Caballeros de la Quema volvió a encender Buenos Aires con un show arrollador en Complejo C Art Media, con entradas agotadas, en lo que fue su primer reencuentro con el público porteño tras la presentación de Fiesta de Zombies en el Movistar Arena el pasado 10 de octubre.
Clásicos indiscutidos del rock argentino, Caballeros de la Quema reafirma en cada show su lugar en la historia y en el presente: verlos en vivo es, desde hace años, un ritual. Un encuentro que hoy se vive como una pasión heredada, donde conviven seguidores históricos con nuevas generaciones —padres e hijos— que comparten canciones, códigos y una misma forma de sentir la música.
Un show intenso con clásicos del rock argentino
Durante más de dos horas, la banda liderada por Iván Noble desplegó un recorrido potente y emotivo por toda su discografía, combinando material reciente con los clásicos que marcaron a varias generaciones.
Sonaron himnos como “Avanti Morocha”, “Fulanos de Nadie”, “Raja Rata”, “Huelga de princesas”, “Qué pasa en el barrio”, “Otro jueves cobarde”, “Oxidado” y “Todos atrás y Dios de 9”, coreados de principio a fin por un público completamente entregado.
Momentos destacados: acústico y homenaje al rock nacional
Uno de los puntos más altos de la noche fue el segmento acústico, promediando el show, donde la conexión con el público alcanzó un clima de intimidad poco habitual para una sala de estas características.
Más adelante, la banda sorprendió con una versión de “Costumbres argentinas”, el clásico de Los Abuelos de la Nada, incluido en su último trabajo.
Caballeros de la Quema en vivo: una conexión intacta con el público
Con pocas —pero sentidas— palabras y mucha música, Caballeros sostuvo su identidad: crudeza, sensibilidad y rock sin artificios. La química con el público fue total, en una ceremonia donde lo importante no es solo lo que suena, sino lo que se comparte.
Antes de despedirse, Iván Noble dejó una frase que resumió el espíritu del show: “Siempre es un placer, nunca sabemos si va a ser la última… y si ha sido la última, fue un placer tocar para ustedes”.
Una vez más, Caballeros de la Quema demostró que su vínculo con el público sigue intacto, con la misma intensidad de siempre, consolidándose como una de las bandas más representativas del rock argentino en vivo.
La artista Yaspresentó su nuevo álbum, “Distinta”, con un evento exclusivo que reunió a prensa e invitados en una propuesta que fue más allá de lo musical: una experiencia sensorial pensada para sumergirse en su universo creativo.
La noche estuvo atravesada por un formato cuidado al detalle, que incluyó junket, cóctel y un espacio instagrameable, diseñado para amplificar el concepto del disco. El cierre fue un show en vivo donde Yas interpretó cinco canciones de su nuevo trabajo: “Esencia”, “La Niña”, “La Culpa”, “Crecer Duele” y “Distinta”, su focus track. La puesta contó con dos bailarinas, además de acompañamiento en piano y guitarra, reforzando el tono íntimo y emocional.
La dirección de arte estuvo a cargo de Julia Conde, quien diseñó un entorno con pantallas interactivas que permitió a los asistentes formar parte activa de “El universo de Yas”.
Un disco que retrata una etapa
Producido por Peter Akselrad, “Distinta” es un álbum de 10 canciones que funciona como un registro personal de los veintis de la artista: una etapa marcada por cambios, búsquedas y construcción de identidad.
El tracklist incluye: La Niña, Si Tiene Que Ser Será, La Culpa, Distinta, No Me Va, Crecer Duele, Mi Peor Enemiga, Si No Lo Contamos, Esencia y Deseo de Cumpleaños.
El focus track, “Distinta”, coescrito junto a Camilú, sintetiza el concepto del disco: la evolución personal, el quiebre de estructuras internas y la aceptación del cambio como parte del crecimiento.
Una narrativa visual coherente
El videoclip oficial, también dirigido por Julia Conde, con dirección de arte de Melanie Anton Def y estilismo de Jorge León, refuerza esa dualidad que atraviesa todo el álbum: vulnerabilidad y fortaleza en constante tensión.
La voz de Yas
“Este disco es muy especial para mí porque no solo cuenta mis vivencias, sino también la etapa que estoy atravesando: mis veintis. Es como una película de esta década de mi vida”, explicó la artista.
A lo largo del álbum, Yas aborda vínculos que cambian, inseguridades, proyecciones a futuro y la necesidad de construir una identidad propia sin filtros.
