Hoy es un día histórico para el rock mundial.The Rolling Stones acaban de publicar Foreign Tongues, su muy esperado nuevo álbum de estudio a través de Polydor/Universal Music. Esta obra imponente no solo llega para sumar al legado de la banda de rock más legendaria del planeta, sino para demostrar que siguen marcando la pauta musical.
Esta vibrante colección de 14 temas aterriza en el mercado menos de tres años después de Hackney Diamonds. Aquel disco, aclamado por la crítica, ganador de un Grammy y multiplatino, encabezó las listas globales y dejó el listón altísima. Sin embargo, Foreign Tongues llega con energía renovada, explorando nuevos territorios sonoros y líricos sin perder el inconfundible ADN de los Stones.
BROOKLYN, NEW YORK Mick Jagger, Keith Richards and Ronnie Wood pose backstage during the exclusive launch event of The Rolling Stones new album “Foreign Tongues” at Weylin on May 5, 2026 in Brooklyn, NY. (Photo by Kevin Mazur/Getty Images for UMG)
Los adelantos: Desde el blues crudo hasta covers inolvidables
El álbum ya había comenzado a generar ruido con sus recientes sencillos y pistas clave:
«Jealous Lover»: El emotivo y más reciente sencillo de la banda.
«In The Stars»: Un tema animado y contagioso que marcó el primer adelanto.
«Rough and Twisted»: La pista de apertura, de marcado carácter blues y sonido crudo. Curiosamente, fue presentada originalmente bajo el nombre de The Cockroaches en un vinilo limitado de etiqueta blanca que hoy ya es una pieza de coleccionista.
Pero las sorpresas no terminan en el material original. A las doce composiciones inéditas se suman dos versiones magistrales: una extraordinaria interpretación de «You Know I’m No Good» de la inolvidable Amy Winehouse, y un sentido guiño a sus raíces con «Beautiful Delilah» de Chuck Berry, que cierra el álbum.
Las sesiones de Metropolis y el emotivo regreso de Charlie Watts
Foreign Tongues es el fruto de un periodo de creatividad excepcional. El disco cobró vida en menos de un mes en los estudios Metropolis, en el oeste de Londres. Mick Jagger, Keith Richards y Ronnie Wood volvieron a unir fuerzas con el productor ganador del Grammy Andrew Watt (artífice del sonido de Hackney Diamonds).
La base rítmica cuenta con sus colaboradores habituales: Darryl Jones, Matt Clifford y Steve Jordan. Sin embargo, el corazón del álbum late fuerte con una participación especial y profundamente emotiva: Charlie Watts. El legendario baterista aparece en el enérgico tema «Hit Me In The Head», grabado durante una de sus últimas sesiones en el estudio antes de su fallecimiento en 2021.
La lista de invitados de lujo también incluye a figuras como Paul McCartney, Steve Winwood, Robert Smith (The Cure) y Chad Smith (Red Hot Chili Peppers).
Las voces de los Stones: Jagger, Richards y Wood
Los protagonistas de esta nueva entrega no han dudado en compartir su entusiasmo por el resultado final:
Mick Jagger:«Me encantó hacer estas sesiones en Londres, en Metropolis. Fueron unas semanas muy intensas grabando Foreign Tongues. Teníamos 14 temas fantásticos y trabajamos tan rápido como pudimos. Me gusta la sala de grabación de allí; no es demasiado grande, así que puedes sentir la pasión de todos.»
Keith Richards:«El álbum Foreign Tongues guarda continuidad con Hackney Diamonds; fue fantástico volver a trabajar en Londres y sentir ese ambiente a nuestro alrededor. Fue un mes de energía intensa y concentrada. Para mí, lo importante es disfrutarlo. Me siento afortunado de poder hacer esto y ojalá dure mucho tiempo.»
Ronnie Wood:«El ambiente en la sala era muy creativo y toda la banda estuvo en plena forma. A menudo lográbamos el resultado perfecto a la primera toma. Espero que a todo el mundo le encante.»
Una portada a la altura de la leyenda
El arte visual de Foreign Tongues corre a cargo del aclamado artista estadounidense Nathaniel Mary Quinn. Sobre el trabajo, el pintor comentó: «Crear la portada del álbum para los Rolling Stones es un honor artístico: un diálogo con una de las fuerzas más perdurables de la historia cultural».
Tracklist completo de Foreign Tongues
Si eres de los que quiere conocer el orden exacto de esta nueva obra maestra, aquí tienes el listado oficial de las 14 canciones que componen el álbum:
Tres pioneros indiscutidos de la música se unen en un proyecto que promete marcar un antes y un después en la escena musical argentina. Mimi Maura,Hugo Lobo y Sergio Rotmanpresentan «Soul Reggae Vol 1», el primer capítulo de una colaboración ambiciosa que rinde homenaje a las canciones y sonidos que forjaron su identidad artística.
Un homenaje visceral a los clásicos del soul y reggae
Lejos de ser un simple disco de versiones, «Soul Reggae Vol 1» es una recreación visceral de clásicos del soul, el reggae y la música popular que influenciaron a estos tres referentes a lo largo de sus vastas trayectorias.
La profundidad interpretativa de Mimi Maura, la elegancia técnica y el pulso rítmico de Hugo Lobo, y la visión disruptiva de Sergio Rotman se amalgaman para ofrecer una lectura fresca y auténtica de piezas fundamentales de la música universal.
Este Volumen 1 marca el inicio de una serie de entregas donde la curaduría musical es la gran protagonista. Con el respeto de quienes conocen el oficio y la pasión de quienes siguen siendo fans de la música, este trío logra lo que pocos pueden: traer el pasado al presente con una fuerza renovada.
