El Kuelgue vuelve a jugar con su fórmula más personal —humor sutil, observación urbana y groove elegante— con “Vos y la Mancha”, su nuevo single, donde la banda afina el pulso funk-disco para despedir la primavera y anticipar el verano. No es solo otra dosis de frescura pop: es un pequeño universo cotidiano teñido de absurdo, con esa melancolía luminosa que ya es marca registrada del grupo.
La canción vibra a medio camino entre la celebración y la extrañeza familiar: una farra barrial, un “todo está bien, pero algo no cuadra”, esa sensación medio doméstica medio surrealista que El Kuelgue lleva años perfeccionando. El beat es suficiente para mover el cuerpo sin desbordar; la ironía está ahí, pero sin burlas; el clima general es festivo, aunque nunca ingenuo.
El Kuelgue despide el 2025 el próximo 13 y 14 de diciembre en C Art Media, Villa Crespo, reafirmando un clásico de cada fin de año: celebrar junto a su público en casa. Después de agotar su cuarto Movistar Arena, girar por Argentina, México, Uruguay, Paraguay y España y destacarse en festivales como Vive Latino, Quilmes Rock y Rock en Baradero, El Kuelgue vuelve a jugar de local con dos conciertos únicos. El show promete un recorrido por toda su discografía, con arreglos renovados, momentos de improvisación y esa conexión con el público que se ha convertido en marca registrada de la banda.
El grupo llega a fin de año reafirmando su lugar como uno de los proyectos más singulares y queridos de la música nacional.
Historia de El Kuelgue
Se formó en Buenos Aires, en el corazón del barrio de Villa Crespo durante el año 2004. Sus particulares conciertos en vivo, en donde despliegan su impronta ligada al absurdo y la improvisación, y sus originales puestos en escena, son el sello de este grupo liderado por el multifacético Julián Kartun.
Esta suma de factores estableció a El Kuelgue como una propuesta distinta dentro de la escena de la música argentina y latinoamericana. La versatilidad musical y la combinación que la banda hace de múltiples estilos ha capturado a una generación que ya no elige más a la música por su género. Hace más de 15 años la banda realiza sus conciertos en las más importantes salas y festivales de Argentina, América Latina y Europa. En el 2016 la banda fue elegida para abrir los dos shows de Paul McCartney en el Estadio Único de la Plata, y realizó colaboraciones con artistas como Julieta Venegas, Adrían Dárgelos de Babasonicos, entre otros.
“Triunfo de la Guerra del Barro” es el cierre del nuevo disco conceptual de Campo Loop “La Guerra del Barro». El videoclip – ya disponible en plataformas- se volvió viral antes de su estreno tras la filtración de imágenes del backstage que mostraban una rave gaucha, bajo el título: «POV: le pusiste techno a los gauchos».
El nuevo corte es cantado por Dr. Kurnicopia, del grupo Los Tabaleros quien ya posee experiencia en la musica lo criolla con aires modernos y retoma el espíritu del triunfo, un estilo gaucho asociado a epopeyas y batallas, y lo enlaza con beats electrónicos, guitarras camperas y un pulso modernizado que amplifica su esencia ritual. La letra proclama que la pampa siempre permanece, que ha visto guerras, duelos y derrotas, pero que ninguna disputa supera la fuerza de la tierra que lo sostiene todo.
El “Triunfo de la Guerra del Barro” funciona como un canto de victoria, no solo sobre un enemigo, sino sobre el tiempo mismo: la certeza de que la pampa continúa aun cuando sus hijos se enfrenten. La producción, mezcla y mastering estuvo a cargo de Matías Chávez Méndez, aportando un enfoque contemporáneo que convierte este triunfo en una pieza donde tradición y modernidad conviven con potencia cinematográfica.
Este capítulo final narra un territorio devastado y una pampa en resistencia. En este cierre, la tierra recupera protagonismo: “la verdadera victoria no pertenece a los hombres, sino al paisaje”, una idea que atraviesa tanto la canción como su adaptación visual.
El videoclip presenta a un paisano entonando el triunfo rodeado de gauchos que, lejos de ser meros testigos, encarnan la memoria viva de una llanura que los formó y los enfrenta con su propia historia. En esta versión, la música los arrastra a un ritual renovado, mientras la narrativa se intensifica con el duelo de dos SIAM con cabezas de hornero que se baten a facón. Hijos de la misma tierra, su combate simboliza las tensiones internas de un territorio herido, una guerra sin ganador aparente.
Entre el canto, el ritual y la inmensidad de la pampa, “Triunfo de la Guerra del Barro” cierra el universo conceptual y visual del disco: un paisaje eterno que observa, recuerda y perdura mientras sus hijos luchan, celebran y bailan sobre su lomo.
