Con una comunidad creciendo fuerte en redes incluso antes de debutar oficialmente, Moonline la banda integrada por Malena Vexina, Camila Dalto, Isabella Chizzini y Luciana Debenedetti aparece como una de las apuestas más inesperadas de la nueva escena argentina: una Girlband que quiere revivir algo que se perdió hace tiempo, componer y crear arte con instrumentos.
Lucas Dalto, empresario, referente digital y una de las mentes asociadas al éxito del fenómeno K4OS, vuelve, pero ahora apostando fuerte por Moonline, siendo su actual director, despertando interés por la industria e incendiando las redes con millones de views, incluso antes del lanzamiento de su primera canción, que fue esperada por todo su fandom. Este nuevo grupo no llega para repetir una fórmula: llega para romperla desde otro ángulo. Instrumentos, intensidad y mucho fuego.
Y justamente así se llama su primer lanzamiento: “ARDE”.
Su debut puede leerse como una declaración de identidad. No solo arde una historia; arde una etapa. Arde la necesidad de diferenciarse. Arde la idea de que una banda femenina argentina puede ser masiva sin sonar igual a lo que ya funcionó antes.
En un momento donde casi todo parece descartable, Moonline debuta con un videoclip de gran producción apostando por algo distinto: canciones, personalidad e integrantes femeninas que sobresalen de talento con una energía que muchos ya empiezan a señalar como una posible vuelta del rock al centro de la escena joven.
Mariana Taurozzi y Lynette Ladelfa, integrantes de K4OS, el grupo del momento, se manifestaron públicamente a favor de Moonline a través de tweets virales, lo que aumenta la expectativa del grupo, que ya empieza a perfilarse como uno de los proyectos musicales de mayor interés en redes.
De los casetes grabados en la primavera alfonsinista al pogo más grande del mundo en River. Un recorrido íntimo por la fiebre ricotera, donde las letras del Indio Solari se convirtieron en el soundtrack de una vida y la historia de una banda mítica se entrelazó con los momentos más importantes de toda una generación.
Por Daniel Accornero
El tipo que más me hizo reflexionar durante mi adolescencia. Aquel que me hizo poder pensar y dudar todo. Cuando en la primavera alfonsinista, con apenas 13 años, empecé a escuchar a esa banda que me recomendó un amigo con más recorrido, no sabía que era de otra época. Venía del futuro y hablaba desde el pasado.
Época de pasarnos casetes, de intentar grabarlos a cualquier costo, de pedir los vinilos de Gulp, Oktubre y El Baión para pasarlos a cinta. Ahí, entre el ruido blanco y la estática, aprovechaba para apreciar el arte de tapa de Rocambole y descifrar letras complejas. En ese desciframiento, el Indio Solari me dijo que la violencia nace y se manifiesta desde la mentira. Me dijo que uno se hunde en su propia herida. Me enseñó a hablar del amor y también a sufrirlo.
El bautismo de fuego llegó a fines de octubre de 1989. Satisfaction Pub, Bernardo de Irigoyen al 1400, Constitución. Presentación de Bang! Bang! Estás liquidado. Sacamos la entrada en la puerta, con la particularidad de que la vendían a través de la ventanilla de un micro escolar. Decían que una de las que cobraba era la Negra Poly. Otros tiempos, sin tecnología, sin masividad. Que la suerte de principiante no falla, pero el que abandona no tiene premio. Y nosotros no abandonamos. Nos pegó tanto ver a ese frontman magnético que se nos impregnó de inmediato la fiebre ricotera.
A través de los años fuimos peregrinando. Los Obras, el día después de la muerte de Walter Bulacio… Me enseñó que seremos vencidos y también vencedores, aunque esto último cuesta vida.
Y luego, el recordado show al aire libre en las canchas de hockey. 25.000 ricoteros. El escenario «flameaba» ante la locura colectiva, suspendido a la mitad. Recuerdo caminar por avenida Libertador con amigos deambulando con ristras de chorizos como collares, helados y latas al por mayor, tras el desbande generalizado y los negocios arrasados. Me dijo que el diablo está en todas partes, pero que uno puede burlarlo. Y frente a la represión, me dijo de qué lado de la mecha hay que estar, porque el golfo no pasa de moda, solo cambia de coordenadas. Sentíamos que esos hombres con superpoderes y leyes bases hacen mucho daño.
El Centro Municipal de Exposiciones, Parque Sarmiento, Autopista Center… fueron los lugares sagrados donde la creciente masividad chocaba con el sonido. Que siempre habrá una pared, que le de esperanza al pueblo, que sabe interpretar, y en esas paredes estaban los murales de Rocambole. En el delirio de los pogos, en la liturgia de la calle, entendíamos sus advertencias crípticas y viscerales: Y que el perro nunca mira al cielo. Que nunca hagan caca en su jardín. Y que jugando al cordero te van a carnear.
Después llegaron los estadios. Huracán en 1994, Racing en 1998. Recuerdo cuando con un amigo de la infancia, en pleno éxtasis en Obras, nos decíamos a los gritos: «¡Hasta River no paramos!». Y casi 10 años después, eso se dio. Los shows en el Estadio River Plate, el 15 y 16 de abril de 2000, marcaron un hito.
Más de 150.000 personas en la gira de Último bondi a Finisterre. Allí, antes de tocar Ji ji ji, el Indio pronunció la frase que inmortalizó el momento en el imaginario popular: «Vamos a hacer lo que la prensa ha dado en llamar el pogo más grande del mundo».
