Campedrinos confirma su momento más fuerte a nivel artístico y de proyección nacional con el lanzamiento de «Bailarina Carpera», el primer single y adelanto de «Zambas», su nuevo álbum conceptual que recorre el universo de las zambas románticas y carperas.
El estreno llega este 25 de mayo, una fecha patria que potencia el mensaje y la identidad de esta nueva etapa del dúo. Con una composición propia, festiva y bailable, «Bailarina Carpera» condensa la esencia de Campedrinos: folklore argentino con energía actual, pensado para conectar con públicos de todo el país y con nuevas generaciones. El tema abre el camino a «Zambas», un trabajo conceptual que se perfila como uno de los más ambiciosos del dúo.
🎸 Mate y Folklore Tour: una experiencia que celebra la raíz En agosto, septiembre y octubre, Campedrinos presentará el «Mate y Folklore Tour», una propuesta que celebra la raíz pero mira de frente al presente. Pensada como una experiencia más que un show, la gira invita a compartir la tradición como el mate: con apertura a nuevos sonidos y encuentro genuino con el público.
El tour recorrerá teatros de todo el país con sus canciones más representativas, nuevas versiones y momentos íntimos. Viene a consolidar lo que ya demostraron en vivo: su capacidad de acercar el folklore joven a audiencias masivas sin perder identidad.
📅 Fechas confirmadas del Mate y Folklore Tour 2026 de Campedrinos
AGOSTO: 1/08 – Córdoba – Espacio Quality 7/08 – San Juan – Espacio Hugo 8/08 – Mendoza – Teatro Mendoza 9/08 – Rosario – Teatro El Círculo 22/08 – Montevideo – Sala Camacuá 29/08 – Santa Fe – ATE Casa España 30/08 – Corrientes – Teatro Vera
SEPTIEMBRE: 4/09 – Santa Rosa – Teatro Español 5/09 – Bahía Blanca – Teatro Don Bosco 6/09 – Neuquén – Casino Magic 8/09 – Bariloche – Maux 9/09 – Puerto Madryn – Teatro Auditorium
11/09 – Trelew – Teatro Español 12/09 – Comodoro Rivadavia – Teatro María Auxiliadora 13/09 – Carmen de Patagones – Teatro España 17/09 – Jujuy – Teatro Mitre 18/09 – Salta – Casa de la Cultura 19/09 – Tucumán – Teatro Mercedes Sosa
OCTUBRE: 3/10 – Buenos Aires – Teatro Ópera (fecha especial de cierre) 🎟️ Entradas a la venta: www.campedrinos.com
🏆 Nominaciones a los Premios Gardel 2026 y un año de hitos
La industria acompaña este crecimiento. Campedrinos cuenta con dos nominaciones a los Premios Gardel de la Música 2026: Mejor Álbum Grupo Folklore por su disco Bipolar Mejor Canción en Vivo por «La Taleñita» en vivo con Milo J, dentro del proyecto Falklore
Los reconocimientos llegan tras un año de hitos imparable: ✅ Ganadores del Premio Consagración en Cosquín 2026 ✅ Paso consagratorio por el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, donde «domaron al monstruo» ✅ Más de 150 millones de reproducciones en plataformas digitales ✅ Cruces históricos en el Teatro Ópera con Milo J, Nahuel Pennisi y Natalie Pérez
Con «Zambas» en camino y la gira nacional confirmada, Campedrinos se afirma como la propuesta que más está tendiendo puentes entre la tradición del folklore y las nuevas generaciones. Su fórmula es clara: respeto por la raíz, sonoridades actuales y una conexión genuina con el público que trasciende edades y geografías.
El dúo demuestra que el folklore argentino no solo puede convivir con los lenguajes contemporáneos, sino que puede liderar la escena musical masiva sin concesiones. «Bailarina Carpera» es solo el primer anticipo de lo que viene: un álbum conceptual que promete redefinir el género y consolidar a Campedrinos como referentes indiscutidos del folklore joven.
¿Cuándo sale «Zambas», el nuevo álbum de Campedrinos? «Bailarina Carpera», el primer single adelanto de «Zambas», se estrenó el 25 de mayo de 2026. La fecha completa de lanzamiento del álbum aún no fue anunciada oficialmente.
¿Dónde puedo comprar entradas para el Mate y Folklore Tour? Las entradas están disponibles en www.campedrinos.com. El tour incluye fechas en Córdoba, Mendoza, Rosario, Buenos Aires (Teatro Ópera el 3/10) y más de 20 ciudades del país.
¿Campedrinos tiene nominaciones a los Premios Gardel 2026? Sí. Campedrinos cuenta con dos nominaciones: Mejor Álbum Grupo Folklore por «Bipolar» y Mejor Canción en Vivo por «La Taleñita» junto a Milo J. ¿Cuántas reproducciones tiene Campedrinos en plataformas? El dúo superó los 150 millones de reproducciones en plataformas digitales, consolidándose como una de las propuestas de folklore joven más escuchadas de Argentina. ¿Campedrinos va a tocar en Uruguay? Sí. El Mate y Folklore Tour incluye una fecha en Montevideo el 22 de agosto en Sala Camacuá.
Con la fuerza del Rock N’ Roll, el R&B y el Soul como columna vertebral, «Shine»funciona como una declaración de principios de Fito Páez hacia el mundo que nos rodea. A través de 13 canciones nuevas, el rosarino ataca al entumecimiento social actual, construyendo un universo paralelo con identidades que militan abrazos, amistades y relaciones humanas fraternales.