Campo Loop une lo ancestral con lo contemporáneo. Así nació el Electro Folclore Surero Argentino , un lenguaje en el que guitarras criollas y paisajes del llano se entrelazan con beats techno y sintetizadores. El campo le dio raíz; la tecnología, expansión.
FICHA TÉCNICA ARTÍSTICA Video «Triunfo de la Guerra del Barro»
MÚSICA:
Produccion y Beat maker: Matiaz «Chavez» Mendez Mezcla: Matiaz «Chavez» Mendez Mastering: Matiaz «Chavez» Mendez Voz: Dr Kurnicopia (Los Tabaleros) Letra y musica: Campo loop Guitarra: Alexander Echandia Grabación de Voz: Luis Maria Cabezas
ACTORES
Cantor: Germán Romero Siam Jinete: Sebastián Irigaray
Siam Guitarrista: Santiago Chiacchio Guitarrista: Alexander Echeandía
Equipo Técnico
Dirección: Gastón Barbosa – Agustina Barreto Asist de dirección: Matías Rampoldi Coach Actoral: Sol Bravo Producción: Nazareno Gutiérrez Asist de prod: Tiago Tapponnier Dir de fotografía: Agustina Barreto Cámara: Agustina Barreto Cámara handy: Marcio Castañón Asist de cámara: Nahuel Rivero Gaffer: Silvio Torres Eléctrico: Nahuel Rivero Dir de arte: Melina Nielsen Asist de arte: Sol Bravo – Trinidad Arraiza Foto fija: Lucas Pavón Montaje: Nahuel Rivero Color: Nahuel Rivero Diseño Gráfico: Agustina Barreto
EXTRAS
Mariano Cesaroni Mario Rampoldi Oscar Disalvo Jose Sequeira Claudio Rusiecki Marcelo Cacciatto Miguel Marchioni Arturo Cataldo Martin Iturbe Esteban Peti Facundo La Blanca Martin Iturbe Alejandro Chrsitensen Jorge Albero Osa Enrique Jose Osa
PRÓXIMAS FECHAS
6/12 Color Humano, Los Mapuches B7600, Mar del Plata 13/12 Local Support Gorriti 5045, CABA 14/12 Festival Mirador Tec, Paraná
Biografía de Campo Loop
Campo Loop es un proyecto de Electro Folclore Surero Argentino: una fusión de folklore, electrónica y canción que se manifiesta a través de SIAM, un personaje enigmático con cabeza de nido de hornero. Inspirado en la inmensidad de la llanura pampeana, Campo Loop no es solo música: es también una manera de mirar el horizonte y resignificarlo.
Parte de su fuerza reside en el anonimato. Campo Loop encuentra en SIAM, la voz y la imagen de un universo donde lo ancestral y lo moderno conviven. La identidad no está en un rostro, sino en una experiencia colectiva que combina raíces, símbolos y nuevas formas de expresión. Campo Loop honra las raíces gauchas y pampeanas con guitarras criollas y milongueras, y al mismo tiempo late con la intensidad de la electrónica: beats, sintetizadores y proyecciones visuales que invitan al baile y a la inmersión sensorial.
Vane Vanellillega puntual a la entrevista. Entra con la seguridad de quien respeta su oficio y la calidez de quien ama lo que hace. Profesional, amable, precisa, trae en la mirada la mezcla justa entre intensidad y serenidad. Se sienta, se acomoda, respira hondo y la conversación empieza a fluir. Nada en ella es improvisado: cada gesto, cada palabra y cada silencio tienen un sentido. Esa coherencia es la misma que aparece en “Mariposas en el viento”, su nueva canción, un bolero-pop profundo, luminoso y honesto que funciona como una radiografía emocional de su mirada sobre la vida.
La historia del tema empieza cuando Vane tomó una decisión largamente postergada: empezar a escribir sus propias letras. Después de muchos años como intérprete, pasando por bandas, proyectos, escenarios y estilos diversos, sintió que era el momento de que su voz dijera algo propio. En 2021 comenzó a trabajar con la productora Tres Música, junto a Luis Burgio y Nano Novello. Con ellos construyó varias ideas en paralelo, pero hubo un punto donde una sola canción reclamó el centro de la escena: Mariposas en el viento.
—¿Cómo nació la canción, qué expectativas tenías?
—Empecé a escribir canciones propias. Siempre canté, soy intérprete, pasé por bandas muy variadas. En 2021 decidí escribir mis propias letras y me junté con los chicos de Tres Música. Trabajábamos varias ideas a la vez hasta que el foco se puso acá. Yo venía de hacer muchas versiones de rock nacional, pero quería ir por otro lado. Mariposas es un bolero con cosas tradicionales y cosas más modernas, unos sintetizadores, un aire pop. Y quería que tuviera un chanteíto, esa especie de rapeo intermedio que no es rap, ahí participó Rafa Ortega.