Tracklist completo de Soul Reggae Vol 1
El álbum incluye 10 canciones cuidadosamente seleccionadas, que abarcan desde clásicos de Bob Marley hasta versiones de temas menos conocidos pero igualmente influyentes:
🎵 Canciones del álbum:
Trenchtown Rock (B. Marley)
Walk Away (M. Chin-You / D. Bovell)
I’m Gonna Tell You Goodbye Babe (B. Andy)
The First Time Ever I Saw Your Face (Ewan MacColl)
This Strange Effect (Ray Davies)
Revolution Rock (D. Ray / J. Edwards)
Groovy Situation (Keith Rowe)
Walkin’ After Midnight (Alan Block / Donn Hecht)
When Will I See You Again (Kenny Gamble / Leon Huff)
Groove Me (King Floyd)
Ficha técnica: Los músicos detrás del sonido
El álbum cuenta con una producción de alto nivel y músicos invitados de primer nivel que enriquecen cada track:
🎸 Artistas principales:
Mimi Maura: Voz y coros
Hugo Lobo: Batería, trompeta, trombón, flugelhorn, teclados y bajo
Sergio Rotman: Saxo, guitarra y coros
🎤 Músicos invitados:
Miguel «Maikel» De Luna Campos: Solo de guitarra en track 5
Ramón Lobo: Guitarra en tracks 5, 8 y 9; bajo en track 9
Nicolás Uccello: Bajo en track 2
Facundo Canosa: Teclados en track 2
Kevin Fingier: Guitarra en track 1
Producción y grabación
📍 Estudio: Trovador Studio 🎚️ Ingeniero de grabación: Hugo Lobo 🎼 Producción musical: Hugo Lobo y Sergio Rotman 🔊 Mezcla y mastering: Kutral Dub
Más que un disco: una declaración de principios
«Soul Reggae Vol 1» no es solo un álbum, es una declaración de principios musicales y el comienzo de una saga que promete seguir explorando el vasto universo de las influencias que marcaron a toda una generación.
Hay encuentros que parecen predestinados por la historia, y este es, sin duda, uno de ellos. Tres artistas que han dejado huella en sus respectivos géneros se reúnen para crear algo único, demostrando que la música sigue siendo el lenguaje universal que conecta generaciones.
La referente del pop alternativo argentino y la destacada productora chilena se juntan por primera vez en un crossover de house y tecno pop que ya está disponible en todas las plataformas digitales.
A pocos meses del lanzamiento oficial de su próximo trabajo de estudio, Hana (Argentina) da un giro inesperado y bailable a su sonoridad. La artista se une a Mamacita (Chile) para dar vida al remix de «Un Sólo Parpadeo», un single que forma parte de su esperado nuevo álbum, que verá la luz a lo largo de este 2026.
El resultado es una fusión vibrante donde el housey el tecno pop crean la canción perfecta para la pista de baile y la noche, consolidando un puente musical entre la escena independiente de Argentina y el underground electrónico de Chile.
Un crossover transandino para la pista de baile
Lejos de ser una simple remezcla, esta colaboración marca la primera vez que Hana y Mamacita trabajan juntas, combinando la sensibilidad cantautora de la argentina con las raíces más crudas del house de Chicago que caracterizan a la chilena. El remix de «Un Sólo Parpadeo» ya se encuentra disponible en Spotify, Apple Music y todas las plataformas digitales, adelantando el tono experimental y danzable que promete el próximo disco de estudio de Hana.
Sobre Hana: Pionera y bisagra de la escena argentina
Nacida en Buenos Aires como Florencia Ciliberti, Hana es mucho más que una cantautora: es música, artista visual y gestora cultural. Su práctica se funda en la exploración multidisciplinaria y en el cruce constante entre la música, las artes y la performance.
Con su proyecto solista activo desde los años 2000, fue una de las pocas mujeres en una escena muy cerrada que, con talento y esfuerzo, logró destacarse. Su palmarés incluye un Premio Gardel, múltiples nominaciones, cinco discos y dos sencillos editados.
Hana ha sido una verdadera bisagra musical entre distintas generaciones, contando con colaboraciones de lujo en sus discos, desde Daniel Melero y Diego Tuñón (Babasónicos) hasta Goyo Degano (Bandalos Chinos) y el reconocido artista plástico Alfredo Prior.
Hitos de su carrera:
Fue la primera artista femenina solista de Argentina en formar parte del Festival Vive Latino en la Ciudad de México (en tres ediciones), abriendo camino para una escena que poco a poco se fue consolidando.
Se presentó en los festivales más importantes: Creamfields, Cosquín Rock, Personal Fest, Pepsi Music, BUE, Hot Festival, Quilmes Rock y Festival Nuestro.
Abrió shows históricos de Coldplay (Estadio Único de La Plata), Laurie Anderson, Julieta Venegas y Roxette.
En el terreno audiovisual, en 2025 estrenó su ópera prima «Otras formas», un documental sobre la música a través del campo del arte, exhibido en el Malba y seleccionado en el BAFICI. Recientemente, en febrero de 2026, participó en la semana del arte en México con una proyección en el mítico Cine Tonalá.
Sobre Mamacita: La fuerza del house chileno
Mamacita es una cantante, productora musical y DJ chilena que lleva más de 15 años en el corazón de la electrónica latinoamericana. Su camino comenzó alrededor de 2010 colaborando con Javiera Mena, y desde entonces se ha dedicado a cruzar sus propias letras y voces en español con la esencia más pura del house de Chicago.
