El esperado encuentro entre dos de los máximos referentes de la música latina a nivel mundial ya es una realidad. Bizarrap presentó la BZRP Music Session Vol. 62/66 junto a J Balvin, una colaboración histórica que une al productor argentino más influyente de la escena global con una de las figuras clave en la expansión internacional del sonido latino.
La nueva entrega del proyecto, que ya es un fenómeno cultural y musical, llega luego de un hito reciente en la carrera de Bizarrap:la BZRP Music Session Vol. 0 junto a Daddy Yankee, que debutó en el #2 del ranking Global de Spotify y alcanzó el #9 del chart Global, convirtiéndose en uno de los lanzamientos más importantes del año. Esa colaboración marcó además un hecho inédito, al posicionar a Bizarrap como el único artista argentino en grabar una session con Daddy Yankee.
Un cruce de identidades: Colombia y Argentina en una misma session
La BZRP Music Session Vol. 62/66propone un diálogo musical entre la identidad colombiana de J Balvin y el sonido inconfundible de Bizarrap. La canción se abre con una referencia al vallenato, género tradicional de Colombia, en una clara muestra de la capacidad del productor para reinterpretar estilos y contextos culturales desde un lenguaje propio, moderno e innovador.
El resultado es una session que respeta las raíces, pero las proyecta hacia un sonido global, reafirmando el rol de ambos artistas como embajadores de la música latina en el mundo.
El cierre del año para Bizarrap
Este lanzamiento marca además la última BZRP Music Session del año, funcionando como cierre de un nuevo ciclo para Bizarrap, consolidado como uno de los artistas más influyentes de la escena internacional y un referente indiscutido de la música latina contemporánea.
Con más de 19 mil millones de reproducciones acumuladas entre Spotify y YouTube, más de 20 BZRP Music Sessions dentro del Top 200 Global y múltiples canciones que alcanzaron el #1 Global, el productor argentino continúa ampliando los límites del género y redefiniendo su impacto cultural.
Un fenómeno cultural más allá de la música
Ganador de cuatro Latin Grammy y cuatro Récords Guinness, Bizarrap llevó recientemente su proyecto a un escenario inédito: la NFL, donde presentó la BZRP Music Session Vol. 0 junto a Daddy Yankee, consolidando el alcance del formato más allá de la industria musical y posicionándolo en el centro de la conversación cultural global.
Con la BZRP Music Session Vol. 62/66 junto a J Balvin, Bizarrap vuelve a demostrar su visión artística, funcionando como puente entre culturas y generaciones, y reafirmando su liderazgo como una de las figuras más influyentes de la música global, llevando la bandera argentina a los escenarios más importantes del mundo.
TRINIDAD se prepara para lanzar su esperado disco debut “Adicta al drama”, una obra que verá la luz a fin de año y que promete coronar un 2025 clave en su recorrido artístico. A lo largo de los últimos meses, la artista fue presentando distintos adelantos que permitieron asomarse al universo emocional y sonoro de este primer álbum, construyendo una narrativa honesta, intensa y profundamente generacional que conectó de manera inmediata con su público.
Desde mediados de año, TRINIDAD comenzó a desplegar este nuevo proyecto con una serie de singles que marcaron distintas facetas de su identidad musical. Canciones como “Fan de su relación”, “La Tarotista” y “Sobrenatural” delinearon un recorrido que va del pop más filoso y frontal a climas más introspectivos, anticipando un disco atravesado por las emociones, los vínculos y los conflictos internos.
“Fan de su relación”: pop directo, celos y límites sin filtro
“Fan de su relación”, tercer adelanto de Adicta al drama, se presenta como una canción pop directa e incisiva que aborda temáticas como los celos, la obsesión y los límites emocionales. Con una letra punzante y una actitud desafiante, TRINIDAD expone sin rodeos a quien intenta colarse en una relación ajena. Audaz y energética, la canción se sostiene en un pulso vibrante que la vuelve ideal para quienes conectan con el drama real y sin filtro.
“Sobrenatural”: una mirada introspectiva sobre crecer y transformarse
Por su parte, “Sobrenatural”, el cuarto y último adelanto del disco, cuenta con la participación de Muna Pauls Cherri y propone un registro más introspectivo y maduro. La canción explora las sensaciones que acompañan el proceso de crecer, cambiar y redefinirse, abordando el miedo, la confusión y la nostalgia que surgen al enfrentarse al paso del tiempo y a las expectativas ajenas. Con una lírica honesta y una producción envolvente, el tema marca una evolución artística dentro del universo de TRINIDAD.
