Luego de un cierre de año consagratorio marcado por el lanzamiento de “Cuerpos Volumen I” y dos estadios agotados, Babasonicos anunció su regreso al Movistar Arena con una nueva función el próximo 16 de octubre en Buenos Aires.
La banda presentará un show completamente renovado, con una puesta escénica imponente y novedosa, donde convivirán las canciones de su nuevo material con los clásicos que atravesaron toda su trayectoria y consolidaron al grupo como una de las bandas más importantes del rock en español.
“Cuerpos Volumen I”: el nuevo capítulo de Babasonicos
Tras la salida de “Cuerpos Volumen I”, Babasonicos reafirma su vigencia artística con un álbum que fue destacado por medios especializados como uno de los discos del año. El trabajo muestra una nueva exploración sonora de la banda, manteniendo intacta la identidad que la convirtió en referencia absoluta de la música latinoamericana.
Con más de tres décadas de carrera, el grupo continúa atravesando generaciones y expandiendo su impacto. Actualmente se mantiene como la banda más escuchada del país en el airplay nacional y figura entre los artistas más reproducidos por la Generación Z.
Además, distintas publicaciones internacionales, entre ellas Billboard, ubican a Babasonicos entre las mejores bandas de rock en español de todos los tiempos.
Un show cercano y explosivo
El regreso al Movistar Arena promete un encuentro cercano con el público, pero también una experiencia visual y sonora de gran escala. La banda combinará el clima introspectivo y experimental de “Cuerpos” con himnos infaltables de su repertorio, en un espectáculo pensado para recorrer distintas etapas de su historia.
La propuesta escénica incluirá un diseño visual innovador y una producción especialmente desarrollada para esta serie de conciertos en Buenos Aires.
“Tiempo Off (Colyn Remix)”, ya disponible
Como parte de esta nueva etapa, Babasonicos lanzó recientemente “Tiempo Off (Colyn Remix)”, una reinterpretación electrónica del tema incluido en “Cuerpos Volumen I”.
El remix estuvo a cargo del DJ y productor holandés Colyn, quien aportó su sello característico para transformar la canción en una versión más bailable y expansiva, ampliando el universo sonoro del grupo.
El single ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales.
El próximo 19 de junio a las 20 hs, Sebastián Arpesella se presentará en vivo en La Tangente con un formato banda y acompañado por destacados referentes de la escena indie argentina: Mariano “Manza” Esain, Pablo De Caro, Pablo Font, Fer Lee y Agustín Castalia. Una reunión de músicos con amplia trayectoria que promete una noche intensa y emotiva.
Las entradas ya se encuentran a la venta a través de La Tangente.
El repertorio incluirá canciones de DERIVA y 2+, además de adelantar material exclusivo de su próximo álbum, actualmente en pleno proceso de grabación.
Sobre Sebastián Arpesella
Sebastián Arpesella es guitarrista y fotógrafo, y forma parte de la escena musical argentina desde hace más de dos décadas. Paralelamente a su carrera musical, se consolidó como uno de los fotógrafos más reconocidos del país, responsable de la imagen de cientos de artistas de la música, el cine, la televisión y el teatro.
Fue integrante original de Grand Prix, grupo emblemático del power pop nacional que editó dos discos y varios EPs.
DERIVA es su primer álbum solista: un trabajo esperado que funciona como síntesis de un recorrido artístico marcado por la sensibilidad y el amor por la canción. El primer corte, Malentendido, combina potencia y melancolía desde sus primeros compases, anticipando un disco introspectivo, honesto y atravesado por la idea de la despedida y la impermanencia.
Por su parte, 2+ reúne dos canciones que adelantan el nuevo rumbo sonoro que tomará su segundo trabajo discográfico.
Dos de las bandas más explosivas, populares y queridas de Latinoamérica se unen para protagonizar uno de los eventos musicales más esperados del año. Los Auténticos Decadentes y Los Caligaris presentaron oficialmente “La fiesta más increíble del mundo, ahora es gira”, una experiencia única e irrepetible que promete llevar la celebración, la alegría y el descontrol a otro nivel.
Después de años compartiendo escenarios, cruzando caminos y conectando con una misma esencia festiva, ambas bandas harán realidad un proyecto histórico: por primera y única vez compartirán una gira conjunta con shows especialmente diseñados para cantar, saltar, emocionarse y vivir una verdadera fiesta colectiva.