En su destacado catálogo se encuentran:
El single«Tu Amor», trabajado junto a Persona RS y editado por el prestigioso sello británico Mr Bongo.
Su debut en vinilo, «No Eres Tú» para Huntleys & Palmers (que incluyó un remix de Ana Helder).
Sus propios remixes para DJs Pareja.
La versión colectiva de «Transition» de Underground Resistance junto a Violet, Nancy Whang, Coco Solid, A.M.O.R. y Nightwave para el International Women’s Day, conectando el underground global con la identidad local.
Actualmente, Mamacita está enfocada en su faceta de remixer, trabajando desde el estudio para reinterpretar tracks de otros artistas desde su perspectiva única como mujer chilena, lo que hace de esta colaboración con Hana un encuentro de mentes creativas en plena sintonía.
Con una comunidad creciendo fuerte en redes incluso antes de debutar oficialmente, Moonline la banda integrada por Malena Vexina, Camila Dalto, Isabella Chizzini y Luciana Debenedetti aparece como una de las apuestas más inesperadas de la nueva escena argentina: una Girlband que quiere revivir algo que se perdió hace tiempo, componer y crear arte con instrumentos.
Lucas Dalto, empresario, referente digital y una de las mentes asociadas al éxito del fenómeno K4OS, vuelve, pero ahora apostando fuerte por Moonline, siendo su actual director, despertando interés por la industria e incendiando las redes con millones de views, incluso antes del lanzamiento de su primera canción, que fue esperada por todo su fandom. Este nuevo grupo no llega para repetir una fórmula: llega para romperla desde otro ángulo. Instrumentos, intensidad y mucho fuego.
Y justamente así se llama su primer lanzamiento: “ARDE”.
Su debut puede leerse como una declaración de identidad. No solo arde una historia; arde una etapa. Arde la necesidad de diferenciarse. Arde la idea de que una banda femenina argentina puede ser masiva sin sonar igual a lo que ya funcionó antes.
En un momento donde casi todo parece descartable, Moonline debuta con un videoclip de gran producción apostando por algo distinto: canciones, personalidad e integrantes femeninas que sobresalen de talento con una energía que muchos ya empiezan a señalar como una posible vuelta del rock al centro de la escena joven.
Mariana Taurozzi y Lynette Ladelfa, integrantes de K4OS, el grupo del momento, se manifestaron públicamente a favor de Moonline a través de tweets virales, lo que aumenta la expectativa del grupo, que ya empieza a perfilarse como uno de los proyectos musicales de mayor interés en redes.
El Zarse consolida como una de las bandas jóvenes más convocantes del rock argentino y latinoamericano. En 2026, tras el éxito de «Rojo Rubí», presentan «Sigo Esperando», su último lanzamiento que marca un regreso a las raíces acústicas y emocionales del proyecto.
Con más de 1.2 millones de oyentes mensuales en Spotify, la banda liderada por Facundo Castaño Montoya y Pablo Jiménez continúa expandiendo su propuesta musical por Argentina y Latinoamérica.
«SIGO ESPERANDO»: UN VIAJE ÍNTIMO DESDE LA PATAGONIA
Tras el lanzamiento de «Paradiso» (2025), su quinto álbum de estudio, El Zar explora nuevos caminos sonoros sin perder su identidad característica. «Sigo Esperando» propone una vuelta a lo esencial: una canción íntima, acústica y cargada de emoción.
Detalles de la producción:
Composición: Verano 2026, Patagonia argentina
Producción: Buenos Aires, junto a Nicolás Btesh
Sonoridad: Cálida, cercana y profundamente emotiva
Género: Rock argentino / Pop rock acústico
TRAYECTORIA DE EL ZAR: 6 ÁLBUMES Y UNA CARRERA ASCENDENTE
La banda argentina viene consolidándose hace años como referente del pop rock argentino y latinoamericano de las nuevas generaciones. Su disco «Paradiso» (2025) marcó un hito en su carrera, y ahora con «Sigo Esperando» reafirman su presente artístico.
Discografía completa:
CÍRCULOS (2016)
A LOS AMIGOS (2018)
PURA CASUALIDAD (2020)
RIO HOTEL (2022)
EN VIVO EN EL GRAN REX (2023)
PARADISO (2025)
🏆 Hit destacado: El single «LA DECLARACIÓN» rompió récords de escuchas en todas las plataformas digitales, convirtiéndose en el tema insignia de la banda.
EL ZAR EN NÚMEROS
🎵 +1.2M oyentes mensuales en Spotify
6 álbumes editados
🌎 Presencia en Argentina y Latinoamérica
🎤 Una de las bandas jóvenes más convocantes del rock argentino
MATERIAL DE PRENSA Y CONTACTO
📥 [DESCARGAR MATERIAL DE PRENSA] 📧 Contacto de prensa: [email] 📱 Redes sociales: [@elzaroficial]
SOBRE EL ZAR
El ZAR es un grupo liderado por Facundo Castaño Montoya y Pablo Jiménez, reconocidos exponentes del rock argentino contemporáneo. Con una propuesta que combina melodías emotivas y letras profundas, la banda ha logrado conectar con miles de fans en toda Latinoamérica, posicionándose como una de las propuestas más relevantes de la nueva generación del pop rock argentino.
El Kuelgue presentó oficialmente “Díscolo”, su nuevo álbum de estudio, ya disponible en todas las plataformas digitales. El trabajo reafirma la identidad sonora de una de las bandas más originales de la escena argentina actual y llega acompañado por el anuncio de un nuevo show en el Movistar Arena de Buenos Aires.