Próxima parada: el vivo
Como parte del lanzamiento, Yas llevará “Distinta” al escenario con un show íntimo el próximo 15 de mayo a las 20:45 hs en Café Berlín, donde propondrá trasladar esta experiencia al formato en vivo.
Las entradas se encuentran disponibles a través de la plataforma Livepass.
Ficha técnica
Artista: Yas
Álbum: Distinta
Producción musical: Peter Akselrad
Focus track: “Distinta” ft. Camilú
Videoclip: Dir. Julia Conde | DA: Melanie Anton Def | Estilismo: Jorge León
Gustavo Santaolalla se presentará el próximo 21 de septiembre a las 20:30 en el Teatro Colón con su Ronroco Tour, en un concierto que propone un recorrido emocional por uno de los trabajos más significativos de su trayectoria.
A 25 años de su lanzamiento, Ronroco vuelve a escena no como una pieza del pasado, sino como una obra viva. Publicado en 1998, el disco marcó un punto de inflexión en el lenguaje artístico de Santaolalla, con una estética íntima y despojada que redefinió su identidad sonora. Construido alrededor del instrumento andino que le da nombre, el álbum plantea un universo donde el silencio y la sutileza ocupan un lugar central.
Figura clave de la música contemporánea, Santaolalla cuenta con más de cinco décadas de trayectoria y un reconocimiento internacional sostenido. Ganador de dos premios Oscar a la Mejor Banda Sonora por Brokeback Mountain y Babel, además de múltiples premios Grammy y Latin Grammy, su obra se caracteriza por un cruce constante entre lo ancestral y lo moderno.
En perspectiva, Ronroco también funciona como punto de partida de su expansión hacia el lenguaje audiovisual. Su sensibilidad compositiva encontró continuidad en proyectos como The Last of Us, donde el minimalismo y la carga emocional se convierten en elementos narrativos centrales.
Luego de presentarse con este tour en Europa y Asia durante 2024 y 2025, el artista inicia en 2026 una gira por Latinoamérica que incluye esta fecha en Buenos Aires. La elección del Teatro Colón no es casual: el encuentro entre una obra íntima y uno de los escenarios más prestigiosos del mundo potencia la experiencia y suma una dimensión simbólica al concierto.
Gustavo Santaolalla – Ronroco Tour 📍 Teatro Colón (Tucumán 1171) 🗓️ 21 de septiembre – 20:30 hs 🎫 Entradas disponibles en TuEntrada.com y en la web oficial del teatro
No Te Va Gustar presentó oficialmente su nuevo disco, Florece en el caos, en el Estadio Ferro frente a una multitud que colmó el recinto y fue parte de una noche marcada por una puesta en escena deslumbrante y un sonido demoledor.
Desde temprano, en el barrio porteño de Caballito, la expectativa ya se hacía sentir. Los alrededores del estadio se llenaron de fans que vivieron la previa con entusiasmo, mientras en las pantallas se proyectaba un video alusivo al peligro que conlleva la modificación de la ley de glaciares, musicalizado con “Por el Agua”. La apertura estuvo a cargo de 1915, quienes encendieron los primeros aplausos de la noche como teloneros.
Minutos después de las 21, la banda liderada por Emiliano Brancciari salió al escenario y se encontró con un estadio repleto de casi 30.000 personas. El show marcó el regreso de No Te Va Gustar a un formato de gran escala en Buenos Aires, a pocos meses del lanzamiento del nuevo material, que ya superó los 15 millones de reproducciones a nivel global. La velada funcionó no solo como la presentación oficial del disco en el país, sino también como una celebración del gran presente artístico que atraviesa la banda.
Durante casi tres horas y con una lista de 40 canciones, No Te Va Gustar repasó distintas etapas de su carrera en un recorrido intenso y emotivo. El repertorio combinó los temas de “Florece en el caos” con los clásicos infaltables que acompañaron a varias generaciones de seguidores.
La noche tuvo además una particularidad: por primera vez en mucho tiempo, No Te Va Gustar decidió no contar con invitados. Este formato puso el foco en la conexión directa entre los músicos, el público y las canciones. Cada detalle estuvo cuidadosamente pensado, con una lista diseñada especialmente para la ocasión que permitió vivir la experiencia NTVG en su máxima expresión.