Con una puesta en escena impactante, espíritu carnavalero y un repertorio cargado de hits que marcaron generaciones, esta gira de Los Auténticos Decadentes y Los Caligaris se perfila como uno de los grandes acontecimientos musicales de Latinoamérica. El espectáculo combinará clásicos infaltables, momentos emotivos y toda la energía característica de dos grupos que transforman cada recital en una celebración inolvidable.
Primeras fechas confirmadas de la gira de Los Auténticos Decadentes y Los Caligaris
La gira ya confirmó sus primeras ciudades y continuará sumando nuevas fechas en distintos países:
22 de agosto: Quality Center, Córdoba, Argentina.
1 de noviembre: Parque Tangamanga II, San Luis Potosí, México.
14 de noviembre: Movistar Arena, Bogotá, Colombia.
20 de noviembre: Auditorio Banamex, Monterrey, México.
27 de noviembre: Estadio GNP Seguros, Ciudad de México, México.
Además, la gira pasará por ciudades como Puebla, Guadalajara y Tijuana, consolidando un recorrido internacional pensado para celebrar junto a miles de fanáticos.
Una gira histórica para celebrar la música y la fiesta
La unión entre Los Auténticos Decadentes y Los Caligaris representa mucho más que una serie de conciertos: es el encuentro de dos bandas que hicieron de la fiesta, el humor, la emoción y la conexión con el público una marca registrada.
Con décadas de trayectoria, himnos generacionales y una energía única sobre el escenario, ambos grupos prometen un espectáculo sin precedentes que quedará marcado como uno de los grandes hitos musicales de la región.
Hay algo en la voz de Bahiano que no envejece: no porque el tiempo no pase, sino porque él decidió no quedarse a vivir en el pasado. Mientras muchos artistas terminan orbitando alrededor de su propia historia, él parece moverse en otra lógica: la de seguir haciendo, seguir probando, seguir dudando. En tiempos donde todo es inmediato, efímero y sobreexpuesto, su mirada va en dirección contraria: menos ansiedad por encajar, más búsqueda personal.
En una charla distendida, entre anécdotas, reflexiones y cierta ironía, aparece un Bahiano lúcido, que piensa la música como proceso más que como resultado, y que se permite incomodarse para no repetirse. La conversación atraviesa su forma de componer, el peso de la trayectoria, la relación con el público, el rechazo a la nostalgia y el desafío de seguir creando después de cuatro décadas.
“No me interesa el autoplagio: soy yo, no puedo ser otro”
—Después de tantos años, ¿cansa dar entrevistas y repetir siempre lo mismo? —No, no me jode. Lo que cansaba antes era todo el recorrido: ir a estudios, moverte todo el tiempo. Hoy con el Zoom es más simple. Después sí, hay periodistas más creativos que otros. Pero me gusta comunicar.
—¿Y en la música? ¿Cómo evitás repetirte, caer en el autoplagio? —Eso del “autoplagio” me parece medio feo. Uno es uno. No podés escapar de tu identidad. Las notas son las que son, no hay mucho más. Sí me molesta cuando me repito componiendo, sobre todo si estoy muy encima del proceso. Ahí es clave dejar aire, que las ideas decanten.
El proceso creativo del Bahiano: entre la intuición y el freno
—¿Cómo es hoy tu proceso de composición? ¿Cambió con el tiempo? —Al principio era más caótico, más desprolijo. Todos tocaban todo y era agotador. Con el tiempo aprendí a elegir, a decir que no. Y eso es fundamental.
—¿Y como solista? —Siempre necesité un coequiper. Trabajo hace años con Matías Zapata. Me entiende rápido, es ágil, y eso hace todo más liviano. Yo tiro ideas y él ya está grabando. Es clave esa conexión.
—¿Qué aparece primero: la letra o la melodía? —Generalmente la melodía. Siempre fue así. Después aparecen frases sueltas. Admiro a los que pueden escribir letras rápido, sin filtro. A mí me cuesta más, le doy más vueltas.
Bahiano: “Las canciones no tienen que explicarlo todo”
—¿Cómo encarás las letras hoy? —Me gusta dejar espacio para que la gente interprete. No decir todo de forma directa. Que cada uno lo lleve a su lugar.