Pero este material simboliza, sobre todo, el renacer de Fito. A comienzos de septiembre de 2025, el músico sufrió un accidente doméstico que lo llevó a una operación por la fractura de nueve costillas. Luego de largos meses de reposo absoluto y la cancelación de conciertos y grabaciones, la música —y este disco en particular— resignificó el poder de estar vivo, lúcido y aportando arte en esta vida.
Es por eso que en las composiciones de «Shine» conviven texturas sociales profundas con cariños y sensibilidades esperanzadoras, conformando un disco equilibrado que te invita a bailar, ser feliz y, a la vez, reflexionar sobre cómo estamos viviendo hoy.
A continuación, el análisis detallado de cada canción, con las letras que revelan el alma del álbum.
1. Hablame I
Duración: 3:50 | Tono: Piano y voz, intimista
Como apertura del lado A del vinilo, esta pieza instrumental con Fito solo al piano funciona como una invocación silenciosa. La ausencia de letra no es vacío: es espacio. El piano dibuja una melodía que pide diálogo en un mundo saturado de ruido. Es una puerta de entrada vulnerable, casi confesional, que prepara el terreno para lo que vendrá. Y al final, apenas un susurro: «Hablame».
Sostenida en un funk que invita a bailar, «Girl T-Rex» narra las peripecias de una muchacha en la ciudad de Buenos Aires, hoy. Pero ya no se cuenta tanto la ciudad, sino el mundo de hoy: con aires al Lennon producido por Phil Spector, trabajada con la crudeza de los años 70. La «Girl T-Rex» es una figura femenina poderosa, indomable, que resiste en un ecosistema hostil. Es el rock & roll como acto de supervivencia urbana.
3. Shine (Single)
Duración: 3:42 | Tono: Manifiesto rockero
El corazón del álbum. «Shine» es un grito de guerra generacional: «Salgan a las calles, desconéctense del feed», «¿Dónde mierda quedaron la alegría, los abrazos y la amistad?», «Tiren los teléfonos». Con un sonido que homenajea a John Lennon y Phil Spector, Fito critica la alienación digital y propone volver a lo esencial. No es nostalgia: es urgencia. La canción funciona como brújula ética para un tiempo desorientado.
Un reggae que invita a la reflexión sobre el lugar donde vivimos y cómo lo vivimos. La letra pinta escenas de ternura cotidiana:
«Mirá esos dos pibes / que se besan lento / entre la arena y la sal. / Hoy el mundo / es una hoguera inmensa / de vacío y soledad. / Estamos olvidándonos / de amar, amar, amar.»
«Nuestro templo» es también una expresión de deseo sobre cómo queremos vivir de acá en adelante. Fito evoca Rosario, el mar, el amor como resistencia: «Este planeta que gira es nuestro templo. / Quiero abrazarme a tu alma y a tu cuerpo». Es una invitación a sacar la careta, el ego, los millones y el disfraz: «La vida es un milagro, baby, / no la dejes escapar».
5. Prueba de amor
Duración: 3:53 | Tono: Balada rock con tensión dramática
Con esta canción, se abre un portal cuántico entre los Capuletos y Montescos, en la Verona del 1500, y se traslada a Rosario de hoy. Un registro ambicioso, en términos de tragedia amorosa. La «prueba» no es romántica en sentido convencional: es examen existencial. ¿Qué estamos dispuestos a arriesgar por el afecto genuino en tiempos de inmediatez? Fito no da respuestas fáciles, pero plantea la pregunta con la intensidad de quien sabe que el amor sigue siendo la única revolución posible.
«Río Místico» atraviesa el proceso de una persona que debe tomar decisiones para no volver atrás y no depender de nadie. De cómo surcar esa fina galería donde, si no te ayudás vos mismo, nadie lo va a hacer. La letra es un manifiesto de autonomía emocional:
«El amor no fue / lo que te esperabas. / Hoy toca morder el polvo, / nadie va a hacerlo por ti. / No aflojes, es ahí.»
Y luego, la liberación:
«Solo hay que arrojarse al vacío / y no esperar nada / de los demás. / Se trata de tu cuerpo divino, / se trata de que vuelvas a amar.»
El río como símbolo de purificación: «Las aguas del río místico / te lavarán, / renacerás, / te harán bien, / te encenderán». Fito dinamita puentes para no volver atrás: «Fue mi decisión, / nadie iba a hacerlo por mí».
7. Hablame II
Duración: 2:48 | Tono: Variación del tema inicial, puente narrativo
Segunda pieza instrumental con piano solo, que funciona como puente entre la introspección y la explosión. El motivo «Hablame» reaparece como insistencia, como recordatorio de que el diálogo sigue siendo el antídoto contra la soledad. La economía de recursos (duración breve, mínima intervención) indica que Fito usa estas piezas como hilos conductores, cosiendo el concepto del álbum.
8. Las Fuerzas Armadas del Amor
Duración: 3:39 | Tono: Épico, con sección de vientos, oda a la amistad
Una oda a la amistad, atravesada por el relato en primera persona del accidente en Madrid que sufrió Fito y del que pudo salir adelante en compañía de sus «fuerzas armadas del amor». El título es puro Fito: ironía militante, romanticismo combativo. ¿Puede el amor ser un ejército? Sí, cuando se trata de resistir, de acompañar, de sostener al otro en la caída. Con arreglos de vientos (Ervin Stutz, Alejo von der Pahlen, Santiago Benítez), esta pieza es uno de los momentos más grandilocuentes y emotivos del disco.