Pero todo ciclo tiene su ocaso. Dolió la separación posterior. Se fue una parte de la adolescencia, de los momentos compartidos con mi novia, luego esposa, y amigos. Esa liturgia hermosa de comprar la entrada y esperar el día como si no hubiese un mañana. Uf… empezando por el final, sabe que queda cuerda y quedan cosas inconclusas.
La parte solista del Indio Solari no la acompañé con la misma asiduidad en vivo, pero sí escuchando y analizando cada tema. A veces, no siempre sé muy bien sobre qué pierna bailo, porque el día a día trae desafíos nuevos. La vida adulta pesa, pero que el alma vibra, sabe que todavía puede, aunque el cuerpo ya no acompañetanto.
Hoy miro hacia atrás y encuentro medio consuelo en sus letras, medio letras a las canciones de mi vida. Porque uno piensa que termina con él, y en realidad recién acaba de empezar. Queda una obra que seguirá siendo escuchada, debatida y amada por generaciones que ni siquiera habían nacido cuando los Redondos tocaban en clubes de La Plata. Eso, en definitiva, es lo que distingue a los grandes: las mentes brillantes son eternas, y sus discípulos cantaremos canciones.
Carlos Alberto Solari, ex líder de los Redondos y figura mítica de la cultura popular, falleció esta mañana a los 77 años en su hogar de Ituzaingó como consecuencia del Parkinson que padecía desde hacía aproximadamente una década.
Argentina amaneció hoy de luto. Carlos Alberto «El Indio» Solari, uno de los artistas más influyentes y singulares que produjo el rock en este país, murió en las primeras horas de la mañana en su casa del partido de Ituzaingó, a los 77 años. La causa fue el avance de la enfermedad de Parkinson que lo aquejaba desde hacía aproximadamente diez años. La Unidad Fiscal 2 de Ituzaingó se presentó en el domicilio para constatar el deceso, y las autoridades descartaron cualquier otro motivo: según el parte policial, nada indicaba ni señalaba una causa diferente a la natural.
Con su muerte se cierra una etapa irrepetible de la historia cultural argentina. Solari fue mucho más que un músico: fue el arquitecto de una mitología colectiva que atravesó generaciones, clases sociales y geografías, y que convirtió al rock en un lenguaje para nombrar lo que otras palabras no podían.
El origen de una leyenda
Nacido el 17 de enero de 1949 en Paraná, Entre Ríos, Carlos Solari creció en un hogar de clase media y desde joven demostró inclinación por el arte, la literatura y las corrientes contraculturales que llegaban desde Europa y Estados Unidos. Su formación fue ecléctica: la poesía beat, el surrealismo, el dadaísmo y una sensibilidad profundamente argentina se mezclaron en su universo creativo con referencias a la mitología, la filosofía y el rock más experimental.
A mediados de los años setenta, en plena dictadura militar, fundó junto a Skay Beilinson la banda Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, en La Plata. La elección del nombre ya era una declaración de principios: absurda, hermética, irreverente. En un contexto de represión y censura, los Redondos construyeron un espacio underground de libertad que funcionaba como refugio para quienes no encajaban en ningún otro lado.
«La cultura rock siempre fue una grieta en el sistema. Los Redondos vivieron dentro de esa grieta, y el Indio fue quien la mantuvo abierta».
Los Redondos: independencia y masividad, una paradoja única
Lo que comenzó como un proyecto artístico marginal y deliberadamente alejado de la industria discográfica convencional se transformó, con el paso de los años, en el fenómeno de convocatoria más extraordinario del rock nacional. Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota grabaron sus primeros discos de forma independiente, distribuyéndolos por fuera de los canales tradicionales, y construyeron una base de seguidores —los «ricoteros»— con una lealtad y una identidad cultural pocas veces vista en la historia de la música popular argentina.
Álbumes como Gulp! (1985), Oktubre (1986), Un baión para el ojo idiota (1988), Luzbelito (1996) y Momo Sampler (2000), entre otros, dejaron una marca indeleble. Las letras del Indio, densas y llenas de imágenes que mezclaban jerga lunfarda, referencias filosóficas y una sensibilidad barrial y urgente, se convirtieron en parte del habla cotidiana de millones de personas. «La bestia pop», «Ji ji ji», «Jijiji», «Mi perro dinamita», «Nene nena» y decenas de otras canciones integran hoy el patrimonio inmaterial de la cultura popular argentina.
A finales de los noventa, los recitales de los Redondos pasaron de teatros a estadios y luego a espacios al aire libre que convocaban decenas de miles de personas.
La disolución y el dolor de un adiós que nunca cerró del todo
En 2001, en plena crisis argentina, los Redondos anunciaron su separación. La noticia golpeó a una fanaticada que ya vivía la banda como algo cercano a una religión laica. Las tensiones internas entre Solari y Skay Beilinson fueron parte del proceso, aunque ninguno de los dos abundó en explicaciones públicas. Para los ricoteros, el fin de la banda fue también el fin de una era.
Solari, sin embargo, no desapareció. Comenzó una carrera solista que, aunque tardó en arrancar, terminó por demostrar que su poder de convocatoria era personal y no solo colectivo. Acompañado por Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, armó un nuevo capítulo de su historia artística con álbumes como El tesoro de los inocentes (2004), Porco Rex (2007) y El perfume de la tempestad (2013).
Los últimos años del Indio Solari: el Parkinson y el retiro paulatino
Aproximadamente desde mediados de la década de 2010, la enfermedad de Parkinson comenzó a hacerse evidente en sus apariciones públicas. El temblor en las manos, las dificultades para moverse con la fluidez de antes, la voz afectada en sus últimas actuaciones: el deterioro fue gradual pero inexorable. A pesar de todo, el Indio siguió dando señales de vida: en los últimos años comunicó a sus seguidores a través de cartas abiertas y mensajes que circulaban en redes sociales, manteniendo ese estilo literario y cifrado que lo caracterizó siempre.
