Con nuevo single, un disco en camino y un show en vivo, la banda reafirma su esencia: energía, verdad y resistencia desde el rock.
Por Daniel Accornero
Entre el ruido de una ciudad que a veces prefiere callar, Viejo Furgónelige gritar. El trío, nacido entre amigos del barrio y la secundaria, vuelve a la carga con “Ya No Calles”, el primer adelanto de su próximo disco “Reloj Espiritual”, y se prepara para presentarlo en vivo el domingo 16 de noviembre a las 19 horas en Liverpool Bar (Cabrera 4255, Palermo).
El tema no solo marca una nueva etapa musical: es también una declaración de principios.
El mensaje detrás de “Ya No Calles”
—¿Qué los llevó a elegir ese mensaje como carta de presentación del disco?
Sentimos que esta canción resume lo que queremos transmitir con el disco, la necesidad de decir lo que uno siente. Venimos de un momento donde muchos se callan por miedo, por cansancio, recordándonos que la verdad, aunque duela, libera, que no hay que dejar de alzar la voz. Es una canción que busca romper con la indiferencia, con ese silencio que a veces se vuelve cómplice. Queremos que el disco empiece con un grito: “un grito jamás detenido”, como dice otra canción del disco.
—En tiempos donde algunos prefieren “no meterse”, ustedes apuestan a un tema que habla de expresión y resistencia. ¿Qué sienten que ya no se puede callar hoy?
Como te decía un poco antes, sentimos que ya no se puede callar la indiferencia. No se puede seguir mirando para otro lado cuando vemos injusticias, cuando la gente se apaga o se acostumbra al dolor, o mismo nosotros mismos. Tampoco se puede callar lo que uno siente: creemos que la música es justamente el espacio donde todo eso tiene que salir, aunque incomode. Queremos que callar ya no sea una opción.
Un sonido con alma noventosa
El rock alternativo argentino vive un momento de reinvención, y Viejo Furgón se planta desde la honestidad, con una propuesta que combina lo mejor del espíritu noventoso con la energía del presente.
—¿Qué influencias musicales fueron clave para lograr ese equilibrio?
Crecimos escuchando mucho rock de los 90, bandas que tenían algo crudo y real, sin tanto filtro. Pero al mismo tiempo, necesitábamos que el sonido suene más moderno, sin que pierda esa energía noventosa. Buscamos ese punto medio: mantener la esencia del rock clásico, pero con una producción y una actitud más contemporánea.
—En el videoclip se los ve tocando en vivo, sin artificios. ¿Buscan transmitir la misma crudeza del escenario en el estudio?
Sí, tanto en el estudio al momento de grabar como en los escenarios, podemos tener condimentos de algunos instrumentos extras, pero tratando de no perder la esencia del trío.
La experiencia BAF Estudios y el espíritu de “Reloj Espiritual”
—¿Cómo fue el proceso de grabación en BAF Estudios? ¿Qué recuerdan de esas sesiones?
El proceso fue totalmente crudo, en vivo. Conectamos, click, y dos tocadas del tema para obtener dos registros fílmicos, y poder jugar un poco con la edición. Y después asado y vino (risas).
—El disco “Reloj Espiritual” suena como un concepto profundo. ¿Qué significa ese título para ustedes y qué pueden anticipar?
“Reloj Espiritual” nació de la idea de que el tiempo no solo corre afuera, sino también adentro. Habla de ese proceso de despertar, de animarse a mirar lo que uno siente. Cada canción marca una etapa, una hora distinta dentro de ese reloj interno. Es un disco que mezcla introspección y energía, con el deseo de que cada persona encuentre su propio tiempo para cambiar, para decir, para sanar. Las agujas del reloj avanzan hacia adelante, no podemos avanzar hacia atrás.
Del barrio al escenario: la esencia intacta
—Viejo Furgón nació entre amigos del barrio y la secundaria. ¿Qué cambió y qué se mantiene igual desde aquellos primeros ensayos?
Cambió mucho la madurez, la forma en que entendemos la música, la forma de componer, hoy pensamos más las canciones, cuidamos los detalles, entendemos mejor hacia dónde queremos ir. Pero algo que se mantiene igual es la esencia: seguimos siendo esos amigos que se juntan a tocar porque lo necesitan, porque en ese ruido encontramos sentido.