9. Planeta Azul
Duración: 4:34 | Tono: Epopeya cósmica, reflexión ecológica y humana
Uno de los momentos más climáticos del disco. «Planeta Azul» tiene característica de epopeya: la de los «bravos amantes, que piensan llegar hasta el fin». La Tierra vista desde lejos: frágil, única, amenazada. Fito aborda la crisis climática, la responsabilidad colectiva, la belleza vulnerable de nuestro hogar común. Pero no desde el pesimismo: desde la certeza de que el amor y la fraternidad son la única respuesta posible. Es la canción más política del álbum, pero también la más esperanzadora.
La redención o evaluación del pasado, presente y futuro se avecina con un deseo esperanzador: cruzarse en la esquina del sol y ser felices. Fito recupera su rol de cronista urbano, pintando escenas de barrio con ternura y melancolía. La «esquina de sol» es ese lugar donde la luz transforma lo cotidiano en epifanía. Es una invitación a creer que, pese a todo, la felicidad sigue siendo posible en los intersticios de la rutina.
La retrospectiva de vida ordena, pone las cosas en su lugar, le imprime el carácter de quien atravesó muchas experiencias sin dañar la esencia que se trae desde niño: resistir, pelear por vivir, como el honor de los lobos. La letra es un manifiesto de dignidad:
«La lealtad, la dignidad, / resistir, pelear por vivir: / así es el honor de los lobos. / Sucederá, sentirás poder, / brillarás, tendrás tu jardín.»
Y luego, la liberación tras el dolor:
«Ya se terminó, fue un largo adiós. / Hoy seré feliz, / ¿para qué fingir? / Mi espíritu abrió en San Valentín.»
Fito canta la resiliencia con crudeza y esperanza: «El mundo no me pudo vencer. / Yo puedo sentir / el honor de los lobos / que siguen de pie: / más bellos, más altivos, más solos».
Dedicada a Pablo Milanés, «Universo» tiene una melodía inspirada en su obra y piensa su figura en la cosmogonía universal. La letra es un viaje astral:
«Ah, la luz de Dios, / un resplandor, / la vida entera. / Ah, la muerte es / un renacer / a nuevas eras.»
Fito evoca constelaciones —«la Cruz del Sur, / Canis Mayor / y Casiopea / te saludarán / y abrigarán / en su belleza»— para hablar de la libertad de ser parte de todo: «Ser parte de todo / es la libertad, / es un mar de brillos, / es piedad atea». Y el cierre, conmovedor: «Eternamente, / Yolanda…». Una canción que trasciende lo terrenal para abrazar lo infinito.
13. Hablame III
Duración: 3:42 | Tono: Cierre circular, resolución, piano y voz
Como cierre total del lado B del vinilo, esta tercera pieza instrumental con Fito solo al piano cierra el ciclo. Al final, apenas una palabra: «Hablame». En algún punto, estos «Hablame», y esa maravillosa música que paradójicamente se siente en silencio, reflejan ese período de recuperación física y espiritual que tuvo que atravesar Fito, y que concluyó en «Shine». Ya no es súplica: es invitación madura. Es el cierre de un ciclo que comenzó con la vulnerabilidad y termina con la certeza de que la palabra compartida sigue siendo el antídoto contra la soledad.
Conclusión: Un Fito esencial
«Shine» no es un álbum de transición: es un punto de inflexión. Tras la complejidad conceptual de «Novela», Fito elige la claridad; tras el accidente, elige la vida; tras la era digital, elige el contacto humano.
Musicalmente, el disco recupera la potencia del rock clásico sin caer en la nostalgia: las guitarras de Juani Agüero, la base rítmica de Olivero y Baremberg, y los arreglos de vientos crean un sonido que es a la vez familiar y fresco.
Líricamente, Fito se muestra más directo que nunca: sin metáforas herméticas, con frases que funcionan como consignas. Pero esa claridad no es simplificación: es la sabiduría de quien sabe que, en tiempos de ruido, lo esencial debe decirse fuerte.
«Shine» es, en definitiva, el álbum de un artista que sobrevivió —física y creativamente— y decide usar su voz para iluminar, no para deslumbrar. Como dice el título: brillar, sí, pero para que otros también puedan ver.
Luego del impacto de “Paradiso” y una extensa gira internacional, El Zar vuelve a sorprender con el lanzamiento de “Rojo Rubí”, una nueva canción que reafirma el gran presente creativo de una de las bandas más importantes de la nueva escena del rock pop latinoamericano.
El single está disponible en todas las plataformas digitales.
“Rojo Rubí” combina la sensibilidad compositiva argentina con el sonido nostálgico y vintage característico de El Zar. La canción fue producida en Buenos Aires por la propia banda junto a Nicolás Btesh y compuesta durante el verano de 2026 en la Patagonia argentina.
Con un ritmo energético y una impronta pop bailable, el tema mezcla elementos modernos con letras y climas clásicos del rock argentino. Su historia aborda un amor incipiente, intenso y frágil, capaz de durar o desaparecer rápidamente.
