias con material nuevo.
“Una Palabra” funciona como una carta de presentación de lo que vendrá: un disco que promete profundizar en lo emocional sin perder la esencia pop rock que caracteriza a la banda desde sus inicios.
@agustindusserre
Disponible en plataformas
El single ya se encuentra disponible en todas las tiendas digitales, marcando el inicio de una nueva etapa para Los Tipitos, que vuelve a apostar por canciones que combinan sensibilidad, melodía y cercanía con el público.
Una banda que sigue vigente
Con una trayectoria consolidada dentro del rock nacional, Los Tipitos continúa reinventándose sin perder su identidad. Este nuevo lanzamiento refuerza su capacidad para conectar con distintas generaciones, manteniendo vigencia en una escena en constante cambio.
“Una Palabra” no solo anticipa un nuevo disco: también confirma que la banda sigue encontrando formas de decir, sentir y emocionar desde un lugar honesto y directo.
Soul, gospel y blues en estado puro: la banda presenta adelantos de “King Sessions” con dos fechas en Palermo.
Dallas Ponce & The Salmonettes regresa a los escenarios porteños con dos presentaciones en Lucille Bar, donde adelantará temas de su próximo disco y repasará parte de su repertorio más representativo. Las citas son el sábado 2 de mayo y el viernes 5 de junio, desde las 22.30 hs, en formato íntimo y con entrada “al sobre”.
Con una propuesta que cruza soul, gospel, blues y rhythm & blues, el grupo se consolidó como una referencia local dentro de la música afroamericana. En vivo, la experiencia se apoya en la potencia de las voces, los arreglos corales y una interpretación que busca mantener el espíritu original del género, pero con identidad propia.
El show llega en un momento clave: la banda se encuentra presentando material de “King Sessions”, su más reciente trabajo, donde profundiza su vínculo con el sonido gospel clásico. Este lanzamiento continúa la línea iniciada con su disco Do It Again, homenaje a The Staple Singers, y reafirma su búsqueda estética dentro de la tradición afroamericana.
A lo largo de su recorrido, el grupo también ha versionado a artistas fundamentales como Bob Dylan, The Beatles y Elvis Presley, integrando esos clásicos a un repertorio que combina historia y actualidad.
La dirección musical está a cargo de Marcelo Ponce y Viviana Dallas, con más de tres décadas dedicadas a la difusión del gospel y la música afroamericana en Argentina y el exterior. En escena, el proyecto se completa con un ensamble vocal y rítmico que potencia el formato en vivo.
Formación de Dallas Ponce & The Salmonettes
Viviana Dallas: voz
Marcelo Ponce: guitarra y voz
Paloma Scassano: voz
Camila Teodori: voz
Sebastián Casaccio: contrabajo
Martín Acuevide: batería y percusión
En un circuito donde no abundan propuestas de este estilo, Dallas Ponce & The Salmonettes ofrece un show distinto dentro de la escena porteña: cercano, intenso y centrado en las voces. Con capacidad limitada y una dinámica de entrada accesible, las fechas en Lucille Bar apuntan a convertirse en una experiencia directa con el público.
Coordenadas
Fechas: sábado 2 de mayo y viernes 5 de junio
Hora: 22.30 hs
Lugar: Lucille Bar
Entrada: al sobre
Reservas: WhatsApp (+54 9 11 5748-1698), de miércoles a domingo de 12 a 20 hs
La banda de Mataderos cerró sus dos noches en el sur porteño con La Mississippi como telonero, más de 80.000 personas y un set list que recorrió toda su historia.
Hubo un tiempo en que ver a La Renga en la ciudad era casi una utopía. La banda de Chizzo, Tete y Tanque había desarrollado una relación complicada con los espacios porteños: sin estadios que pudieran contener a su gente de manera segura y ordenada, el peregrinaje a La Plata, Rosario o el interior del país se convirtió en parte del ritual. Hasta que Huracán abrió sus puertas en 2017, y todo cambió.
Este 2026, sin embargo, un imprevisto volvió a poner a prueba esa relación. El derrumbe de un edificio en el complejo «Estación Buenos Aires» de Parque Patricios, a cuatro cuadras del estadio Tomás Adolfo Ducó, obligó a la banda a buscar un nuevo predio. La respuesta fue el Parque de la Ciudad, en Villa Lugano —prácticamente la esquina del barrio donde Chizzo creció—, y el show del sábado 4 de abril fue la segunda y última fecha de un ciclo que ya pasará a los libros del rock argentino.
La Mississippi abre el banquete
Antes de que Chizzo pisara el escenario, fue turno de La Mississippi. Los referentes indiscutidos del blues local pusieron el cuerpo durante casi una hora, con su mezcla inconfundible de groove, garra y sentimiento. Para una audiencia que mayoritariamente llegó horas antes para conseguir lugar, la Mississippi no fue un trámite: fue el encendido lento que cualquier buen show necesita. Cuando terminaron, el predio ya tenía temperatura.
PH: IVÁN ACOSTA
La apertura: «Buena Ruta Hermano» y punto de no retorno
Minutos después de las 21:30, las luces se apagaron. El murmullo de más de 40.000 personas se convirtió en un rugido cuando los cuatro integrantes de La Renga —Gustavo «Chizzo» Nápoli, Gabriel «Tete» Iglesias, Jorge «Tanque» Iglesias y Manu Varela— tomaron sus posiciones.