Esa energía es la que promete copar el Liverpool Bar el próximo domingo 16 de noviembre a las 19 h, donde presentarán nuevas canciones junto a clásicos de su repertorio.
— ¿Qué puede esperar el público de ese show?
Un show bien arriba, con mucha energía, con canciones que ya vieron la luz como algunas que todavía no, con una propuesta tanto musical como visual.
Una voz dentro del nuevo rock alternativo
—En un panorama donde el rock alternativo busca nuevos espacios, ¿cómo sienten que se posiciona Viejo Furgón dentro de la escena actual?
El rock alternativo está mutando, buscando nuevas formas de expresarse, y nosotros también. Viejo Furgón se planta desde la honestidad, sin querer seguir modas. Nos interesa más conectar que encajar. Si eso ayuda a abrir nuevos espacios dentro de la escena, mejor todavía. Creemos que hoy el rock tiene la oportunidad de reinventarse, de volver a conectar con lo humano, queremos sumar una voz sincera a este momento del rock.
El espíritu de Viejo Furgón
—Y para cerrar: si tuvieran que definir el espíritu de Viejo Furgón en una sola frase, ¿cuál sería?
No importa el tiempo, pero ir siempre hacia adelante, nunca hacia atrás.
La multifacética artista Laura Tuny vuelve a sorprender con el lanzamiento de su nuevo single “Yo Decido”, una canción fresca, vibrante y profundamente significativa. Disponible en todas las plataformas digitales, el tema llega acompañado de un videoclip oficial que refleja la energía, la alegría y el mensaje de libertad que atraviesa toda la obra.
El sencillo fue compuesto por Laura Tuny junto a Yadam González, productor y compositor ganador del Grammy por “Patria y vida” (Canción del Año 2021) y coautor de “Si tú me quieres”, junto a Fonseca y Juan Luis Guerra (Mejor Canción Tropical 2023). La producción estuvo a cargo de González y Luis Robles para Lemon Tree Entertainment, con la participación de músicos de renombre como Claudio Ruiz en guitarras, Luis Robles en teclados y programación, y Pavel Roma en percusión.
“Yo Decido”: elegir el propio camino
“Yo Decido” es más que una canción: es una declaración de independencia emocional y autoconfianza. La letra aborda el valor de tomar las riendas de la propia vida, dejando atrás vínculos o situaciones que impiden avanzar. “Tiene que ver con el amor propio, con quererse más a uno mismo”, explica Tuny. “A veces dejamos que otros decidan por nosotros, en el trabajo, en las amistades o en el amor. Esta canción habla de animarse a elegir, de poner el foco en uno y seguir adelante”.
El videoclip oficial acompaña ese espíritu con una estética colorida, moderna y optimista, reforzando la esencia pop tropical que caracteriza a la artista. Filmado con una cuidada dirección visual, combina escenas dinámicas y coreografías alegres que refuerzan el mensaje central: ser protagonista de la propia historia.
Una carrera marcada por la versatilidad
Laura Tuny es una figura conocida en el espectáculo argentino desde muy joven. Comenzó su carrera a los seis años, integrando el coro “Cantaniño” y luego el grupo “Agüita Clara”, una versión infantil inspirada en ABBA. Su popularidad creció al interpretar el recordado personaje de Etelvina en la exitosa telenovela “Señorita Maestra”, uno de los programas más emblemáticos de la televisión nacional.
A lo largo de su trayectoria, participó en ciclos como “El Camionero y la Dama”, “Clave de Sol”, “Los otros y nosotros”, “El Palacio de la Risa”, “Alta Comedia”, “Los Benvenutto”, “Inconquistable corazón”, “Poné a Francella” y “El Sodero de mi Vida”, entre muchos otros.
Sin embargo, su pasión por la música la llevó a desarrollar también una sólida carrera como cantante y compositora, donde fusiona distintos ritmos latinoamericanos con un estilo pop lleno de identidad y frescura.
De “Mi Sello en Tu Piel” a “Yo Decido”: una evolución constante
En 2004, Laura presentó su álbum debut “Mi Sello en Tu Piel”, una fusión de ritmos latinos y hip hop con letras propias y una marcada impronta femenina. El disco fue lanzado también en México, donde participó de los festivales de radio EXA junto a artistas como Camila, Diego Boneta, Reik, Moderato y Paty Cantú.