Su distancia de los medios masivos nunca fue total silencio: fue siempre una forma de decir. Cada aparición pública, por más breve que fuera, tenía el peso de un acontecimiento. En ese sentido, incluso la enfermedad fue parte de una figura construida sobre la base de la austeridad, la reserva y el misterio.
El reconocimiento académico que llegó tarde pero llegó
Uno de los últimos capítulos públicos de su vida estuvo marcado por el reconocimiento institucional que durante décadas le había sido esquivo o directamente ignorado. La Universidad de Buenos Aires le otorgó el doctorado Honoris Causa en un acto celebrado en el Aula Magna de la Facultad de Medicina. El Indio, que no pudo asistir en persona, envió un mensaje de agradecimiento que fue leído ante el público presente.
En ese mismo acto, Gaspar Benegas —guitarrista de Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado— interpretó junto a un octeto de cuerdas diez canciones del artista que fueron recibidas con ovaciones. Fue una de las últimas instancias en las que la figura del Indio convocó a una multitud.
Un legado sin parangón
Es difícil encontrar en la historia del rock latinoamericano una figura que haya logrado lo que logró Solari: construir un fenómeno de masas desde la independencia más radical, sin concesiones al mercado, sin videoclips en la televisión durante años, sin entrevistas en los grandes medios, sin la maquinaria promocional de las multinacionales discográficas. Los Redondos fueron, en ese sentido, una anomalía histórica: una banda que se volvió enorme por la fuerza de su música y la intensidad de la experiencia de sus recitales.
Su influencia en el rock argentino posterior es incalculable. Bandas como Las Pastillas del Abuelo, El Bordo, Nonpalidece y decenas de proyectos más llevan la marca de los Redondos en su ADN. Pero su legado va más allá de la música: las letras del Indio funcionaron para muchos como una iniciación literaria, una forma de entrar en contacto con la poesía, el pensamiento crítico y una mirada oblicua sobre la realidad argentina.
Carlos Alberto Solari deja una obra que seguirá siendo escuchada, debatida y amada por generaciones que ni siquiera habían nacido cuando los Redondos tocaban en clubes de La Plata. Eso, en definitiva, es lo que distingue a los grandes: que su partida no los apaga, sino que los vuelve eternos.
El Zarse consolida como una de las bandas jóvenes más convocantes del rock argentino y latinoamericano. En 2026, tras el éxito de «Rojo Rubí», presentan «Sigo Esperando», su último lanzamiento que marca un regreso a las raíces acústicas y emocionales del proyecto.
Con más de 1.2 millones de oyentes mensuales en Spotify, la banda liderada por Facundo Castaño Montoya y Pablo Jiménez continúa expandiendo su propuesta musical por Argentina y Latinoamérica.
«SIGO ESPERANDO»: UN VIAJE ÍNTIMO DESDE LA PATAGONIA
Tras el lanzamiento de «Paradiso» (2025), su quinto álbum de estudio, El Zar explora nuevos caminos sonoros sin perder su identidad característica. «Sigo Esperando» propone una vuelta a lo esencial: una canción íntima, acústica y cargada de emoción.
Detalles de la producción:
Composición: Verano 2026, Patagonia argentina
Producción: Buenos Aires, junto a Nicolás Btesh
Sonoridad: Cálida, cercana y profundamente emotiva
Género: Rock argentino / Pop rock acústico
TRAYECTORIA DE EL ZAR: 6 ÁLBUMES Y UNA CARRERA ASCENDENTE
La banda argentina viene consolidándose hace años como referente del pop rock argentino y latinoamericano de las nuevas generaciones. Su disco «Paradiso» (2025) marcó un hito en su carrera, y ahora con «Sigo Esperando» reafirman su presente artístico.
Discografía completa:
CÍRCULOS (2016)
A LOS AMIGOS (2018)
PURA CASUALIDAD (2020)
RIO HOTEL (2022)
EN VIVO EN EL GRAN REX (2023)
PARADISO (2025)
🏆 Hit destacado: El single «LA DECLARACIÓN» rompió récords de escuchas en todas las plataformas digitales, convirtiéndose en el tema insignia de la banda.
EL ZAR EN NÚMEROS
🎵 +1.2M oyentes mensuales en Spotify
6 álbumes editados
🌎 Presencia en Argentina y Latinoamérica
🎤 Una de las bandas jóvenes más convocantes del rock argentino
MATERIAL DE PRENSA Y CONTACTO
📥 [DESCARGAR MATERIAL DE PRENSA] 📧 Contacto de prensa: [email] 📱 Redes sociales: [@elzaroficial]
SOBRE EL ZAR
El ZAR es un grupo liderado por Facundo Castaño Montoya y Pablo Jiménez, reconocidos exponentes del rock argentino contemporáneo. Con una propuesta que combina melodías emotivas y letras profundas, la banda ha logrado conectar con miles de fans en toda Latinoamérica, posicionándose como una de las propuestas más relevantes de la nueva generación del pop rock argentino.
El Kuelgue presentó oficialmente “Díscolo”, su nuevo álbum de estudio, ya disponible en todas las plataformas digitales. El trabajo reafirma la identidad sonora de una de las bandas más originales de la escena argentina actual y llega acompañado por el anuncio de un nuevo show en el Movistar Arena de Buenos Aires.
Con una propuesta que abraza lo imperfecto y lo espontáneo, “Díscolo” pone el foco en el pulso humano, los detalles y la construcción artesanal de las canciones. El disco recorre distintos climas y estilos, manteniendo la impronta ecléctica que caracteriza al grupo liderado por Julián Kartun.