«Buena Ruta Hermano» fue el primer tema, y con ese acorde inicial quedó claro que la noche no iba a tener pausa. El tema, parte del material más reciente de la banda, funciona ya como un himno de apertura: convoca, une y dispara el pogo antes de que pase un minuto. La multitud, que incluyó familias enteras, grupos de amigos de todas las edades y fieles que viajaron desde el interior del país, respondió desde el primer segundo.
El set list: un recorrido de más de 30 temas
La Renga desplegó un repertorio extenso y cuidadosamente construido. Más de treinta canciones que abarcaron desde los primeros discos hasta el material más reciente, con apenas dos temas nuevos integrados —algo que, lejos de decepcionar, confirmó que el núcleo duro del catálogo sigue siendo imbatible en vivo.
Entre los temas que sonaron:
Buena Ruta Hermano
Buena Pipa
Tripa y Corazón
Detonador de Sueños
A la Carga Mi Rocanrol
Al Que He Sangrado
Hay un Tirano que es para Vos
Motoralmaisangre
Ese Lugar de Ninguna Parte
Corazón Fugitivo
Parece un Caso Perdido
Poder
Algún Rayo
La Vida, las Mismas Calles
Vende Patria Clon
El Twist del Pibe
Miralos
Ser Yo
Triste Canción de Amor
El Viento que Todo Empuja
El Revelde
Panic Show
El Final es en Donde Partí
Hablando de la Libertad
La seguidilla de «Poder», «Algún Rayo» y «La Vida, las Mismas Calles» fue uno de los momentos de mayor intensidad de la noche: tres temas que se encadenan como vagones de un tren que no tiene intención de frenar, con el pogo creciendo en cada compás.
Los momentos que definieron la noche
La pausa de Chizzo
En el show del jueves, Chizzo había hecho una pausa en el 2 de abril para hablar sobre Malvinas y la soberanía. El sábado, la fecha cargaba con el peso de cerrar una semana que había resultado histórica por razones que iban más allá de la música. La banda lo sabe, y sabe usarlo: esa capacidad de detener la máquina, decir algo que importa y volver a encenderla con más fuerza es parte del ADN de La Renga.
El cierre
El final llegó con una secuencia que la banda maneja como pocos: «El Revelde», «Panic Show» y «El Final es en Donde Partí» funcionaron como los últimos escalones antes del desenlace. Y el desenlace, siempre, es colectivo: «Hablando de la Libertad» sonó con 80.000 gargantas como si el predio pudiera escucharse desde Mataderos.
Por qué estas dos noches importan
El ciclo que La Renga cerró este fin de semana en el Parque de la Ciudad no es solo la suma de dos shows masivos. Es la confirmación de varias cosas a la vez.
Primero, que la banda sigue siendo la más convocante del rock argentino sin radio, sin Spotify como motor y sin el circuito mainstream de por medio. Más de 80.000 personas entre los dos shows lo dicen sin necesidad de más argumentos.
Segundo, que el sur de la ciudad —Villa Lugano, Soldati, Mataderos— puede ser escenario de los shows más grandes del año. El Parque de la Ciudad demostró que tiene la capacidad y la identidad para recibir a La Renga de una manera que, paradójicamente, casi les queda más cómoda que Huracán.
Tercero, y quizás lo más importante: que la relación entre La Renga y su público es de las pocas que resiste el paso del tiempo, los cambios de sede, los imprevistos y los años. Esa lealtad que se transmite de generación en generación —papás con hijos, amigos de toda la vida, adolescentes que llegaron por primera vez al Banquete— es lo que ningún algoritmo puede fabricar.
Lo que viene
Estas dos fechas en Buenos Aires son, según informó la banda, la antesala de una nueva gira internacional. En mayo, La Renga recorrerá Barcelona, Berlín, Copenhague y Tenerife, una continuación de la proyección global que la banda viene consolidando desde las presentaciones en Mallorca, Nápoles y Madrid en 2024, material que quedó registrado en el álbum en vivo «Solo hace falta un mundo para dar una vuelta» (2025).
Para los que estuvieron: gracias por el Banquete. Para los que no pudieron: ya saben dónde buscarlos.
¿Estuviste en los shows? Contanos cómo lo viviste en los comentarios.
El universo visual del rock argentino tiene nombres propios que marcaron una época, y uno de los más influyentes es, sin dudas, Ricardo Cohen. Su obra, inseparable de la identidad de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, será el eje central de “Rocambole en el camino”, el documental que tendrá su esperado estreno el sábado 25 de abril a las 20 horas en el Cine Gaumont.
La película, dirigida por Marcia Paradiso y Matías González, propone un recorrido íntimo por la vida, la obra y el pensamiento de Rocambole, el artista que diseñó una de las estéticas más reconocibles de la cultura popular argentina.
Un viaje al corazón del arte ricotero
“Rocambole en el camino” no es una biografía tradicional. Lejos de una estructura cronológica clásica, el documental se sumerge en el proceso creativo de Ricardo Cohen, explorando su mirada, sus obsesiones y su vínculo con el público.