Lo que detonó la letra fue un momento vital que ella define como universal: esas noticias que te quiebran, que te dejan sin piso y obligan a reorganizarse aun cuando uno no tiene todas las herramientas. Para Vane, la canción tenía que ser profunda, pero sin solemnidad, con una especie de luz que permitiera respirar.
Habla del desconcierto, de la vulnerabilidad y, también, con ironía amorosa, de ese gesto tan humano de intentar “arreglarle la vida” a quien queremos. Esa escena aparece en la estrofa final, donde menciona terapias y soluciones como una forma amable de mostrar que, a veces, lo único necesario es acompañar.
—¿Primero escribiste la letra y después llegó lo musical?
—Sí, primero fue la letra. Después apareció la melodía, aunque no sabíamos bien hacia dónde iba. Con el tiempo se encaminó hacia este bolero con sus aires pop. A mí me encanta mezclar cosas, romper un poco. No es lo más habitual, y por eso mismo me gustaba. Prefiero arriesgar.
—En tiempos donde las letras suelen perder profundidad, vos fuiste para otro lado…
—Sí, para mí es importante decir algo. Está buenísimo bailar temas más banales para salir a la noche, yo también lo hago. Pero cuando yo escribo, necesito que sea profundo, con mensaje. Me gusta comunicar. Incluso cuando elijo repertorio ajeno soy cuidadosa: respeto lo que quiso decir quién lo escribió y busco meterme en ese personaje.
El lanzamiento trajo una repercusión íntima, poderosa. Vane recibió mensajes de personas que estaban atravesando momentos muy difíciles y encontraron en la canción un refugio. Para ella, ese gesto vale más que cualquier reconocimiento técnico o estético.
—¿Qué devoluciones te llegaron?
—Preciosas. Mucho amor. Hay gente que la escucha todos los días porque está pasando momentos duros. Cuando alguien se apropia de mi canción y la hace suya, ahí para mí ya está. Se cumplió el propósito.
El tema también la conecta con una mirada crítica sobre el vértigo social, la sobreinformación, la falta de silencios y el exitismo permanente. Vane trabaja el silencio como herramienta: en sus conciertos baja el tempo, obliga al público a detenerse y respira antes de retomar. Allí, dice, aparece la emoción.
Café Berlín —uno de los escenarios que más la representan— fue el lugar donde recientemente volvió a experimentar esa conexión. Entre canciones de rock nacional, se animó por primera vez a cantar un bolero clásico: La nave del olvido, de José José, en una versión inspirada en Mon Laferte.
—¿Cómo elegís el repertorio para el vivo?
—Soy muy atenta a lo que digo. Me gustan las historias. El otro día en Café Berlín canté La nave del olvido porque amo su dramatismo. Selecciono por la letra, por la historia, por el clima. Me gusta generar un lindo concierto, esa comunión con la gente. Disfruto mucho tocar en vivo.
Su próximo show será el 24 de enero en Madrid, en “Peor para el Sol”, junto al pianista Franco Callaci y compartiendo fecha con el artista español Germán Alonso.
Pero antes del escenario está la voz, su instrumento central, su identidad. Hace más de veinte años entrena con Mariana Grisiglione, la misma profesora que la acompañó desde los veinte años y que cuidó su voz incluso en épocas donde hacía once shows por fin de semana en eventos.
—¿Cómo construiste tu voz? ¿Qué aprendiste de tus docentes?
—Muchísimo. Entreno hace más de veinte años con Mariana Grisiglione. Gracias a ella nunca tuve problemas graves en la voz. Soy muy disciplinada: vocalizo siempre, me cuido, antes de un concierto no salgo, no como cualquier cosa. Y para los arreglos y la interpretación trabajé con Dorita Chávez, una genia total. Tiene una humildad tremenda y entiende todo. Yo sabía lo que quería y ella me ayudó a potenciarlo.
El trabajo en equipo es un valor central para Vane. Lo aprendió en sus comienzos, cuando integraba bandas como Contraste y, sobre todo, OYK – Open Your Kantos, donde compartía escenario con chicos que rapeaban mientras ella cantaba. Allí profesionalizaba cada detalle: eran jóvenes, pero se tomaban el trabajo con una seriedad férrea. Tocó en Obras, en Cemento, en recitales multitudinarios y también en eventos privados que le dieron un entrenamiento enorme: repertorios múltiples, estilos cambiantes, animar gente que no fue a verla a ella sino a bailar. Todo eso la formó.
Con sus músicos actuales mantiene un vínculo de familia: el director musical y guitarrista Ernesto Salgueiro (histórico de Nito Mestre), Andrés Pérez Alarcón, Pablo Álvarez Vilariño, Juan Cordima y otros nombres que la acompañan hace más de veinte años. Con ellos comparte vida, rutas, giras, aprendizajes y silencios.