En 2008 llegó su segundo trabajo, “Mi Causa”, un disco de carácter optimista que incluyó el exitoso tema “La vida llega”, cortina musical del programa “Quinceañeras” de Canal 13.
Posteriormente, Tuny compuso e interpretó temas para producciones internacionales, como la canción principal de la película estadounidense “Golden Winter” y el tema infantil “Hiporopopó” de la serie “Canciones de la Granja”. Su tema “Tu Momento” formó parte del film “Sharknado 3”, y también filmó su primera película en inglés, “Age of Dinosaurs”, rodada en Hollywood.
En 2016 lanzó “Lo Nuestro”, su tercer disco, con una propuesta de diez canciones donde la cumbia, el merengue y el pop se entrelazan en un sonido alegre y contagioso. Ese material la llevó a escenarios internacionales como el Tayrona Music Fest en Colombia, además de presentaciones en distintas provincias argentinas.
Colaboraciones de alto nivel y nuevas búsquedas
En 2024, Tuny regresó con “Darlo Todo”, una canción que marcó el inicio de una nueva etapa junto a Yadam González, reafirmando su estilo pop tropical y su búsqueda de sonidos contemporáneos. “Darlo Todo” fusionó el romanticismo con ritmos bailables, consolidando la conexión de la artista con el público latino.
Con “Yo Decido”, Tuny continúa ese camino, combinando una producción moderna, letras con mensaje y una energía que invita tanto a bailar como a reflexionar. Su versatilidad y compromiso artístico la confirman como una voz femenina fuerte dentro de la escena pop tropical argentina y latinoamericana.
Ficha técnica de “Yo Decido”
Música y Letra: Laura Tuny & Yadam González
Producción: Yadam González & Luis Robles para Lemon Tree Entertainment
Guitarras: Claudio Ruiz
Teclados y Programación: Luis Robles
Percusión: Pavel Roma
Grabado en: Estudios SoundLab y Lemon Tree (Miami), Estudios Sagitarius (Buenos Aires)
Disponible en todas las plataformas digitales
“Yo Decido” ya se encuentra disponible en todas las tiendas digitales, y su videoclip oficial puede verse en el canal de YouTube de la artista. Con esta nueva etapa, Laura Tuny reafirma su compromiso con la autenticidad y el empoderamiento, fusionando talento, mensaje y ritmo en una propuesta que sigue conquistando corazones en toda Latinoamérica.
La artista y compositora argentinaTRINIDAD estrena “Sobrenatural”, su nuevo single en colaboración con Muna Pauls Cherri, una canción que combina sensibilidad, autodescubrimiento y una producción minimalista que resalta la intensidad emocional de ambas intérpretes. Este lanzamiento representa el cuarto adelanto de lo que será su esperado próximo álbum de estudio, y continúa trazando la identidad sonora que TRINIDAD viene construyendo con paso firme.
Después del éxito de “Fan de su relación”, la joven cantautora sigue ampliando su universo musical con una propuesta más madura e introspectiva. En “Sobrenatural”, TRINIDAD reflexiona sobre los cambios, el paso del tiempo y el desafío de crecer sin perder la esencia. Con una lírica directa y una interpretación honesta, aborda los miedos, las dudas y las nostalgias que aparecen cuando uno empieza a redefinirse.
La canción invita a mirar hacia adentro, a reconectar con la versión más auténtica de uno mismo y a preguntarse qué significa realmente madurar. La producción, delicada y envolvente, equilibra emoción y sobriedad, dejando espacio para que las voces brillen en primer plano. El resultado es una pieza íntima, de climas suaves y una melancolía que nunca se vuelve triste, sino profundamente humana.
La colaboración con Muna Pauls Cherri suma una dimensión especial al tema. Sus voces se entrelazan en una química natural, construyendo un ambiente cálido y sensible que potencia el mensaje. Muna, con apenas 16 años, aporta frescura y ternura a una composición que dialoga con los sentimientos universales de quienes están creciendo, madurando y buscando su propio camino.