—¿Y sobre qué estás escribiendo ahora? —Estoy viendo para dónde voy. El amor y el desamor siempre están, pero no estoy en un momento triste. Y muchas veces las mejores canciones salen de ahí. Así que estoy buscando el “anzuelo”, el disparador.
Trayectoria, edad y público: el equilibrio incómodo del Bahiano
—Después de 40 años, ¿cómo te posicionás frente a un público más joven? —Es raro, porque la mayoría de los consumidores de música son jóvenes. Yo tengo 63. Entonces te preguntás: ¿por dónde voy? ¿Hago algo más universal o algo más acorde a mi edad?
—¿Te nutrís de lo que escuchan tus hijos o las nuevas generaciones? —No tanto. Veo cosas, pero no estoy todo el tiempo actualizándome. Es imposible. Hay un tsunami de música. Prefiero quedarme con lo que me formó.
“La palabra nostalgia no me gusta nada”
—Tu carrera atraviesa generaciones. ¿Cómo lo vivís? —Me encanta ver gente joven en los shows. Eso me empuja a seguir. Lo que no me gusta es la palabra “nostalgia”. Me hace ruido. Es como si ya hubiera terminado todo, y no.
—Pero el público va a buscar los clásicos… —Sí, obvio. Y está bien. Las canciones nuevas necesitan tiempo. Pero yo canto lo que me sigue generando algo. No es automático.
El vivo como verdad
—¿Dónde está hoy la esencia del artista? —En el vivo. Ahí no hay truco. En el estudio podés corregir todo. En el escenario es lo que sale. Ahí se ve todo.
—¿Te apoyás mucho en tu banda? —Sí, totalmente. Me rodeo de buenos músicos. Eso te sostiene.
Industria, exposición y límites
—¿Cómo manejás la exposición en estos tiempos? —Me preservo. Hay un clima muy agresivo, muy polarizado. Yo tengo mis ideas, pero no necesito exponerlas. La gente viene a buscar otra cosa.
Bahiano: “Ya no tengo que demostrar nada”
—Después de todo lo recorrido, ¿sentís presión? —No. Me saqué ese peso. No tengo que demostrar nada. Si me gusta lo que hago, si me siento cómodo, lo muestro. Si no, no.
—¿Qué consejo le darías a tu yo del pasado? —Que siga. Que no mire para los costados. Que empuje.
Una definición propia
—Si tuvieras que definirte en una línea… —Un distinto.
Bahiano no habla desde la nostalgia ni desde la comodidad del “ya está todo hecho”. Habla desde un lugar más incómodo y, por eso mismo, más interesante: el de alguien que sigue buscando. En un contexto donde todo empuja a repetir fórmulas o a adaptarse a la inmediatez, su apuesta parece otra: sostener una identidad, aceptar las dudas y seguir creando sin garantías.
Porque, como él mismo dice, no hay fórmulas. Y tal vez ahí esté la clave.
Bahiano se presenta el 16 de mayo en Niceto Club
Bahiano continúa su recorrido por los escenarios en 2026 con un show renovado que celebra más de 35 años de trayectoria. Con una propuesta potente, actual y cargada de identidad, el artista repasa grandes clásicos como Pupilas Lejanas, Tarde Gris, Sin Cadenas y Óyelo, junto a material más reciente, manteniendo intacta la esencia reggae que lo convirtió en una de las voces fundamentales de la música latinoamericana.
Referente indiscutido del género, Bahiano construyó desde 2004 una sólida carrera solista con discos como BH+, Nómade, Original Roots, Mucha Experiencia y el álbum en vivo Pura Adrenalina, donde refleja la energía y la conexión única que logra en cada presentación.
En esta nueva etapa, Bahianoreafirma su vigencia con shows intensos, emotivos y festivos, acompañados por giras internacionales y colaboraciones junto a figuras del reggae mundial.
Un recorrido por sus raíces, su presente y la celebración permanente de la música como punto de encuentro.
El próximo 16 de mayo se presentará en Niceto Club, en una noche que promete convertirse en una verdadera fiesta reggae.