Ese espíritu de camaradería también estuvo en la filmación del videoclip de Mariposas en el viento. Vane fue productora junto a Sebastián Casabe y el rodaje tuvo dos locaciones, bajo la tormenta de Santa Rosa, con su familia y amigos colaborando en maquillaje, peinado, catering y soporte. El director de fotografía fue Diego Poleri —referente de series como Viudas Negras y trabajos con Natalie Pérez— cuya humildad y nivel técnico fueron clave.
—¿Dónde sentís tu mayor fortaleza vocal?
—En la interpretación. Creo que puedo transmitir lo que siento. La gente se emociona y para mí no hay halago más grande. Y sí, también la versatilidad. Haber pasado por tantos géneros y etapas me permite jugar sin miedo.
Además de cantante, Vane es psicóloga. Estudió en la UBA, hizo un posgrado en clínica psicoanalítica de adultos y atiende pacientes, aunque ya no con la intensidad de antes. También da un taller de canto para jubilados y adultos mayores, donde mezcla música y psicología: un espacio que define como “hermoso” y que conecta dos mundos que parecían ajenos, pero que en su vida conviven naturalmente.
—Si tu nombre estuviera en el diccionario, ¿qué diría?
—Cantante del alma.
La frase es exacta. Vane Vanelli canta desde un lugar sincero, emocional, profundo. Desde ese sitio donde la vida duele, pero también enseña. Donde las mariposas vuelan incluso cuando sopla el viento. Mariposas en el viento es apenas un capítulo de una etapa que ya se siente sólida, verdadera y luminosa. Y como ella misma dice, es “de acá en adelante”.
La cantante, compositora y cineasta argentina Carolina Mama cierra el año presentando el video de “Honrar La Voz«, una canción que honra la voz de todos los seres del planeta, e invita a reflexionar sobre la convivencia humana con el mundo natural. Esta canción forma parte de «Amina«, primer y esperado trabajo discográfico solista de la artista, disponible en todas las plataformas digitales.
Sobre esta canción, Carolina comentó “Surgió durante un profundo encuentro con la naturaleza, cuando me encontré con un oso en un sendero. Fue un momento de gran comprensión: todos estamos conectados, todos los seres tienen voz. Esta canción honra esa voz, invocando la reverencia hacia el mundo natural y su profunda sabiduría. Sirve como recordatorio de que debemos escuchar, respetar y honrar las voces de todos los seres en este viaje compartido de la vida”.
Y el video refleja fielmente esta idea. En él, se la ve a la artista fundiéndose en un paisaje imponente, de senderos, agua, montañas, y cielo. Erica Nguyen, a cargo de la dirección, transformó este clip en un poema filmado, en una pieza audiovisual que resume a la perfección la intención de Carolina Mama en esta canción.
No hay dudas de que el 2025 ha sido un año de gran crecimiento para Carolina Mama. El lanzamiento de “Amina” en el mes de septiembre marcó la piedra fundamental de un camino como solista. Durante todo el año, la artista fue anticipando en formato de singles las canciones de este trabajo: “Amina”, “Bajo el silencio”, en colaboración con el reconocido y multipremiado productor hondureño Trooko, “Dos Almas” en colaboración con Mat Alba, “Vestida de Melodía”; y hoy se suma el video de “Honrar La Voz”. Completan el álbum “Poemas sobre el mar”, “Cuanto querer es quererte”, “El adiós”, “Mi madre la Luna”, y “A la orilla”.
Cada una de sus diez canciones forma parte de una narrativa que inspira el cambio, alzar voces e impulsar a la acción. En ellas, la cantante retrata las luchas y celebraciones de la feminidad, dándole voz a historias y luchas muchas veces silenciadas.
Desde el sonido, el disco atraviesa las raíces musicales de la artista, fusionando elementos del folklore latinoamericano y africano con elementos del jazz. En este trabajo, Carolina une sus universos artísticos, y se vale del sonido y la narración cinematográfica para crear una experiencia inmersiva que honra la fuerza, belleza y resiliencia de las mujeres de todo el mundo.
El disco fue coproducido y grabado en Los Ángeles con Lau Noah y Emily Elbert, junto con Tamir Barzilay, Andre de Santana y Gabe Witcher, entre otros artistas. Más tarde, se sumaron músicos de todo el mundo que grabaron desde sus ciudades natales: un cuarteto de cuerdas en Argentina dirigido por Lucio Mantel, y Munir Hossn desde Brasil, quien también coprodujo Amina. Fue mezclado por Mati Cella y masterizado por Edu Bergallo.
“Amina” es un testimonio sonoro de vidas frecuentemente silenciadas, de voces marginadas. Es una invitación a recordar de dónde venimos, a volver a imaginar hacia dónde vamos y a celebrar el poder femenino en toda su complejidad y gloria.