Con una propuesta que abraza lo imperfecto y lo espontáneo, “Díscolo” pone el foco en el pulso humano, los detalles y la construcción artesanal de las canciones. El disco recorre distintos climas y estilos, manteniendo la impronta ecléctica que caracteriza al grupo liderado por Julián Kartun.
Cómo es “Díscolo”, el nuevo disco de El Kuelgue
En este sexto álbum de estudio, El Kuelgue apuesta por arreglos cuidados y una sonoridad orgánica que evita fórmulas rígidas. “Díscolo” construye un universo musical variado, donde conviven la canción, el humor, la sensibilidad y la experimentación.
El disco cuenta además con colaboraciones destacadas de No Te Va Gustar, El Kanka y Chango Spasiuk, ampliando todavía más la diversidad sonora del proyecto.
Lejos de perseguir una perfección técnica, “Díscolo” encuentra su fuerza en la identidad y la autenticidad, consolidando el presente artístico de la banda nacida en Villa Crespo.
El Kuelgue en el Movistar Arena: fecha y entradas
Como parte de la presentación oficial de “Díscolo”, El Kuelgue volverá a tocar en Villa Crespo el próximo 13 de agosto en el Movistar Arena, uno de los escenarios más importantes de la Ciudad de Buenos Aires.
Después de agotar funciones en años anteriores, la banda regresa a su barrio con un show que promete combinar música, teatralidad, puestas visuales y momentos inesperados, elementos que ya forman parte de su sello en vivo.
@agustindusserre @arnedonacho
Datos del show
Fecha: 13 de agosto
Lugar: Movistar Arena
Dirección: Humboldt 450, Villa Crespo, Buenos Aires
Beneficio: 6 cuotas sin interés con Visa Banco Galicia
Las entradas ya se encuentran a la venta a través del sitio oficial del Movistar Arena.
Campedrinos confirma su momento más fuerte a nivel artístico y de proyección nacional con el lanzamiento de «Bailarina Carpera», el primer single y adelanto de «Zambas», su nuevo álbum conceptual que recorre el universo de las zambas románticas y carperas.
El estreno llega este 25 de mayo, una fecha patria que potencia el mensaje y la identidad de esta nueva etapa del dúo. Con una composición propia, festiva y bailable, «Bailarina Carpera» condensa la esencia de Campedrinos: folklore argentino con energía actual, pensado para conectar con públicos de todo el país y con nuevas generaciones. El tema abre el camino a «Zambas», un trabajo conceptual que se perfila como uno de los más ambiciosos del dúo.
🎸 Mate y Folklore Tour: una experiencia que celebra la raíz En agosto, septiembre y octubre, Campedrinos presentará el «Mate y Folklore Tour», una propuesta que celebra la raíz pero mira de frente al presente. Pensada como una experiencia más que un show, la gira invita a compartir la tradición como el mate: con apertura a nuevos sonidos y encuentro genuino con el público.
El tour recorrerá teatros de todo el país con sus canciones más representativas, nuevas versiones y momentos íntimos. Viene a consolidar lo que ya demostraron en vivo: su capacidad de acercar el folklore joven a audiencias masivas sin perder identidad.
📅 Fechas confirmadas del Mate y Folklore Tour 2026 de Campedrinos
AGOSTO: 1/08 – Córdoba – Espacio Quality 7/08 – San Juan – Espacio Hugo 8/08 – Mendoza – Teatro Mendoza 9/08 – Rosario – Teatro El Círculo 22/08 – Montevideo – Sala Camacuá 29/08 – Santa Fe – ATE Casa España 30/08 – Corrientes – Teatro Vera
SEPTIEMBRE: 4/09 – Santa Rosa – Teatro Español 5/09 – Bahía Blanca – Teatro Don Bosco 6/09 – Neuquén – Casino Magic 8/09 – Bariloche – Maux 9/09 – Puerto Madryn – Teatro Auditorium
11/09 – Trelew – Teatro Español 12/09 – Comodoro Rivadavia – Teatro María Auxiliadora 13/09 – Carmen de Patagones – Teatro España 17/09 – Jujuy – Teatro Mitre 18/09 – Salta – Casa de la Cultura 19/09 – Tucumán – Teatro Mercedes Sosa
OCTUBRE: 3/10 – Buenos Aires – Teatro Ópera (fecha especial de cierre) 🎟️ Entradas a la venta: www.campedrinos.com
🏆 Nominaciones a los Premios Gardel 2026 y un año de hitos
La industria acompaña este crecimiento. Campedrinos cuenta con dos nominaciones a los Premios Gardel de la Música 2026: Mejor Álbum Grupo Folklore por su disco Bipolar Mejor Canción en Vivo por «La Taleñita» en vivo con Milo J, dentro del proyecto Falklore
Los reconocimientos llegan tras un año de hitos imparable: ✅ Ganadores del Premio Consagración en Cosquín 2026 ✅ Paso consagratorio por el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, donde «domaron al monstruo» ✅ Más de 150 millones de reproducciones en plataformas digitales ✅ Cruces históricos en el Teatro Ópera con Milo J, Nahuel Pennisi y Natalie Pérez
Con «Zambas» en camino y la gira nacional confirmada, Campedrinos se afirma como la propuesta que más está tendiendo puentes entre la tradición del folklore y las nuevas generaciones. Su fórmula es clara: respeto por la raíz, sonoridades actuales y una conexión genuina con el público que trasciende edades y geografías.