Desde su taller en La Plata hasta distintos espacios culturales, la película reconstruye el camino de un artista que decidió romper con los circuitos convencionales y construir una obra en contacto directo con la gente.
A lo largo del film, Rocambole dialoga con el periodista Oscar Jalil, en una conversación que permite descubrir no solo al creador, sino también al pensador detrás de una estética que definió a generaciones enteras.
La estética de Los Redondos: una marca indeleble
Hablar de Rocambole es hablar de la identidad visual de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Su trabajo fue clave en la construcción del universo simbólico de la banda liderada por Indio Solari.
El documental revisita ese legado a través de:
Tapas de discos icónicas
Afiches y volantes de shows
Entradas y piezas gráficas
Escenografías y telones
Proyecciones visuales en vivo
Todo ese material no solo acompañó la música, sino que construyó un lenguaje propio que trascendió lo artístico para convertirse en fenómeno cultural.
Mucho más que diseño: pensamiento y contracultura
Uno de los ejes más interesantes del documental es la dimensión conceptual de la obra de Rocambole. Su trabajo no se limita a lo estético, sino que dialoga con ideas, contextos políticos y movimientos culturales.
“Rocambole en el camino” muestra cómo su producción artística se inscribe dentro de una tradición contracultural, ligada a la autogestión y a la construcción de una identidad independiente dentro del rock argentino.
En ese sentido, el film también funciona como una ventana para entender una época y una forma de hacer arte por fuera de los grandes circuitos comerciales.
Estreno en el Cine Gaumont y funciones
El estreno oficial será el:
Sábado 25 de abril – 20:00 horas
Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635, CABA)
Además, habrá una segunda función:
Martes 28 de abril – 20:00 horas (misma sala)
El evento forma parte del circuito cultural que sigue apostando al cine nacional y a las producciones independientes.
Ficha técnica del documental
Dirección y guión: Marcia Paradiso y Matías González
Producción: Marcia Paradiso y Matías González
Duración: 89 minutos
Formato: DCP
Distribución: Marcia Paradiso
El film fue subsidiado por el INCAA y cuenta con el apoyo de BAFILM y del INAMU.
Sobre sus directores
Marcia Paradiso
Marcia Paradiso es una reconocida documentalista, investigadora y docente. Licenciada en Comunicación Social por la Universidad Nacional de Lomas de Zamora, cuenta con una extensa trayectoria en el cine documental etnográfico y social.
Entre sus trabajos más destacados se encuentran:
Lunas Cautivas – Historias de Poetas Presas (2012)
Aguas Abiertas (2015)
Ambos films han sido reconocidos en festivales vinculados a derechos humanos y cine social.
Matías González
Matías González es realizador audiovisual, periodista y productor. También formado en la Universidad Nacional de Lomas de Zamora, ha desarrollado su carrera en el ámbito del documental y la producción de contenidos institucionales.
Formó parte del equipo de películas como:
Aguas Abiertas
Lunas Cautivas – Historias de Poetas Presas
Y actualmente integra la productora Tierra Documental.
Un estreno clave para la cultura rock
“Rocambole en el camino” se presenta como una obra fundamental para entender no solo a un artista, sino a todo un movimiento cultural. En tiempos donde la imagen tiene un rol central, revisar el trabajo de Rocambole es también volver a pensar el vínculo entre arte, música y sociedad.
El estreno en el Cine Gaumont será una oportunidad única para sumergirse en ese universo y redescubrir una estética que sigue vigente.
Para los fanáticos de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, para los amantes del arte y para quienes quieran entender una parte clave de la cultura argentina, la cita del 25 de abril es imperdible.
La escena urbana suma un nuevo capítulo con el lanzamiento de “Qué ganas de comerte”, el flamante single de María Becerra junto a Lucky Brown y Jere Klein, dos de los nombres más fuertes del reggaetón chileno actual. La colaboración no solo une territorios, sino también estilos, en una canción que marca el regreso de la artista argentina a sus raíces más puras dentro del género urbano.
María Becerra con un sonido directo y actual
“Qué ganas de comerte” encuentra a María Becerra reconectando con la esencia del reggaetón, con una propuesta fresca, sensual y pensada para el impacto inmediato. La canción apuesta por un beat clásico del género, pero con una impronta moderna que refleja la evolución de la artista.
La producción estuvo a cargo del ecuatoriano Xross, quien logra ensamblar las tres voces con fluidez, generando una dinámica en la que cada artista aporta su identidad sin perder cohesión. El resultado es un track sólido, pegadizo y alineado con las tendencias actuales del sonido latino.
Un videoclip entre lujo y estética urbana
El lanzamiento llega acompañado por un videoclip dirigido por Valentín Herrero, rodado íntegramente en Chile. La pieza visual refuerza el clima del tema con una estética que combina lo urbano con lo aspiracional.
Yates, helicópteros y distintos escenarios construyen un relato visual dinámico, donde los tres artistas se mueven con naturalidad en un universo de exceso, deseo y energía nocturna. El clip potencia el carácter internacional del lanzamiento y posiciona la colaboración como un producto pensado para trascender fronteras.