“Sobrenatural” nació de una conexión artística genuina entre ambas. TRINIDAD conoció a Muna luego de que esta le enviara un cover de una de sus primeras canciones. Esa cercanía se transformó en una complicidad musical que hoy cristaliza en esta colaboración, tan emotiva como sincera. En palabras de TRINIDAD, fue como cantar “con una hermanita”, una experiencia que traduce perfectamente la energía del tema.
Una artista en expansión
TRINIDAD es cantante, compositora, cantautora y actriz nacida en Buenos Aires. Desde los 7 años se forma en técnica vocal, teatro musical y actuación. Actualmente perfecciona su arte en la Escuela de Cris Morena, un espacio de referencia en la formación integral de artistas.
Con más de 1.000 oyentes mensuales en Spotify y un público en crecimiento constante, TRINIDAD encara este 2025 con el objetivo de consolidar su identidad artística y seguir sorprendiendo con su talento y autenticidad. Cada nuevo lanzamiento refuerza su búsqueda de una voz propia dentro del pop argentino emergente.
Muna Pauls Cherri: talento en ascenso
Por su parte, Muna Pauls Cherri nació en Buenos Aires en 2009. Su vínculo con la música comenzó desde muy pequeña, influenciada por grandes bandas nacionales e internacionales. A los seis años empezó a tomar clases de canto, y en 2020 comenzó a compartir sus interpretaciones en redes sociales, dando inicio formal a su camino artístico.
Entre 2022 y 2023, viajó a Nueva York para estudiar comedia musical en la academia Go Broadway, una experiencia que marcó un salto en su formación. Desde entonces, ha compartido escenario con Zoe Gotusso, Natalie Pérez, Fabiana Cantilo, Luciano Pereyra y Koino Yokan, consolidándose como una de las voces jóvenes más prometedoras del país. Actualmente se encuentra componiendo y preproduciendo sus propias canciones, preparándose para lanzar su propio material.
Un puente generacional
“Sobrenatural” no solo representa una nueva etapa para TRINIDAD, sino también un encuentro generacional entre dos artistas unidas por la sensibilidad y el deseo de contar historias desde la verdad. La canción, disponible en todas las plataformas digitales, es un recordatorio de que crecer, aunque duela, puede ser también un acto de belleza y libertad.
Con esta colaboración, TRINIDAD reafirma su lugar como una de las voces emergentes más auténticas del pop argentino, capaz de emocionar y conectar a través de una propuesta artística honesta y profunda.
Piwa La Piwa vuelve a escena con “Rouge n Roll”, su nuevo single y la canción que da nombre a su próximo disco de estudio. El lanzamiento cuenta con la participación especial de Paul Higgs, la producción de Lucas Porcel, la mezcla de Max Kamienomosky y la masterización de Mario Breuer, figura legendaria del rock argentino. El resultado es un track luminoso y poderoso que captura la energía de una nueva etapa artística, marcada por la experimentación sonora y la búsqueda de una identidad cada vez más personal.
Un título con guiño glam y espíritu de celebración
El nombre del single juega con el clásico “Rock n Roll”, reemplazando “rock” por “rouge”: una palabra que, más allá de su sentido literal —el color rojo del labial—, se transforma aquí en un símbolo de poder, sensualidad y autoconfianza. En ese gesto, Piwa propone una relectura contemporánea del rock desde una mirada glam, pasional y provocadora, donde la energía se expande hacia lo bailable y lo visual.
“Rouge n Roll” condensa la esencia del nuevo disco de Piwa La Piwa: un universo donde los géneros se cruzan con naturalidad, combinando la fuerza del rock con la elegancia del pop y el pulso del disco moderno. Con bases sólidas, guitarras envolventes, metales brillantes y una voz que se mueve entre la potencia y la sutileza, el tema se impone como un himno de celebración, pensado para vibrar tanto en auriculares como en la pista de baile.
Una producción que combina experiencia y frescura
El single reúne un equipo de producción de primer nivel. La dirección general estuvo a cargo de Lucas Porcel, quien también grabó, tocó bajo, guitarras y coros. La mezcla corrió por cuenta de Max Kamienomosky y la masterización estuvo en manos del histórico Mario Breuer, referente indiscutido de la ingeniería de sonido en Latinoamérica.