La historia de Carolina Mama
Es una cantante, compositora y cineasta argentina cuyo trabajo combina una narrativa conmovedora con un estilo vocal trascendental. Con raíces latinoamericanas y profundas influencias artísticas del norte de África y Estados Unidos, su música desafía fronteras, fusionando tradiciones folclóricas con géneros modernos como el jazz, el hip-hop y paisajes sonoros cinematográficos.
Comenzó su trayectoria artística a temprana edad, estudiando cine en la Universidad Nacional de las Artes de Buenos Aires, donde descubrió su pasión por la narración. Esta doble devoción por la música y el cine se convirtió en la base de su carrera multidisciplinaria. Además, se formó en la prestigiosa New School for Jazz and Contemporary Music de Nueva York, donde recibió una beca para sus estudios. Fue entonces cuando se radicó en la ciudad, en la que vive desde hace algunos años.
Gracias a su formación en distintas disciplinas artísticas, crea canciones con una refinada arquitectura musical y una profunda carga emocional. Sus composiciones son íntimas pero a la vez expansivas, e invitan al oyente a un viaje a través del tiempo, la cultura y la imaginación.
Durante su trayectoria, trabajó con artistas como Arturo O’Farrill, Samir Langus, Linda Briceño, y Ayodele Casel, además de formar parte del grupo vocal Rosa. Con estos proyectos, tocó en escenarios y festivales aclamados de todo el mundo: BRIC JazzFest, NYC Winter Jazz Festival, Joyce Theater, Symphony Space, Brooklyn Bowl, Buenos Aires Jazz Festival y Pregones Theater.
Para la realización de Amina, su primer álbum solista, recibió una beca de la prestigiosa Fundación Cultural Café Royal. El álbum está coproducido por Emily Elbert (guitarrista de Jacob Collier y Leon Bridges) y Lau Noah (guitarrista y compositor catalán).
Rock en Baradero confirmó su edición 2026, una cita infaltable que se espera con total emoción y que el próximo año traerá muchísimas sorpresas y propuestas, para seguir encontrándonos en la música, renovando anécdotas, sumando horas y horas de felicidad entre amigos y junto a los mejores artistas.
Así, el 3 y 4 de abril de 2026 en el Anfiteatro Municipal la República del Rock volverá a sacudir la tierra. Un predio pensado para vivir dos jornadas memorables. Esta edición promete una cartelera histórica aún sin develar: múltiples escenarios, decenas de bandas, variedad de propuestas culturales, artísticas y gastronómicas que darán vida a un fin de semana ideal.
Baradero, epicentro de este legendario ritual argentino invita nuevamente a congregarnos junto al río, a dejar el ruido de las ciudades, parar el reloj y planificar dos días a puro disfrute.
La PREVENTA FAN de entradas para esta gran edición ya está disponible a través de LIVEPASS
Una historia que solo se puede contar a través de la música. Rock en Baradero es el festival que necesitamos para mantenernos vivos.
En su última edición 2025,Rock en Baradero reunió a 25 mil fanáticos que agotaron las entradas y celebraron el rock argentino. El icónico ritual se sigue proponiendo como escenario de una comunidad cultural única. Hermanando generaciones de públicos pero también de artistas, dando lugar a nuevos talentos y rindiendo honores a los legendarios músicos, el “encuentro” es la clave de Rock en Baradero, y lo convierte en uno de los festivales más importantes de Argentina.
Miranda! volvió a sacudir Buenos Aires con dos noches inolvidables el 22 y 23 de noviembre, cuando el Nuevo Hotel Miranda! abrió sus puertas ante más de 60 mil personas. Con ambas funciones completamente agotadas, Ale Sergi y Juliana Gattas ofrecieron un espectáculo monumental que reafirmó por qué siguen marcando el pulso del pop en español.
Con un vestuario renovado, visuales impactantes y una puesta escénica deslumbrante, el dúo presentó un show de dos horas que recorrió el universo del nuevo disco, revisitó clásicos, sumó versiones inesperadas y reactivó la potencia de sus hits eternos. El setlist fue una celebración sin respiro que incluyó gemas como Ritmo y Decepción, Extraño, Perfecta, Prisionero, Hola, Por Amar al Amor, Casualidad, Don y muchas más, en un viaje que sintetizó dos décadas de inventiva, desparpajo y emoción pop.
Cada noche tuvo su cuota de magia extra con invitados de lujo. Lali dijo presente tanto el sábado como el domingo y encendió Ferro con Mejor que vos y Yo te diré, en dos intervenciones que pusieron de pie a todo el estadio y demostraron, una vez más, que el pop argentino atraviesa un momento de esplendor absoluto. La segunda velada también contó con la participación de Mateo Sujatovich (Conociendo Rusia), que emocionó al interpretar Triste en un clima de complicidad total con el público.
