Guns N’ Roses vuelve a sacudir el mundo del rock con el lanzamiento de dos nuevos sencillos, marcando su primer material inédito desde 2023. “Nothin’” y “Atlas” llegan para reafirmar que la banda sigue en plena forma y con inspiración renovada, mostrando dos caras bien definidas de su sonido: mientras “Atlas” exhibe a los GNR más filosos, con su clásico pulso de rock intenso y guitarras encendidas, “Nothin’” apuesta por un costado más introspectivo, sostenido por teclados envolventes y una guitarra cargada de emoción.
En los últimos años, Guns N’ Roses ha mantenido una presencia constante con lanzamientos esporádicos y giras sold out alrededor del mundo. Luego de presentar en 2023 “The General” y “Perhaps”, estos dos nuevos temas se suman como piezas fundamentales dentro del repertorio más reciente de la banda y prometen ganarse su lugar en los próximos setlists, junto a los clásicos inoxidables y los favoritos de su catálogo histórico.
La gira mundial de los Guns en 2026
La banda también confirmó una gira mundial para la primavera y el verano de 2026, que los llevará nuevamente por escenarios icónicos del planeta. El tour incluirá una esperada parada en México para presentarse en el Festival Pal’ Norte, antes de encabezar distintas fechas en Europa y desembarcar luego en estadios de Estados Unidos y Canadá. Uno de los hitos más destacados será su show en el Rose Bowl de Los Ángeles, marcando un regreso histórico al estadio después de más de tres décadas.
Este anuncio llega tras una intensa gira mundial en 2025 que significó el regreso más esperado de la banda a Europa, Medio Oriente, Asia y Latinoamérica, consolidando una vez más su vigencia absoluta y su lugar como leyendas del rock global.
El Kuelgue vuelve a jugar con su fórmula más personal —humor sutil, observación urbana y groove elegante— con “Vos y la Mancha”, su nuevo single, donde la banda afina el pulso funk-disco para despedir la primavera y anticipar el verano. No es solo otra dosis de frescura pop: es un pequeño universo cotidiano teñido de absurdo, con esa melancolía luminosa que ya es marca registrada del grupo.
La canción vibra a medio camino entre la celebración y la extrañeza familiar: una farra barrial, un “todo está bien, pero algo no cuadra”, esa sensación medio doméstica medio surrealista que El Kuelgue lleva años perfeccionando. El beat es suficiente para mover el cuerpo sin desbordar; la ironía está ahí, pero sin burlas; el clima general es festivo, aunque nunca ingenuo.
El Kuelgue despide el 2025 el próximo 13 y 14 de diciembre en C Art Media, Villa Crespo, reafirmando un clásico de cada fin de año: celebrar junto a su público en casa. Después de agotar su cuarto Movistar Arena, girar por Argentina, México, Uruguay, Paraguay y España y destacarse en festivales como Vive Latino, Quilmes Rock y Rock en Baradero, El Kuelgue vuelve a jugar de local con dos conciertos únicos. El show promete un recorrido por toda su discografía, con arreglos renovados, momentos de improvisación y esa conexión con el público que se ha convertido en marca registrada de la banda.
El grupo llega a fin de año reafirmando su lugar como uno de los proyectos más singulares y queridos de la música nacional.
Historia de El Kuelgue
Se formó en Buenos Aires, en el corazón del barrio de Villa Crespo durante el año 2004. Sus particulares conciertos en vivo, en donde despliegan su impronta ligada al absurdo y la improvisación, y sus originales puestos en escena, son el sello de este grupo liderado por el multifacético Julián Kartun.
Esta suma de factores estableció a El Kuelgue como una propuesta distinta dentro de la escena de la música argentina y latinoamericana. La versatilidad musical y la combinación que la banda hace de múltiples estilos ha capturado a una generación que ya no elige más a la música por su género. Hace más de 15 años la banda realiza sus conciertos en las más importantes salas y festivales de Argentina, América Latina y Europa. En el 2016 la banda fue elegida para abrir los dos shows de Paul McCartney en el Estadio Único de la Plata, y realizó colaboraciones con artistas como Julieta Venegas, Adrían Dárgelos de Babasonicos, entre otros.
Crítica tema por tema al disco que exige oídos despiertos y cero pereza auditiva.