Con este show, No Te Va Gustar inició la gira argentina de “Florece en el caos”, que continuará por distintas ciudades del país, incluyendo Olavarría, Necochea, Bahía Blanca, Comodoro Rivadavia, Trelew, Bariloche, Neuquén, General Pico, Río Cuarto, Córdoba, Pergamino, San Luis, Mendoza, San Juan, Gualeguaychú, Rosario, Reconquista, Posadas, Resistencia, Paraná, Rafaela, Santiago del Estero, Jujuy, Salta, Tucumán y La Rioja, consolidando así un recorrido federal que reafirma su vínculo con el público argentino.
PRÓXIMOS SHOWS EN ARGENTINA DE NO TE VA GUSTAR:
25.04 – Buenos Aires, Estadio Ferro 28.04 – Olavarría, Club Estudiantes 29.04 – Necochea, Teatro París 30.04 – Bahía Blanca, Club Estudiantes 02.05 – Comodoro Rivadavia, Predio Federal Comodoro 03.05 – Trelew, Gimnasio Municipal Nro 1 07.05 – Bariloche, Gimnasio Bomberos 09.05 – Neuquén, Estadio Ruca Che 12.05 – General Pico, Club Ferro Carril Oeste 14.05 – Río Cuarto, Club Estudiantes 15.05 – Córdoba, Plaza de la Música (agotado) 16.05 – Córdoba, Plaza de la Música (nueva función)
30.07 – Pergamino, New Park 31.07 – San Luis, Roma Multiespacio 01.08 – Mendoza, Arena Maipú 02.08 – San Juan, Estadio Aldo Cantoni 10.09 – Gualeguaychú, Polideportivo Municipal 12.09 – Rosario, Anfiteatro Municipal 15.09 – Reconquista, Club Adelante 16.09 – Posadas, Umma 18.09 – Resistencia, Salón Gala Convenciones 19.09 – Paraná, Hierlam 20.09 – Rafaela, Sala 9 Multiespacio 22.09 – Santiago del Estero, Sky Club 24.09 – Jujuy, Centro Cultural Manuel Belgrano 25.09 – Salta, Estadio Delmi 26.09 – Tucumán, Club Central Córdoba 27.09 – La Rioja, MyM Multiespacio
Hay noches que funcionan como postal. Otras, como declaración. La de Q’Lokura en el Movistar Arena fue las dos cosas: una síntesis de presente y, al mismo tiempo, un anticipo cargado de sentido de lo que viene. Con entradas agotadas y más de tres horas de música sin tregua, el dúo cordobés volvió a convertir el estadio en un cuerpo único, vibrando al ritmo de un repertorio que ya no distingue entre hit, clásico o versión: todo entra en esa lógica arrolladora que ellos manejan como pocos.
Nicolás Sattler y Facundo “El Chino” Herrera no dan respiro. Su show no se piensa en canciones sueltas, sino en bloques que se encadenan como si fueran una sola pieza larga, mutante, donde cada cambio de tempo es un golpe directo al ánimo del público. La pista nunca baja. El pulso no se corta. Y ahí está la clave: Q’Lokura no toca, arrastra.
Desde el arranque, el Movistar Arena fue una marea en movimiento. “Mil noches”, “Un siglo sin ti”, “Qué hacer para verte”, “Te pido de rodillas”, “Dime tú”, “Tattoo”, “A un milímetro”, “Bailando bachata”. No hubo jerarquías: cada tema encontró su lugar en una narrativa que mezcló romanticismo, desgarro y celebración con una naturalidad desarmante.
INVITADOS QUE NO SUMAN, TRANSFORMAN
La primera puerta se abrió con el baladista Thian, que se subió temprano para “Me perdí”. No fue un cameo: fue una señal. La noche iba a moverse en capas, sumando voces que no interrumpen, sino que expanden.
Después llegó el primer quiebre emocional. Dalila subió para “Dejémoslo así” y lo que pasó excedió la canción. La interpretación fue tan cargada que terminó en llanto, en vivo, frente a un estadio que dejó de cantar para mirar. Un silencio lleno de respeto, de esos que no se ensayan.
Con Nahuel Pennisi, el clima volvió a mutar. “Universo paralelo” se volvió otra cosa: más profunda, más oscura, más intensa. Un momento de esos que quedan suspendidos, como si el tiempo se estirara un poco más de lo habitual. Nahuel, a solas con su guitarra, encontró en Nico un sostén. Hasta ahí, el Movistar había sido una pista en ebullición; en ese instante, todo se detuvo. El baile cedió lugar a un silencio cargado, y la noche cambió de pulso por un momento.