Cómo es “Díscolo”, el nuevo disco de El Kuelgue
En este sexto álbum de estudio, El Kuelgue apuesta por arreglos cuidados y una sonoridad orgánica que evita fórmulas rígidas. “Díscolo” construye un universo musical variado, donde conviven la canción, el humor, la sensibilidad y la experimentación.
El disco cuenta además con colaboraciones destacadas de No Te Va Gustar, El Kanka y Chango Spasiuk, ampliando todavía más la diversidad sonora del proyecto.
Lejos de perseguir una perfección técnica, “Díscolo” encuentra su fuerza en la identidad y la autenticidad, consolidando el presente artístico de la banda nacida en Villa Crespo.
El Kuelgue en el Movistar Arena: fecha y entradas
Como parte de la presentación oficial de “Díscolo”, El Kuelgue volverá a tocar en Villa Crespo el próximo 13 de agosto en el Movistar Arena, uno de los escenarios más importantes de la Ciudad de Buenos Aires.
Después de agotar funciones en años anteriores, la banda regresa a su barrio con un show que promete combinar música, teatralidad, puestas visuales y momentos inesperados, elementos que ya forman parte de su sello en vivo.
@agustindusserre @arnedonacho
Datos del show
Fecha: 13 de agosto
Lugar: Movistar Arena
Dirección: Humboldt 450, Villa Crespo, Buenos Aires
Beneficio: 6 cuotas sin interés con Visa Banco Galicia
Las entradas ya se encuentran a la venta a través del sitio oficial del Movistar Arena.
Campedrinos confirma su momento más fuerte a nivel artístico y de proyección nacional con el lanzamiento de «Bailarina Carpera», el primer single y adelanto de «Zambas», su nuevo álbum conceptual que recorre el universo de las zambas románticas y carperas.
El estreno llega este 25 de mayo, una fecha patria que potencia el mensaje y la identidad de esta nueva etapa del dúo. Con una composición propia, festiva y bailable, «Bailarina Carpera» condensa la esencia de Campedrinos: folklore argentino con energía actual, pensado para conectar con públicos de todo el país y con nuevas generaciones. El tema abre el camino a «Zambas», un trabajo conceptual que se perfila como uno de los más ambiciosos del dúo.
🎸 Mate y Folklore Tour: una experiencia que celebra la raíz En agosto, septiembre y octubre, Campedrinos presentará el «Mate y Folklore Tour», una propuesta que celebra la raíz pero mira de frente al presente. Pensada como una experiencia más que un show, la gira invita a compartir la tradición como el mate: con apertura a nuevos sonidos y encuentro genuino con el público.
El tour recorrerá teatros de todo el país con sus canciones más representativas, nuevas versiones y momentos íntimos. Viene a consolidar lo que ya demostraron en vivo: su capacidad de acercar el folklore joven a audiencias masivas sin perder identidad.
📅 Fechas confirmadas del Mate y Folklore Tour 2026 de Campedrinos
AGOSTO: 1/08 – Córdoba – Espacio Quality 7/08 – San Juan – Espacio Hugo 8/08 – Mendoza – Teatro Mendoza 9/08 – Rosario – Teatro El Círculo 22/08 – Montevideo – Sala Camacuá 29/08 – Santa Fe – ATE Casa España 30/08 – Corrientes – Teatro Vera
SEPTIEMBRE: 4/09 – Santa Rosa – Teatro Español 5/09 – Bahía Blanca – Teatro Don Bosco 6/09 – Neuquén – Casino Magic 8/09 – Bariloche – Maux 9/09 – Puerto Madryn – Teatro Auditorium
11/09 – Trelew – Teatro Español 12/09 – Comodoro Rivadavia – Teatro María Auxiliadora 13/09 – Carmen de Patagones – Teatro España 17/09 – Jujuy – Teatro Mitre 18/09 – Salta – Casa de la Cultura 19/09 – Tucumán – Teatro Mercedes Sosa
OCTUBRE: 3/10 – Buenos Aires – Teatro Ópera (fecha especial de cierre) 🎟️ Entradas a la venta: www.campedrinos.com
🏆 Nominaciones a los Premios Gardel 2026 y un año de hitos
La industria acompaña este crecimiento. Campedrinos cuenta con dos nominaciones a los Premios Gardel de la Música 2026: Mejor Álbum Grupo Folklore por su disco Bipolar Mejor Canción en Vivo por «La Taleñita» en vivo con Milo J, dentro del proyecto Falklore
Los reconocimientos llegan tras un año de hitos imparable: ✅ Ganadores del Premio Consagración en Cosquín 2026 ✅ Paso consagratorio por el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, donde «domaron al monstruo» ✅ Más de 150 millones de reproducciones en plataformas digitales ✅ Cruces históricos en el Teatro Ópera con Milo J, Nahuel Pennisi y Natalie Pérez
Con «Zambas» en camino y la gira nacional confirmada, Campedrinos se afirma como la propuesta que más está tendiendo puentes entre la tradición del folklore y las nuevas generaciones. Su fórmula es clara: respeto por la raíz, sonoridades actuales y una conexión genuina con el público que trasciende edades y geografías.
El dúo demuestra que el folklore argentino no solo puede convivir con los lenguajes contemporáneos, sino que puede liderar la escena musical masiva sin concesiones. «Bailarina Carpera» es solo el primer anticipo de lo que viene: un álbum conceptual que promete redefinir el género y consolidar a Campedrinos como referentes indiscutidos del folklore joven.