Adicta al drama, el disco debut que consolida a TRINIDAD en la nueva escena pop argentina
Con “Adicta al drama”, TRINIDAD reúne todas estas piezas en su disco debut, cerrando un recorrido que fue creciendo single a single y consolidando una identidad propia dentro de la nueva escena pop argentina. El lanzamiento del álbum completo representa un hito para la artista y una respuesta a quienes acompañaron cada adelanto y esperaban este estreno final, coronando un año intenso y prometedor para una de las voces más personales del pop nacional.
Sobre TRINIDAD
TRINIDAD es artista, compositora, cantautora y actriz, nacida en Buenos Aires, Argentina. Desde los 7 años se dedica a su formación artística en técnica vocal, teatro musical y actuación. Se formó en Otro Mundo, la escuela de Cris Morena, un espacio de referencia en la formación integral de artistas, donde fortaleció su identidad creativa y profesional.
Durante 2025, TRINIDAD se consolida como una artista emergente con una serie de lanzamientos que vienen marcando su crecimiento, entre ellos “Sobrenatural” y “Fan de su relación”. Esta trayectoria desemboca en el lanzamiento de su primer álbum, Adicta al drama, un proyecto con el que busca reafirmar su identidad artística y continuar expandiendo su universo creativo. Actualmente, cuenta con más de 1.000 oyentes mensuales en Spotify y una comunidad en constante crecimiento que acompaña cada uno de sus nuevos lanzamientos.
El cantante, compositor y guitarrista británico Chris Rea, conocido internacionalmente por temas como ‘On The Beach’ o el navideño ‘Driving Home For Christmas’, falleció a los 74 años, según informó este lunes su familia.
Rea murió este lunes en un hospital tras “una breve enfermedad”, rodeado de sus familiares, de acuerdo con el comunicado distribuido en nombre de su esposa y dos hijos por la agencia británica de noticias Press Association (PA).
El músico fue diagnosticado de cáncer de páncreas en el año 2000 y se sometió a una operación al año siguiente, mientras que en 2016 sufrió un ictus.
Rea vendió más de 30 millones de copias de sus 25 discos durante sus cinco décadas de carrera.
Nacido en 1951 en Middlesbrough (norte de Inglaterra) de padre italiano y madre irlandesa, Christopher Anton Rea, con siete hermanos, pasó la adolescencia ayudando en la heladería familiar y hasta se sacó el permiso de conducir con la camioneta de venta de helados de su padre, Camillo.
Descubrió su pasión por la música y la guitarra en su juventud, cuando se compró su primer instrumento, una Hofner V3 de 1961, y, según los expertos, su amor por la conducción y los viajes influyó en muchas de sus canciones.
Rea estuvo en dos bandas, Magdalene y The Beautiful Losers, antes de lanzar su carrera en solitario con el sencillo ‘So Much Love’ en 1974.
Su primer álbum, ‘Whatever Happened To Benny Santini?’, se publicó en 1978, y la canción ‘Fool (If You Think It’s Over)’ fue nominada a un Grammy.
El músico, conocido por su voz grave y distintivo estilo al tocar la guitarra, alcanzó la fama en los años setenta y ochenta con éxitos como ‘Let’s Dance’ y ‘The Road to Hell’.
Su primer éxito en Estados Unidos le llegó en 1978 con su canción ‘Fool (If You Think It’s Over)’, que le reportó una nominación al Grammy como mejor artista revelación. Su álbum de 1985, ‘Water Sign’, fue un éxito en toda Europa.
A lo largo de su carrera grabó 25 discos en solitario, de los cuales dos alcanzaron el número uno en las listas británicas: ‘The Road to Hell’ (1989) y ‘Auberge’ (1991). Vendió más de 30 millones de copias de sus álbumes.
Lanzado en 1986, el tema ‘Driving Home For Christmas’ es hasta el día de hoy un clásico de la Navidad, tanto en el Reino Unido como en el extranjero.
Este año volvió a figurar en las listas de éxitos del periodo festivo, alcanzando el puesto 30 la semana pasada, y también se incluyó en la campaña publicitaria navideña de los conocidos grandes almacenes británicos M&S.
Según explicó en su página web, la canción, ideada cuando viajaba con su mujer en coche, relata “la historia de un viajero cansado que regresa a casa, un momento de calidez, humor y espíritu festivo que ha conservado su encanto con el paso de los años”.
Sin embargo, en un principio él no quiso que su discográfica la publicara, dado que estaba tratando de labrarse una reputación por su habilidad con la guitarra.
“En ese momento, lo último que necesitaba era tener una canción navideña dando vueltas. Hice todo lo posible para que no publicaran ese disco. ¡Por suerte, lo hicieron!”, reconoció después.