Gustavo Santaolalla se presentará el próximo 21 de septiembre a las 20:30 en el Teatro Colón con su Ronroco Tour, en un concierto que propone un recorrido emocional por uno de los trabajos más significativos de su trayectoria.
A 25 años de su lanzamiento, Ronroco vuelve a escena no como una pieza del pasado, sino como una obra viva. Publicado en 1998, el disco marcó un punto de inflexión en el lenguaje artístico de Santaolalla, con una estética íntima y despojada que redefinió su identidad sonora. Construido alrededor del instrumento andino que le da nombre, el álbum plantea un universo donde el silencio y la sutileza ocupan un lugar central.
Figura clave de la música contemporánea, Santaolalla cuenta con más de cinco décadas de trayectoria y un reconocimiento internacional sostenido. Ganador de dos premios Oscar a la Mejor Banda Sonora por Brokeback Mountain y Babel, además de múltiples premios Grammy y Latin Grammy, su obra se caracteriza por un cruce constante entre lo ancestral y lo moderno.
En perspectiva, Ronroco también funciona como punto de partida de su expansión hacia el lenguaje audiovisual. Su sensibilidad compositiva encontró continuidad en proyectos como The Last of Us, donde el minimalismo y la carga emocional se convierten en elementos narrativos centrales.
Luego de presentarse con este tour en Europa y Asia durante 2024 y 2025, el artista inicia en 2026 una gira por Latinoamérica que incluye esta fecha en Buenos Aires. La elección del Teatro Colón no es casual: el encuentro entre una obra íntima y uno de los escenarios más prestigiosos del mundo potencia la experiencia y suma una dimensión simbólica al concierto.
Gustavo Santaolalla – Ronroco Tour 📍 Teatro Colón (Tucumán 1171) 🗓️ 21 de septiembre – 20:30 hs 🎫 Entradas disponibles en TuEntrada.com y en la web oficial del teatro
Enrique Bunbury presenta De un siglo anterior, su décimo cuarto álbum de estudio y el segundo trabajo consecutivo enfocado en la exploración del folklore hispano y latinoamericano. Luego de Cuentas Pendientes (2025), el artista cierra una etapa marcada por la búsqueda de raíces y la relectura de tradiciones musicales del continente.
Grabado en febrero de 2025 y mezclado en agosto del mismo año en el Desierto de los Leones, México, el disco fue producido por el propio Bunbury junto a Ramón Gacías, con ingeniería de Daniel Bitrán en el Desierto Casa/Estudio. Para este proyecto, el músico vuelve a rodearse de una banda con fuerte impronta latinoamericana: el guitarrista chileno Sebastián Aracena, el contrabajista mexicano Luri Molina y el percusionista Johnny Molina, además de sus colaboradores habituales.
En lo conceptual, De un siglo anterior se detiene en los cambios de época: un mundo en transformación donde conviven fascinación e incertidumbre. Lejos de una mirada pesimista, el álbum propone preguntas más que respuestas, con una perspectiva abierta que evita juicios categóricos y deja lugar a cierto optimismo.
Con más de dos décadas de trayectoria desde sus inicios en Héroes del Silencio y una prolífica carrera solista, Bunbury se mantiene al margen de las tendencias, enfocado en una obra personal que prioriza la calidad compositiva, el trabajo sobre el sonido y el peso de las letras. Este nuevo lanzamiento funciona así como cierre de un ciclo artístico que dejó una serie de composiciones atravesadas por la tradición y la identidad cultural.
En paralelo, el artista anunció las fechas del Nuevas Mutaciones Tour 2026, con presentaciones en América y España. Varias ciudades ya agotaron entradas, entre ellas Puebla, Ciudad de México, Guadalajara y Zaragoza.
El tour contará con una banda ampliada de diez músicos, entre los que se destacan Robert Castellanos en bajo, Ramón Gacías en batería, Jorge “Rebe” Rebenaque en teclados, Jordi Mena en guitarras y una sección de vientos y cuerdas que promete renovar el sonido en vivo.
Show en Buenos Aires de Bunbury 📍 Movistar Arena 🗓️ 4 de noviembre 🎫 Entradas a la venta próximamente
Con este lanzamiento, Bunbury no solo suma un nuevo capítulo a su discografía, sino que también pone punto final a una etapa estética clara, dejando abierta la incógnita sobre su próximo movimiento.