Un momento clave en la carrera de María Becerra
Este lanzamiento llega en un punto de consolidación para María Becerra. Tras la presentación de su álbum QUIMERA, la artista atraviesa uno de los momentos más importantes de su carrera.
Sus shows en el Estadio Monumental marcaron un antes y un después: dos funciones 360° completamente agotadas que la posicionaron como una de las figuras más convocantes de la música argentina. Con más de 170 mil personas en total, se convirtió en la única mujer argentina en alcanzar esa magnitud en ese escenario.
Además, su crecimiento internacional no se detiene. En el último tiempo, participó de eventos de gran escala como el Festival de Viña del Mar —donde fue jurado y artista— y el Festival Coachella, donde se presentó como invitada de J Balvin.
Una carrera en constante expansión
Con más de 18 millones de oyentes mensuales en plataformas digitales y miles de millones de reproducciones acumuladas, María Becerra se consolidó como una de las artistas más influyentes de la música latina actual.
Su recorrido reciente muestra una búsqueda artística amplia y versátil. Desde baladas como “Tatú”, pasando por el R&B de “Ramen Para Dos” junto a Paulo Londra, hasta propuestas más conceptuales como “Infinitos como el mar” o “Agora”, la artista viene construyendo un universo propio que combina música, narrativa y estética.
Incluso expandió su presencia hacia la actuación con su participación en la serie En el barro, donde también interpretó la canción “7 vidas”, reforzando su perfil multidisciplinario.
“Qué ganas de comerte”: un paso más en su proyección global
La colaboración con Lucky Brown y Jere Klein no es casual. Ambos artistas representan una nueva generación del reggaetón chileno, un movimiento que viene ganando cada vez más protagonismo en la escena latinoamericana.
Al sumarse a este cruce, María Becerra no solo refuerza su vínculo con el género urbano, sino que también amplía su alcance regional, conectando con nuevas audiencias y consolidando su presencia en distintos mercados.
El lanzamiento también funciona como antesala de lo que vendrá: próximamente, la artista anunciará las fechas de su QUIMERA TOUR, con el que recorrerá distintos países de Latinoamérica y España.
Un regreso a las raíces sin perder evolución
“Qué ganas de comerte” sintetiza un momento artístico particular: el equilibrio entre origen y evolución. María Becerra vuelve al reggaetón, pero lo hace desde un lugar de madurez, con una identidad ya consolidada y una visión clara de su lugar en la industria.
La canción no solo suma un nuevo hit a su repertorio, sino que también reafirma su capacidad para adaptarse, reinventarse y mantenerse vigente en una escena en constante cambio.
El regreso de Tan Biónica ya no es una promesa: es una realidad que se vive a lo grande. El 27 de marzo, con un Estadio José Amalfitani completamente agotado, la banda dio inicio a una nueva etapa con un show cargado de emoción, euforia y una conexión intacta con su público.
La primera de las tres fechas en Vélez no fue solo un recital más. Fue un reencuentro generacional, una noche en la que miles de personas volvieron a cantar esas canciones que marcaron una época. Con fans llegados desde distintos puntos de Argentina y países vecinos, el clima fue de celebración desde antes del primer acorde.
Sobre el escenario, Chano Moreno Charpentier, Bambi Moreno Charpentier, Diego Lichtenstein y Sebastián Seoane ofrecieron un show de más de dos horas que repasó toda su historia y, al mismo tiempo, presentó en vivo su nueva etapa musical.
Tan Biónica en Vélez: un regreso histórico con nuevos sonidos
El recital marcó un hito: fue la primera vez que las canciones del nuevo álbum El Regreso convivieron en vivo con los clásicos que definieron la identidad del grupo. Temas como “El Problema del Amor”, “Mil Días” y “La Invención” encontraron su lugar junto a himnos como “Ella”, “Beautiful”, “Ciudad Mágica”, “Hola Mi Vida”, “Obsesionario” y “La Melodía de Dios”.
Desde el inicio, el estadio se transformó en una fiesta total. La puesta en escena, acompañada por un despliegue audiovisual de primer nivel, potenció cada momento del show, alternando entre pasajes íntimos y explosiones de energía colectiva.
En uno de los momentos más emotivos de la noche, Chano tomó el micrófono y expresó:
“Esto es muy emocionante, gracias a todos. Qué noche maravillosa estamos teniendo. Uno siempre sueña con volver a algún lugar, pero para nosotros esto fue una forma de reencontrarnos”.
Sus palabras sintetizaron el espíritu del show: no se trataba solo de tocar canciones, sino de reconstruir un vínculo.
El momento sorpresa: Andrés Calamaro en Vélez
Uno de los puntos más altos de la noche llegó con la aparición de Andrés Calamaro. Invitado especial, se sumó para interpretar “Mi Vida” junto a la banda, en un momento que desató la ovación del estadio.
Antes de su ingreso, Chano lo presentó con admiración:
“Es una de las personas más generosas que conozco, es el más grande músico argentino”.
La colaboración no terminó ahí: juntos interpretaron “Flaca”, uno de los clásicos más emblemáticos de Calamaro, generando uno de los momentos más celebrados de la noche.