Y cuando parecía que ya estaba todo dicho, apareció El Bahiano para torcer el mapa. “Sin cadenas”, “Pupilas lejanas” y “Nada que perder” en versión cuarteto no fueron un guiño: fueron una relectura. Reggae y Córdoba cruzándose sin pedir permiso.
La curva siguió creciendo con Coti, que metió dos bombas transversales: “Nada de esto fue un error” y “Antes de ver el sol”. Ahí el Arena explotó en modo karaoke masivo, demostrando que Q’Lokura entiende algo clave: el cuarteto hoy dialoga con todo.
También hubo lugar para Cristian Herrera, sumando raíz folklórica a una noche que no tuvo miedo de mezclar territorios.
EL SHOW COMO EXPERIENCIA TOTAL
Lo que sostiene a Q’ Lokura no es solo el repertorio. Es la dinámica. Esa forma de construir un vivo donde todo está en movimiento constante: luces, pantallas, músicos, cantantes, público. No hay meseta. No hay pausa larga. Todo empuja hacia adelante.
Las “sessions”, los enganchados, las versiones y los climas están pensados para que el espectador no salga nunca de la experiencia. No es casual que más de tres horas pasen sin sensación de desgaste. El show está diseñado como un viaje con picos, pero sin caídas.
LA DÉCIMA DE Q´ LOKURA YA ESTÁ EN EL AIRE
Pero hay algo más flotando. Algo que atraviesa todo lo que pasó: la idea de la décima. El próximo Movistar Arena, en junio, no es una fecha más. Es un número cargado de peso simbólico en la cultura argentina. La “diez” no se explica: se siente.
Q’ Lokura llega a ese punto en un momento de expansión total. Convocatoria masiva, identidad definida y una capacidad poco común para reinventar su propio formato sin perder esencia. Este último sold out no fue solo una confirmación. Fue una plataforma.
Lo que viene no apunta a repetir la fórmula, sino a llevarla más lejos. Nueva puesta, invitados, recorrido emocional. Todo indica que ese décimo Arena va a ser leído como un antes y un después, tanto para la banda como para su público.
Porque si algo dejó claro esta noche es que Q’ Lokura ya no está en etapa de promesa. Está en fase de consolidación. Y cuando una banda llega ahí, cada show deja de ser solo un recital.
El cantautor argentino Benjamín Amadeo presenta “Mil Disparos”, su nuevo single y videoclip, que funciona como segundo adelanto de su próximo álbum de estudio. El lanzamiento no llega solo: el artista también confirmó una gira 2026 con fechas en distintas ciudades de Latinoamérica y un show destacado el 5 de noviembre en el Teatro Gran Rex. Con este movimiento, Amadeo empieza a delinear una nueva etapa artística que combina profundidad emocional, identidad sonora y una propuesta conceptual más definida.
“Mil Disparos”: de qué trata la nueva canción de Benjamín Amadeo
“Mil Disparos” se construye sobre una idea clara: la contradicción emocional. La canción aborda ese momento en el que alguien afirma estar bien, pero internamente todo sigue en movimiento. Según el propio Amadeo, el tema gira en torno a la dificultad de sostener la indiferencia cuando todavía hay heridas abiertas.
La letra propone un recorrido introspectivo donde aparece el concepto de “loop emocional”: una repetición constante de pensamientos y sensaciones que llevan a volver, una y otra vez, a lo que duele. En ese sentido, la canción no busca resolver el conflicto, sino exponerlo con honestidad.
Este enfoque conecta con una tendencia creciente dentro del pop contemporáneo, donde la vulnerabilidad deja de ser un recurso estético para convertirse en el eje narrativo. Amadeo logra traducir esa complejidad en un lenguaje accesible, una de sus principales virtudes como compositor.
Sonido y referencias: el groove como base del tema
En el plano musical, “Mil Disparos” se apoya en un groove sutil que sostiene toda la estructura del tema. El propio artista reconoció la influencia de Man I Need, aunque reinterpretada desde una identidad local.
El resultado es una canción de pop argentino que equilibra dos dimensiones: por un lado, una atmósfera íntima y contenida; por otro, una energía rítmica que le da dinamismo. Ese contraste es clave para reforzar el mensaje de fondo: lo que parece calmo en la superficie, en realidad está cargado de tensión.