Babasónicos lanzó Con Cuerpos Vol. 1, su flamante álbum de estudio, y no es simplemente “el disco nuevo”: es el primer capítulo de una etapa conceptual donde el cuerpo, el deseo y la reorganización del tiempo funcionan como ejes dramáticos. Nueve canciones que, más que seguir una línea, se proponen romperla. Un proyecto que llega tres años después de Trinchera y que se planta como un manifiesto: acá no hay estructuras dóciles ni formas conocidas para dormir tranquilo.
Según Babasónicos, este volumen trabaja desde la lógica del experimento y el ensayo; una escritura que desarma, reordena y descoloca. Una “obra totalizadora” en un contexto fragmentado: canciones que se construyen y se deshacen al mismo tiempo, como si estuvieran vivas.
En esa dinámica, la voz y la letra de Adrián Dárgelos toman el mando con nuevas exploraciones vocales, juegos de memoria, reglas nemotécnicas propias y una sintaxis deliberadamente desobediente. Los temas orbitan entre poder, deseo y cuerpo, con un lenguaje que nunca pide permiso.
Hecha la antesala, vamos al hueso: tema por tema.
1. Tiempo Off
El disco abre con un pedido desesperado en clave “dame tiempo off”, como si el narrador estuviera harto de sostener el mundo y pidiera licencia emocional. La batería arrastra, la guitarra muerde suave, la voz parece fumarse el último hilo de energía. Es una entrada perfecta: te dice “esto no va a ser liviano, así que ajustá el cinturón”.
2. Revelaciones Aparte
Aquí sube la tensión. Rock clásico, guitarras ásperas, un pulso eléctrico que no negocia. Dárgelos canta como quien ya perdió la paciencia con el futuro. La frase “un paquete de humillaciones por presenciar en primera fila” funciona como editorial del 2025. Es un tema directo al plexo: crudo, lúcido y con la irritación justa.
3. Maracuyá
El primer desvío del viaje. Voces filtradas, capas electrónicas, un clima que oscila entre trance, sueño y fiebre. El maracuyá no es fruta exótica, acá: es una metáfora del deseo ácido, de la herida interna que no cicatriza. Perturbadora sin ser ruidosa, es de esas canciones que crecerán en quienes disfrutan la incomodidad elegante.
4. Cocos
Cambio de paisaje. La banda propone un oasis: un falso relax envuelto en ritmo tibio, casi playero. Pero debajo hay inquietud: la sensación de que cualquier descanso es un paréntesis frágil. El tema respira nostalgia y evasión, como si uno quisiera irse del mundo por 3 minutos y medio sabiendo que debe volver igual.
5. Advertencia
El single y el corazón rítmico del disco. Mezcla electrónica, sensualidad, oscuridad y ese toque de fatalismo marca registrada. “A veces quiero fuego y me quemo”: Babasónicos hace poesía del masoquismo emocional sin ponerse solemne. Es adictiva, bailable, pero nunca complaciente. La advertencia es doble: para el oyente… y para el propio narrador.
6. Miau
Una joya discreta. Bajo grueso, ritmo contenido, atmósfera de bar nocturno donde el humo no molesta. Dárgelos canta con soltura resignada, casi un suspiro largo hecho canción. Un lamento contemporáneo disfrazado de ronroneo. De los temas más sensibles y mejor construidos del álbum.
7. Labios Apilados
Aquí vuelve la estética del crepúsculo: electrónica sutil, guitarras en tonos bajos, un órgano que aparece como fantasma. No busca brillar: busca quedarse. Crece a fuego lento mientras habla de erosiones emocionales, de labios que no saben si besar o callar. Tema puente, tema bisagra, tema que gana con la tercera escucha.
8. Mercado Blue
Un mensaje para esta era líquida. Sintetizadores hipnóticos, guitarras que se doblan entre sí, un clima casi distópico. El título ya anticipa ironía económica y existencial: “mi ironía, mi poca simpatía… no tiene precio fijo”. Es el lado más experimental del disco: el cuerpo como mercancía, como valor flotante, como volatilidad afectiva.
9. Mi Propia Música
El cierre no es triunfalista: es identitario. Babasónicos se mira al espejo y dice “esto soy, esto hago, esto no negocio”. El tema funciona como manifiesto: en un mundo lleno de copias, algoritmos y ruido, la banda elige la singularidad. Es un broche perfecto: sobrio, emocional y con la frente en alto.