Ambas funciones tuvieron al estadio entero coreando cada palabra, en una fiesta colectiva que reafirmó el liderazgo artístico de Miranda! y su poder para renovar, una y otra vez, la escena pop del continente.
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Como antesala, debutó la Fiesta Poppa!, una celebración dedicada íntegramente al universo pop, con sets de DJ, karaoke con canciones de Miranda! junto a una persona del público sorteada en vivo y un karaoke con artista invitado. El 22/11 fue protagonista Joaquín Levinton, que interpretó un tema de Turf y otro de Miranda!, mientras que el 23/11 la invitada especial fue BB Asul. Además, ambas noches contaron con un opening exclusivo de Dorian, la banda española que viajó especialmente para sumarse a esta experiencia.
El nuevo hito de Miranda!
Los shows de Ferro se convirtieron en un nuevo hito dentro de un 2025 extraordinario para Miranda!, año en el que lanzaron Nuevo Hotel Miranda!, brillaron como coaches en La Voz Argentina y recorrieron América y Europa con una gira de estadios agotados. Este tramo porteño consolidó todo ese camino: dos Ferro completamente sold out y una puesta épica, teatral, emocional y absolutamente pop.
Y como el fenómeno no se detiene, ante la demanda abrumadora, Miranda! anunció una tercera fecha en el Estadio Ferro, el 20 de diciembre, la última oportunidad del año para sumarse a la fiesta más magnética del pop latino. Será la despedida perfecta de una gira que dejó huella en cada ciudad que visitó y que reafirma a Miranda! como la banda pop más influyente, innovadora y vigente del continente.
El Día de la Música se celebra cada año como una oportunidad para detenernos un momento y reconocer el valor inmenso que tiene la música en la vida cotidiana. No es simplemente un arte ni un entretenimiento, sino un lenguaje universal capaz de unir culturas, atravesar fronteras, construir identidades y acompañar emociones. Su origen se remonta a distintas tradiciones que confluyen en una misma idea: la música merece ser celebrada, difundida y defendida como uno de los elementos más valiosos del patrimonio cultural de la humanidad.
En muchos países del mundo la fecha se asocia con Santa Cecilia, considerada la patrona de los músicos desde tiempos medievales, aunque la manera de celebrarlo y el sentido que adquiere la jornada varían según la época, las tradiciones y el desarrollo musical de cada región. Hoy, más allá de cualquier referencia religiosa, se vive como una jornada global dedicada a quienes crean, interpretan, enseñan y viven en todas sus formas.
Es también hablar de la historia misma de la humanidad. Desde los primeros instrumentos rudimentarios hechos con huesos y piedras hasta las complejas producciones digitales de la actualidad, la música fue siempre un modo de expresión profunda y colectiva. En tiempos antiguos, acompañaba rituales, celebraciones, despedidas, nacimientos y todo tipo de ritos sociales.
Con el crecimiento de las civilizaciones, se convirtió en una herramienta para transmitir relatos, preservar memorias y emocionar a las comunidades. Las culturas indígenas de América, las tradiciones africanas, la música europeizante que llegó con los colonizadores, todo se mezcló con los sonidos locales en un proceso constante de fusión que nunca se detuvo.
Hoy escuchamos esa mezcla en los ritmos modernos como el rock, el folclore, la música urbana, la electrónica, el tango y tantos otros géneros que conviven en el universo sonoro contemporáneo.
Día de la Música en la Argentina
Suele funcionar como una invitación a mirar hacia adentro y reconocer la enorme riqueza musical que se desarrolla en el país. La escena local es diversa, creativa y profundamente ligada a las identidades regionales. El tango, el chamamé, el rock nacional, el cuarteto, la cumbia, el folklore y las nuevas corrientes de pop urbano forman un mapa sonoro que cambia constantemente, pero que siempre conserva un rasgo en común: la pasión.
En las escuelas, los conservatorios, los escenarios barriales, los estudios caseros, los festivales multitudinarios y los proyectos independientes, miles de artistas trabajan a diario construyendo una cultura viva que se reinventa todo el tiempo. También es un reconocimiento a la dedicación, al esfuerzo y al talento de quienes sostienen esta industria desde todos los roles, no solo desde el escenario, sino también desde la producción, la grabación, la enseñanza y la gestión cultural.
Cecilia era una joven cristiana de una familia patricia que fue obligada por sus padres a casarse con Valeriano, un joven de la misma clase social.
La tecnología transformó de manera radical la forma en que vivimos la música. Antes se necesitaba estar frente a un grupo de músicos para poder disfrutarla en vivo; después llegaron los discos, la radio, la televisión, los casetes y los CD. Hoy, con las plataformas digitales, se volvió omnipresente: está en el celular, en el auto, en la televisión, en las redes sociales y en prácticamente cualquier espacio público. Esa expansión trajo nuevas oportunidades para los artistas, pero también nuevos desafíos.