La producción estuvo a cargo de Gabriel Pedernera y Peter Akselrad, quienes lograron una sonoridad limpia pero emocionalmente potente. El trabajo en capas, la precisión en los arreglos y el uso del espacio sonoro permiten que la voz de Amadeo se mantenga en primer plano, reforzando el carácter confesional del tema.
El videoclip y el concepto visual
El lanzamiento de “Mil Disparos” está acompañado por un videoclip que amplía el universo conceptual de la canción. La pieza visual gira en torno a un símbolo concreto: un smiley face invertido. Esta imagen funciona como representación de un estado emocional disfrazado, una especie de máscara que refleja la idea de “estar bien” de manera performática.
El video trabaja sobre la tensión entre lo visible y lo oculto, una línea que también atraviesa la letra. A nivel estético, se percibe una búsqueda más definida en comparación con trabajos anteriores, lo que sugiere una evolución en la construcción de la identidad artística del músico.
Nuevo álbum: qué se sabe del próximo disco
“Mil Disparos” es el segundo adelanto del próximo álbum de Benjamín Amadeo, cuyo lanzamiento está previsto para los primeros días de agosto. Aunque todavía no se conocen todos los detalles, el material empieza a mostrar una dirección clara.
El nuevo disco se apoyará en una idea de nostalgia reinterpretada: no como simple evocación del pasado, sino como una reflexión sobre las expectativas que alguna vez existieron y cómo se transformaron con el tiempo. En palabras del propio artista, se trata de explorar “el mundo que imaginábamos y hoy ya es otra cosa”.
Este enfoque sugiere un álbum con fuerte carga conceptual, donde las canciones no solo funcionen de manera individual, sino también como parte de un relato más amplio.
Gira 2026: fechas confirmadas y show en el Gran Rex
Junto con el lanzamiento del single, Amadeo anunció una gira 2026 que lo llevará por distintas ciudades de la región. El recorrido incluye Lima (Perú), Córdoba, Santa Fe, Rosario, Montevideo y La Plata, entre otras plazas.
El punto central de esta serie de conciertos será su presentación en el Teatro Gran Rex el 5 de noviembre. Este show se perfila como uno de los más importantes de su carrera reciente, tanto por la capacidad del venue como por el momento artístico en el que se encuentra.
Las presentaciones en vivo serán clave para consolidar esta nueva etapa, ya que Amadeo suele trasladar con eficacia la carga emocional de sus canciones al escenario, generando una conexión directa con el público.
Benjamín Amadeo y su evolución dentro del pop argentino
A lo largo de su carrera, Benjamín Amadeo fue construyendo un perfil particular dentro de la escena musical argentina. Su propuesta combina elementos del pop, el rock y la canción de autor, con un fuerte énfasis en lo lírico.
En los últimos años, su crecimiento artístico se dio de manera sostenida, con una búsqueda cada vez más clara en términos de identidad. “Mil Disparos” confirma esa evolución: hay una mayor precisión conceptual, un sonido más definido y una intención narrativa más marcada.
En un contexto donde el pop tiende a fragmentarse en múltiples subgéneros, Amadeo apuesta por una línea propia que prioriza la emoción y la coherencia estética. Esa decisión lo posiciona como uno de los cantautores más consistentes de su generación.
Por qué “Mil Disparos” puede marcar un punto de inflexión
El lanzamiento de “Mil Disparos” no es solo un nuevo single: funciona como una declaración de intenciones. La canción sintetiza varios elementos que podrían definir el próximo capítulo de la carrera de Amadeo:
Una mayor exposición emocional
Un enfoque conceptual más sólido
Una producción musical refinada
Una estrategia clara de expansión en vivo
Si el resto del álbum mantiene esta línea, es probable que el proyecto marque un punto de inflexión en su discografía.
Dónde escuchar “Mil Disparos”
El nuevo tema ya está disponible en todas las plataformas digitales, acompañado por su videoclip oficial. Con este lanzamiento, Benjamín Amadeo no solo adelanta su próximo disco, sino que también activa una etapa que combina música, narrativa visual y presencia en vivo.
La expectativa ahora está puesta en el álbum completo y en cómo estas piezas individuales terminarán de encajar en un proyecto integral que promete consolidar su lugar dentro del pop argentino actual.
La mística ricotera volvió a latir con fuerza. La Kermesse Redonda se presentó en el clásico Teatro Flores con un show cargado de nostalgia, potencia y una conexión intacta con el público, que convirtió la noche en una verdadera ceremonia del rock nacional.