La vos distintiva de Rea
La voz de Rea es una de las características más distintivas de este, siendo de tonalidad grave (posiblemente baritónica) y de timbre rasgado, a semejanza de la de vocalistas como Barry White o Tom Waits. Según el propio Rea, el ser cantante no había sido nunca una de sus metas musicales, confesando que hubiera preferido ser el letrista y guitarrista, antes que el líder de un grupo. Por otra parte, al inicio de su carrera, los productores musicales trataron de resaltar su faceta de cantante melódico, imagen que ha perdurado en buena parte de las fórmulas de promoción del artista, a pesar del rechazo de este.
AKIREY lanza su nuevo tema, «Flores de Primavera»,el segundo de una trilogía musical que explora el fin de una relación marcada por la dependencia emocional y la vulnerabilidad.
“Flores de Primavera” es una canción que habla de cómo, tras duelos internos y la sensación de haber hecho las cosas mal, llega un punto donde se decide dejar de creer en ese amor que no se corresponde. La canción también reflexiona sobre cómo el mundo actual concibe un amor efímero, superficial y de consumo, casi como si no sintiera lo humano.
El videoclip refleja la dualidad entre el mundo interno y externo, mostrando escenas de baile que transmiten energía y liberación, contrastando con momentos de introspección y vulnerabilidad. La estética visual mezcla colores cálidos y vibrantes con momentos más sobrios, reflejando el cambio de emociones.
El videoclip cuenta con la fusión de pasos de chacarera y folklore, haciendo hincapié en la idea de fusionar la tradición con la modernidad.
Este tema es el corte más bailable de la trilogía, combinando ritmos que invitan a bailarlo este verano dejando un mensaje profundo de introspección y resiliencia.
La trayectoria de Akirey: un creador sin etiquetas
Detrás de Akirey está Jorge Rey, un artista multidisciplinario que desde muy joven eligió la creatividad como modo de vida. Llegó a Buenos Aires a los 17 años y rápidamente dejó su huella en la moda, la actuación y la dirección creativa.
Su carrera comenzó en el diseño, pero pronto se expandió hacia la música, el teatro y la escritura, construyendo una identidad artística que no reconoce etiquetas ni límites. El propósito de su obra siempre fue claro: inspirar autenticidad, amor y libertad en su público.
A lo largo de su camino, Akirey participó en comedias musicales en la calle Corrientes, tanto como actor como diseñador de vestuario, y fue parte de la serie “Margarita”. En paralelo, desarrolló su faceta como escritor y compositor, y actualmente trabaja en su segundo álbum de estudio y en su proyecto conceptual “Akirey: El Niño Ojos de Cristal”, una historia que explora la búsqueda de identidad en un mundo digitalizado.
Después de un 2025 marcado por grandes hitos, La Vela Puercadespidió el año con una noche inolvidable en La Rambla de Montevideo, frente a unas 40 mil personas, en el marco de su gira por los 30 años. Fue un show único, profundamente simbólico, tanto para la banda como para su público uruguayo, con una lista demoledora de 34 canciones, invitados especiales y una emoción que se sintió de principio a fin.
El recital fue mucho más que un cierre de año: fue una celebración colectiva, un repaso por tres décadas de canciones y una reafirmación del vínculo irrompible entre La Vela Puerca y su gente. Montevideo fue el escenario perfecto para coronar un recorrido histórico de la banda.
Los invitados de La Vela Puerca
La noche estuvo atravesada por la participación de músicos invitados, amigos de la banda y referentes fundamentales de la música uruguaya, que se sumaron para acompañar este momento tan especial. Entre ellos, Chole, mítico cantante de Abuela Coca —banda clave en los comienzos de La Vela en Uruguay—, participó en “Burbujas”. De esa misma formación también dijeron presente Morón y Paulo Zuloaga, aportando sus vientos en “El Bandido”, “Burbujas”, “Pedro”, “Mañana”, “Vuelan Palos” y “Llenos de Magia”.
La lista de invitados de La Vela Puerca siguió creciendo con Gabriel Peluffo (Buitres) y Guillermo Peluffo (Trotsky Vengarán), quienes se sumaron en “Los Reyes de los Buzones”, desatando uno de los momentos más celebrados de la noche. Por su parte, Garo Arakelian, exintegrante de La Trampa y actual solista, aportó su impronta en “Clarobscuro”.
También participaron Pablo Silvera y Matto Bello de Mota en “Colabore”, mientras que las leyendas del candombe Chabela y Lobo Núñez dijeron presente en “Cerca del Mar”, aportando raíz y emoción. La nómina continuó con Juan Casanova de Los Traidores en “Llenos de Magia”, Rodra en “Tormenta” y el rapero uruguayo Arquero en “La Pastilla”, sumando diversidad y cruces generacionales.
A ellos se sumaron Mc Gregor, que participó en “Los Reyes de los Buzones” y volvió a escena en “Por la Ciudad”; Manolo en “Común Cangrejo” y “Pedro”; Flor Sakeo y Santullo en “La Sin Razón”; Balbis en “Ves”; Batra en “Mañana”; y Gian en “Zafar”. Además, Neamwave, Flor Sakeo y Mota fueron las bandas encargadas de abrir la noche, calentando el clima desde temprano.