Tras la enorme repercusión de “Paradiso”, El Zar vuelve a presentar material fresco y renovado, consolidando una identidad sonora cada vez más definida.
El Zar, una de las bandas más fuertes de la nueva generación
Liderado por Facundo Castaño Montoya y Pablo Giménez, El Zar se consolidó en los últimos años como una de las bandas referentes del pop rock argentino y latinoamericano.
Actualmente cuentan con más de 1.2 millones de oyentes mensuales en Spotify y una carrera en constante crecimiento.
La banda ya editó seis discos:
Círculos (2016)
A los Amigos (2018)
Pura Casualidad (2020)
Río Hotel (2022)
En Vivo en el Gran Rex (2023)
Paradiso (2025)
Además, el single “La Declaración” se convirtió en uno de los mayores éxitos del grupo, alcanzando cifras récord en plataformas digitales y transformándose en una de las canciones insignia de la banda.
Un mediodía frío de mayo en San Telmo. El viento cortante se cuela entre los adoquines de Defensa y las persianas de los locales aún no se han levantado del todo, pero en la sala de un café de esquina, la temperatura parece subir apenas cruzan la puerta Malena y Leila Palmiro. Conocidas artísticamente como Male y Lei, el dúo de hermanas mellizas llega muy lookeadas: abrigos de corte impecable, botas estructuradas, maquillaje y una presencia que no pide permiso. Hablan con una oratoria pulida, firme y decidida, como quien lleva años ensayando no solo melodías, sino también la forma de sostener una conversación.
Vienen a presentar“Diamante en Bruto”, el primer tema que crearon juntas y la piedra angular de un EP que promete consolidar una identidad sonora tan ecléctica como inquebrantable. Entre el aroma del café y el bullicio tenue del barrio, nos sentamos a conversar sobre música, herencia y la decisión de no dejar que el talento se quede en casa.
— La música en su casa no fue una elección tardía, fue un destino. ¿Cómo fue ese tránsito del “juego” a la profesionalización?
Leila: Siempre fue un hobby. De chiquitas tomábamos clases de canto, baile, comedia musical… todo juntas, en modo juego. Hasta que nos dimos cuenta de que ocupaba un espacio mucho más grande en nuestras vidas. Ahí decidimos: si esto va a ser algo, va a ser Male y Lei. Nunca pensamos en hacerlo por separado.
Malena: Y nuestros padres lo vieron venir. Más que verlo venir, lo esperaban. Papá ya estaba buscando un tecladista para formar una banda cuando conoció a mamá, que era cantante. De ese encuentro no solo nació un proyecto, sino nuestra familia. Nos criamos entre micrófonos y teclados, jugando en la sala de ensayo mientras ellos ensayaban. Era lo más natural del mundo. Cuando dijimos “queremos hacerlo profesional”, ellos ya estaban ahí, acompañando desde el minuto cero.
La conversación fluye con la misma sincronía que sus armonías. No se interrumpen, se complementan. Cuando les pregunto por el proceso creativo, explican que desde el inicio se plantearon una regla clara: no encerrarse en un solo género. Su fórmula es híbrida: parten de una temática, definen un sonido y luego el idioma se adapta al concepto. Para “Diamante en Bruto”, trabajaron codo a codo con la compositora Ann Ride (AQ Rod), el productor Diego Denegri y el ingeniero de voces José Luis Pagán. La grabación viajó por tres estudios clave: REC Estudio en Mendoza, Woman Studio en Buenos Aires y la masterización final en UPM Studio, Miami.
— ¿Cómo manejan las diferencias creativas? ¿Quién cede primero cuando la discusión se pone tensa?
Malena: Hay un ida y vuelta constante. A veces pensamos exactamente lo mismo, nos miramos y ya sabemos. Otras veces, si una está muy cerrada en una idea, la otra plantea otra cosa. Tratamos de llegar a un 50/50. Si no, hoy decide una, mañana la otra. Y si nos trabamos, papá media.
Leila: Él es crítico, sí, porque le toca la producción y tiene que serlo. Pero nos comunicamos muy bien, tanto en lo laboral como en lo familiar. Aprendimos a separar: si hay un desacuerdo en el estudio, pasa cinco minutos, se cierra la puerta del trabajo y se abre la de la hermandad. Si no, no se puede funcionar.
— “Diamante en Bruto” habla de empoderamiento, de romper la “caja de cristal” y reconectar con el valor propio. Musicalmente fusionan pop,funk y disco con ecos de los 70 y 80. ¿Fue una búsqueda consciente o una herencia natural?
Leila: Un poco de las dos. En casa se escuchaba todo: lo internacional y más popero de papá, lo latino y cálido de mamá. Eso nos dio una base ecléctica. Con este tema queríamos transmitir liberación. Habla de sentirte un diamante en bruto: alguien que reconoce su luz interna después de estar atrapado en miedos. Musicalmente, queríamos mezclar lo contemporáneo con la estética de aquellas décadas, sin quedarnos en un molde.
Malena: Y no solo es la letra. Pensamos todo, incluso, desde el vivo. ¿Cómo va a sonar? ¿Qué energía queremos transmitir? Eufórica, energética, con mucho power. Eso lo trabajamos junto a nuestro equipo de dirección escénica. Cualquier canción que cranearamos, automáticamente pensamos: “¿Cómo se va a sentir en el escenario?”. Si no funciona ahí, lo repensamos.