Actualmente la formación incluye como miembros estables a Sergio Dawi (saxo), Tito Fargo (guitarra), “Semilla” Bucciarelli (bajo), Hernán Aramberri (batería), Jorge Cabrera (voz), Oscar Kamienomosky (2da. guitarra) y Mariano Pirato (teclado y voz).
Desde temprano, los alrededores del teatro comenzaron a poblarse de fanáticos con remeras emblemáticas, banderas y ese ritual previo que identifica a los seguidores de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. No se trataba de un recital más: era un reencuentro con canciones que marcaron generaciones y que siguen vigentes en el ADN cultural argentino.
Las fotos de La Kermesse Redonda
FOTOS DE IVÁN ACOSTA
Una misa ricotera en Flores
Con una puesta en escena sólida y un sonido contundente, Kermesse Redonda repasó un repertorio que incluyó clásicos inoxidables como “Ji ji ji”, “Un poco de amor francés”, “La bestia pop” y “Juguetes perdidos”. Cada tema fue coreado de principio a fin por un público que no dejó de saltar, cantar y emocionarse durante toda la noche.
El espíritu de Indio Solari y Skay Beilinson estuvo presente en cada acorde, en cada pogo y en cada mirada cómplice entre los asistentes. La banda logró capturar esa esencia cruda, visceral y poética que convirtió a Los Redondos en un fenómeno irrepetible dentro del rock argentino.
Una experiencia que trasciende generaciones
Uno de los puntos más destacados del show fue la diversidad del público. Desde históricos seguidores que vivieron la época dorada de la banda original hasta jóvenes que descubrieron su música años después, todos compartieron el mismo sentimiento de pertenencia.
La Kermesse Redonda no solo interpreta canciones: recrea una experiencia. El despliegue visual, la energía en el escenario y la fidelidad sonora construyen un puente entre el pasado y el presente, manteniendo viva una obra que sigue creciendo con el paso del tiempo.
El legado que no se apaga
A pesar de los años y de la ausencia de Los Redondos en los escenarios, su legado permanece más vigente que nunca. Shows como el de Kermesse Redonda en el Teatro Flores demuestran que el fenómeno ricotero está lejos de apagarse.
En tiempos donde la música se consume de manera inmediata, la permanencia de este repertorio habla de una profundidad artística que trasciende modas. La noche en Flores fue una prueba más de que el espíritu redondo no entiende de finales, sino de transformaciones.
Con un cierre explosivo y un público rendido a sus pies, la banda dejó en claro que la llama sigue encendida. Porque si algo quedó claro en esta nueva presentación, es que el ritual ricotero sigue más vivo que nunca.
Los Cristos vuelve a la escena con “Perdón”, su más reciente lanzamiento y último adelanto antes de la salida de su próximo EP, previsto para mayo de 2026. El quinteto de Buenos Aires reafirma su identidad sonora con una combinación de rock alternativo y sensibilidad pop que se destaca desde los primeros acordes.
Con una base rítmica sólida, guitarras filosas y una melodía inmediata, “Perdón” se instala rápidamente como un track de alto impacto dentro del repertorio de la banda.
Una canción sobre el dolor, la memoria y la resiliencia
El nuevo single aborda la huida emocional y el reencuentro con uno mismo tras atravesar el dolor. La voz de Gonzalo Gallo guía el relato con una impronta directa: “Un amor, un recuerdo sin su voz, una calle sin color donde conoció el dolor”.
Sin embargo, el eje del tema aparece en su estribillo: “Creo que todo va a estar bien”.
Ese mensaje funciona como un mantra que transforma la angustia en una mirada optimista, donde pedir perdón se convierte en un paso necesario para sanar y seguir adelante.
Influencias y sonido: rock alternativo con raíz noventosa
Formada por Gonzalo Gallo (voz y guitarra), Matías “Mono” Cugat (guitarra), Martiniano Tacacho (bajo), Javier Falbo (guitarra) y Lucas Menna (batería), Los Cristos combina influencias que van del punk rock al rock alternativo de los 90 y 2000.
El single fue grabado y mezclado en CBMC Records por Matías Cugat, con masterización de Marc Mastering y producción conjunta entre Gallo y Cugat, consolidando un sonido potente y definido.
Como parte de esta nueva etapa, la banda se presentará el sábado 9 de mayo a las 21 hs en Niceto Club (Humboldt 1358, Palermo), uno de los espacios clave de la escena porteña.
El show será una oportunidad para escuchar en vivo “Perdón” junto a otras canciones que anticipan su próximo material discográfico.