Como broche de oro, para cerrar la noche, dos perlitas que quedarán guardadas en la memoria colectiva: un emotivo homenaje a Robe Iniesta (cantante de Extremoduro) y el final a una sola voz de 40 mil almas cantando a capella “Jose Sabia” y el verso: “Al dolor de seguir vivo que es lo bueno que tiene el dolor y también al placer de ganar y perder, cuando todo parece jodido es cuando hay que poner”.
Estos meses de La Vela Puerca estuvieron dedicados a celebrar sus 30 años de trayectoria, aniversario que la banda cumplirá oficialmente el 24 de diciembre. Durante todo el recorrido, La Vela llevó esta celebración a más de 50 ciudades y dieron más de 53 shows, entre presentaciones nacionales e internacionales que los llevaron a distintos puntos de América Latina y Europa. Dentro de este extenso camino, otro de los momentos más destacados fue el festejo a su debida altura en el Estadio Ferro en Buenos Aires, donde más de 25 mil personas se sumaron a la celebración.
El 10 de diciembre de 2025 quedará grabado como una de las fechas más tristes para la música en español. Ese día murió Robe Iniesta, fundador, líder y alma creativa de Extremoduro, una de las bandas más influyentes y poéticas del rock ibérico.Tenía 63 años y una trayectoria marcada por la honestidad, la rebeldía y una sensibilidad artística que dejó huella en varias generaciones.
Su fallecimiento fue confirmado por su entorno cercano mediante un comunicado en el que se habló de “la noticia más triste” que podían dar. Robe arrastraba problemas de salud desde 2024, cuando un tromboembolismo pulmonar lo obligó a suspender conciertos y a reducir de manera abrupta su actividad en vivo. Aunque nunca dejó de escribir ni de trabajar en su estudio, su agenda pública se fue apagando, algo que preocupó a los fanáticos, aunque pocos imaginaron un desenlace tan pronto.
Un artista que redefinió el rock en español
Robe Iniesta —nacido en Plasencia, Cáceres, en 1962— no fue un músico cualquiera. Fue un poeta urbano, un narrador del desgarro, un creador capaz de mezclar crudeza y belleza en dosis únicas. Su forma de escribir y cantar convirtió a Extremoduro en un fenómeno que trascendió cualquier etiqueta.
Cuando fundó la banda en 1987, Extremoduro era una apuesta contracultural, casi marginal. Robe financiaba sus primeras grabaciones vendiendo papeletas en bares mientras recorría su ciudad con una guitarra llena de cicatrices. Con el tiempo, esa autenticidad —tan alejada de lo comercial— se transformó en su marca registrada.
Discos como Deltoya, ¿Dónde están mis amigos?, Pedrá o el emblemático Agila redefinieron el rock español, combinando elementos de hard rock, poesía callejera, introspección existencial y una visceralidad que conectó profundamente con miles de jóvenes en España y Latinoamérica. Las letras de Robe abordaban el amor, la soledad, la rabia, la búsqueda de libertad, el paso del tiempo, la autodestrucción y, sobre todo, la necesidad de encontrar sentido en un mundo que a veces parece caótico.
Su voz quebrada, a veces rota, se transformó en símbolo de sinceridad. Sus versos se volvieron himnos. Sus conciertos, verdaderos rituales donde la emoción y la catarsis convivían sin artificios.
El después de Extremoduro: un creador incansable
Aunque Extremoduro se disolvió oficialmente en 2019, Robe continuó su camino como solista sin perder un ápice de fuerza creativa. Publicó álbumes como Lo que aletea en nuestras cabezas, Destrozares, canciones para el final de los tiempos, Mayéutica y Se nos lleva el aire. Cada uno de ellos reveló su lado más introspectivo y experimental, pero manteniendo siempre la esencia que lo caracterizaba: libertad absoluta para crear.
Su última etapa estuvo marcada por giras multitudinarias, una conexión profunda con el público y una madurez artística en la que la instrumentación, la poesía y la emoción se amalgamaban de manera magistral. Incluso cuando la salud comenzó a jugarle una mala pasada, Robe seguía componiendo, probando arreglos, escribiendo textos que aún esperan ver la luz.
El impacto inmediato de su muerte
La muerte de Robe Iniesta generó una reacción inmediata de tristeza y conmoción. Músicos de todas las generaciones lo despidieron como un referente imprescindible. En redes sociales, miles de mensajes describieron la sensación compartida: se había ido una voz que formó parte de la banda sonora de vidas enteras.