Camionero lanza su tercer álbum de estudio, “Pruebas de Contacto”, y lo presentará en vivo el sábado 23 de mayo a las 21 hs en el Teatro Flores. Las entradas ya están disponibles a través de Passline, con un beneficio especial: quienes compren su ticket podrán acceder al disco físico antes de su salida oficial en plataformas digitales.
Este lanzamiento marca un punto clave en la evolución del grupo, que viene consolidándose dentro de la escena independiente con una propuesta sólida, autogestionada y en constante crecimiento. Con “Pruebas de Contacto”, Camionero redobla su apuesta artística y plantea un trabajo que combina la crudeza del rock con una fuerte impronta conceptual, centrada en los vínculos humanos y la necesidad de conexión en tiempos atravesados por tensiones sociales y personales.
“Pruebas de Contacto”: un disco que apuesta a la conexión
El tercer álbum de Camionero no es solo una colección de canciones: funciona como una experiencia integral. A lo largo de sus diez temas, la banda construye un recorrido donde el sonido y el concepto dialogan de forma directa.
El eje central del disco es el contacto: la relación entre las personas, la energía del encuentro y la música como vehículo de conexión. En ese marco, las canciones se mueven entre la intensidad y la introspección, con una identidad sonora que evita zonas cómodas y apuesta por un lenguaje propio.
“Pruebas de Contacto” se inscribe dentro de una tradición del rock que prioriza la experiencia antes que la fórmula. Hay una búsqueda constante de tensión, de movimiento, de incomodidad incluso, que termina siendo uno de los rasgos más distintivos del álbum.
Producción y sonido: un equipo de alto nivel
El disco fue grabado en estudios de referencia como Estudio Coco, Estudio Romaphonic y Estudio Velozet, bajo la producción de Dylan Lerner, quien ha trabajado con artistas como Louta, Wos, Juanse, Andrew Oldham y Santiago Motorizado.
La participación de Lerner aporta una mirada contemporánea al sonido de la banda, potenciando su identidad sin perder la esencia cruda que caracteriza a Camionero. El resultado es un álbum con una producción cuidada, pero que conserva la energía orgánica del rock.
La masterización estuvo a cargo de Brian Lucey, reconocido internacionalmente por su trabajo con Depeche Mode, The Black Keys, Arctic Monkeys y Liam Gallagher. Este detalle no es menor: le da al disco un estándar sonoro competitivo a nivel global.
Show en Teatro Flores: fecha clave en su recorrido
La presentación oficial de “Pruebas de Contacto” será el sábado 23 de mayo en el Teatro Flores, uno de los espacios más representativos del circuito rockero porteño. El show no solo servirá para estrenar el nuevo material en vivo, sino que también marcará el inicio de una nueva etapa para la banda.
Camionero tiene una fuerte reputación en vivo, donde logra trasladar la intensidad de sus canciones a una experiencia colectiva. En ese contexto, el recital en Flores se perfila como una fecha central para su público, que viene acompañando el crecimiento del proyecto.
Preventa especial: acceso anticipado al disco físico
Uno de los puntos más destacados de este lanzamiento es la estrategia de cercanía con los fans. Quienes compren entradas a través de Passline podrán retirar el disco físico antes de su estreno oficial en plataformas digitales.
Este acceso anticipado convierte al público en parte activa del lanzamiento, reforzando la lógica de comunidad que la banda viene construyendo desde sus inicios. Los puntos de retiro serán informados a través de los canales oficiales del grupo.
Autogestión y crecimiento dentro de la escena independiente
Desde sus comienzos, Camionero se sostiene desde la autogestión. Sin estructuras tradicionales de la industria, el grupo fue construyendo su camino a base de shows, una identidad clara y un vínculo directo con su audiencia.
Ese modelo no solo se mantiene en “Pruebas de Contacto”, sino que se profundiza. El disco funciona como una confirmación de esa lógica: independencia creativa, coherencia estética y una apuesta constante por el contacto real con el público.
Una identidad que trasciende la música
El proyecto de Camionero va más allá de lo estrictamente musical. La banda está integrada por Joan Manuel Pardo (guitarra, voz, composición) y Santiago Luis (batería, voz, composición), quienes construyeron un lenguaje propio que escapa a etiquetas tradicionales del rock.