El dúo demuestra que el folklore argentino no solo puede convivir con los lenguajes contemporáneos, sino que puede liderar la escena musical masiva sin concesiones. «Bailarina Carpera» es solo el primer anticipo de lo que viene: un álbum conceptual que promete redefinir el género y consolidar a Campedrinos como referentes indiscutidos del folklore joven.
¿Cuándo sale «Zambas», el nuevo álbum de Campedrinos? «Bailarina Carpera», el primer single adelanto de «Zambas», se estrenó el 25 de mayo de 2026. La fecha completa de lanzamiento del álbum aún no fue anunciada oficialmente.
¿Dónde puedo comprar entradas para el Mate y Folklore Tour? Las entradas están disponibles en www.campedrinos.com. El tour incluye fechas en Córdoba, Mendoza, Rosario, Buenos Aires (Teatro Ópera el 3/10) y más de 20 ciudades del país.
¿Campedrinos tiene nominaciones a los Premios Gardel 2026? Sí. Campedrinos cuenta con dos nominaciones: Mejor Álbum Grupo Folklore por «Bipolar» y Mejor Canción en Vivo por «La Taleñita» junto a Milo J. ¿Cuántas reproducciones tiene Campedrinos en plataformas? El dúo superó los 150 millones de reproducciones en plataformas digitales, consolidándose como una de las propuestas de folklore joven más escuchadas de Argentina. ¿Campedrinos va a tocar en Uruguay? Sí. El Mate y Folklore Tour incluye una fecha en Montevideo el 22 de agosto en Sala Camacuá.
Con la fuerza del Rock N’ Roll, el R&B y el Soul como columna vertebral, «Shine»funciona como una declaración de principios de Fito Páez hacia el mundo que nos rodea. A través de 13 canciones nuevas, el rosarino ataca al entumecimiento social actual, construyendo un universo paralelo con identidades que militan abrazos, amistades y relaciones humanas fraternales.
Pero este material simboliza, sobre todo, el renacer de Fito. A comienzos de septiembre de 2025, el músico sufrió un accidente doméstico que lo llevó a una operación por la fractura de nueve costillas. Luego de largos meses de reposo absoluto y la cancelación de conciertos y grabaciones, la música —y este disco en particular— resignificó el poder de estar vivo, lúcido y aportando arte en esta vida.
Es por eso que en las composiciones de «Shine» conviven texturas sociales profundas con cariños y sensibilidades esperanzadoras, conformando un disco equilibrado que te invita a bailar, ser feliz y, a la vez, reflexionar sobre cómo estamos viviendo hoy.
A continuación, el análisis detallado de cada canción, con las letras que revelan el alma del álbum.
1. Hablame I
Duración: 3:50 | Tono: Piano y voz, intimista
Como apertura del lado A del vinilo, esta pieza instrumental con Fito solo al piano funciona como una invocación silenciosa. La ausencia de letra no es vacío: es espacio. El piano dibuja una melodía que pide diálogo en un mundo saturado de ruido. Es una puerta de entrada vulnerable, casi confesional, que prepara el terreno para lo que vendrá. Y al final, apenas un susurro: «Hablame».
Sostenida en un funk que invita a bailar, «Girl T-Rex» narra las peripecias de una muchacha en la ciudad de Buenos Aires, hoy. Pero ya no se cuenta tanto la ciudad, sino el mundo de hoy: con aires al Lennon producido por Phil Spector, trabajada con la crudeza de los años 70. La «Girl T-Rex» es una figura femenina poderosa, indomable, que resiste en un ecosistema hostil. Es el rock & roll como acto de supervivencia urbana.
3. Shine (Single)
Duración: 3:42 | Tono: Manifiesto rockero
El corazón del álbum. «Shine» es un grito de guerra generacional: «Salgan a las calles, desconéctense del feed», «¿Dónde mierda quedaron la alegría, los abrazos y la amistad?», «Tiren los teléfonos». Con un sonido que homenajea a John Lennon y Phil Spector, Fito critica la alienación digital y propone volver a lo esencial. No es nostalgia: es urgencia. La canción funciona como brújula ética para un tiempo desorientado.
Un reggae que invita a la reflexión sobre el lugar donde vivimos y cómo lo vivimos. La letra pinta escenas de ternura cotidiana:
«Mirá esos dos pibes / que se besan lento / entre la arena y la sal. / Hoy el mundo / es una hoguera inmensa / de vacío y soledad. / Estamos olvidándonos / de amar, amar, amar.»
«Nuestro templo» es también una expresión de deseo sobre cómo queremos vivir de acá en adelante. Fito evoca Rosario, el mar, el amor como resistencia: «Este planeta que gira es nuestro templo. / Quiero abrazarme a tu alma y a tu cuerpo». Es una invitación a sacar la careta, el ego, los millones y el disfraz: «La vida es un milagro, baby, / no la dejes escapar».
5. Prueba de amor
Duración: 3:53 | Tono: Balada rock con tensión dramática
Con esta canción, se abre un portal cuántico entre los Capuletos y Montescos, en la Verona del 1500, y se traslada a Rosario de hoy. Un registro ambicioso, en términos de tragedia amorosa. La «prueba» no es romántica en sentido convencional: es examen existencial. ¿Qué estamos dispuestos a arriesgar por el afecto genuino en tiempos de inmediatez? Fito no da respuestas fáciles, pero plantea la pregunta con la intensidad de quien sabe que el amor sigue siendo la única revolución posible.
«Río Místico» atraviesa el proceso de una persona que debe tomar decisiones para no volver atrás y no depender de nadie. De cómo surcar esa fina galería donde, si no te ayudás vos mismo, nadie lo va a hacer. La letra es un manifiesto de autonomía emocional:
«El amor no fue / lo que te esperabas. / Hoy toca morder el polvo, / nadie va a hacerlo por ti. / No aflojes, es ahí.»