El inicio del tour “El Regreso” y una nueva etapa para Tan Biónica
El show en Vélez no solo marcó el regreso en vivo de la banda, sino también el comienzo oficial del tour “El Regreso”, una gira que continuará por Argentina y el exterior. Con dos fechas más programadas en el mismo estadio, la sensación es clara: lo que empezó como una vuelta se está transformando en un nuevo capítulo.
La comunión con el público fue total. Entre nostalgia, recuerdos y celebración, cada canción funcionó como un puente entre el pasado y el presente. La banda logró algo que no siempre es fácil: sostener su esencia mientras abre una nueva etapa artística.
Una banda que marcó a toda una generación
Desde su formación en Buenos Aires, Tan Biónica se consolidó como una de las bandas más importantes del pop-rock argentino. Con discos como Obsesionario y Destinología, el grupo construyó un repertorio que trascendió generaciones y se convirtió en parte de la cultura popular.
Tras su pausa en 2016, el regreso comenzó a tomar forma en 2023 con la gira “La Última Noche Mágica”, que convocó a más de 500.000 personas en distintos países. Ahora, con “El Regreso”, la banda reafirma su vigencia y su capacidad de reinventarse.
Tan Biónica en Vélez: la primera de tres noches en el Amalfitani
Lo que viene: gira nacional e internacional
Luego de las tres fechas en Vélez, Tan Biónica continuará su recorrido por el interior del país, con paradas confirmadas en Tucumán, Santa Fe y Mendoza. Más adelante, el tour cruzará fronteras con presentaciones en México y España, consolidando su proyección internacional.
El regreso ya está en marcha, pero lo que se vivió en Vélez dejó una certeza: no es solo una vuelta, es una reafirmación. Tan Biónica sigue siendo una de las bandas más queridas de Argentina y, con esta nueva etapa, demuestra que su historia todavía tiene mucho por escribir.
La productora MundosMusic presenta “Suena”, un nuevo ciclo musical que desembarca en Buenos Aires con una propuesta que busca acercar al público local a jóvenes artistas latinoamericanos.
La primera edición de Suena estará enfocada en México y Brasil, con shows programados los domingos 12 y 19 de abril, y 10 y 17 de mayo, siempre a las 19 horas, en el Cultural Thames.
Un ciclo para descubrir nuevas voces de la música latinoamericana
Con el lanzamiento de Suena, MundosMusic refuerza su misión de generar puentes entre culturas a través de la música.
La propuesta del ciclo apunta a:
acercar artistas internacionales a nuevos públicos
destacar el valor de la canción como lenguaje universal
fomentar el intercambio cultural entre países latinoamericanos
En un contexto donde la música circula globalmente, el proyecto busca ofrecer una experiencia en vivo que conecte al público argentino con escenas musicales de otros países de la región.
Programación completa de Suena en Buenos Aires
La primera edición de Suena contará con cuatro fechas, cada una protagonizada por artistas con identidad propia dentro de la música latinoamericana contemporánea.
El ciclo comenzará con la presentación de El David Aguilar, cantautor mexicano reconocido por su estilo que combina pop alternativo, folk y música tradicional latinoamericana.
Con 15 nominaciones a los Latin Grammy, Aguilar se posiciona como una de las figuras más destacadas de la canción de autor en México. A lo largo de su carrera colaboró con artistas como Julieta Venegas y Jorge Drexler.
Además, participó en el último disco de Natalia Lafourcade, ganador del Grammy 2026 a Mejor Álbum de Pop Latino, donde aportó composiciones e interpretación.
La segunda fecha tendrá como protagonista a Mari Jasca, una de las artistas emergentes de la nueva generación de la música brasileña.
Con raíces argentinas y brasileñas, su propuesta fusiona tradición y modernidad. En 2025 visitó Argentina como parte del cuarteto femenino Tocaia, logrando convocar a más de 2.000 personas.
Actualmente, trabaja en nuevos proyectos junto a figuras como Clara Buarque y el propio El David Aguilar.
El ciclo continuará con Catto, una de las voces más destacadas de la Música Popular Brasileña (MPB).
Con más de 15 años de trayectoria, Catto se consolidó como una artista de gran prestigio, reconocida también por su aporte a la diversidad dentro de la música.
En sus últimos trabajos, ha reinterpretado repertorios de figuras icónicas como:
Gal Costa
Chico Buarque
Cazuza
Caetano Veloso
Su show promete una experiencia intensa, cargada de emoción y profundidad artística.
El cierre del ciclo estará a cargo de Tó Brandileone, cantante, compositor y guitarrista brasileño, integrante del grupo 5 a Seco.
Su propuesta combina MPB, folk y canción de autor, con un enfoque poético en sus letras y una fuerte impronta musical.
Brandileone desarrolló tanto una carrera solista como colectiva, consolidándose dentro de la escena independiente brasileña.
Cultural Thames, el espacio elegido para Suena
El ciclo se realizará en el Cultural Thames, un espacio reconocido por su programación artística y cultural en la ciudad.
Ubicado en el barrio de Palermo, el lugar se caracteriza por ofrecer propuestas que combinan cercanía con el público y una experiencia íntima, ideal para este tipo de conciertos.
MundosMusic: una productora con proyección internacional
MundosMusic es una agencia boutique fundada en Nueva York en 2019, especializada en música del mundo.