Los Cristos nació en Buenos Aires a mediados de 2022, construyendo su camino en el circuito underground. Su debut en vivo fue como invitados de 2 Minutos en el Teatro Vorterix, marcando un punto de partida relevante.
Con tres canciones ya editadas y su primer disco en proceso para 2026, el grupo se posiciona como una de las propuestas emergentes con mayor proyección dentro del rock argentino.
Con “Perdón” como carta de presentación, Los Cristos consolidan un estilo propio y proyectan un crecimiento sostenido. Entre la energía del punk rock y la introspección del rock alternativo, el grupo se perfila como una futura referencia dentro de la nueva escena nacional.
El regreso de Jorge Drexler a Buenos Aires confirmó lo que ya se anticipaba: su nueva etapa artística tiene un impacto inmediato y profundo en el público. Con dos funciones completamente agotadas en el Movistar Arena (17 y 18 de abril), el artista uruguayo consolidó uno de los hitos más fuertes de su gira.
La primera noche, el viernes 17, estuvo atravesada por una combinación de emoción, precisión musical y una propuesta escénica que amplía el universo de su último trabajo, TARACÁ, llevado íntegramente al vivo con sus once canciones.
El inicio tuvo un componente especial: la apertura a cargo de Joaquín Martínez, protagonista tiempo atrás de un momento viral cuando pidió cantar “La Aparecida” tras viajar más de 1400 kilómetros. Esta vez, la invitación fue del propio Drexler, en un gesto que refuerza su vínculo directo con el público. Incluso, durante ese set inicial, el músico apareció brevemente en escena, desatando una ovación inmediata.
El show arrancó con “Toco Madera” y desde ahí desplegó un recorrido que combinó el nuevo material con clásicos y cruces inesperados, como un mashup entre “Bienvenida”, “Tamborero” y “Quimera”. Durante más de dos horas y media, alternó momentos de gran potencia con la banda completa y otros de marcada intimidad.
Drexler y Sujatovich, a dúo en “Desastres Fabulosos”
Uno de los pasajes más logrados fue el segmento en un escenario alternativo ubicado al fondo del campo. Drexler caminó entre el público para llegar hasta allí, generando una experiencia inmersiva. En ese espacio interpretó canciones a capella y compartió escena con Mateo Sujatovich, con quien cantó “Desastres Fabulosos”. Mientras tanto, la banda continuaba tocando desde el escenario principal, logrando una coordinación que sorprendió por su precisión.
El repertorio integró lo nuevo con canciones emblemáticas, acompañadas con intensidad por un público completamente involucrado. Entre tema y tema, Drexler también dejó reflexiones que marcaron el tono emocional de la noche: destacó la incertidumbre de crear un disco y no saber si hay alguien del otro lado, y agradeció el gesto de haber agotado entradas incluso antes del lanzamiento del material.
En el tramo final, se sumó el músico uruguayo Piki Aguirre, aportando fuerza en “Sea” y en “Todo se transforma”. También hubo espacio para la improvisación con “Me haces bien”, incorporada sobre la marcha y convertida en uno de los momentos de mayor conexión colectiva.
La banda —integrada por Miryam Latrece, Ale López, Florencia Gamba, Eva Catalá, Vicente “Huma”, Marc Pinyol y Julio Sanrizz— sostuvo una propuesta sonora rica y dinámica, acompañando cada matiz del espectáculo.
Con ambas fechas agotadas, el paso de Drexler por Buenos Aires se posiciona como uno de los puntos más altos de la gira, que continuará por distintas ciudades del país y el exterior, con Argentina como epicentro de esta nueva etapa.
Los Caligaris vuelven a dar un paso firme en su evolución musical con el lanzamiento de “Mala Junta”, un nuevo single que los encuentra compartiendo escena con La K’onga y el rapero mexicano Neto Peña. El tema funciona como un adelanto central de su próximo disco, previsto para mayo de 2026, y confirma una dirección artística que apuesta por la mezcla de géneros y la apertura a nuevos públicos.
“Mala Junta”: una fusión que potencia el ADN festivo
En “Mala Junta”, Los Caligaris se apoyan en el cuarteto cordobés como columna vertebral, pero van más allá de la fórmula tradicional. La participación de La K’onga aporta peso específico dentro del género, mientras que la intervención de Neto Peña introduce una textura urbana que rompe con lo esperable dentro del universo de la banda.