Sirve para reflexionar sobre el valor del trabajo artístico en una época donde abundan las opciones de consumo, pero donde a veces resulta difícil para los músicos sostener económicamente su proyecto. Celebrar la música es también promover políticas culturales que fortalezcan a los artistas, favorezcan el acceso a la educación musical y acompañen el desarrollo de nuevas generaciones.
En este día es habitual que escuelas, instituciones culturales, bandas independientes, orquestas sinfónicas y organizaciones vinculadas a la música realicen conciertos, actividades abiertas, talleres, charlas y transmisiones en vivo. Muchas ciudades arman festivales abiertos con artistas de distintos géneros, buscando acercar la música a la comunidad y fomentar la participación. La música tiene un rol social fundamental: genera encuentro, crea identidad, promueve la inclusión, permite expresar ideas y sentimientos que a veces no pueden ponerse en palabras. Por eso no importa si uno es músico profesional, estudiante, oyente casual o fan incondicional; la música es una puerta que todos podemos abrir.
Otro aspecto importante del Día de la Música es la valoración de la educación artística. Estudiar música desde temprana edad no solo permite desarrollar habilidades específicas, sino que también estimula la creatividad, fortalece la memoria, mejora la concentración y promueve la sensibilidad. Las orquestas infantiles y juveniles, los talleres comunitarios y las escuelas públicas de música cumplen un rol fundamental en barrios de todo el país, ofreciendo oportunidades de crecimiento y convirtiéndose en espacios de contención y desarrollo humano. Celebrar la música es también valorar estos proyectos y reconocer su impacto social.
En definitiva, el Día de la Música es mucho más que una fecha marcada en el calendario. Es un recordatorio de que la música es parte esencial de la vida, de las emociones, de la cultura y de nuestra historia compartida. Es un homenaje a quienes la crean, a quienes la enseñan y a quienes la disfrutan. Y es, sobre todo, una invitación a seguir construyendo un mundo donde el arte, la creatividad y la expresión sigan siendo un derecho y un patrimonio de todos.
Zoe Gotusso lanza Detalles, un álbum que se anima a un gesto poco frecuente en la música pop contemporánea: dialogar con un repertorio canónico sin caer en la nostalgia, reinterpretando ocho canciones de Roberto Carlos, el gigante brasileño cuyo universo sentimental marcó a generaciones enteras.
Lo que podría haber sido un ejercicio de reverencia se transforma, en manos de Gotusso, en un espacio íntimo, donde la emoción se afina, la forma respira y el romanticismo se convierte en un territorio adulto. Las ocho canciones elegidas —de “La distancia” a “Un millón de amigos”— aparecen aquí con un pulso nuevo: menos solemne, más respirado.
Zoe Gotusso no busca grandilocuencia; encuentra, en cambio, una ternura madura, esa que llega cuando la emoción deja de ser pura exaltación y empieza a volverse conciencia.
El single “Camionera”, lanzado hace dos semanas, abrió el camino con esa mezcla tan propia de Zoe: vulnerabilidad luminosa y una precisión vocal que se impone sin estridencias.
La producción de María Wolff —quien viene de colaborar con Alex Anwandter y desarrolla también su propia obra solista— construye un escenario sonoro donde cada instrumento tiene aire propio. A esto se suman las participaciones de Rigoberta Bandini y Juliana Gattas, que aportan matices sutiles y expanden los límites del repertorio sin alterar su esencia.
Detalles, de Zoe Gotusso
La distancia
Camionera
Amada amante
Detalles
No te apartes de mí (feat. Rigoberta Bandini)
Que será de ti (feat. Juliana Gattas)
La paz de tu sonrisa
Un millón de amigos
En Detalles, Gotusso regresa al romanticismo que la acompaña desde sus inicios, pero lo hace desde un lugar transformado: más consciente, más profundo y absolutamente propio. Las canciones dejan atrás cualquier ingenuidad juvenil para habitar un espacio donde la vulnerabilidad se lleva con elegancia, y donde la tradición romántica encuentra nuevas maneras de ser dicha.
La semana pasada, Zoe viajó a Las Vegas para los Latin Grammy, donde estuvo nominada a Grabación del Año (“Lara”) y Mejor Álbum Pop Tradicional (Cursi), consolidando un presente artístico que combina riesgo, madurez y delicadeza.
Este jueves 20, en paralelo al lanzamiento del álbum, continúa su ciclo de “Pequeños conciertos” en el Teatro Margarita Xirgu, con funciones el 20, 21, 23, 26 y 27 de noviembre, y el 3 de diciembre. Las entradas ya están disponibles a través de Fever.
Además, el 30 de noviembre presentará una doble función en La Trastienda junto a Julián Kartún, retomando el espectáculo que el año pasado llevaron de gira por España.