Su propuesta abarca:
producción de discos
organización de conciertos
distribución musical
desarrollo de artistas
La compañía trabaja con un enfoque integral, acompañando a los músicos en todas las etapas de su carrera.
Además, busca posicionarse en el creciente mercado de la música multilingüe, donde cada vez más públicos consumen propuestas de distintos países y culturas.
Un puente cultural entre Argentina y Latinoamérica
El ciclo Suena se presenta como una plataforma para fortalecer el vínculo entre Argentina y otras escenas musicales de la región.
En una época donde la música circula de manera global, la experiencia en vivo sigue siendo clave para generar conexión entre artistas y audiencias.
Este tipo de iniciativas permite:
descubrir nuevos talentos
ampliar el panorama musical del público
generar intercambios culturales reales
Una experiencia para el público porteño
Con una programación diversa y curada, Suena se posiciona como una propuesta atractiva dentro de la agenda cultural de Buenos Aires.
El ciclo invita a sumergirse en diferentes sonidos latinoamericanos, desde la canción de autor mexicana hasta la riqueza de la música brasileña.
En un formato íntimo y cercano, cada fecha promete ser una experiencia única para quienes buscan descubrir nuevas voces y disfrutar de la música en vivo.
Con Suena, MundosMusic apuesta por una idea clara: la música como lenguaje universal capaz de conectar culturas, historias y emociones. Un ciclo que invita a escuchar, descubrir y dejarse llevar por las nuevas voces de Latinoamérica.
TiziShi lanzó “Te quise”, su nuevo single en colaboración con Juli Savioli, una canción que se adentra en las emociones más profundas de los vínculos afectivos. Con una propuesta honesta y sensible, ambas artistas construyen un relato sobre el amor que deja marcas, pero también sobre la decisión de priorizarse.
El lanzamiento posiciona a TiziShi como una de las voces con mayor proyección dentro de la escena urbana argentina, consolidando un estilo que combina introspección, crudeza y una fuerte identidad artística.
“Te quise”: una canción sobre el amor, la pérdida y la elección personal
El nuevo single “Te quise” aborda una de las experiencias más universales: amar a alguien que, con el tiempo, deja de ser un lugar seguro.
A través de una narrativa directa y emocional, la canción describe ese momento en el que el amor convive con una certeza incómoda: quedarse también implica perderse. Lejos de caer en el dramatismo, la propuesta de TiziShi y Juli Savioli se apoya en una mirada madura sobre los vínculos.
La letra pone en palabras el vacío que deja una relación que no hace bien, pero también la dificultad de aceptar que soltar puede ser necesario, incluso cuando existe el miedo de no volver a sentir algo igual.
Una mirada honesta sobre los vínculos que duelen
Uno de los puntos más fuertes de “Te quise” es su enfoque emocional. La canción no romantiza el sufrimiento, sino que lo reconoce como parte de un proceso más amplio de crecimiento personal.
En ese sentido, el tema propone una idea clave: dejar ir también puede ser un acto de cuidado.
La construcción del relato se apoya en:
la dignidad personal
el reconocimiento emocional
la valentía de tomar distancia
la aceptación de la soledad como parte del proceso
TiziShi y Juli Savioli logran transmitir una sensibilidad cruda, pero a la vez contenida, que conecta con quienes atravesaron experiencias similares.
El mensaje: elegirse a uno mismo
En esencia, “Te quise” es una canción sobre el coraje.
Coraje para reconocer que un vínculo ya no es sano. Coraje para aceptar el dolor que implica soltar. Y, sobre todo, coraje para elegirse a uno mismo.
La propuesta artística se aleja de los discursos tradicionales del desamor y plantea una visión más introspectiva, donde la decisión de irse no es una derrota, sino una forma de crecimiento.
Este enfoque la conecta con una nueva generación de oyentes que buscan relatos más honestos y menos idealizados sobre las relaciones.
Quién es TiziShi: una artista en crecimiento dentro de la escena argentina
TiziShi es una artista de 25 años nacida en Moreno, provincia de Buenos Aires, que viene construyendo un camino sólido dentro de la música urbana.
Su propuesta combina rap, trap y R&B, con una impronta personal que mezcla lo crudo de lo urbano con una sensibilidad melódica y nostálgica.
Desde 2022, su crecimiento fue constante, participando en escenarios de gran visibilidad y compartiendo espacio con artistas reconocidos.
Un recorrido que la posiciona en la escena
En los últimos años, TiziShi logró consolidar su presencia dentro del circuito musical argentino:
fue telonera de Nicki Nicole
abrió shows para Cazzu y Emilia
participó en el Festival Buenos Aires Trap
compartió escenario con artistas internacionales como Rels B y Shakira
Estas experiencias le permitieron ganar visibilidad y consolidar su identidad artística frente a públicos cada vez más amplios.
El impacto de sus lanzamientos
Uno de los hitos recientes en su carrera fue el single “La Oscuridad del Sol” (2025), que superó las 100.000 reproducciones en pocas semanas, confirmando su capacidad de conexión con el público.
Su música se caracteriza por transformar vivencias personales en canciones que funcionan como espejos emocionales para quienes la escuchan.