¿Cuándo sale «Zambas», el nuevo álbum de Campedrinos? «Bailarina Carpera», el primer single adelanto de «Zambas», se estrenó el 25 de mayo de 2026. La fecha completa de lanzamiento del álbum aún no fue anunciada oficialmente.
¿Dónde puedo comprar entradas para el Mate y Folklore Tour? Las entradas están disponibles en www.campedrinos.com. El tour incluye fechas en Córdoba, Mendoza, Rosario, Buenos Aires (Teatro Ópera el 3/10) y más de 20 ciudades del país.
¿Campedrinos tiene nominaciones a los Premios Gardel 2026? Sí. Campedrinos cuenta con dos nominaciones: Mejor Álbum Grupo Folklore por «Bipolar» y Mejor Canción en Vivo por «La Taleñita» junto a Milo J. ¿Cuántas reproducciones tiene Campedrinos en plataformas? El dúo superó los 150 millones de reproducciones en plataformas digitales, consolidándose como una de las propuestas de folklore joven más escuchadas de Argentina. ¿Campedrinos va a tocar en Uruguay? Sí. El Mate y Folklore Tour incluye una fecha en Montevideo el 22 de agosto en Sala Camacuá.
La energía vibrante del público fue inigualable, con cada acorde de Airbag resonando en las paredes del Vélez como un grito de celebración. Entre luces y efectos impactantes, los hermanos se conectaron con sus fans, creando una atmósfera electrizante que hizo temblar el suelo. Los clásicos se entrelazaron con nuevas melodías, llevando a todos en un viaje sonoro que dejó huella en la memoria colectiva. Sin duda, El Club de la Pelea II marcó un hito en la historia del rock nacional.
🎸 Una escenografía épica y el debut de “Reptiles” en vivo
Desde que anunciaron su regreso a la cancha de Liniers, la expectativa era máxima. Airbag no defraudó: un avión gigante y misiles sobre el escenario dominaron la puesta visual, elevando la experiencia a un nivel cinematográfico. Miles de seguidores transformaron Vélez en un pogo constante, acompañando cada acorde con una energía inagotable.
Uno de los picos emocionales llegó con el estreno en vivo de “Reptiles”, tema que debutó en el puesto #15 del Top 50 de Argentina en su primera semana y ya se consolidó como el himno de esta nueva etapa. Junto a “Blues del Infierno” y “Asuntos Pendientes”, la banda adelantó el universo sonoro de El Club de la Pelea II frente a un público completamente entregado.
🔥 Clásicos, conexión y más de dos horas de rock puro
Patricio, Guido y Gastón lideraron un repertorio pensado para que cada función sea única. Temas como “Anarquía en Buenos Aires”, “Jinetes Cromados” y los eternos himnos “Cae el Sol”, “Por Mil Noches” y “Solo Aquí” sonaron como ritual colectivo. La intensidad no bajó en ningún momento: más de dos horas de set donde el fuego, el pogo y la voz del estadio se fundieron en una sola celebración.
Airbag demostró, una vez más, por qué se posicionaron como una de las bandas de rock en español más contundentes del momento. Su dominio escénico y la conexión inquebrantable con el público fueron la columna vertebral de una noche que quedará grabada en la memoria de los asistentes.
🎫 ¿Cómo conseguir las últimas entradas para Airbag en Vélez?
Si no pudiste estar el 23, 24 o 30 de mayo, aún hay una última chance:
📅 31 de mayo: Última fecha en Estadio Vélez Sarsfield
💳 Beneficio: 6 cuotas sin interés con tarjetas BBVA
⚠️ Últimas localidades disponibles. La demanda es alta y se agotan rápidamente.
💡 Consejo Pogo de Rock: Ingresá al sitio unos minutos antes de la apertura de la venta, tené tu DNI y medio de pago cargados, y activá las notificaciones de la plataforma para no perder la oportunidad.
🌍 La gira 2026: Montevideo, Chile y el regreso a México
El tour no se detiene en Buenos Aires. Airbag ya tiene la mirada puesta en el exterior con fechas que muestran su expansión regional:
🇺🇾 Montevideo, Uruguay: 27 y 28 de junio en Antel Arena (27/06 agotado | 28/06 últimas entradas)
🇨🇱 Santiago, Chile: 26 de septiembre en Teatro Caupolicán
🇲🇽 Ciudad de México, México: Regreso confirmado en octubre al Pepsi Center
Tras su explosivo paso por el Vive Latino en marzo y una gira exitosa por el interior argentino (La Rioja, San Juan, San Luis, Catamarca y Santiago del Estero), la banda consolida su presencia en los principales mercados del rock latinoamericano.
📊 Airbag en números: el pico de una carrera imparable
El momento que vive Airbag no es casualidad. Los datos lo respaldan:
✅ 2025: 5 shows sold out en River Plate con más de 350.000 personas convocadas.
✅ Premios Gardel 2026: Nominación a “Mejor Álbum de Rock” por El Club de la Pelea I.
✅ Streaming: Más de 250 millones de reproducciones en un solo año.
✅ Industria: Entre las 10 bandas que más entradas vendieron en Latinoamérica durante 2025.
Con una propuesta en vivo cada vez más contundente y un catálogo que sigue creciendo, Airbag reafirma su liderazgo en el rock en español y deja claro que el pogo, la poesía y la potencia escénica siguen siendo su sello inconfundible.
¿Cuándo toca Airbag en Vélez por última vez? La última fecha en Estadio Vélez Sarsfield es el 31 de mayo de 2026. Las entradas se agotaron rápido, pero quedan últimas localidades disponibles en la web oficial.