Y luego, la liberación:
«Solo hay que arrojarse al vacío / y no esperar nada / de los demás. / Se trata de tu cuerpo divino, / se trata de que vuelvas a amar.»
El río como símbolo de purificación: «Las aguas del río místico / te lavarán, / renacerás, / te harán bien, / te encenderán». Fito dinamita puentes para no volver atrás: «Fue mi decisión, / nadie iba a hacerlo por mí».
7. Hablame II
Duración: 2:48 | Tono: Variación del tema inicial, puente narrativo
Segunda pieza instrumental con piano solo, que funciona como puente entre la introspección y la explosión. El motivo «Hablame» reaparece como insistencia, como recordatorio de que el diálogo sigue siendo el antídoto contra la soledad. La economía de recursos (duración breve, mínima intervención) indica que Fito usa estas piezas como hilos conductores, cosiendo el concepto del álbum.
8. Las Fuerzas Armadas del Amor
Duración: 3:39 | Tono: Épico, con sección de vientos, oda a la amistad
Una oda a la amistad, atravesada por el relato en primera persona del accidente en Madrid que sufrió Fito y del que pudo salir adelante en compañía de sus «fuerzas armadas del amor». El título es puro Fito: ironía militante, romanticismo combativo. ¿Puede el amor ser un ejército? Sí, cuando se trata de resistir, de acompañar, de sostener al otro en la caída. Con arreglos de vientos (Ervin Stutz, Alejo von der Pahlen, Santiago Benítez), esta pieza es uno de los momentos más grandilocuentes y emotivos del disco.
9. Planeta Azul
Duración: 4:34 | Tono: Epopeya cósmica, reflexión ecológica y humana
Uno de los momentos más climáticos del disco. «Planeta Azul» tiene característica de epopeya: la de los «bravos amantes, que piensan llegar hasta el fin». La Tierra vista desde lejos: frágil, única, amenazada. Fito aborda la crisis climática, la responsabilidad colectiva, la belleza vulnerable de nuestro hogar común. Pero no desde el pesimismo: desde la certeza de que el amor y la fraternidad son la única respuesta posible. Es la canción más política del álbum, pero también la más esperanzadora.
La redención o evaluación del pasado, presente y futuro se avecina con un deseo esperanzador: cruzarse en la esquina del sol y ser felices. Fito recupera su rol de cronista urbano, pintando escenas de barrio con ternura y melancolía. La «esquina de sol» es ese lugar donde la luz transforma lo cotidiano en epifanía. Es una invitación a creer que, pese a todo, la felicidad sigue siendo posible en los intersticios de la rutina.
La retrospectiva de vida ordena, pone las cosas en su lugar, le imprime el carácter de quien atravesó muchas experiencias sin dañar la esencia que se trae desde niño: resistir, pelear por vivir, como el honor de los lobos. La letra es un manifiesto de dignidad:
«La lealtad, la dignidad, / resistir, pelear por vivir: / así es el honor de los lobos. / Sucederá, sentirás poder, / brillarás, tendrás tu jardín.»
Y luego, la liberación tras el dolor:
«Ya se terminó, fue un largo adiós. / Hoy seré feliz, / ¿para qué fingir? / Mi espíritu abrió en San Valentín.»
Fito canta la resiliencia con crudeza y esperanza: «El mundo no me pudo vencer. / Yo puedo sentir / el honor de los lobos / que siguen de pie: / más bellos, más altivos, más solos».
Dedicada a Pablo Milanés, «Universo» tiene una melodía inspirada en su obra y piensa su figura en la cosmogonía universal. La letra es un viaje astral:
«Ah, la luz de Dios, / un resplandor, / la vida entera. / Ah, la muerte es / un renacer / a nuevas eras.»
Fito evoca constelaciones —«la Cruz del Sur, / Canis Mayor / y Casiopea / te saludarán / y abrigarán / en su belleza»— para hablar de la libertad de ser parte de todo: «Ser parte de todo / es la libertad, / es un mar de brillos, / es piedad atea». Y el cierre, conmovedor: «Eternamente, / Yolanda…». Una canción que trasciende lo terrenal para abrazar lo infinito.
13. Hablame III
Duración: 3:42 | Tono: Cierre circular, resolución, piano y voz
Como cierre total del lado B del vinilo, esta tercera pieza instrumental con Fito solo al piano cierra el ciclo. Al final, apenas una palabra: «Hablame». En algún punto, estos «Hablame», y esa maravillosa música que paradójicamente se siente en silencio, reflejan ese período de recuperación física y espiritual que tuvo que atravesar Fito, y que concluyó en «Shine». Ya no es súplica: es invitación madura. Es el cierre de un ciclo que comenzó con la vulnerabilidad y termina con la certeza de que la palabra compartida sigue siendo el antídoto contra la soledad.
Conclusión: Un Fito esencial
«Shine» no es un álbum de transición: es un punto de inflexión. Tras la complejidad conceptual de «Novela», Fito elige la claridad; tras el accidente, elige la vida; tras la era digital, elige el contacto humano.
Musicalmente, el disco recupera la potencia del rock clásico sin caer en la nostalgia: las guitarras de Juani Agüero, la base rítmica de Olivero y Baremberg, y los arreglos de vientos crean un sonido que es a la vez familiar y fresco.
Líricamente, Fito se muestra más directo que nunca: sin metáforas herméticas, con frases que funcionan como consignas. Pero esa claridad no es simplificación: es la sabiduría de quien sabe que, en tiempos de ruido, lo esencial debe decirse fuerte.