Conclusión: un disco que no quiere gustar… quiere permanecer
Cuerpos Vol. 1 no es amable. No es inmediato. No está hecho para el oyente que busca Dopamina Express. Es un disco que pide dejar el celular a un costado, escuchar con todos los sentidos y aceptar que, a veces, entender viene después.
Es Babasónicos en modo quirúrgico: cortando, abriendo, examinando el cuerpo social y el cuerpo íntimo. Y entregando un álbum que respira, transpira y duele.
“Triunfo de la Guerra del Barro” es el cierre del nuevo disco conceptual de Campo Loop “La Guerra del Barro». El videoclip – ya disponible en plataformas- se volvió viral antes de su estreno tras la filtración de imágenes del backstage que mostraban una rave gaucha, bajo el título: «POV: le pusiste techno a los gauchos».
El nuevo corte es cantado por Dr. Kurnicopia, del grupo Los Tabaleros quien ya posee experiencia en la musica lo criolla con aires modernos y retoma el espíritu del triunfo, un estilo gaucho asociado a epopeyas y batallas, y lo enlaza con beats electrónicos, guitarras camperas y un pulso modernizado que amplifica su esencia ritual. La letra proclama que la pampa siempre permanece, que ha visto guerras, duelos y derrotas, pero que ninguna disputa supera la fuerza de la tierra que lo sostiene todo.
El “Triunfo de la Guerra del Barro” funciona como un canto de victoria, no solo sobre un enemigo, sino sobre el tiempo mismo: la certeza de que la pampa continúa aun cuando sus hijos se enfrenten. La producción, mezcla y mastering estuvo a cargo de Matías Chávez Méndez, aportando un enfoque contemporáneo que convierte este triunfo en una pieza donde tradición y modernidad conviven con potencia cinematográfica.
Este capítulo final narra un territorio devastado y una pampa en resistencia. En este cierre, la tierra recupera protagonismo: “la verdadera victoria no pertenece a los hombres, sino al paisaje”, una idea que atraviesa tanto la canción como su adaptación visual.
El videoclip presenta a un paisano entonando el triunfo rodeado de gauchos que, lejos de ser meros testigos, encarnan la memoria viva de una llanura que los formó y los enfrenta con su propia historia. En esta versión, la música los arrastra a un ritual renovado, mientras la narrativa se intensifica con el duelo de dos SIAM con cabezas de hornero que se baten a facón. Hijos de la misma tierra, su combate simboliza las tensiones internas de un territorio herido, una guerra sin ganador aparente.
Entre el canto, el ritual y la inmensidad de la pampa, “Triunfo de la Guerra del Barro” cierra el universo conceptual y visual del disco: un paisaje eterno que observa, recuerda y perdura mientras sus hijos luchan, celebran y bailan sobre su lomo.
Campo Loop une lo ancestral con lo contemporáneo. Así nació el Electro Folclore Surero Argentino , un lenguaje en el que guitarras criollas y paisajes del llano se entrelazan con beats techno y sintetizadores. El campo le dio raíz; la tecnología, expansión.
FICHA TÉCNICA ARTÍSTICA Video «Triunfo de la Guerra del Barro»
MÚSICA:
Produccion y Beat maker: Matiaz «Chavez» Mendez Mezcla: Matiaz «Chavez» Mendez Mastering: Matiaz «Chavez» Mendez Voz: Dr Kurnicopia (Los Tabaleros) Letra y musica: Campo loop Guitarra: Alexander Echandia Grabación de Voz: Luis Maria Cabezas
ACTORES
Cantor: Germán Romero Siam Jinete: Sebastián Irigaray
Siam Guitarrista: Santiago Chiacchio Guitarrista: Alexander Echeandía
Equipo Técnico
Dirección: Gastón Barbosa – Agustina Barreto Asist de dirección: Matías Rampoldi Coach Actoral: Sol Bravo Producción: Nazareno Gutiérrez Asist de prod: Tiago Tapponnier Dir de fotografía: Agustina Barreto Cámara: Agustina Barreto Cámara handy: Marcio Castañón Asist de cámara: Nahuel Rivero Gaffer: Silvio Torres Eléctrico: Nahuel Rivero Dir de arte: Melina Nielsen Asist de arte: Sol Bravo – Trinidad Arraiza Foto fija: Lucas Pavón Montaje: Nahuel Rivero Color: Nahuel Rivero Diseño Gráfico: Agustina Barreto
EXTRAS
Mariano Cesaroni Mario Rampoldi Oscar Disalvo Jose Sequeira Claudio Rusiecki Marcelo Cacciatto Miguel Marchioni Arturo Cataldo Martin Iturbe Esteban Peti Facundo La Blanca Martin Iturbe Alejandro Chrsitensen Jorge Albero Osa Enrique Jose Osa
PRÓXIMAS FECHAS
6/12 Color Humano, Los Mapuches B7600, Mar del Plata 13/12 Local Support Gorriti 5045, CABA 14/12 Festival Mirador Tec, Paraná
Biografía de Campo Loop
Campo Loop es un proyecto de Electro Folclore Surero Argentino: una fusión de folklore, electrónica y canción que se manifiesta a través de SIAM, un personaje enigmático con cabeza de nido de hornero. Inspirado en la inmensidad de la llanura pampeana, Campo Loop no es solo música: es también una manera de mirar el horizonte y resignificarlo.