¿Dónde comprar entradas para Airbag 2026? La venta oficial es a través de www.allaccess.com.ar. Se aceptan todos los medios de pago y hay 6 cuotas sin interés con tarjetas BBVA.
¿Qué canciones nuevas estrenó Airbag en Vélez? La banda presentó en vivo “Reptiles” (ya en el Top 50 de Argentina), “Blues del Infierno” y “Asuntos Pendientes”, todos parte de su próximo material El Club de la Pelea II.
¿Airbag va a tocar fuera de Argentina en 2026? Sí. La gira incluye Montevideo (27 y 28 de junio), Chile (26 de septiembre) y un regreso a México en octubre al Pepsi Center.
El mundo del rock perdió a uno de sus músicos emblemáticos. Dick Parry, el saxofonista británico que inmortalizó algunos de los solos más reconocibles de Pink Floyd, falleció este viernes 22 de mayo de 2026 a los 83 años. La noticia fue confirmada por su amigo y compañero de toda la vida, David Gilmour, guitarrista y vocalista de la legendaria banda.
David Gilmour rinde homenaje a su «querido amigo»
En un emotivo mensaje publicado en sus redes sociales, Gilmour expresó: «Mi querido amigo Dick Parry falleció esta mañana. Desde que tenía diecisiete años, he tocado en bandas con Dick en el saxofón, incluyendo Pink Floyd».
El músico destacó la calidad única de Parry: «Su sensibilidad y su tono hacen que su forma de tocar el saxofón sea inconfundible, una firma de enorme belleza que es conocida por millones y que forma parte fundamental de canciones como ‘Shine On You Crazy Diamond’, ‘Wish You Were Here’, ‘Us and Them’ y ‘Money'».
Un legado inmortal en la historia del rock
Richard «Dick» Parry, nacido el 22 de diciembre de 1942 en Suffolk, Inglaterra, se convirtió en una pieza clave del sonido característico de Pink Floyd durante su época dorada.
Canciones icónicas con su sello inconfundible:
Tema
Álbum
Año
Money
The Dark Side of the Moon
1973
Us and Them
The Dark Side of the Moon
1973
Shine On You Crazy Diamond
Wish You Were Here
1975
Wearing the Inside Out
The Division Bell
1994
Su estilo distintivo, capaz de alternar entre saxo tenor y barítono —incluso tocando ambos simultáneamente en escena—, se convirtió en una marca registrada que millones de fans reconocen al instante.
Una amistad de más de seis décadas
La relación entre Gilmour y Parry trascendió lo profesional. En su homenaje, el guitarrista compartió fotografías que retratan su larga trayectoria juntos, incluyendo una imagen de 1963 donde ambos tocaban con The ABC Minors en el Victoria Cinema de Cambridge.
«Aquí hay algunas fotos de él, incluyendo una de él y yo tocando para los ABC Minors en el Victoria Cinema de Cambridge en 1963», escribió Gilmour junto a un montaje fotográfico que recorre décadas de amistad y música compartida.
Retorno triunfal en los 90
Tras un período alejado de la música, Parry regresó a los escenarios gracias a una inesperada tarjeta de Navidad que envió a Gilmour en 1994. En una entrevista de aquella época, Gilmour recordó: «Dick había vendido sus saxofones y se había dedicado a herrar caballos. Pero me envió una carta… lo llamé para ver cómo estaba y me dijo que creía que tocaba mejor que nunca».
Tras una breve audición, Parry se reincorporó a la banda para la grabación de The Division Bell y la gira mundial posterior, además de participar en el histórico Live 8 de 2005, la única reunión completa de Pink Floyd en el siglo XXI.
Reacciones del mundo musical
La noticia del fallecimiento de Parry generó una ola de homenajes en redes sociales. Artistas como Graham Nash y productores reconocidos expresaron sus condolencias a Gilmour y a la familia del músico.
Fans de todo el mundo compartieron fragmentos de sus solos más memorables, recordando cómo el saxo de Parry elevó clásicos del rock a otra dimensión emocional.
¿Por qué Dick Parry es inolvidable?
✅ Sonido único: Su tono cálido y expresivo definió la atmósfera de álbumes conceptuales como The Dark Side of the Moon. ✅ Versatilidad: Dominaba tanto el saxo tenor como el barítono, adaptándose a las necesidades de cada composición. ✅ Conexión emocional: Sus solos no eran meros adornos, sino narrativas musicales que profundizaban el mensaje de las canciones. ✅ Lealtad artística: Acompañó a Gilmour en proyectos solistas y reuniones esporádicas de Pink Floyd durante más de 50 años.
Palabras clave relacionadas:
Dick Parry fallecimiento 2026
Saxofonista Pink Floyd muerto
David Gilmour homenaje Dick Parry
Money Pink Floyd saxo
The Dark Side of the Moon músicos
Rock clásico noticias mayo 2026
Portal Ciudad seguirá informando sobre los homenajes y tributos que se realizarán en honor a Dick Parry. Si eres fan de Pink Floyd, comparte tus recuerdos y tu tema favorito con su participación en los comentarios.
¿Cuál es el solo de saxo de Dick Parry que más te emociona? Déjanos tu opinión.
Con la fuerza del Rock N’ Roll, el R&B y el Soul como columna vertebral, «Shine»funciona como una declaración de principios de Fito Páez hacia el mundo que nos rodea. A través de 13 canciones nuevas, el rosarino ataca al entumecimiento social actual, construyendo un universo paralelo con identidades que militan abrazos, amistades y relaciones humanas fraternales.