«Shine» es, en definitiva, el álbum de un artista que sobrevivió —física y creativamente— y decide usar su voz para iluminar, no para deslumbrar. Como dice el título: brillar, sí, pero para que otros también puedan ver.
Luego del impacto de “Paradiso” y una extensa gira internacional, El Zar vuelve a sorprender con el lanzamiento de “Rojo Rubí”, una nueva canción que reafirma el gran presente creativo de una de las bandas más importantes de la nueva escena del rock pop latinoamericano.
El single está disponible en todas las plataformas digitales.
“Rojo Rubí” combina la sensibilidad compositiva argentina con el sonido nostálgico y vintage característico de El Zar. La canción fue producida en Buenos Aires por la propia banda junto a Nicolás Btesh y compuesta durante el verano de 2026 en la Patagonia argentina.
Con un ritmo energético y una impronta pop bailable, el tema mezcla elementos modernos con letras y climas clásicos del rock argentino. Su historia aborda un amor incipiente, intenso y frágil, capaz de durar o desaparecer rápidamente.
Tras la enorme repercusión de “Paradiso”, El Zar vuelve a presentar material fresco y renovado, consolidando una identidad sonora cada vez más definida.
El Zar, una de las bandas más fuertes de la nueva generación
Liderado por Facundo Castaño Montoya y Pablo Giménez, El Zar se consolidó en los últimos años como una de las bandas referentes del pop rock argentino y latinoamericano.
Actualmente cuentan con más de 1.2 millones de oyentes mensuales en Spotify y una carrera en constante crecimiento.
La banda ya editó seis discos:
Círculos (2016)
A los Amigos (2018)
Pura Casualidad (2020)
Río Hotel (2022)
En Vivo en el Gran Rex (2023)
Paradiso (2025)
Además, el single “La Declaración” se convirtió en uno de los mayores éxitos del grupo, alcanzando cifras récord en plataformas digitales y transformándose en una de las canciones insignia de la banda.
Un mediodía frío de mayo en San Telmo. El viento cortante se cuela entre los adoquines de Defensa y las persianas de los locales aún no se han levantado del todo, pero en la sala de un café de esquina, la temperatura parece subir apenas cruzan la puerta Malena y Leila Palmiro. Conocidas artísticamente como Male y Lei, el dúo de hermanas mellizas llega muy lookeadas: abrigos de corte impecable, botas estructuradas, maquillaje y una presencia que no pide permiso. Hablan con una oratoria pulida, firme y decidida, como quien lleva años ensayando no solo melodías, sino también la forma de sostener una conversación.
Vienen a presentar“Diamante en Bruto”, el primer tema que crearon juntas y la piedra angular de un EP que promete consolidar una identidad sonora tan ecléctica como inquebrantable. Entre el aroma del café y el bullicio tenue del barrio, nos sentamos a conversar sobre música, herencia y la decisión de no dejar que el talento se quede en casa.
— La música en su casa no fue una elección tardía, fue un destino. ¿Cómo fue ese tránsito del “juego” a la profesionalización?
Leila: Siempre fue un hobby. De chiquitas tomábamos clases de canto, baile, comedia musical… todo juntas, en modo juego. Hasta que nos dimos cuenta de que ocupaba un espacio mucho más grande en nuestras vidas. Ahí decidimos: si esto va a ser algo, va a ser Male y Lei. Nunca pensamos en hacerlo por separado.
Malena: Y nuestros padres lo vieron venir. Más que verlo venir, lo esperaban. Papá ya estaba buscando un tecladista para formar una banda cuando conoció a mamá, que era cantante. De ese encuentro no solo nació un proyecto, sino nuestra familia. Nos criamos entre micrófonos y teclados, jugando en la sala de ensayo mientras ellos ensayaban. Era lo más natural del mundo. Cuando dijimos “queremos hacerlo profesional”, ellos ya estaban ahí, acompañando desde el minuto cero.
La conversación fluye con la misma sincronía que sus armonías. No se interrumpen, se complementan. Cuando les pregunto por el proceso creativo, explican que desde el inicio se plantearon una regla clara: no encerrarse en un solo género. Su fórmula es híbrida: parten de una temática, definen un sonido y luego el idioma se adapta al concepto. Para “Diamante en Bruto”, trabajaron codo a codo con la compositora Ann Ride (AQ Rod), el productor Diego Denegri y el ingeniero de voces José Luis Pagán. La grabación viajó por tres estudios clave: REC Estudio en Mendoza, Woman Studio en Buenos Aires y la masterización final en UPM Studio, Miami.
— ¿Cómo manejan las diferencias creativas? ¿Quién cede primero cuando la discusión se pone tensa?
Malena: Hay un ida y vuelta constante. A veces pensamos exactamente lo mismo, nos miramos y ya sabemos. Otras veces, si una está muy cerrada en una idea, la otra plantea otra cosa. Tratamos de llegar a un 50/50. Si no, hoy decide una, mañana la otra. Y si nos trabamos, papá media.
Leila: Él es crítico, sí, porque le toca la producción y tiene que serlo. Pero nos comunicamos muy bien, tanto en lo laboral como en lo familiar. Aprendimos a separar: si hay un desacuerdo en el estudio, pasa cinco minutos, se cierra la puerta del trabajo y se abre la de la hermandad. Si no, no se puede funcionar.
— “Diamante en Bruto” habla de empoderamiento, de romper la “caja de cristal” y reconectar con el valor propio. Musicalmente fusionan pop,funk y disco con ecos de los 70 y 80. ¿Fue una búsqueda consciente o una herencia natural?