A su alrededor se articula una comunidad creativa conocida como “El acoplado”, que incluye artistas, tatuadores, recicladoras textiles y otros proyectos. También forma parte la “Rueda de auxilio”, un conjunto solidario que refuerza el costado colectivo del grupo.
Este entramado convierte cada show en una experiencia que combina música, arte y comunidad. En ese sentido, Camionero no es solo una banda, sino una plataforma cultural en expansión.
Un disco que marca una nueva etapa
“Pruebas de Contacto” se presenta como un punto de inflexión en la carrera de Camionero. No solo por su propuesta sonora, sino por la claridad conceptual que atraviesa todo el proyecto.
Hay discos que funcionan como síntesis y otros como impulso. Este trabajo parece ubicarse en ese segundo grupo: empuja a la banda hacia un territorio más intenso, más definido y con mayor proyección.
El show del 23 de mayo en el Teatro Flores será la primera gran prueba de ese nuevo momento. Un espacio donde el contacto —tema central del disco— se vuelve real, directo y compartido.
Dónde comprar entradas
Las entradas para la presentación de “Pruebas de Contacto” ya están disponibles a través de Passline. La expectativa es alta, tanto por el lanzamiento del disco como por la experiencia en vivo que propone la banda.
Con este nuevo trabajo, Camionero reafirma su lugar dentro del rock independiente argentino y se proyecta hacia una etapa de mayor visibilidad, sin perder el eje que define su recorrido: la conexión genuina con su público.
El cantautor argentino Benjamín Amadeo presenta “Mil Disparos”, su nuevo single y videoclip, que funciona como segundo adelanto de su próximo álbum de estudio. El lanzamiento no llega solo: el artista también confirmó una gira 2026 con fechas en distintas ciudades de Latinoamérica y un show destacado el 5 de noviembre en el Teatro Gran Rex. Con este movimiento, Amadeo empieza a delinear una nueva etapa artística que combina profundidad emocional, identidad sonora y una propuesta conceptual más definida.
“Mil Disparos”: de qué trata la nueva canción de Benjamín Amadeo
“Mil Disparos” se construye sobre una idea clara: la contradicción emocional. La canción aborda ese momento en el que alguien afirma estar bien, pero internamente todo sigue en movimiento. Según el propio Amadeo, el tema gira en torno a la dificultad de sostener la indiferencia cuando todavía hay heridas abiertas.
La letra propone un recorrido introspectivo donde aparece el concepto de “loop emocional”: una repetición constante de pensamientos y sensaciones que llevan a volver, una y otra vez, a lo que duele. En ese sentido, la canción no busca resolver el conflicto, sino exponerlo con honestidad.
Este enfoque conecta con una tendencia creciente dentro del pop contemporáneo, donde la vulnerabilidad deja de ser un recurso estético para convertirse en el eje narrativo. Amadeo logra traducir esa complejidad en un lenguaje accesible, una de sus principales virtudes como compositor.
Sonido y referencias: el groove como base del tema
En el plano musical, “Mil Disparos” se apoya en un groove sutil que sostiene toda la estructura del tema. El propio artista reconoció la influencia de Man I Need, aunque reinterpretada desde una identidad local.
El resultado es una canción de pop argentino que equilibra dos dimensiones: por un lado, una atmósfera íntima y contenida; por otro, una energía rítmica que le da dinamismo. Ese contraste es clave para reforzar el mensaje de fondo: lo que parece calmo en la superficie, en realidad está cargado de tensión.
La producción estuvo a cargo de Gabriel Pedernera y Peter Akselrad, quienes lograron una sonoridad limpia pero emocionalmente potente. El trabajo en capas, la precisión en los arreglos y el uso del espacio sonoro permiten que la voz de Amadeo se mantenga en primer plano, reforzando el carácter confesional del tema.
El videoclip y el concepto visual
El lanzamiento de “Mil Disparos” está acompañado por un videoclip que amplía el universo conceptual de la canción. La pieza visual gira en torno a un símbolo concreto: un smiley face invertido. Esta imagen funciona como representación de un estado emocional disfrazado, una especie de máscara que refleja la idea de “estar bien” de manera performática.