Detalles no es un regreso al pasado: es la prueba de que ciertas canciones, cuando encuentran la voz justa, siguen creciendo.
El artista sevillano Beret regresa con su esperado tercer álbum de estudio, Lo Bello y lo Roto: una obra íntima, conceptual y honesta que lo reafirma como una de las voces más sensibles y auténticas de la música en español. Gestado a lo largo de varios años entre España y Argentina, este nuevo trabajo explora la belleza que se revela en la imperfección y la fuerza que nace de la vulnerabilidad.
El disco, conformado por 13 canciones, llega tras el éxito de siete adelantos, entre ellos el más reciente, “¿Cómo va a saber de amor?”. Esta balada cruda y profundamente emocional es el último adelanto antes del lanzamiento completo, y en ella Beret retrata el dolor de amar sin ser comprendido.
Lo Bello y lo Roto no es solo un viaje personal; también se enriquece con colaboraciones de gran calibre. Voces como Diegote, Mr. Rain, SFDK, Morodo y Domelipa se suman al universo de Beret, aportando matices y nuevas texturas. Entre ellas, destaca especialmente la unión con Mr. Rain en Superhéroes, una colaboración que ya se ha convertido en uno de los himnos del disco.
El concepto del álbum gira en torno a las cicatrices que cuentan historias y a las pérdidas que nos transforman. Musicalmente, Beret traza un puente entre lo crudo y lo delicado, entre lo pop más contemporáneo y arreglos de corte mainstream, sin dejar de lado sus características letras cargadas de emoción y melancolía.
Pensado también para amantes del formato físico, Lo Bello y lo Roto estará disponible en vinilo, CD Digipack y una edición especial en CD. Con este nuevo trabajo, Beret invita a descubrir la poesía escondida en lo imperfecto y a abrazar la belleza que habita incluso en los momentos más oscuros.
Beret, una de las voces más influyentes y representativas de su generación
Con más de 6 millones de oyentes mensuales en Spotify y una comunidad fiel que lo sigue tanto en España como en Latinoamérica, Beret se ha consolidado como una de las voces más influyentes y representativas de su generación. Su capacidad para conectar con las emociones humanas más profundas, sin artificios ni filtros, lo ha convertido en un referente indiscutible dentro de la música en español.
Lo Bello y lo Roto es la confirmación de que Beret sigue escribiendo la banda sonora de toda una generación.
TRACKLIST
El último baile Hola, qué tal? Amaneceres ft. Diegote Nadie más te la cree Si te vuelvo a llamar Hechizo ft. Domelipa Fran Cupido Superhéroes ft. Mr Rain La última granada Alma y corazón ft. SFDK, Morodo Flores ¿Cómo va a saber de amor?
Lauta vuelve a sorprender con un lanzamiento que combina frescura, baile y emoción. “Puñaladas”es su nuevo single, una cumbia con perfume veraniego en colaboración con Amigo de Artistas, donde el artista platense despliega una faceta más íntima.
Con un ritmo que invita a moverse y una letra cargada de sensibilidad, “Puñaladas ” narra el dolor de no poder convertirse en la persona ideal para alguien que se desea. Esa tensión entre lo bailable y lo emocional se convierte en el corazón de la canción, que encuentra en la participación de Amigo de Artistas un matiz especial: un color sentimental que potencia su energía y la transforma en un tema destinado a quedarse.
Con este lanzamiento, Lauta reafirma su lugar dentro de la nueva escena de la cumbia, consolidando un sonido propio que mezcla frescura, honestidad y espíritu playero. “Puñaladas” se posiciona así como una de las propuestas que promete sonar fuerte durante todo el verano.
Sobre Lauta
Lauta es un cantante y compositor argentino oriundo de la ciudad de La Plata. Desde muy pequeño mostró su talento cantando y escribiendo, lo que lo llevó a tomar clases de piano y formar parte de distintas bandas hasta que, a los 17 años, decidió iniciar su camino como solista.
Su música se caracteriza por la versatilidad y la frescura, explorando géneros como el pop, R&B y reguetón, siempre con una fuerte identidad ligada a la playa y a los sonidos del verano. Con canciones como “Insta (Remix)” junto a MYA y Rombai, y “No Le Gusta lo Romántico” con Migrantes, logró un gran impulso en su carrera y una importante repercusión en la escena musical. A esto se suman lanzamientos como “Ke Nos Vea la Luna”, “En Loop”, “La Mudanza”, “Una Banda” y “Pa La Playita” (en colaboración con Yami Safdie, Benja Torres y Los Palmeras), que refuerzan su estilo y expanden su universo sonoro.
Reconocido también como compositor, este año prepara nuevos lanzamientos que seguirán consolidando su identidad artística, al mismo tiempo que escribe canciones para destacados artistas de la escena argentina e internacional.