Su entrenamiento vocal lleva casi nueve años bajo la tutela de Constanza Luer, creadora de sus arreglos y coros. En el estudio, graban primero una base, dividen partes, buscan armonías y dejan que la espontaneidad entre en juego. Aunque admiten ser perfeccionistas por igual, están aprendiendo a soltarse. El resultado: voces que se fusionan sin competir, donde la agilidad de Leila y el peso emotivo de Malena se reparten en un 50/50 calculado, pero nunca frío.
— ¿Y cómo fue recibir el feedback directo? ¿Les pasó que la gente se identifique con un tema que ustedes no esperaban?
Malena: Increíble. Veníamos trabajando mucho, ensayando con músicos, con el equipo… y subirse al escenario es otra cosa. La gente conecta de otra manera. Hay canciones que uno cree que van a resonar más, y resulta que otra es la que la gente se lleva. Eso te enseña humildad y te confirma que la música es un diálogo, no un monólogo.
Leila: Para mí, el vivo es lo más lindo. Es cuando uno más conecta. Sentir la energía de los músicos, del público… es pura euforia. A fin de año queremos cerrar con un show completo. Ya estamos en las últimas etapas de ensayo, y la idea es que todo esté listo para lanzar fechas antes de que termine el año.
— Con el EP en puerta, ¿qué le dicen a quienes los siguen desde el inicio y a quienes recién los descubren con este nuevo sonido?
Malena: Que confíen en el proceso. Que este cambio no es un giro arbitrario, es parte de nuestra búsqueda. No nos quedamos en la zona de confort. Queremos seguir probando, fusionando idiomas, creciendo con la gente. El talento sin perseverancia no llega a ningún lado. Ponemos el 100% en cada nota, en cada ensayo, en cada detalle.
Leila: Y que disfruten. A veces el perfeccionismo nos juega en contra y nos olvidamos de vivir el momento. Pero la música se hace con esfuerzo, sí, pero también con pasión. Esperamos que se sienta.
El frío de mayo sigue afuera, pero la conversación se cierra con una energía que no necesita calefacción. Male y Lei no solo son hermanas; son un proyecto forjado en la constancia, en la herencia musical y en la decisión inquebrantable de caminar juntas. “Diamante en Bruto” es solo el primer destello. El resto, prometen, brillará en vivo. Y en San Telmo, entre adoquines y cafés, ya se siente el eco.
BIOGRAFÍA DE MALE Y LEI
Malena y Leila Palmiro son Male y Lei, hermanas mellizas nacidas en una familia donde la música siempre fue protagonista. Su historia comienza antes de que nacieran: Mariana, su madre y también cantante, buscaba a sus 17 años un pianista para formar un dúo musical. Así conoció a Pablo, padre de las mellizas, tecladista, baterista, cantante y productor. De ese encuentro artístico nació no solo un proyecto, sino también la familia que años más tarde recibiría a Malena y Leila.
Criadas entre escenarios, ensayos y estudios, las hermanas Palmiro afirman llevar la música en la sangre “desde la panza de mamá”. Para ellas, la vocación siempre fue clara y el camino, compartido. Unidas por su pasión y también por sus gustos musicales, su estilo al vestir, sus hobbies y su forma de ver el arte, supieron desde niñas que cada paso en su carrera lo darían juntas.
Desde muy temprana edad mostraron una fuerte atracción por el canto, la danza y el teatro. A los 9 años comenzaron a estudiar comedia musical, formación que luego complementaron con clases de canto y danza que continúan tomando en la actualidad.
Aunque la idea de tener un proyecto propio las acompañó siempre, recién en febrero de 2023 decidieron concretar ese sueño y dar inicio a “Male y Lei”. Le plantearon la propuesta a su padre, Pablo, quien con entusiasmo se sumó al camino como parte de la producción. Poco después se incorporó Diego Denegri, encargado de la producción musical, seguido por Ann Ride, su principal compositora, y José Luis “Pepe” Pagán, destacado en producción de voces. Con este equipo definieron el estilo, los mensajes, las sonoridades y los objetivos del proyecto.
El trabajo en estudio comenzó con un proceso colaborativo: junto a Ann conversaban sobre letras y temáticas. Las mellizas tenían claro el concepto de su primer single, transmitían la idea, Ann escribía y luego pulían las propuestas hasta lograr una base sólida. En paralelo, enviaban referencias musicales a Diego Denegri para guiar el género y los sonidos que buscaban, avanzando paso a paso hasta alcanzar las versiones finales.
Con una identidad forjada en la herencia familiar y en una búsqueda artística compartida, Male y Lei presentan una propuesta donde la hermandad y la música son inseparables.
El músico rosarino Fito Páez lanzó “Todos los Fitos”, un cortometraje dirigido por José Fogwill que funciona como anticipo conceptual de su próximo álbum Shine, disponible desde el 21 de mayo.
El film presenta cuatro versiones de Fito Páez conviviendo en un mismo espacio: el del ‘63, el de Circo Beat, el de 2014 y el actual. A través de diálogos cruzados y una puesta visual cargada de simbolismo, el artista reflexiona sobre el paso del tiempo, la música y el renacimiento personal.
“Todos los Fitos”: el multiverso emocional de Fito Páez
El corto propone una conversación circular entre distintas etapas de la vida y carrera de Fito Páez. En un living nocturno y minimalista, las distintas versiones del músico interactúan mientras la cámara refuerza la idea de circularidad y encierro emocional.