Esa autenticidad es uno de los factores clave de su crecimiento dentro de la escena.
Una identidad artística en construcción constante
Lejos de seguir tendencias pasajeras, TiziShi construye una propuesta basada en la honestidad y la coherencia artística.
Sus canciones exploran emociones reales, conflictos internos y experiencias cotidianas, logrando un equilibrio entre lo íntimo y lo universal.
En ese camino, “Te quise” aparece como un paso más en la consolidación de su identidad musical.
Un nuevo paso en su carrera
Con este lanzamiento, TiziShi no solo presenta una nueva canción, sino que reafirma su lugar como una artista en plena evolución.
La colaboración con Juli Savioli suma una nueva dimensión a su propuesta, ampliando su universo sonoro y emocional.
“Te quise” se posiciona así como un tema que dialoga con las experiencias afectivas de una generación que busca nuevas formas de entender el amor, el dolor y la reconstrucción personal.
TiziShi, una voz a seguir
En un panorama musical en constante cambio, TiziShi se presenta como una artista con identidad propia, capaz de transformar lo personal en colectivo.
Su capacidad para narrar emociones con honestidad, sumada a una propuesta sonora sólida, la convierte en una de las figuras emergentes más interesantes de la escena argentina.
Con “Te quise”, da un paso más en ese camino, confirmando que su música no solo se escucha: también se siente.
El cantante español Beret lanzó “Hablo de ti”, su nuevo single, una canción que profundiza en las emociones del recuerdo y en las huellas que dejan las relaciones que marcaron la vida. El estreno llega en medio de su gira internacional “Tour Lo Bello y lo Roto”, con la que el artista sevillano recorre escenarios de Europa y América.
El lanzamiento también coincide con el gran momento que atraviesa el músico tras el éxito de su último disco, Lo Bello y lo Roto, publicado en noviembre del año pasado y que consolidó su crecimiento dentro del pop y la música urbana en español.
“Hablo de ti”, la nueva canción de Beret
El nuevo single “Hablo de ti” fue producido por el reconocido productor musical Pablo Cebrián y propone una canción íntima, cargada de sensibilidad y reflexión.
La letra aborda el recuerdo persistente de una persona que marcó profundamente la vida del protagonista. A través de una narrativa emocional, el tema describe cómo la rutina cotidiana no logra llenar el vacío que dejó esa relación especial.
En la canción, Beret plantea la idea de que, aunque pase el tiempo y cambien las circunstancias, siempre hay recuerdos que vuelven. La búsqueda de algo que se acerque a lo vivido anteriormente se convierte en una constante, generando una sensación de nostalgia donde nada vuelve a sentirse igual.
El artista explora así un concepto recurrente en su obra: la conexión entre memoria, emociones y experiencias personales.
Una canción sobre el amor que permanece en el tiempo
“Hablo de ti” se construye sobre una idea central: la permanencia de ciertos sentimientos incluso cuando una relación terminó.
A lo largo del tema, el cantante describe cómo el paso del tiempo no siempre logra borrar los recuerdos ni las emociones vinculadas a una persona importante.
Ese enfoque conecta con el estilo característico de Beret, quien suele combinar letras introspectivas con melodías que mezclan pop, rap y elementos acústicos.
La canción se presenta como una confesión emocional donde el artista reconoce que, incluso sin querer, muchas situaciones terminan recordándole a esa persona que marcó su historia.
El éxito del álbum “Lo Bello y lo Roto”
El lanzamiento del nuevo single llega después de la publicación de Lo Bello y lo Roto, un disco que tuvo una gran repercusión entre sus seguidores.
El álbum mostró una evolución artística del cantante, consolidando su identidad musical con canciones que exploran el amor, las contradicciones humanas y las emociones complejas que atraviesan la vida cotidiana.
Con ese trabajo, Beret reafirmó su capacidad para conectar con el público a través de letras directas y personales, algo que se transformó en una de las claves de su popularidad.
La gira internacional “Tour Lo Bello y lo Roto”
El lanzamiento de “Hablo de ti” coincide con el desarrollo del “Tour Lo Bello y lo Roto”, la gira mundial con la que Beret está llevando sus canciones a distintos escenarios internacionales.
Tras completar una serie de conciertos en teatros de España —donde logró entradas agotadas en varias ciudades—, el artista inició una nueva etapa del tour con presentaciones en Estados Unidos y Latinoamérica.
La gira también marcará un momento importante en su carrera: su primer tour por las principales capitales europeas.
Entre las ciudades confirmadas para esta nueva etapa del recorrido se encuentran:
Londres
Dublín
París
Bruselas
Estas presentaciones consolidan la expansión internacional de Beret y reflejan el crecimiento de su audiencia fuera del mundo hispanohablante.
Beret se presentará en Argentina
Dentro de su gira internacional, el cantante también llegará a Argentina con tres conciertos programados para mayo de 2026.
Las fechas confirmadas son:
15 de mayo – Quality Espacio – Córdoba
16 de mayo – Teatro Gran Rex – Buenos Aires
17 de mayo – Bioceres Arena – Rosario
En estos shows, el artista presentará en vivo las canciones de su último disco junto con algunos de los temas más populares de su carrera.