El video trabaja sobre la tensión entre lo visible y lo oculto, una línea que también atraviesa la letra. A nivel estético, se percibe una búsqueda más definida en comparación con trabajos anteriores, lo que sugiere una evolución en la construcción de la identidad artística del músico.
Nuevo álbum: qué se sabe del próximo disco
“Mil Disparos” es el segundo adelanto del próximo álbum de Benjamín Amadeo, cuyo lanzamiento está previsto para los primeros días de agosto. Aunque todavía no se conocen todos los detalles, el material empieza a mostrar una dirección clara.
El nuevo disco se apoyará en una idea de nostalgia reinterpretada: no como simple evocación del pasado, sino como una reflexión sobre las expectativas que alguna vez existieron y cómo se transformaron con el tiempo. En palabras del propio artista, se trata de explorar “el mundo que imaginábamos y hoy ya es otra cosa”.
Este enfoque sugiere un álbum con fuerte carga conceptual, donde las canciones no solo funcionen de manera individual, sino también como parte de un relato más amplio.
Gira 2026: fechas confirmadas y show en el Gran Rex
Junto con el lanzamiento del single, Amadeo anunció una gira 2026 que lo llevará por distintas ciudades de la región. El recorrido incluye Lima (Perú), Córdoba, Santa Fe, Rosario, Montevideo y La Plata, entre otras plazas.
El punto central de esta serie de conciertos será su presentación en el Teatro Gran Rex el 5 de noviembre. Este show se perfila como uno de los más importantes de su carrera reciente, tanto por la capacidad del venue como por el momento artístico en el que se encuentra.
Las presentaciones en vivo serán clave para consolidar esta nueva etapa, ya que Amadeo suele trasladar con eficacia la carga emocional de sus canciones al escenario, generando una conexión directa con el público.
Benjamín Amadeo y su evolución dentro del pop argentino
A lo largo de su carrera, Benjamín Amadeo fue construyendo un perfil particular dentro de la escena musical argentina. Su propuesta combina elementos del pop, el rock y la canción de autor, con un fuerte énfasis en lo lírico.
En los últimos años, su crecimiento artístico se dio de manera sostenida, con una búsqueda cada vez más clara en términos de identidad. “Mil Disparos” confirma esa evolución: hay una mayor precisión conceptual, un sonido más definido y una intención narrativa más marcada.
En un contexto donde el pop tiende a fragmentarse en múltiples subgéneros, Amadeo apuesta por una línea propia que prioriza la emoción y la coherencia estética. Esa decisión lo posiciona como uno de los cantautores más consistentes de su generación.
Por qué “Mil Disparos” puede marcar un punto de inflexión
El lanzamiento de “Mil Disparos” no es solo un nuevo single: funciona como una declaración de intenciones. La canción sintetiza varios elementos que podrían definir el próximo capítulo de la carrera de Amadeo:
Una mayor exposición emocional
Un enfoque conceptual más sólido
Una producción musical refinada
Una estrategia clara de expansión en vivo
Si el resto del álbum mantiene esta línea, es probable que el proyecto marque un punto de inflexión en su discografía.
Dónde escuchar “Mil Disparos”
El nuevo tema ya está disponible en todas las plataformas digitales, acompañado por su videoclip oficial. Con este lanzamiento, Benjamín Amadeo no solo adelanta su próximo disco, sino que también activa una etapa que combina música, narrativa visual y presencia en vivo.
La expectativa ahora está puesta en el álbum completo y en cómo estas piezas individuales terminarán de encajar en un proyecto integral que promete consolidar su lugar dentro del pop argentino actual.
Los Cristos vuelve a la escena con “Perdón”, su más reciente lanzamiento y último adelanto antes de la salida de su próximo EP, previsto para mayo de 2026. El quinteto de Buenos Aires reafirma su identidad sonora con una combinación de rock alternativo y sensibilidad pop que se destaca desde los primeros acordes.
Con una base rítmica sólida, guitarras filosas y una melodía inmediata, “Perdón” se instala rápidamente como un track de alto impacto dentro del repertorio de la banda.
Una canción sobre el dolor, la memoria y la resiliencia
El nuevo single aborda la huida emocional y el reencuentro con uno mismo tras atravesar el dolor. La voz de Gonzalo Gallo guía el relato con una impronta directa: “Un amor, un recuerdo sin su voz, una calle sin color donde conoció el dolor”.