Además de la voz principal de Piwa, el tema cuenta con la colaboración de Paul Higgs, quien aporta una segunda voz e imprime una textura singular al estribillo. El resultado final es un equilibrio entre calidez analógica y brillo contemporáneo, donde cada instrumento tiene su espacio y el groove sostiene una atmósfera envolvente.
“Rouge n Roll” fue grabado en Estudio 4170, con las baterías registradas por Pedro Bulgakov en su propio estudio. Participaron también Santiago Martínez en sintetizadores, Carlos Maximiliano Russo en trombón, Fermín Echeveste en trompeta y Ezequiel Diez en coros. El arte de tapa fue diseñado por la propia Piwa, reafirmando su perfil de artista integral.
“Una declaración en technicolor”
En palabras del artista:
“«Rouge n Roll» nació como un juego, pero terminó siendo una declaración. Quería tomar algo tan clásico y pesado como el ‘rock n roll’ y teñirlo con rouge, con ese toque glam que es sensual, pasional y también un poco de seducción. Es una canción que para mí es una especie de despertar en technicolor.
La letra habla de cómo todo gira alrededor nuestro, de cómo la música puede escapar de la mente y transformarse en un mundo nuevo, lleno de color, que se comparte con la gente. Quise que el tema tuviera esa dualidad: la magia de una atracción que parece ficción, y al mismo tiempo la certeza de que existe, que está en cada melodía, en cada banda que te sacude el cuerpo.”
Su relato revela el espíritu de la obra: una búsqueda artística que combina juego, identidad y emoción, con una propuesta sonora que invita al movimiento y al disfrute. “Rouge n Roll” no solo es una canción, sino una declaración de estilo, una forma de celebrar la pasión por la música y por el color que atraviesa cada nota.
Un nuevo capítulo en la carrera de Piwa La Piwa
Con este lanzamiento, Piwa La Piwa reafirma su lugar dentro de la nueva escena alternativa argentina, caracterizada por su apertura estética y su energía creativa. Su propuesta combina producción cuidada, letras con intención poética y un imaginario visual que potencia la experiencia sonora.
“Rouge n Roll” marca el inicio de una nueva etapa que promete seguir expandiendo los límites entre géneros, estilos y emociones. Disponible ya en todas las plataformas digitales, el single anticipa un álbum donde cada canción funcionará como una pieza de un universo cohesivo, cargado de ritmo, color y actitud.
Sophie Oliverpresenta su nuevo single“Like a Fish”, una canción emotiva y poderosa que refleja su experiencia personal de resiliencia y superación. El tema fue compuesto en California junto al reconocido productor Ronnie King durante tres semanas intensas de trabajo creativo. En esta pieza, la artista argentina radicada en Londres transmite un mensaje de introspección y fortaleza interior, invitando a los oyentes a mantener la calma y nadar a través de la tormenta, incluso en los momentos más adversos.
El proceso de creación de “Like a Fish” marcó una etapa transformadora para Sophie, quien decidió alejarse de su entorno familiar para explorar nuevos sonidos y emociones. Este viaje artístico no solo fortaleció su identidad musical, sino que también le permitió consolidar una visión más amplia y libre sobre la creación.
Actualmente, Sophie Oliver se encuentra dando forma a su primer álbum en inglés, titulado To Space, un proyecto pop-dance cargado de sintetizadores y energía ochentosa. Con canciones como “Touch Me Baby” y “Like a Fish”, producidas junto a Ronnie King y mezcladas por Gustavo Buchiniz y Agustín Della Croce en Buenos Aires, la artista fusiona la vulnerabilidad emocional con una poderosa presencia vocal y una estética vibrante que conecta lo íntimo con lo bailable.
Biografía de Sophie Oliver
Es una cantante, actriz y compositora argentina con una sólida trayectoria internacional. Desde muy joven formó parte de proyectos icónicos de Disney Channel como Cantaniño, High School Musical: El Desafío y El Jardín de Clarilú, con el cual obtuvo discos de oro y llegó a miles de hogares de toda Latinoamérica.
Radicada en Londres desde hace más de una década, Sophie consolidó un estilo que combina el pop contemporáneo con ritmos latinos y la energía de la pista de baile. Además, es líder y co-directora de Brixton Cumbia Association (BCA), una banda que se transformó en un fenómeno de la escena multicultural londinense, con presentaciones destacadas en Electric Brixton, Covent Garden y en diversos festivales a orillas del Támesis.