La narrativa combina dos planos centrales: lo audiovisual y lo musical. Mientras los personajes dialogan entre sí, aparece el concepto detrás de Shine, el nuevo disco atravesado por una experiencia límite que marcó su vida reciente.
El significado de “Shine”
El álbum Shine representa el renacer artístico y personal después del accidente doméstico que sufrió en septiembre de 2024, que derivó en la fractura de nueve costillas, una intervención quirúrgica y la suspensión de sus conciertos y grabaciones.
Ese contexto aparece directamente en el cortometraje. El Fito actual les habla a sus versiones pasadas sobre el dolor, el tiempo y la reconstrucción personal. “Shine” deja de ser solamente el título de un disco para transformarse en una idea narrativa y existencial.
“Cuando estás a punto de morir, y los tres estuvieron a punto de morir conmigo, el único lugar que te queda es renacer”, expresa el Fito actual en uno de los momentos más intensos del corto.
Música, memoria y renacimiento
Otro de los ejes musicales destacados es “Háblame”, canción que atraviesa todo el álbum y que en el corto aparece como símbolo de comunicación y encuentro entre las distintas versiones del artista.
Con referencias cinematográficas, climas oníricos y una estética introspectiva, Todos los Fitos funciona como una bisagra dentro de la obra reciente: una invitación a revisitar el pasado para entender el presente y volver a empezar.
El rapero y compositor argentino Aukan presentó oficialmente Umbral, su segundo disco de estudio, una obra atravesada por la búsqueda artística, la fusión de géneros y una fuerte identidad conceptual. El lanzamiento fue celebrado con un evento especial en La Fábrica, donde se proyectaron todos los videoclips que acompañan el álbum.
Conformado por 10 canciones, Umbral propone un recorrido musical que atraviesa distintos universos sonoros. Hip hop, rock, metal, jazz y elementos experimentales conviven de manera orgánica en un trabajo que expone la evolución artística y personal del músico.
La propuesta audiovisual ocupa un lugar central dentro del proyecto. Cada videoclip fue dirigido por Mauro Perez Quinteros (Eucalipto Films), David Pacheco y Camilo Llorente, y funciona como una extensión narrativa de las canciones.
“Umbral es el resultado de un proceso madurativo que atravesé estos últimos años. Siempre supe que las riquezas se hallan luego de búsquedas extensas y por eso me sumergí en una exploración exhaustiva”, explica Aukan sobre el concepto del disco.
El álbum contó con la participación de distintos productores musicales como Kiyo, Tomás Justo Gaggero, Alejandro Schuster y Damián Gagliardi, quienes aportaron diferentes matices sonoros a la obra.
Las canciones de “Umbral”
Los adelantos ya anticipaban el espíritu versátil del disco con temas como “Siempre High”, “Lucidez”, “Prendido Fuego” y “Viejo Desastre”. A ellos se suman las nuevas composiciones:
“Suelta Venga”
“Hábito”
“Todo y más”
“Tu luz, mi cruz”
“Easy Mode”
“La chispa”
Con este lanzamiento, Aukan consolida una propuesta musical que combina rap, rock, funk y experimentación, con letras introspectivas y una búsqueda estética cada vez más definida.
El crecimiento de Aukan en 2025
Durante el último año, el artista atravesó una etapa de fuerte expansión profesional. Fue invitado a abrir los shows de Khea y Neo Pistea en el Pina Music Fest, uno de los festivales más importantes de la Costa Atlántica, y también realizó una gira por la Patagonia junto a su banda.
Además, en noviembre fue seleccionado para abrir el show del referente español del hip hop Fernando Costa. Meses antes había concretado su primera gira internacional por España, con presentaciones en Madrid, Barcelona, Ibiza, Mallorca y Málaga.
Durante ese recorrido compartió escenario con los artistas españoles Y9 y Javi Castro, grabó material audiovisual para futuros videoclips y comenzó la realización de un documental sobre su proceso creativo y su recorrido artístico.
Otro de los hitos del año fue la apertura de Estudio 3000, su propio espacio de producción musical ubicado en el barrio de Colegiales, dedicado a grabación, mixing, mastering y salas de ensayo.
Quién es Aukan
Aukan nació y creció en el barrio porteño de Colegiales y desde muy chico estuvo vinculado a la música y al rap. Entre sus influencias aparecen figuras históricas como Tupac Shakur, Snoop Dogg, Eminem y André Benjamin.
Debutó oficialmente en 2020 con el single “25 inviernos” y poco después lanzó una colaboración junto a Nucleo aka Tinta Sucia, uno de los referentes históricos del rap argentino.
En 2022 editó RCP, su primer álbum conceptual, mientras que en los años siguientes continuó desarrollando una identidad artística marcada por la mezcla de géneros y la potencia de sus shows en vivo.
Con Umbral, Aukan reafirma ese camino y se posiciona como una de las nuevas voces emergentes más auténticas del hip hop argentino actual.
La artista argentina BB ASUL presentó “Ajedrez”, su nuevo single junto a Massacre, acompañado por un videoclip de fuerte impronta rockera donde la estética visual ocupa un lugar central. Entre tapados de piel, fuego y una puesta cargada de simbolismo, el video potencia el clima intenso de la canción y marca una etapa más directa y filosa en el proyecto de la cantante.