Sus seguidores lo recordaron con frases que sintetizan su obra: “Hay días tontos y tontos todos los días”, “La vereda de la puerta de atrás”, “Si te vas”, “Standby”… Canciones que atravesaron décadas y que, de alguna manera, siempre parecieron hablarle de forma personal a quien las escuchaba.
En su ciudad natal, Plasencia, se decretaron días de luto. Para muchos, Robe era más que un músico: era un símbolo cultural, una figura que había puesto a Extremadura en el mapa del rock español con una fuerza imposible de imitar.
Robe, el poeta: por qué su figura va más allá del rock
Hablar de Robe Iniesta es hablar también de literatura. Sus letras, complejas y cargadas de metáforas, fueron analizadas en escuelas y universidades. Su forma de escribir combinaba crudeza y sensibilidad, calle y filosofía, vulgaridad poética y delicadeza. Esa mezcla lo convirtió en un autor único.
No era raro que se lo describiera como uno de los últimos poetas del rock. Su obra tenía una profundidad inusual en un género que a menudo privilegia lo inmediato. Para Robe, cada palabra importaba; cada verso tenía una intención emocional, estética o conceptual. Sus letras no solo se escuchaban: se leían, se recitaban, se tatuaban, se compartían en momentos de crisis o celebración.
Robe hablaba de las heridas, pero también de la esperanza. De la soledad, pero también de la compañía. De los abismos, pero también de los vuelos. Esa dualidad fue su sello, y es por eso que su figura trasciende lo musical.
Un vacío imposible de llenar
La muerte de Robe Iniesta marca el fin de una era. Durante casi cuatro décadas, su voz fue sinónimo de autenticidad. Nunca buscó caerle bien a todos. Nunca buscó el éxito fácil. Nunca suavizó su obra para adaptarla a modas o algoritmos. Robe era fiel a sí mismo. Y ese compromiso, hoy tan escaso, explica por qué su pérdida se siente tan profunda.
En un mundo acelerado, donde la música se consume a velocidad y se descarta con la misma rapidez, Robe representaba lo contrario: tiempo, introspección, visceralidad, imperfección, belleza ruda, verdad.
Su ausencia deja un silencio que duele. Un silencio lleno de música.
Lo que queda: canciones, memoria y una leyenda que recién empieza
Aunque Robe Iniesta ya no esté físicamente, su obra seguirá viva. Sus canciones continuarán acompañando a nuevas generaciones, que se acercarán a su discografía como quien encuentra un libro valioso en una biblioteca olvidada.
Extremoduro seguirá siendo una referencia ineludible del rock español. Su carrera como solista será redescubierta, estudiada, celebrada. Y su figura crecerá con el tiempo, como sucede con los artistas que nunca se repiten, nunca se copian, nunca se acomodan.
Robe se va, pero deja un legado gigante. Un legado que vive en cada verso que escribió y en cada persona que encontró consuelo, furia, esperanza o libertad en su música.
Porque Robe Iniesta no muere. Se transforma en leyenda.
Inés Martina vuelve a poner en marcha su carrera discográfica con un adelanto poderoso: su nuevo single “Mejor Amiga”, que funciona como anticipo del esperado EP titulado Rocola Latina.
“Mejor Amiga” representa una carta de presentación emocional y sincera. Según la propia Inés, la canción nació en un momento de sinceridad propia: “quise escribir sobre esas amistades que dejan huellas, las que te acompañan aunque la vida cambie de forma. Me senté, y en cuestión de minutos, las palabras se ordenaron solas.” El resultado es un tema cargado de nostalgia, amistad y autenticidad, con producción y arreglos firmados por Joaquín Plada.
La producción musical incluye voces y coros de Inés Martina; guitarras, bajo, batería, percusiones y teclados a cargo de Joaquín Plada; y mezcla/mastering de Nicolás Morone. El videoclip, dirigido por Alex Kosene y Nicolás Lanusse —con dirección de fotografía a cargo de Hernán Gómez— tiene su estreno anunciado para el 19 de diciembre de 2025, generando expectativa entre sus seguidores.
Rocola Latina: mucho más que un EP
El proyecto Rocola Latina no se limita a “Mejor Amiga”. Según la artista, el EP agrupará cinco canciones que representan distintos estados emocionales y momentos de su vida:
“Mejor Amiga”: homenaje a la amistad duradera, a los lazos que perduran más allá del tiempo y los cambios.
“Como la vida”: nació de una frase espontánea de su hijo —“¿Por qué no podemos ver el viento?”— y busca reflexionar sobre la vida y su esencia.
“Duelo por vos”: una canción introspectiva que surgió como una necesidad de sanar sentimientos profundos.
“Mi amor cliché”: declaración de amor y felicidad, aunque con la autoconciencia de que puede sonar “idealista”.