Leila: Un poco de las dos. En casa se escuchaba todo: lo internacional y más popero de papá, lo latino y cálido de mamá. Eso nos dio una base ecléctica. Con este tema queríamos transmitir liberación. Habla de sentirte un diamante en bruto: alguien que reconoce su luz interna después de estar atrapado en miedos. Musicalmente, queríamos mezclar lo contemporáneo con la estética de aquellas décadas, sin quedarnos en un molde.
Malena: Y no solo es la letra. Pensamos todo, incluso, desde el vivo. ¿Cómo va a sonar? ¿Qué energía queremos transmitir? Eufórica, energética, con mucho power. Eso lo trabajamos junto a nuestro equipo de dirección escénica. Cualquier canción que cranearamos, automáticamente pensamos: “¿Cómo se va a sentir en el escenario?”. Si no funciona ahí, lo repensamos.
Su entrenamiento vocal lleva casi nueve años bajo la tutela de Constanza Luer, creadora de sus arreglos y coros. En el estudio, graban primero una base, dividen partes, buscan armonías y dejan que la espontaneidad entre en juego. Aunque admiten ser perfeccionistas por igual, están aprendiendo a soltarse. El resultado: voces que se fusionan sin competir, donde la agilidad de Leila y el peso emotivo de Malena se reparten en un 50/50 calculado, pero nunca frío.
— ¿Y cómo fue recibir el feedback directo? ¿Les pasó que la gente se identifique con un tema que ustedes no esperaban?
Malena: Increíble. Veníamos trabajando mucho, ensayando con músicos, con el equipo… y subirse al escenario es otra cosa. La gente conecta de otra manera. Hay canciones que uno cree que van a resonar más, y resulta que otra es la que la gente se lleva. Eso te enseña humildad y te confirma que la música es un diálogo, no un monólogo.
Leila: Para mí, el vivo es lo más lindo. Es cuando uno más conecta. Sentir la energía de los músicos, del público… es pura euforia. A fin de año queremos cerrar con un show completo. Ya estamos en las últimas etapas de ensayo, y la idea es que todo esté listo para lanzar fechas antes de que termine el año.
— Con el EP en puerta, ¿qué le dicen a quienes los siguen desde el inicio y a quienes recién los descubren con este nuevo sonido?
Malena: Que confíen en el proceso. Que este cambio no es un giro arbitrario, es parte de nuestra búsqueda. No nos quedamos en la zona de confort. Queremos seguir probando, fusionando idiomas, creciendo con la gente. El talento sin perseverancia no llega a ningún lado. Ponemos el 100% en cada nota, en cada ensayo, en cada detalle.
Leila: Y que disfruten. A veces el perfeccionismo nos juega en contra y nos olvidamos de vivir el momento. Pero la música se hace con esfuerzo, sí, pero también con pasión. Esperamos que se sienta.
El frío de mayo sigue afuera, pero la conversación se cierra con una energía que no necesita calefacción. Male y Lei no solo son hermanas; son un proyecto forjado en la constancia, en la herencia musical y en la decisión inquebrantable de caminar juntas. “Diamante en Bruto” es solo el primer destello. El resto, prometen, brillará en vivo. Y en San Telmo, entre adoquines y cafés, ya se siente el eco.
BIOGRAFÍA DE MALE Y LEI
Malena y Leila Palmiro son Male y Lei, hermanas mellizas nacidas en una familia donde la música siempre fue protagonista. Su historia comienza antes de que nacieran: Mariana, su madre y también cantante, buscaba a sus 17 años un pianista para formar un dúo musical. Así conoció a Pablo, padre de las mellizas, tecladista, baterista, cantante y productor. De ese encuentro artístico nació no solo un proyecto, sino también la familia que años más tarde recibiría a Malena y Leila.
Criadas entre escenarios, ensayos y estudios, las hermanas Palmiro afirman llevar la música en la sangre “desde la panza de mamá”. Para ellas, la vocación siempre fue clara y el camino, compartido. Unidas por su pasión y también por sus gustos musicales, su estilo al vestir, sus hobbies y su forma de ver el arte, supieron desde niñas que cada paso en su carrera lo darían juntas.
Desde muy temprana edad mostraron una fuerte atracción por el canto, la danza y el teatro. A los 9 años comenzaron a estudiar comedia musical, formación que luego complementaron con clases de canto y danza que continúan tomando en la actualidad.
Aunque la idea de tener un proyecto propio las acompañó siempre, recién en febrero de 2023 decidieron concretar ese sueño y dar inicio a “Male y Lei”. Le plantearon la propuesta a su padre, Pablo, quien con entusiasmo se sumó al camino como parte de la producción. Poco después se incorporó Diego Denegri, encargado de la producción musical, seguido por Ann Ride, su principal compositora, y José Luis “Pepe” Pagán, destacado en producción de voces. Con este equipo definieron el estilo, los mensajes, las sonoridades y los objetivos del proyecto.
El trabajo en estudio comenzó con un proceso colaborativo: junto a Ann conversaban sobre letras y temáticas. Las mellizas tenían claro el concepto de su primer single, transmitían la idea, Ann escribía y luego pulían las propuestas hasta lograr una base sólida. En paralelo, enviaban referencias musicales a Diego Denegri para guiar el género y los sonidos que buscaban, avanzando paso a paso hasta alcanzar las versiones finales.
Con una identidad forjada en la herencia familiar y en una búsqueda artística compartida, Male y Lei presentan una propuesta donde la hermandad y la música son inseparables.