Después del lanzamiento de Tabaco Para Armar, “Ajedrez” continúa anticipando el próximo disco de BB ASUL, ahora con guitarras al frente, distorsión y una energía cruda que atraviesa tanto el sonido como la imagen.
La canción nació de manera espontánea: letra y melodía aparecieron de golpe antes de dormir. Desde ahí, BB ASUL construyó un tema que ironiza sobre el detrás de escena de la industria musical y las falsas promesas que muchas veces rodean al ambiente artístico. Según explicó la propia artista, “Ajedrez” intenta romantizar “las promesas fallidas de algunos vampiros de la industria musical”, entre vendedores de oro falso, timadores profesionales y personajes oportunistas.
Con una mirada crítica, pero sin perder el deseo de seguir formando parte de ese universo, la canción se convierte en uno de los lanzamientos más personales y contundentes de esta nueva etapa creativa.
La participación de Massacre aporta además un peso simbólico especial. Referentes directos dentro de su formación musical, la presencia de la histórica banda argentina refuerza el espíritu del tema y consolida un interesante cruce generacional dentro de la escena alternativa local. Producida por Dante Saulino y mezclada por Santiago De Simone de 7AM Mixing, “Ajedrez” confirma un camino artístico cada vez más definido para BB ASUL.
El crecimiento artístico de BB ASUL
En pocos años, BB ASUL logró convertirse en una de las artistas más singulares de la nueva escena musical argentina. Su propuesta mezcla R&B, pop alternativo, cultura animé y una sensibilidad atravesada por la melancolía, construyendo una identidad estética y sonora reconocible desde sus primeras canciones publicadas entre 2020 y 2022.
Ese recorrido inicial desembocó en UWU, un EP de siete canciones que fusionó sonidos urbanos con referencias otaku y terminó de definir el tono emocional que caracteriza a la artista: vulnerabilidad explícita, dramatismo generacional y una dulzura vocal que conecta con su audiencia.
Su crecimiento también la llevó a formar parte de proyectos sinfónicos dirigidos por Alejandro Terán. En “La Trampa” interpretó “1312” junto a artistas como Ca7riel, Paco Amoroso, Zoe Gotusso, Chita, Taichu y Benito Cerati. Más adelante, en “Tesoro, Fantasía Orquestal Urbana”, presentó Mar y una versión de Blue Bird.
“PURA”, nominaciones a los Gardel y el salto definitivo
En 2023 llegó PURA, su primer disco de estudio, definido por la propia artista como “música triste para chicas lindas”. El álbum contó con colaboraciones de Lara91k, Angela Torres, Blair y Oddmami, además de arreglos de cuerdas realizados por el Cuarteto Divergente bajo la dirección de Alejandro Terán.
El trabajo recibió dos nominaciones a los Premios Gardel y obtuvo un reconocimiento en los Video Prisma Awards gracias al single Incel. La presentación oficial en Niceto Club confirmó además el crecimiento de una propuesta que transformó su universo íntimo en un fenómeno colectivo.
En paralelo, BB ASUL amplió todavía más su perfil artístico con colaboraciones junto a L-Gante y EMJAY en “I’m a slut”, además de escribir canciones para Lali, Ángela Torres, Taichu y la chilena Vesta Lugg. También trabajó junto al productor IMANBEK y participó como actriz en En El Barro.
Durante 2025, la cantante formó parte del lineup de Lollapalooza Argentina, realizó presentaciones en Chile y fue seleccionada para el programa EQUAL de Spotify México. Actualmente continúa adelantando canciones de su próximo disco, un proyecto que promete profundizar aún más en esa combinación entre tristeza, cultura pop, honestidad brutal y distorsión rockera que ya define su identidad artística.
El uruguayo Leo Rizzi avanza hacia el lanzamiento de su segundo álbum con un movimiento claro: cerrar el ciclo de adelantos con una colaboración que suma peso artístico y conceptual. “Aquí nadie se puede morir”, junto a Santi Balmes —voz central de Love of Lesbian— funciona como síntesis estética y emocional de La Belleza de las Flores, que verá la luz el 8 de mayo.
La canción construye una progresión marcada: parte desde un clima íntimo y contenido y se expande hacia una sonoridad más abierta, donde ambas voces dialogan sin competir. El resultado no es solo una colaboración, sino un cruce generacional y de sensibilidades dentro del indie en español. Balmes aporta densidad interpretativa; Rizzi sostiene la identidad emocional que viene desarrollando en sus últimos lanzamientos.
En términos narrativos, el single continúa la línea de “Puro”, “Choque” y “Corazón hinchado”: una exploración de la vulnerabilidad, pero con un giro hacia la calma. La frase “aquí no se puede morir” no es literal, sino simbólica: plantea un espacio mental de resguardo, una tregua frente al desgaste emocional. Es, en esencia, una canción sobre soltar.
Rizzi y su propuesta
El concepto del álbum está atravesado por la influencia del filósofo Byung-Chul Han, especialmente en su crítica a la cultura del rendimiento. Rizzi toma esa base para construir una propuesta que se posiciona en contra de la lógica de productividad constante: La Belleza de las Flores no busca ser útil, busca ser.
Ahí está el eje: desacelerar. Frente a la sobreinformación, la cuantificación de todo y la presión por convertir lo artístico en dato o rendimiento, el disco propone una resistencia silenciosa. No hay épica grandilocuente; hay contemplación.