Parte de su fuerza reside en el anonimato. Campo Loop encuentra en SIAM, la voz y la imagen de un universo donde lo ancestral y lo moderno conviven. La identidad no está en un rostro, sino en una experiencia colectiva que combina raíces, símbolos y nuevas formas de expresión. Campo Loop honra las raíces gauchas y pampeanas con guitarras criollas y milongueras, y al mismo tiempo late con la intensidad de la electrónica: beats, sintetizadores y proyecciones visuales que invitan al baile y a la inmersión sensorial.
«Qué Hubiera Pasado» es un tema que fusiona cumbia, pop y folklore para crear un ritmo irresistible para bailar. Esta canción es el resultado de la colaboración entre Campedrinos y Natalie Pérez, dos artistas que se unen para crear una canción que refleja la duda y la imaginación que nos invade cuando nos preguntamos qué hubiera pasado si hubiéramos tomado un camino diferente. La canción es una composición de Campedrinos y el reconocido compositor uruguayo Diego Maturro.
La fusión de cumbia, pop y folklore en «Qué Hubiera Pasado» crea un sonido único y contagioso para bailar y disfrutar este verano. La canción es un reflejo de la expansión artística y versatilidad de Campedrinos y el cruce con una figura clave del pop argentino.
Este tema y sus lanzamientos anteriores como “La Revancha” junto a Lázaro Caballero y “+Zambas Románticas” junto a Agus Bernasconi estarán presentes en su próximo show el 6 de diciembre en el Teatro Ópera.
La biografía de Campedrinos
La historia es así: Sergio y Agustín son dos muy buenos amigos, uno es de Campana y el otro es de San Pedro, ambas ciudades pertenecen a la provincia de Buenos Aires. Por eso ya hace unos años cuando se conocieron en la fila de un casting, jugando con los nombres de estas ciudades es que se forma Campedrinos.
En el 2024 realizaron más de 80 shows recorriendo el país, y más de 60.000 km en rutas argentinas.
Su show ante un colmado Teatro Ópera de la Av. Corrientes de Buenos Aires los consagró como nuevos representantes del folklore.
Durante el verano de 2025, realizaron más de 25 shows en festivales.
La cantante, compositora y cineasta argentina Carolina Mama cierra el año presentando el video de “Honrar La Voz«, una canción que honra la voz de todos los seres del planeta, e invita a reflexionar sobre la convivencia humana con el mundo natural. Esta canción forma parte de «Amina«, primer y esperado trabajo discográfico solista de la artista, disponible en todas las plataformas digitales.
Sobre esta canción, Carolina comentó “Surgió durante un profundo encuentro con la naturaleza, cuando me encontré con un oso en un sendero. Fue un momento de gran comprensión: todos estamos conectados, todos los seres tienen voz. Esta canción honra esa voz, invocando la reverencia hacia el mundo natural y su profunda sabiduría. Sirve como recordatorio de que debemos escuchar, respetar y honrar las voces de todos los seres en este viaje compartido de la vida”.
Y el video refleja fielmente esta idea. En él, se la ve a la artista fundiéndose en un paisaje imponente, de senderos, agua, montañas, y cielo. Erica Nguyen, a cargo de la dirección, transformó este clip en un poema filmado, en una pieza audiovisual que resume a la perfección la intención de Carolina Mama en esta canción.