El resultado no es una superposición forzada de estilos, sino una integración fluida. La canción logra sostener un clima festivo, bailable y popular, sin resignar identidad. Por el contrario, amplifica el ADN de Los Caligaris, que históricamente se caracterizaron por mezclar ska, pop, rock y espíritu circense con una impronta propia.
Esta nueva colaboración refuerza esa lógica: sumar voces y universos distintos para construir algo común. En este caso, el cuarteto funciona como punto de encuentro entre la tradición local y la expansión internacional, mientras que el rap aporta un contraste que renueva la propuesta.
Un videoclip con identidad y referencias cinematográficas
El lanzamiento de “Mala Junta” llega acompañado por un videoclip que sostiene el tono lúdico y dinámico de la canción. En las imágenes, los artistas comparten escenas relajadas, con una narrativa visual que apuesta al entretenimiento y a la complicidad entre los protagonistas.
Uno de los puntos más destacados del video es la inclusión de guiños a películas icónicas como Kill Bill, Volver al Futuro y Men in Black. Estas referencias no solo aportan humor, sino que también construyen una estética reconocible que conecta con distintas generaciones.
La presencia de Martín Pampiglione (Los Caligaris) y Diego Granadé (La K’onga) recreando estas escenas suma un elemento narrativo que potencia el atractivo del video y lo convierte en una pieza clave dentro del lanzamiento.
El camino hacia el nuevo disco
“Mala Junta” se suma a una serie de adelantos que Los Caligaris vienen presentando en los últimos meses y que anticipan un disco marcado por las colaboraciones. En ese recorrido aparecen nombres de peso de la escena latinoamericana, lo que da cuenta de una estrategia clara: construir un álbum diverso, con múltiples identidades y sonidos.
Entre los lanzamientos previos se destacan “Tu Infeliz” junto a Karina, “Tengo” con Don Tetto, “Hablar de Flores” con Coti Sorokin y “Hoy Flasheaba” junto a Benjamín Amadeo.
A esa lista se suman “Mi vida sin tu vida” con Los Auténticos Decadentes y Banda El Recodo, y el reciente “El Reloj me miente” junto a Silvestre y La Naranja.
El patrón es claro: cada canción abre una puerta distinta, tanto en lo sonoro como en lo geográfico. México, Colombia y Argentina aparecen como territorios de intercambio constante, consolidando a Los Caligaris como una banda que ya no se limita a una escena local.
Show en Buenos Aires
En paralelo al lanzamiento de “Mala Junta”, la banda confirmó un show en Buenos Aires que funciona como uno de los hitos más importantes de esta etapa. La cita será el 6 de junio en Museum, donde el grupo volverá a encontrarse con su público porteño.
El recital no será uno más dentro de su agenda. Llega en un momento de renovación artística, con material nuevo y una propuesta que amplía su alcance. La expectativa está puesta en cómo convivirán en vivo los clásicos que consolidaron a la banda con las canciones de esta nueva etapa.
El show promete mantener el espíritu festivo característico de Los Caligaris, con una puesta en escena dinámica y una fuerte conexión con el público, pero también dejar ver el camino que están trazando hacia adelante.
Gira internacional y expansión regional
El recital en Buenos Aires será parte de una serie de presentaciones en la región. Luego del paso por la capital argentina, la banda continuará con fechas en Perú y Chile, reforzando su presencia en el circuito latinoamericano.
Próximas fechas confirmadas:
6 de junio: Buenos Aires, Argentina
26 de junio: Barranco, Perú
27 de junio: Santiago de Chile, Chile
Este recorrido consolida el crecimiento sostenido de Los Caligaris en distintos mercados y reafirma su capacidad para adaptarse a públicos diversos sin perder identidad.
Una banda en constante transformación
Con “Mala Junta”, Los Caligaris no solo presentan una nueva canción: dejan en claro el rumbo de su proyecto. La apuesta por la fusión, las colaboraciones y la expansión internacional se convierte en el eje central de esta etapa.
Lejos de repetir fórmulas, la banda elige moverse, probar y cruzar límites. El resultado es una propuesta que mantiene su esencia festiva, pero que suma nuevas capas y lecturas. En ese equilibrio entre lo conocido y lo nuevo está la clave de su vigencia.
El lanzamiento del disco en mayo terminará de completar este proceso. Mientras tanto, “Mala Junta” funciona como una muestra concreta de hacia dónde van: más mezcla, más apertura y una identidad que sigue creciendo.