“Tu amor millenial”: un dueto propuesto por Joaquín Plada, que busca conectar con las nuevas generaciones y sus formas de amar.
Este conjunto busca encapsular “ritmo, emoción y verdad” bajo una impronta latina contemporánea — una suerte de “rocola emocional” — que da nombre al EP.
Una artista con trayectoria, presente y futuro
Inés Martina no es nueva en la escena. Estudió Diseño de Imagen y Sonido en FADU, y más tarde viajó a Nueva York para formarse en artes dramáticas en la reconocida escuela HB Studio. A lo largo de los años vivió en EE. UU. y trabajó en diversos oficios —moza, paseadora de perros, niñera, asistente personal— antes de volcar su creatividad en la música.
En 2021 lanzó su primer sencillo, Los Giles, y desde entonces acumuló más de una docena de singles, muchos con videoclips filmados en Argentina. Rocola Latina será su debut en formato EP, previsto para marzo de 2026; la presentación en vivo será en Buenos Aires, en el espacio Casa Gómez, el jueves 9 de abril.
Además de su faceta como cantante, Inés Martina es actriz y coproductora en su propia productora audiovisual, lo que refleja su versatilidad creativa y su compromiso con el arte en múltiples formatos.
Qué esperar del nuevo single
“Mejor Amiga” marca un giro hacia lo íntimo, lo emotivo y lo honesto. A través de su letra y su melodía, Inés invita al oyente a reconectar con valores como la amistad, la nostalgia, la memoria afectiva y las huellas que dejamos en los otros. El videoclip promete complementar esa atmósfera con una estética cuidada: un equipo técnico y artístico de primer nivel, y una producción audiovisual que acompañe la fragilidad y la emoción de la canción.
Con Rocola Latina, Inés Martina busca hacerse un lugar firme en la escena contemporánea de música latina, aportando su mirada personal, su sensibilidad y su bagaje artístico. “Mejor Amiga” es solo el comienzo: una muestra de lo que está por venir.
Midnight Til Morningel grupo de pop rock que está conquistando a fans de todo el mundo con su química y armonías impecables, se presentará en Buenos Aires el jueves 16 de abril en Niceto Club (Niceto Vega 5510).
La música de Midnight Til Morning resuena con una energía única que atrae a fans de diferentes géneros. El fenómeno sigue creciendo, capturando la atención de oyentes en todo el mundo. Con cada sencillo, demuestra su versatilidad y creatividad musical.
De la pantalla al escenario, Midnight Til Morning es una banda transatlántica de pop-rock formada en tiempo real en «Building the Band» de Netflix. Reunidos mediante audiciones a ciegas, los australianos Conor Smith (22) y Mason Watts (25) unieron fuerzas con los estadounidenses Shane Appell (22) y Zach Newbould (22), captando rápidamente la atención mundial con su química en el escenario y armonías impecables.
La conexión del público ces innegable, especialmente entre los jóvenes. Esta cercanía se refleja en la música de Midnight Til Morning, que ha resonado en muchos corazones.
Procedentes de carreras solistas, los cuatro plasman sus estilos individuales en un sonido colaborativo que fusiona himnos modernos del pop y el rock. Su sencillo debut, «Bye», coescrito con creadores de éxitos como Benson Boone, Harry Styles, Sabrina Carpenter y Shawn Mendes, marcó el comienzo de lo que promete ser un año decisivo para el grupo.
El viaje musical de Midnight Til Morning apenas comienza, y esperamos grandes cosas de ellos. Shane también menciona cómo Midnight Til Morning ha influido en su enfoque musical. La evolución es un testimonio de su dedicación y arduo trabajo.
A medida que la trayectoria de la banda se desarrollaba en pantalla, los espectadores seguían la intensidad y la conexión entre los chicos tras bambalinas, factores que conectaron especialmente con el público más joven. Combinados con unas voces excepcionales y un vínculo natural, estos elementos forman la base de algo mucho más allá de un típico debut.
La primera gira mundial de Midnight Til Morning
La banda promete llevar su magia a nuevos públicos. “La conexión fue instantánea […] y ahora somos muy cercanos y nos sentimos muy cómodos el uno con el otro”, dice Mason.
Mason empezó a cantar de joven, en bares de karaoke, donde sus padres notaron su potencial y lo animaron a seguir adelante. Tras terminar la escuela, comenzó a grabar y publicar una serie de temas pop, creando poco a poco una audiencia y formando un equipo creativo. Finalmente, presentó su trabajo en Big Sound, una de las conferencias musicales más influyentes de Australia.
Conor, por su parte, creció en la Costa Central de Nueva Gales del Sur, Australia. Autodidacta desde pequeño, comenzó con el ukelele antes de tocar la guitarra y aprender a componer canciones. Como alguien que a menudo se sentía excluido en la escuela, la música y la composición se convirtieron en un espacio seguro para expresar lo que no siempre era fácil de decir.