Pero este material simboliza, sobre todo, el renacer de Fito. A comienzos de septiembre de 2025, el músico sufrió un accidente doméstico que lo llevó a una operación por la fractura de nueve costillas. Luego de largos meses de reposo absoluto y la cancelación de conciertos y grabaciones, la música —y este disco en particular— resignificó el poder de estar vivo, lúcido y aportando arte en esta vida.
Es por eso que en las composiciones de «Shine» conviven texturas sociales profundas con cariños y sensibilidades esperanzadoras, conformando un disco equilibrado que te invita a bailar, ser feliz y, a la vez, reflexionar sobre cómo estamos viviendo hoy.
A continuación, el análisis detallado de cada canción, con las letras que revelan el alma del álbum.
1. Hablame I
Duración: 3:50 | Tono: Piano y voz, intimista
Como apertura del lado A del vinilo, esta pieza instrumental con Fito solo al piano funciona como una invocación silenciosa. La ausencia de letra no es vacío: es espacio. El piano dibuja una melodía que pide diálogo en un mundo saturado de ruido. Es una puerta de entrada vulnerable, casi confesional, que prepara el terreno para lo que vendrá. Y al final, apenas un susurro: «Hablame».
Sostenida en un funk que invita a bailar, «Girl T-Rex» narra las peripecias de una muchacha en la ciudad de Buenos Aires, hoy. Pero ya no se cuenta tanto la ciudad, sino el mundo de hoy: con aires al Lennon producido por Phil Spector, trabajada con la crudeza de los años 70. La «Girl T-Rex» es una figura femenina poderosa, indomable, que resiste en un ecosistema hostil. Es el rock & roll como acto de supervivencia urbana.
3. Shine (Single)
Duración: 3:42 | Tono: Manifiesto rockero
El corazón del álbum. «Shine» es un grito de guerra generacional: «Salgan a las calles, desconéctense del feed», «¿Dónde mierda quedaron la alegría, los abrazos y la amistad?», «Tiren los teléfonos». Con un sonido que homenajea a John Lennon y Phil Spector, Fito critica la alienación digital y propone volver a lo esencial. No es nostalgia: es urgencia. La canción funciona como brújula ética para un tiempo desorientado.
Un reggae que invita a la reflexión sobre el lugar donde vivimos y cómo lo vivimos. La letra pinta escenas de ternura cotidiana:
«Mirá esos dos pibes / que se besan lento / entre la arena y la sal. / Hoy el mundo / es una hoguera inmensa / de vacío y soledad. / Estamos olvidándonos / de amar, amar, amar.»
«Nuestro templo» es también una expresión de deseo sobre cómo queremos vivir de acá en adelante. Fito evoca Rosario, el mar, el amor como resistencia: «Este planeta que gira es nuestro templo. / Quiero abrazarme a tu alma y a tu cuerpo». Es una invitación a sacar la careta, el ego, los millones y el disfraz: «La vida es un milagro, baby, / no la dejes escapar».
5. Prueba de amor
Duración: 3:53 | Tono: Balada rock con tensión dramática
Con esta canción, se abre un portal cuántico entre los Capuletos y Montescos, en la Verona del 1500, y se traslada a Rosario de hoy. Un registro ambicioso, en términos de tragedia amorosa. La «prueba» no es romántica en sentido convencional: es examen existencial. ¿Qué estamos dispuestos a arriesgar por el afecto genuino en tiempos de inmediatez? Fito no da respuestas fáciles, pero plantea la pregunta con la intensidad de quien sabe que el amor sigue siendo la única revolución posible.
«Río Místico» atraviesa el proceso de una persona que debe tomar decisiones para no volver atrás y no depender de nadie. De cómo surcar esa fina galería donde, si no te ayudás vos mismo, nadie lo va a hacer. La letra es un manifiesto de autonomía emocional:
«El amor no fue / lo que te esperabas. / Hoy toca morder el polvo, / nadie va a hacerlo por ti. / No aflojes, es ahí.»
Y luego, la liberación:
«Solo hay que arrojarse al vacío / y no esperar nada / de los demás. / Se trata de tu cuerpo divino, / se trata de que vuelvas a amar.»
El río como símbolo de purificación: «Las aguas del río místico / te lavarán, / renacerás, / te harán bien, / te encenderán». Fito dinamita puentes para no volver atrás: «Fue mi decisión, / nadie iba a hacerlo por mí».
7. Hablame II
Duración: 2:48 | Tono: Variación del tema inicial, puente narrativo
Segunda pieza instrumental con piano solo, que funciona como puente entre la introspección y la explosión. El motivo «Hablame» reaparece como insistencia, como recordatorio de que el diálogo sigue siendo el antídoto contra la soledad. La economía de recursos (duración breve, mínima intervención) indica que Fito usa estas piezas como hilos conductores, cosiendo el concepto del álbum.
8. Las Fuerzas Armadas del Amor
Duración: 3:39 | Tono: Épico, con sección de vientos, oda a la amistad
Una oda a la amistad, atravesada por el relato en primera persona del accidente en Madrid que sufrió Fito y del que pudo salir adelante en compañía de sus «fuerzas armadas del amor». El título es puro Fito: ironía militante, romanticismo combativo. ¿Puede el amor ser un ejército? Sí, cuando se trata de resistir, de acompañar, de sostener al otro en la caída. Con arreglos de vientos (Ervin Stutz, Alejo von der Pahlen, Santiago Benítez), esta pieza es uno de los momentos más grandilocuentes y emotivos del disco.