No hay dudas de que el 2025 ha sido un año de gran crecimiento para Carolina Mama. El lanzamiento de “Amina” en el mes de septiembre marcó la piedra fundamental de un camino como solista. Durante todo el año, la artista fue anticipando en formato de singles las canciones de este trabajo: “Amina”, “Bajo el silencio”, en colaboración con el reconocido y multipremiado productor hondureño Trooko, “Dos Almas” en colaboración con Mat Alba, “Vestida de Melodía”; y hoy se suma el video de “Honrar La Voz”. Completan el álbum “Poemas sobre el mar”, “Cuanto querer es quererte”, “El adiós”, “Mi madre la Luna”, y “A la orilla”.
Cada una de sus diez canciones forma parte de una narrativa que inspira el cambio, alzar voces e impulsar a la acción. En ellas, la cantante retrata las luchas y celebraciones de la feminidad, dándole voz a historias y luchas muchas veces silenciadas.
Desde el sonido, el disco atraviesa las raíces musicales de la artista, fusionando elementos del folklore latinoamericano y africano con elementos del jazz. En este trabajo, Carolina une sus universos artísticos, y se vale del sonido y la narración cinematográfica para crear una experiencia inmersiva que honra la fuerza, belleza y resiliencia de las mujeres de todo el mundo.
El disco fue coproducido y grabado en Los Ángeles con Lau Noah y Emily Elbert, junto con Tamir Barzilay, Andre de Santana y Gabe Witcher, entre otros artistas. Más tarde, se sumaron músicos de todo el mundo que grabaron desde sus ciudades natales: un cuarteto de cuerdas en Argentina dirigido por Lucio Mantel, y Munir Hossn desde Brasil, quien también coprodujo Amina. Fue mezclado por Mati Cella y masterizado por Edu Bergallo.
“Amina” es un testimonio sonoro de vidas frecuentemente silenciadas, de voces marginadas. Es una invitación a recordar de dónde venimos, a volver a imaginar hacia dónde vamos y a celebrar el poder femenino en toda su complejidad y gloria.
La historia de Carolina Mama
Es una cantante, compositora y cineasta argentina cuyo trabajo combina una narrativa conmovedora con un estilo vocal trascendental. Con raíces latinoamericanas y profundas influencias artísticas del norte de África y Estados Unidos, su música desafía fronteras, fusionando tradiciones folclóricas con géneros modernos como el jazz, el hip-hop y paisajes sonoros cinematográficos.
Comenzó su trayectoria artística a temprana edad, estudiando cine en la Universidad Nacional de las Artes de Buenos Aires, donde descubrió su pasión por la narración. Esta doble devoción por la música y el cine se convirtió en la base de su carrera multidisciplinaria. Además, se formó en la prestigiosa New School for Jazz and Contemporary Music de Nueva York, donde recibió una beca para sus estudios. Fue entonces cuando se radicó en la ciudad, en la que vive desde hace algunos años.
Gracias a su formación en distintas disciplinas artísticas, crea canciones con una refinada arquitectura musical y una profunda carga emocional. Sus composiciones son íntimas pero a la vez expansivas, e invitan al oyente a un viaje a través del tiempo, la cultura y la imaginación.
Durante su trayectoria, trabajó con artistas como Arturo O’Farrill, Samir Langus, Linda Briceño, y Ayodele Casel, además de formar parte del grupo vocal Rosa. Con estos proyectos, tocó en escenarios y festivales aclamados de todo el mundo: BRIC JazzFest, NYC Winter Jazz Festival, Joyce Theater, Symphony Space, Brooklyn Bowl, Buenos Aires Jazz Festival y Pregones Theater.
Para la realización de Amina, su primer álbum solista, recibió una beca de la prestigiosa Fundación Cultural Café Royal. El álbum está coproducido por Emily Elbert (guitarrista de Jacob Collier y Leon Bridges) y Lau Noah (guitarrista y compositor catalán).
Zoe Gotusso lanza Detalles, un álbum que se anima a un gesto poco frecuente en la música pop contemporánea: dialogar con un repertorio canónico sin caer en la nostalgia, reinterpretando ocho canciones de Roberto Carlos, el gigante brasileño cuyo universo sentimental marcó a generaciones enteras.