Sin embargo, el eje del tema aparece en su estribillo: “Creo que todo va a estar bien”.
Ese mensaje funciona como un mantra que transforma la angustia en una mirada optimista, donde pedir perdón se convierte en un paso necesario para sanar y seguir adelante.
Influencias y sonido: rock alternativo con raíz noventosa
Formada por Gonzalo Gallo (voz y guitarra), Matías “Mono” Cugat (guitarra), Martiniano Tacacho (bajo), Javier Falbo (guitarra) y Lucas Menna (batería), Los Cristos combina influencias que van del punk rock al rock alternativo de los 90 y 2000.
El single fue grabado y mezclado en CBMC Records por Matías Cugat, con masterización de Marc Mastering y producción conjunta entre Gallo y Cugat, consolidando un sonido potente y definido.
Como parte de esta nueva etapa, la banda se presentará el sábado 9 de mayo a las 21 hs en Niceto Club (Humboldt 1358, Palermo), uno de los espacios clave de la escena porteña.
El show será una oportunidad para escuchar en vivo “Perdón” junto a otras canciones que anticipan su próximo material discográfico.
Los Cristos nació en Buenos Aires a mediados de 2022, construyendo su camino en el circuito underground. Su debut en vivo fue como invitados de 2 Minutos en el Teatro Vorterix, marcando un punto de partida relevante.
Con tres canciones ya editadas y su primer disco en proceso para 2026, el grupo se posiciona como una de las propuestas emergentes con mayor proyección dentro del rock argentino.
Con “Perdón” como carta de presentación, Los Cristos consolidan un estilo propio y proyectan un crecimiento sostenido. Entre la energía del punk rock y la introspección del rock alternativo, el grupo se perfila como una futura referencia dentro de la nueva escena nacional.
Soul, gospel y blues en estado puro: la banda presenta adelantos de “King Sessions” con dos fechas en Palermo.
Dallas Ponce & The Salmonettes regresa a los escenarios porteños con dos presentaciones en Lucille Bar, donde adelantará temas de su próximo disco y repasará parte de su repertorio más representativo. Las citas son el sábado 2 de mayo y el viernes 5 de junio, desde las 22.30 hs, en formato íntimo y con entrada “al sobre”.
Con una propuesta que cruza soul, gospel, blues y rhythm & blues, el grupo se consolidó como una referencia local dentro de la música afroamericana. En vivo, la experiencia se apoya en la potencia de las voces, los arreglos corales y una interpretación que busca mantener el espíritu original del género, pero con identidad propia.
El show llega en un momento clave: la banda se encuentra presentando material de “King Sessions”, su más reciente trabajo, donde profundiza su vínculo con el sonido gospel clásico. Este lanzamiento continúa la línea iniciada con su disco Do It Again, homenaje a The Staple Singers, y reafirma su búsqueda estética dentro de la tradición afroamericana.
A lo largo de su recorrido, el grupo también ha versionado a artistas fundamentales como Bob Dylan, The Beatles y Elvis Presley, integrando esos clásicos a un repertorio que combina historia y actualidad.
La dirección musical está a cargo de Marcelo Ponce y Viviana Dallas, con más de tres décadas dedicadas a la difusión del gospel y la música afroamericana en Argentina y el exterior. En escena, el proyecto se completa con un ensamble vocal y rítmico que potencia el formato en vivo.
Formación de Dallas Ponce & The Salmonettes
Viviana Dallas: voz
Marcelo Ponce: guitarra y voz
Paloma Scassano: voz
Camila Teodori: voz
Sebastián Casaccio: contrabajo
Martín Acuevide: batería y percusión
En un circuito donde no abundan propuestas de este estilo, Dallas Ponce & The Salmonettes ofrece un show distinto dentro de la escena porteña: cercano, intenso y centrado en las voces. Con capacidad limitada y una dinámica de entrada accesible, las fechas en Lucille Bar apuntan a convertirse en una experiencia directa con el público.
Coordenadas
Fechas: sábado 2 de mayo y viernes 5 de junio
Hora: 22.30 hs
Lugar: Lucille Bar
Entrada: al sobre
Reservas: WhatsApp (+54 9 11 5748-1698), de miércoles a domingo de 12 a 20 hs