Creativa multifacética y emprendedora, Sophie Oliver también se desempeña como actriz, anfitriona de eventos culturales y activadora de la escena artística y comunitaria en Reino Unido. Su obra refleja un puente entre sus raíces argentinas y su presente internacional, donde la música, la actuación y la conexión humana son el corazón de su propuesta.
Con “Like a Fish”, Sophie reafirma su búsqueda de autenticidad y su compromiso con una música que emociona, inspira y trasciende fronteras.
La artista argentina Sophie Oliver presenta su más reciente single, “Touch Me Baby”, un tema que refleja su esencia artística ligada al pop y a las canciones melódicas con mensaje. La canción fue producida por el reconocido Ronnie King (The Offspring, Snoop Dogg, Mariah Carey) en California, y finalizada en Buenos Aires junto a Gustavo Buchiniz y Agustín Della Croce, quienes también acompañan a Sophie en sus shows en vivo.
«Touch Me Baby» narra una mezcla de deseo, imaginación y sensibilidad. Según la propia Sophie: “El tema nació tras casi una semana de convivencia con personas que no conocía previamente. Como cada canción del disco, tiene su historia y su motivo. En este caso, surgió del deseo, la nostalgia y la necesidad de conexión física y emocional. Extrañaba el calor humano, a mi pareja, y me refugié en la memoria sensorial de esos primeros encuentros que erizan la piel”.
La artista continúa: “Encerrada, sin salir ni siquiera a tomar aire fresco, me dejé llevar por la imaginación: me vi en una disco con estética ochentosa, envuelta en luces y sintetizadores, observando a esa persona que me atrae, deseando su contacto, anticipando el roce de sus manos sobre mi cuerpo”.
Sophie Oliver: trayectoria y carrera
Desde muy joven, la música ha sido el motor de su vida. A los 14 años comenzó su carrera en el programa televisivo Cantaníños, donde obtuvo su primer Disco de Oro. A los 19 fue seleccionada para High School Musical: El Desafío, dando inicio a una colaboración de seis años con Disney que le permitió recibir otros tres Discos de Oro y formarse profesionalmente en música y actuación.
Tras esa etapa, Sophie continuó su camino como artista independiente, sumando experiencias con proyectos como la banda Oliviah (2010–2013) y siendo actualmente vocalista de Brixton Cumbia Association, un colectivo de cumbia con base en Londres. Sin embargo, su esencia artística siempre estuvo vinculada al pop y a las canciones melódicas con mensaje.
En 2021 lanzó su primer álbum como solista, Otra vez me levanté, un trabajo profundamente emocional. Hoy presenta su segundo disco, To Space, un proyecto más introspectivo y personal, compuesto por diez canciones mayormente en inglés, muchas de ellas creadas durante un retiro creativo de tres semanas en plena naturaleza. La producción se inició en California con Ronnie King y se finalizó en Buenos Aires con Gustavo Buchiniz y Agustín Della Croce, quienes también la acompañan en vivo.
To Space es un viaje sonoro hacia lo interno y lo infinito. Sus canciones hablan de no bajar los brazos, de confiar en uno mismo y de atravesar los procesos personales con fuerza y sensibilidad. Sophie confiesa: “Esta música nació de la necesidad de recordarnos que siempre podemos volver a empezar. Espero que quien la escuche pueda encontrar algo de eso en ella”.
La cantante tucumana Paula Morena acaba de estrenar su nuevo single, Suelta las penas, una canción de su autoría que busca transformar el dolor en fuerza y esperanza a través de la música. Disponible en todas las plataformas digitales y con videoclip incluido en YouTube, la propuesta combina frescura, autenticidad y un mensaje directo: soltar lo que duele para dejar entrar la alegría.
Una canción de transformación personal
Compuesta en un momento de cambios profundos en la vida de la artista, Suelta las penas funciona como un manifiesto musical: “Y curemos las heridas / echando leña a la pasión / busca siempre la alegría / canta y baila esta canción”, canta Morena en uno de sus pasajes más luminosos.
El tema no solo se apoya en el ritmo de la cumbia para contagiar energía, sino que también plantea un recorrido emocional: desde el reconocimiento de las heridas hasta la invitación a liberarlas a través del baile y la música.