Lo que podría haber sido un ejercicio de reverencia se transforma, en manos de Gotusso, en un espacio íntimo, donde la emoción se afina, la forma respira y el romanticismo se convierte en un territorio adulto. Las ocho canciones elegidas —de “La distancia” a “Un millón de amigos”— aparecen aquí con un pulso nuevo: menos solemne, más respirado.
Zoe Gotusso no busca grandilocuencia; encuentra, en cambio, una ternura madura, esa que llega cuando la emoción deja de ser pura exaltación y empieza a volverse conciencia.
El single “Camionera”, lanzado hace dos semanas, abrió el camino con esa mezcla tan propia de Zoe: vulnerabilidad luminosa y una precisión vocal que se impone sin estridencias.
La producción de María Wolff —quien viene de colaborar con Alex Anwandter y desarrolla también su propia obra solista— construye un escenario sonoro donde cada instrumento tiene aire propio. A esto se suman las participaciones de Rigoberta Bandini y Juliana Gattas, que aportan matices sutiles y expanden los límites del repertorio sin alterar su esencia.
Detalles, de Zoe Gotusso
La distancia
Camionera
Amada amante
Detalles
No te apartes de mí (feat. Rigoberta Bandini)
Que será de ti (feat. Juliana Gattas)
La paz de tu sonrisa
Un millón de amigos
En Detalles, Gotusso regresa al romanticismo que la acompaña desde sus inicios, pero lo hace desde un lugar transformado: más consciente, más profundo y absolutamente propio. Las canciones dejan atrás cualquier ingenuidad juvenil para habitar un espacio donde la vulnerabilidad se lleva con elegancia, y donde la tradición romántica encuentra nuevas maneras de ser dicha.
La semana pasada, Zoe viajó a Las Vegas para los Latin Grammy, donde estuvo nominada a Grabación del Año (“Lara”) y Mejor Álbum Pop Tradicional (Cursi), consolidando un presente artístico que combina riesgo, madurez y delicadeza.
Este jueves 20, en paralelo al lanzamiento del álbum, continúa su ciclo de “Pequeños conciertos” en el Teatro Margarita Xirgu, con funciones el 20, 21, 23, 26 y 27 de noviembre, y el 3 de diciembre. Las entradas ya están disponibles a través de Fever.
Además, el 30 de noviembre presentará una doble función en La Trastienda junto a Julián Kartún, retomando el espectáculo que el año pasado llevaron de gira por España.
Detalles no es un regreso al pasado: es la prueba de que ciertas canciones, cuando encuentran la voz justa, siguen creciendo.
El artista sevillano Beret regresa con su esperado tercer álbum de estudio, Lo Bello y lo Roto: una obra íntima, conceptual y honesta que lo reafirma como una de las voces más sensibles y auténticas de la música en español. Gestado a lo largo de varios años entre España y Argentina, este nuevo trabajo explora la belleza que se revela en la imperfección y la fuerza que nace de la vulnerabilidad.
El disco, conformado por 13 canciones, llega tras el éxito de siete adelantos, entre ellos el más reciente, “¿Cómo va a saber de amor?”. Esta balada cruda y profundamente emocional es el último adelanto antes del lanzamiento completo, y en ella Beret retrata el dolor de amar sin ser comprendido.
Lo Bello y lo Roto no es solo un viaje personal; también se enriquece con colaboraciones de gran calibre. Voces como Diegote, Mr. Rain, SFDK, Morodo y Domelipa se suman al universo de Beret, aportando matices y nuevas texturas. Entre ellas, destaca especialmente la unión con Mr. Rain en Superhéroes, una colaboración que ya se ha convertido en uno de los himnos del disco.
El concepto del álbum gira en torno a las cicatrices que cuentan historias y a las pérdidas que nos transforman. Musicalmente, Beret traza un puente entre lo crudo y lo delicado, entre lo pop más contemporáneo y arreglos de corte mainstream, sin dejar de lado sus características letras cargadas de emoción y melancolía.
Pensado también para amantes del formato físico, Lo Bello y lo Roto estará disponible en vinilo, CD Digipack y una edición especial en CD. Con este nuevo trabajo, Beret invita a descubrir la poesía escondida en lo imperfecto y a abrazar la belleza que habita incluso en los momentos más oscuros.
Beret, una de las voces más influyentes y representativas de su generación
Con más de 6 millones de oyentes mensuales en Spotify y una comunidad fiel que lo sigue tanto en España como en Latinoamérica, Beret se ha consolidado como una de las voces más influyentes y representativas de su generación. Su capacidad para conectar con las emociones humanas más profundas, sin artificios ni filtros, lo ha convertido en un referente indiscutible dentro de la música en español.