Al otro lado del mundo, en Nueva York, Shane comenzó a tocar la batería con tan solo cinco años, y más tarde se expandió a la guitarra y la composición. Aunque es un intérprete enérgico y apasionado, Shane se describe a sí mismo como una persona reservada y familiar que mantiene a la banda con los pies en la tierra tanto dentro como fuera del estudio.
Completando el cuarteto, Zach, criado en Massachusetts, cantaba incluso antes de aprender a hablar. Su familia lo recuerda tarareando en casa de niño, y nunca paró. A los diez años, comenzó a tomarse la música en serio y a componer canciones, actuando siempre que podía. Apasionado por las voces potentes y las melodías emotivas, Zach fue construyendo gradualmente una base de fans y un sonido que refleja tanto pasión como vulnerabilidad.
Con su talento individual y colectivo ya demostrado, la banda ahora cuenta con el apoyo de Chugg Music, que ha firmado con el grupo, incluyendo la gestión global. Andrew Stone, director ejecutivo de Chugg Music, lidera la estrategia y el desarrollo, mientras que Michael Chugg AM, figura legendaria de la industria musical australiana e internacional, aporta décadas de experiencia al equipo.
“Chuggi y yo escuchamos a la banda por primera vez cuando volvieron a reunirse con nosotros después de grabar con Netflix. Mason Watts nos contó lo comprometido que estaba con el grupo, y una sola reunión fue suficiente para que viéramos al instante la química, la amistad y la dedicación de todos los chicos (además de algunas anécdotas divertidas). Pero cuando entraron al estudio y comenzaron a grabar y componer juntos, quedamos completamente impresionados. Son una de las bandas más trabajadoras que he conocido, y son tan jóvenes, con tanto tiempo por delante. […] Creemos que el futuro es increíblemente brillante para MTM”, dijo Andrew Stone.
Desde momentos virales hasta el furor en streaming, rápidamente se hicieron con una base de seguidores a nivel global atraídos por sus armonías, su corazón y su carisma. Ahora, Midnight Til Morning sale de la pantalla y sube a los escenarios de todo el mundo con su primera gira mundial, un espectáculo en vivo que promete energía pura y momentos inolvidables.
Nacida en Santa Fe en 2001, Avru comenzó su historia en la música a los 8 años, formándose durante más de una década en la escuela coral Carlos Guastavino de Santo Tomé. Allí desarrolló una base lírica sólida, disciplina escénica y una conciencia vocal que la marcarían para siempre.
Pero, años después, esa niña que cantaba ópera en un escenario estático empezó a preguntarse qué más podía ser.
Una nueva identidad para una nueva etapa
—Cambiaste tu nombre artístico, tu sonido y hasta tu estética. ¿Cuál fue el disparador? —Esta identidad la vengo buscando hace mucho. Pasé por un montón de etapas y nunca terminaba de sentirme del todo cómoda. Cuando conocí a Pepe Pagan, con quien hice el EP, encontré una pieza clave para transformarme. Quise soltar lo que fui y empezar desde otro lugar. Avru es más yo, más libre.
La decisión de dejar atrás el nombre Abril Lerman marcó el inicio simbólico de esta evolución. Así nació AVRU: una artista que abraza sus raíces, pero se anima al riesgo.
—¿Y por qué el turquesa como color insignia? —Es mi color favorito, lo relaciono con el agua, el cielo, la calma. Sin darme cuenta, todo lo que elijo es turquesa. Llevarlo a la música ayuda a reforzar quién soy y la imagen que quiero transmitir.
El turquesa es bandera. Y destino.
La composición como descubrimiento
Componer desde la búsqueda: salir de la zona conocida
El trabajo con el productor Pepe Pagan empezó a través de videollamadas: él desde Miami, ella desde Buenos Aires. Compartieron melodías, ideas, referencias visuales y musicales hasta construir las bases de las primeras canciones del EP.
—¿Cómo fue el proceso compositivo? —Al principio nos mandábamos melodías nomás. Pepe me pidió que armara una lista de Spotify con referencias del sonido al que quería llegar. Pero mis influencias de siempre son Evanescence, Nightwish, Adele… y la idea era salir de esa zona conocida y explorar un pop más popular.
Así descubrió música que no estaba en su radar:
—Tuve que meterme en un universo que no escuchaba: Miley Cyrus, Britney, artistas italianos… Conocí música nueva, me encantó. Y cada vez que escucho este EP pienso: wow, puedo hacer mucho más de lo que imaginaba.
Cuando las pistas tenían forma, se sentaron a escribir…
—Nos juntábamos a charlar de qué queríamos hablar en cada canción. A veces los versos salían solos, otras eran palabras sueltas hasta que todo encajaba. Fue mágico compartir la composición.