El videoclip: comunidad y energía femenina
El lanzamiento se potencia con un videoclip grabado en Ñandubaysal, Gualeguaychú (Entre Ríos), un entorno natural que refuerza el espíritu de libertad de la canción. Allí participaron la batucada de mujeres “Las Audaces”, músicos locales y vecinos que se sumaron con entusiasmo al rodaje, aportando una impronta comunitaria y auténtica al proyecto.
La fuerza colectiva del clip refuerza el mensaje: la música no solo libera individualmente, sino que también une y potencia a quienes la comparten.
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Un mensaje de esperanza
El estribillo de Suelta las penas es un verdadero llamado a la acción: “Que nada te detenga / a ser tu mejor versión”. Con esas palabras, Paula Morena busca conectar con quienes atraviesan momentos difíciles, recordándoles que la música puede ser refugio, impulso y motor para seguir adelante.
“¡Vamos a soltar las penas juntos y a vivir bailando!”, dice la artista, resumiendo el espíritu del lanzamiento.
Paula Morena, una carrera marcada por la diversidad
Nacida en Tucumán y apasionada por la música desde la infancia, Paula Morena construyó una trayectoria versátil que abarca géneros como soul, gospel, salsa, cumbia y funk. Integró proyectos como el Argentina Gospel Choir, fundó la banda Black Soul y en 2020 dio vida a Paula Morena y La Gran Sureña, una big band con fuerte identidad artística.
Hoy continúa su camino solista con un estilo definido y un sello propio que la distingue dentro de la música tropical, siempre con la premisa de transmitir emoción, alegría y conexión genuina con el público.
En el escenario, su propuesta es pura energía: una fusión de pasión, sencillez y celebración que invita a vivir cada canción como una experiencia compartida.
Ya está disponible en todas las plataformas “En la moto”, el nuevo single de Emmanuel Horvilleur que lo une por primera vez en una canción con Julián Kartun, en un encuentro musical tan esperado como natural entre dos de los artistas más personales y versátiles de la escena argentina. Este nuevo lanzamiento es parte de Mi año gótico, el próximo álbum solista de Horvilleur.
Tras los adelantos de Supersuave y Elástico, Emmanuel continúa abriendo las puertas de su universo sonoro con nuevas texturas y climas. “En la moto” suma una colaboración soñada con Kartun, su amigo de larga data, en una canción que es viaje, complicidad y celebración compartida.
Con una atmósfera envolvente y ese groove inconfundible que caracteriza su obra, Horvilleur le da marco al despliegue camaleónico de Kartun, que se luce con su carisma vocal y aporta un matiz único. La canción es un guiño para quienes esperaban verlos juntos, y una muestra más del ADN mutante de Mi año gótico.
El videoclip, ambientado en una noche lluviosa de Buenos Aires, rinde homenaje a esos rituales urbanos y nocturnos que forman parte del imaginario porteño. Con una estética cinematográfica, alma callejera y mucho estilo, Emmanuel y Julián habitan ese universo propio con naturalidad y complicidad.
Emmanuel en vivo: show en el Gran Rex y gira
El lanzamiento de “En la moto” llega acompañado de una gran noticia: Emmanuel Horvilleur se presentará el próximo 18 de octubre en el Teatro Gran Rex, con un show especial que recorrerá su carrera solista y presentará en vivo parte de su nuevo álbum.
Con una sonoridad sofisticada y una letra directa, el artista argentino lanza un nuevo adelanto de su próximo disco, consolidando su lugar en la escena indie pop.
Cítrico lanza su nuevo single, “El mundo no gira a tu alrededor”, una canción en la que el groove se fusiona con el pop para retratar ese momento clave en el que alguien decide poner límites dentro de una relación.
Con una atmósfera que remite a referentes como Parcels o Phoenix, pero con una impronta propia y en español, la canción se presenta como una propuesta fresca, directa y elegante. Combina una letra honesta con un sonido envolvente, logrando un equilibrio que funciona tanto como acompañamiento cotidiano como para quienes buscan conectar con una emoción más profunda. Es una muestra clara de la sensibilidad artística y la visión sonora de Cítrico.
Sobre Cítrico
Cítrico es el proyecto musical y alter ego de Marco Otranto, músico, productor y una de las figuras más interesantes de la escena indie pop argentina.