“Aquí nadie se puede morir” cierra los adelantos dejando claro el tono del proyecto: menos urgencia, más profundidad. Un disco que no intenta imponerse, sino invitar a detenerse.
La artista Yaspresentó su nuevo álbum, “Distinta”, con un evento exclusivo que reunió a prensa e invitados en una propuesta que fue más allá de lo musical: una experiencia sensorial pensada para sumergirse en su universo creativo.
La noche estuvo atravesada por un formato cuidado al detalle, que incluyó junket, cóctel y un espacio instagrameable, diseñado para amplificar el concepto del disco. El cierre fue un show en vivo donde Yas interpretó cinco canciones de su nuevo trabajo: “Esencia”, “La Niña”, “La Culpa”, “Crecer Duele” y “Distinta”, su focus track. La puesta contó con dos bailarinas, además de acompañamiento en piano y guitarra, reforzando el tono íntimo y emocional.
La dirección de arte estuvo a cargo de Julia Conde, quien diseñó un entorno con pantallas interactivas que permitió a los asistentes formar parte activa de “El universo de Yas”.
Un disco que retrata una etapa
Producido por Peter Akselrad, “Distinta” es un álbum de 10 canciones que funciona como un registro personal de los veintis de la artista: una etapa marcada por cambios, búsquedas y construcción de identidad.
El tracklist incluye: La Niña, Si Tiene Que Ser Será, La Culpa, Distinta, No Me Va, Crecer Duele, Mi Peor Enemiga, Si No Lo Contamos, Esencia y Deseo de Cumpleaños.
El focus track, “Distinta”, coescrito junto a Camilú, sintetiza el concepto del disco: la evolución personal, el quiebre de estructuras internas y la aceptación del cambio como parte del crecimiento.
Una narrativa visual coherente
El videoclip oficial, también dirigido por Julia Conde, con dirección de arte de Melanie Anton Def y estilismo de Jorge León, refuerza esa dualidad que atraviesa todo el álbum: vulnerabilidad y fortaleza en constante tensión.
La voz de Yas
“Este disco es muy especial para mí porque no solo cuenta mis vivencias, sino también la etapa que estoy atravesando: mis veintis. Es como una película de esta década de mi vida”, explicó la artista.
A lo largo del álbum, Yas aborda vínculos que cambian, inseguridades, proyecciones a futuro y la necesidad de construir una identidad propia sin filtros.
Próxima parada: el vivo
Como parte del lanzamiento, Yas llevará “Distinta” al escenario con un show íntimo el próximo 15 de mayo a las 20:45 hs en Café Berlín, donde propondrá trasladar esta experiencia al formato en vivo.
Las entradas se encuentran disponibles a través de la plataforma Livepass.
Ficha técnica
Artista: Yas
Álbum: Distinta
Producción musical: Peter Akselrad
Focus track: “Distinta” ft. Camilú
Videoclip: Dir. Julia Conde | DA: Melanie Anton Def | Estilismo: Jorge León
Enrique Bunbury presenta De un siglo anterior, su décimo cuarto álbum de estudio y el segundo trabajo consecutivo enfocado en la exploración del folklore hispano y latinoamericano. Luego de Cuentas Pendientes (2025), el artista cierra una etapa marcada por la búsqueda de raíces y la relectura de tradiciones musicales del continente.
Grabado en febrero de 2025 y mezclado en agosto del mismo año en el Desierto de los Leones, México, el disco fue producido por el propio Bunbury junto a Ramón Gacías, con ingeniería de Daniel Bitrán en el Desierto Casa/Estudio. Para este proyecto, el músico vuelve a rodearse de una banda con fuerte impronta latinoamericana: el guitarrista chileno Sebastián Aracena, el contrabajista mexicano Luri Molina y el percusionista Johnny Molina, además de sus colaboradores habituales.
En lo conceptual, De un siglo anterior se detiene en los cambios de época: un mundo en transformación donde conviven fascinación e incertidumbre. Lejos de una mirada pesimista, el álbum propone preguntas más que respuestas, con una perspectiva abierta que evita juicios categóricos y deja lugar a cierto optimismo.
Con más de dos décadas de trayectoria desde sus inicios en Héroes del Silencio y una prolífica carrera solista, Bunbury se mantiene al margen de las tendencias, enfocado en una obra personal que prioriza la calidad compositiva, el trabajo sobre el sonido y el peso de las letras. Este nuevo lanzamiento funciona así como cierre de un ciclo artístico que dejó una serie de composiciones atravesadas por la tradición y la identidad cultural.
En paralelo, el artista anunció las fechas del Nuevas Mutaciones Tour 2026, con presentaciones en América y España. Varias ciudades ya agotaron entradas, entre ellas Puebla, Ciudad de México, Guadalajara y Zaragoza.
El tour contará con una banda ampliada de diez músicos, entre los que se destacan Robert Castellanos en bajo, Ramón Gacías en batería, Jorge “Rebe” Rebenaque en teclados, Jordi Mena en guitarras y una sección de vientos y cuerdas que promete renovar el sonido en vivo.
Show en Buenos Aires de Bunbury 📍 Movistar Arena 🗓️ 4 de noviembre 🎫 Entradas a la venta próximamente
Con este lanzamiento, Bunbury no solo suma un nuevo capítulo a su discografía, sino que también pone punto final a una etapa estética clara, dejando abierta la incógnita sobre su próximo movimiento.