9. Planeta Azul
Duración: 4:34 | Tono: Epopeya cósmica, reflexión ecológica y humana
Uno de los momentos más climáticos del disco. «Planeta Azul» tiene característica de epopeya: la de los «bravos amantes, que piensan llegar hasta el fin». La Tierra vista desde lejos: frágil, única, amenazada. Fito aborda la crisis climática, la responsabilidad colectiva, la belleza vulnerable de nuestro hogar común. Pero no desde el pesimismo: desde la certeza de que el amor y la fraternidad son la única respuesta posible. Es la canción más política del álbum, pero también la más esperanzadora.
La redención o evaluación del pasado, presente y futuro se avecina con un deseo esperanzador: cruzarse en la esquina del sol y ser felices. Fito recupera su rol de cronista urbano, pintando escenas de barrio con ternura y melancolía. La «esquina de sol» es ese lugar donde la luz transforma lo cotidiano en epifanía. Es una invitación a creer que, pese a todo, la felicidad sigue siendo posible en los intersticios de la rutina.
La retrospectiva de vida ordena, pone las cosas en su lugar, le imprime el carácter de quien atravesó muchas experiencias sin dañar la esencia que se trae desde niño: resistir, pelear por vivir, como el honor de los lobos. La letra es un manifiesto de dignidad:
«La lealtad, la dignidad, / resistir, pelear por vivir: / así es el honor de los lobos. / Sucederá, sentirás poder, / brillarás, tendrás tu jardín.»
Y luego, la liberación tras el dolor:
«Ya se terminó, fue un largo adiós. / Hoy seré feliz, / ¿para qué fingir? / Mi espíritu abrió en San Valentín.»
Fito canta la resiliencia con crudeza y esperanza: «El mundo no me pudo vencer. / Yo puedo sentir / el honor de los lobos / que siguen de pie: / más bellos, más altivos, más solos».
Dedicada a Pablo Milanés, «Universo» tiene una melodía inspirada en su obra y piensa su figura en la cosmogonía universal. La letra es un viaje astral:
«Ah, la luz de Dios, / un resplandor, / la vida entera. / Ah, la muerte es / un renacer / a nuevas eras.»
Fito evoca constelaciones —«la Cruz del Sur, / Canis Mayor / y Casiopea / te saludarán / y abrigarán / en su belleza»— para hablar de la libertad de ser parte de todo: «Ser parte de todo / es la libertad, / es un mar de brillos, / es piedad atea». Y el cierre, conmovedor: «Eternamente, / Yolanda…». Una canción que trasciende lo terrenal para abrazar lo infinito.
13. Hablame III
Duración: 3:42 | Tono: Cierre circular, resolución, piano y voz
Como cierre total del lado B del vinilo, esta tercera pieza instrumental con Fito solo al piano cierra el ciclo. Al final, apenas una palabra: «Hablame». En algún punto, estos «Hablame», y esa maravillosa música que paradójicamente se siente en silencio, reflejan ese período de recuperación física y espiritual que tuvo que atravesar Fito, y que concluyó en «Shine». Ya no es súplica: es invitación madura. Es el cierre de un ciclo que comenzó con la vulnerabilidad y termina con la certeza de que la palabra compartida sigue siendo el antídoto contra la soledad.
Conclusión: Un Fito esencial
«Shine» no es un álbum de transición: es un punto de inflexión. Tras la complejidad conceptual de «Novela», Fito elige la claridad; tras el accidente, elige la vida; tras la era digital, elige el contacto humano.
Musicalmente, el disco recupera la potencia del rock clásico sin caer en la nostalgia: las guitarras de Juani Agüero, la base rítmica de Olivero y Baremberg, y los arreglos de vientos crean un sonido que es a la vez familiar y fresco.
Líricamente, Fito se muestra más directo que nunca: sin metáforas herméticas, con frases que funcionan como consignas. Pero esa claridad no es simplificación: es la sabiduría de quien sabe que, en tiempos de ruido, lo esencial debe decirse fuerte.
«Shine» es, en definitiva, el álbum de un artista que sobrevivió —física y creativamente— y decide usar su voz para iluminar, no para deslumbrar. Como dice el título: brillar, sí, pero para que otros también puedan ver.
Luego del impacto de “Paradiso” y una extensa gira internacional, El Zar vuelve a sorprender con el lanzamiento de “Rojo Rubí”, una nueva canción que reafirma el gran presente creativo de una de las bandas más importantes de la nueva escena del rock pop latinoamericano.
El single está disponible en todas las plataformas digitales.
“Rojo Rubí” combina la sensibilidad compositiva argentina con el sonido nostálgico y vintage característico de El Zar. La canción fue producida en Buenos Aires por la propia banda junto a Nicolás Btesh y compuesta durante el verano de 2026 en la Patagonia argentina.
Con un ritmo energético y una impronta pop bailable, el tema mezcla elementos modernos con letras y climas clásicos del rock argentino. Su historia aborda un amor incipiente, intenso y frágil, capaz de durar o desaparecer rápidamente.
Tras la enorme repercusión de “Paradiso”, El Zar vuelve a presentar material fresco y renovado, consolidando una identidad sonora cada vez más definida.
El Zar, una de las bandas más fuertes de la nueva generación
Liderado por Facundo Castaño Montoya y Pablo Giménez, El Zar se consolidó en los últimos años como una de las bandas referentes del pop rock argentino y latinoamericano.
Actualmente cuentan con más de 1.2 millones de oyentes mensuales en Spotify y una carrera en constante crecimiento.
La banda ya editó seis discos:
Círculos (2016)
A los Amigos (2018)
Pura Casualidad (2020)
Río Hotel (2022)
En Vivo en el Gran Rex (2023)
Paradiso (2025)
Además, el single “La Declaración” se convirtió en uno de los mayores éxitos del grupo, alcanzando cifras récord en plataformas digitales y transformándose en una de las canciones insignia de la banda.