En 2014, Marco dejó Buenos Aires para estudiar producción musical en Londres. A su regreso, dio vida a Cítrico, una propuesta que fusiona pop, funk, soul y electrónica con una estética visual y lírica muy personal. Su primer álbum, Jungla Estelar (2016), lo posicionó entre los nuevos referentes de la música nacional, y con Retorno Acuario (2018), grabado en el mítico estudio La Diosa Salvaje de Luis Alberto Spinetta, afianzó su identidad sonora.
Participó en festivales internacionales como Hermoso Ruido (Bogotá, 2019) y SXSW (Austin, 2022). Como productor, trabajó con artistas como Emmanuel Horvilleur, Poncho y Clara Cava, y fue nominado a los Premios Gardel por su trabajo en Aqua di Emma (2024), el último disco de Horvilleur.
En 2022 lanzó Sentimental, su álbum más reciente, con colaboraciones de Goyo Degano (Bandalos Chinos) y Carlota Urdiales, donde exploró distintas facetas del amor en diez canciones íntimas y bailables.
Actualmente, Cítrico está presentando los primeros adelantos de su próximo trabajo discográfico, consolidándose como un artista en expansión, con una propuesta visual y sonora refinada, que lo destaca dentro del circuito más sofisticado y contemporáneo del indie pop.
Después de dos años lejos de los escenarios, el cantautor escocés lanza un tema poderoso y sincero, inspirado en su momento más vulnerable en Glastonbury 2023. El videoclip ya está disponible y anticipa una nueva etapa en su carrera.
La espera terminó: Lewis Capaldi está de vuelta. Luego de un prolongado silencio mediático y artístico, el artista global reapareció con “Survive”, una canción intensa y desgarradora que marca su regreso con fuerza y honestidad. El single ya puede escucharse en todas las plataformas y el videoclip oficial —dirigido por Henry Dockrill (Sam Fender, Post Malone)— también fue estrenado.
Con una letra que no esquiva los momentos oscuros, Capaldi canta: “Most nights I fear that I’m not enough, I’ve had my share of Monday mornings when I can’t get up”, para luego soltar un estribillo potente y esperanzador: “I swear to God I’ll survive, if it kills me to, I’m gonna’ get up and try, if it’s the last thing I’ll do”.
Un renacer tras el colapso en Glastonbury
“Survive” es también una respuesta directa a lo vivido en Glastonbury 2023, cuando Lewis Capaldi, visiblemente afectado, fue acompañado emocionalmente por el público del Pyramid Stage en un momento tan frágil como conmovedor. Ese episodio marcó un punto de inflexión en su carrera, y hoy se transforma en canción.
El nuevo sencillo fue coescrito con Romans, el colaborador detrás de su éxito histórico “Someone You Loved”, que recientemente fue certificado diez veces platino y es la canción más escuchada de todos los tiempos en Reino Unido.
Gira, nuevo álbum y un documental impactante
“Survive” llega tras una serie de shows íntimos en Escocia junto a la ONG CALM, en el marco de la Semana de Concientización sobre Salud Mental. Capaldi usó esos conciertos como espacio de prueba para medir su bienestar emocional y reencontrarse con el público sin presiones.
Su último álbum, “Broken By Desire To Be Heavenly Sent”, fue un fenómeno: número 1 en Reino Unido, tres singles top 1 —“Pointless”, “Wish You The Best” y “Forget Me”—, y colaboraciones de lujo con Max Martin, Malay y Phil Plested. Con más de 95.000 unidades vendidas en su primera semana, superó incluso a su disco debut.
También en 2023, su documental “Lewis Capaldi: How I’m Feeling Now” fue un éxito en Netflix, ubicándose entre los contenidos más vistos a nivel global y ganando elogios por su crudeza y sensibilidad.
El regreso más esperado
Desde aquel debut descomunal con “Divinely Uninspired To A Hellish Extent” en 2019, que lo catapultó al estrellato con múltiples premios y reconocimientos, Lewis Capaldi atravesó la presión y la exposición con altibajos. Pero “Survive” es una declaración de principios: aún en sus días más difíciles, el artista elige seguir, cantar, compartir y sanar.
Con este lanzamiento, Capaldi no solo sobrevive: renace con más fuerza que nunca.