Una carrera marcada por la conexión con el público
Desde sus comienzos en plataformas digitales, Beret logró construir una carrera basada en la cercanía con su audiencia.
Sus canciones suelen abordar temas personales como el amor, la superación, la nostalgia o las contradicciones emocionales, lo que permitió que muchos oyentes se identifiquen con sus letras.
Con el paso de los años, su estilo evolucionó incorporando diferentes influencias musicales, pero manteniendo siempre una narrativa íntima y directa.
Ese equilibrio entre honestidad emocional y melodías accesibles es uno de los factores que explica el crecimiento constante de su carrera.
Un nuevo capítulo para Beret
Con “Hablo de ti”, Beret abre una nueva etapa dentro de su proyecto musical, reafirmando su identidad artística mientras continúa ampliando su presencia internacional.
El single refuerza la línea emocional que caracteriza a sus composiciones y llega en un momento clave de su carrera, marcado por una gira global y el reconocimiento de su público en distintos países.
Mientras el “Tour Lo Bello y lo Roto” continúa sumando ciudades y escenarios, el artista sevillano sigue consolidándose como una de las voces más personales del pop en español actual.
La escena indie-pop argentina suma un lanzamiento que no pasa desapercibido: Mora Navarro estrenó “Será Mañana”, su nuevo single en colaboración con Isla de Caras. El tema ya está disponible en todas las plataformas digitales y funciona como el último adelanto antes de la salida de su segundo álbum, Revolución Humana, previsto para abril.
No es una canción de amor clásica. Tampoco una ruptura. Es algo más incómodo —y por eso más interesante—: ese instante previo donde todo está por pasar… pero no pasa.
“Será Mañana”: la tensión del “casi”
“Será Mañana” se mete de lleno en ese terreno donde pocas canciones se animan a quedarse: el momento antes del beso, antes de la certeza, antes de que las cosas tengan nombre.
No hay resolución. Hay tensión.
La letra lo resume sin vueltas:
“¿Cómo puede ser que un beso que no dimos quede alrededor flotando en el aire?”
Esa idea atraviesa toda la canción: lo que no ocurrió, pero sigue presente. Lo que flota. Lo que incomoda.
No hay épica. Hay clima.
Una colaboración con sentido
La elección de Isla de Caras no es casual. Ambos proyectos comparten una sensibilidad parecida: entender la música como algo que sucede entre las personas antes de poder explicarlo. Antes de etiquetarlo.
La colaboración no suena forzada ni estratégica. Suena natural. Como si la canción ya existiera en ese cruce.
Sonido: calidez, aire y precisión emocional
En lo musical, “Será Mañana” construye un espacio íntimo pero expansivo.
Guitarras acústicas que sostienen
Cuerdas que envuelven sin invadir
Sintetizadores sutiles que iluminan desde adentro
El resultado es una mezcla de pop, indie y folk moderno, donde todo está al servicio de la emoción. Nada sobra. Nada empuja de más.
Hay una decisión clara de no romper el clima. De sostener esa tensión que define la canción.
Mora Navarro
El arte: cuando no tocar dice más
El concepto del single se completa con una imagen potente: dos manos que casi se rozan, pero no llegan a tocarse. Una referencia directa a La creación de Adán, reinterpretada desde el deseo y la espera.
Es, en definitiva, la misma idea de la canción llevada a lo visual: todo lo que puede pasar… en el espacio donde todavía no pasó nada.
Revolución Humana: lo que se viene
“Será Mañana” es el último adelanto de Revolución Humana, el segundo disco de Mora Navarro, que verá la luz en abril.
El título ya marca una intención: explorar lo humano desde un lugar íntimo, sin grandes discursos, pero con observación precisa.
Si este single sirve de referencia, el álbum va a moverse en ese terreno donde lo emocional y lo cotidiano se cruzan sin exageraciones.
Quién es Mora Navarro
Mora Navarro no es una artista fácil de encasillar. Cantante, compositora y productora nacida en Buenos Aires, tiene una particularidad: estudió antropología social y cultural. Y eso se nota.
Sus canciones funcionan casi como pequeñas observaciones sobre el comportamiento humano. A veces bailables, a veces introspectivas, pero siempre con una mirada clara.
En los últimos años, su crecimiento fue sostenido:
Fue artista EQUAL de Spotify en 2023
Apareció en un billboard en Times Square
Formó parte del lineup de Lollapalooza Argentina
Abrió shows de Emilia en el Movistar Arena
Giró por España
No es una aparición nueva. Es un proceso que viene tomando forma.
Una artista que escucha antes de escribir
Hay algo que define el trabajo de Mora Navarro: escucha.
Sus canciones no buscan impactar desde el golpe, sino desde el detalle. Desde lo que pasa en lo mínimo.
“Será Mañana” es un buen ejemplo de eso. Una canción que podría haber sido una historia más… pero decide quedarse en el momento incómodo.
Y ahí encuentra algo propio.
En tiempos donde muchas canciones van directo al estribillo y a la inmediatez, Mora Navarro hace lo contrario: se toma el tiempo de construir clima.
“Será Mañana” no explota. Suspende.
Y en esa suspensión —en ese casi— está todo lo que la hace interesante.