Antes de este lanzamiento, Avru ya había dado pasos importantes: en 2022 participó en el certamen televisivo Canta Conmigo Ahora, donde se lució con interpretaciones líricas y fue semifinalista. Luego llegaron shows en espacios emblemáticos como The Roxy y La Trastienda, además de primeros reconocimientos institucionales.
Pero algo todavía no encajaba del todo. Y se animó a probar:
—Tuve que empezar clases de canto desde cero. Cantar ópera es mi lugar seguro, pero acá necesitaba otra técnica completamente distinta. En el estudio muchas veces decía: esto no me sale. Fue fuerte… pero también liberador.
—Además, ahora bailás… —¡Sí! Antes era trípode y yo quietita. Ahora hay movimiento, show, energía. Cantar y bailar exige otra respiración, otro cuerpo. Convive el miedo, pero me encanta.
El salto fue musical, físico y emocional: de la solemnidad al disfrute total.
Avru en primera persona
El videoclip representa el inicio de una etapa más fresca, alegre y luminosa dentro del universo de Avru.
«Lo trabajé junto a Mayo Vernetti: guiones, concepto, identidad visual. Fue súper colaborativo. Queríamos que música e imagen dialoguen desde un mismo lugar. La Buena Fortuna es el primer paso de un camino más definido, donde todo tiene coherencia. Este videoclip marca ese comienzo».
Reacciones y comunidad
—¿Qué dijeron tus afectos ante el cambio? —La familia siempre pregunta por lo lírico… pero me ven feliz. Y el público re bien: comparten, lo ponen en momentos lindos, se suman. Para una artista independiente eso es todo.
—¿Sentís que tu público se amplió? —Sí, muchísimo. Esta música llega a más gente, sobre todo a jóvenes. Lo lírico sigue en mí, pero ahora también exploro otra parte de mi identidad.
Lo que viene: escenarios y sueños
—¿Planes para presentar el EP? —Banda nueva: piano, batería, bajo, guitarra, coros y yo. Queremos tocar muchísimo: volver a La Trastienda, recorrer el país. Y ojalá sumar cuerdas: me apasiona ese sonido.
—¿Cómo cuidás la voz con tanta exigencia? —Vocalizo siempre, mucha hidratación, nada de humo. La voz es un instrumento que no se puede reemplazar. Y ahora la uso de otras maneras, así que la cuido el doble.
Después de años de búsqueda, disciplina y exposición, Avru se planta en un presente donde puede ser todo lo que sueña.
Soñar como motor
—Si estuvieras en el diccionario, ¿qué palabra serías? —Soñar. Es lo que me sostiene cuando dudo. Tengo un propósito que me mueve todos los días.
—¿Y cómo te ves de acá a diez años? —Cantando. No importa dónde, pero cantando. Porque la felicidad no es solo llegar: es el camino.
El EP La Buena Fortuna ya está disponible y es solo el inicio de una nueva era para Avru: una artista que encontró su color, su voz y, sobre todo, su verdad.
Guns N’ Roses vuelve a sacudir el mundo del rock con el lanzamiento de dos nuevos sencillos, marcando su primer material inédito desde 2023. “Nothin’” y “Atlas” llegan para reafirmar que la banda sigue en plena forma y con inspiración renovada, mostrando dos caras bien definidas de su sonido: mientras “Atlas” exhibe a los GNR más filosos, con su clásico pulso de rock intenso y guitarras encendidas, “Nothin’” apuesta por un costado más introspectivo, sostenido por teclados envolventes y una guitarra cargada de emoción.
En los últimos años, Guns N’ Roses ha mantenido una presencia constante con lanzamientos esporádicos y giras sold out alrededor del mundo. Luego de presentar en 2023 “The General” y “Perhaps”, estos dos nuevos temas se suman como piezas fundamentales dentro del repertorio más reciente de la banda y prometen ganarse su lugar en los próximos setlists, junto a los clásicos inoxidables y los favoritos de su catálogo histórico.
La gira mundial de los Guns en 2026
La banda también confirmó una gira mundial para la primavera y el verano de 2026, que los llevará nuevamente por escenarios icónicos del planeta. El tour incluirá una esperada parada en México para presentarse en el Festival Pal’ Norte, antes de encabezar distintas fechas en Europa y desembarcar luego en estadios de Estados Unidos y Canadá. Uno de los hitos más destacados será su show en el Rose Bowl de Los Ángeles, marcando un regreso histórico al estadio después de más de tres décadas.
Este anuncio llega tras una intensa gira mundial en 2025 que significó el regreso más esperado de la banda a Europa, Medio Oriente, Asia y Latinoamérica, consolidando una vez más su vigencia absoluta y su lugar como leyendas del rock global.