Lo Bello y lo Roto es la confirmación de que Beret sigue escribiendo la banda sonora de toda una generación.
TRACKLIST
El último baile Hola, qué tal? Amaneceres ft. Diegote Nadie más te la cree Si te vuelvo a llamar Hechizo ft. Domelipa Fran Cupido Superhéroes ft. Mr Rain La última granada Alma y corazón ft. SFDK, Morodo Flores ¿Cómo va a saber de amor?
Lauta vuelve a sorprender con un lanzamiento que combina frescura, baile y emoción. “Puñaladas”es su nuevo single, una cumbia con perfume veraniego en colaboración con Amigo de Artistas, donde el artista platense despliega una faceta más íntima.
Con un ritmo que invita a moverse y una letra cargada de sensibilidad, “Puñaladas ” narra el dolor de no poder convertirse en la persona ideal para alguien que se desea. Esa tensión entre lo bailable y lo emocional se convierte en el corazón de la canción, que encuentra en la participación de Amigo de Artistas un matiz especial: un color sentimental que potencia su energía y la transforma en un tema destinado a quedarse.
Con este lanzamiento, Lauta reafirma su lugar dentro de la nueva escena de la cumbia, consolidando un sonido propio que mezcla frescura, honestidad y espíritu playero. “Puñaladas” se posiciona así como una de las propuestas que promete sonar fuerte durante todo el verano.
Sobre Lauta
Lauta es un cantante y compositor argentino oriundo de la ciudad de La Plata. Desde muy pequeño mostró su talento cantando y escribiendo, lo que lo llevó a tomar clases de piano y formar parte de distintas bandas hasta que, a los 17 años, decidió iniciar su camino como solista.
Su música se caracteriza por la versatilidad y la frescura, explorando géneros como el pop, R&B y reguetón, siempre con una fuerte identidad ligada a la playa y a los sonidos del verano. Con canciones como “Insta (Remix)” junto a MYA y Rombai, y “No Le Gusta lo Romántico” con Migrantes, logró un gran impulso en su carrera y una importante repercusión en la escena musical. A esto se suman lanzamientos como “Ke Nos Vea la Luna”, “En Loop”, “La Mudanza”, “Una Banda” y “Pa La Playita” (en colaboración con Yami Safdie, Benja Torres y Los Palmeras), que refuerzan su estilo y expanden su universo sonoro.
Reconocido también como compositor, este año prepara nuevos lanzamientos que seguirán consolidando su identidad artística, al mismo tiempo que escribe canciones para destacados artistas de la escena argentina e internacional.
El Kaural, banda mexicana de rock, presenta “Suspendido”, su nuevo lanzamiento grabado durante su primera gira internacional en los estudios Romaphonic —el histórico espacio donde funcionó Circo Beat— y co-mezclado y masterizado por Alain Johannes, referente absoluto del rock alternativo por su trabajo junto a Queens of the Stone Age, Them Crooked Vultures y Chris Cornell.
Con un sonido que enlaza raíces latinas y distintas corrientes del rock, El Kaural nació en Tijuana en 2020, integrado por Álvaro Macías, Christian Corona y Néstor López. Tras su debut en 2023, la banda experimentó un crecimiento veloz dentro del público latinoamericano, lo que derivó en una gira breve por México, Chile, Argentina y Estados Unidos a finales de 2024. Ese recorrido incluyó sesiones de grabación en los estudios Ion, Unísono —fundado por Gustavo Cerati— y Romaphonic, donde registraron material clave para su nueva etapa.
De ese proceso surge “Suspendido”, una canción construida sobre la tensión, el clima y la precisión de cada elemento: armonías que se entrelazan para sostener los coros, una arquitectura instrumental cuidadosa y un cierre que desemboca en una melancolía compartida entre la voz y la guitarra. De la misma sesión proviene también “Quiero Saber”, mezclado y masterizado por Patricio Claypole, figura del rock argentino por su trabajo con Los Natas, Los Espíritus y Divididos.
Mientras “Quiero Saber” mostró el costado más directo y agresivo de la banda, “Suspendido” desplaza el foco hacia la dinámica, la precisión y el alcance sonoro de su repertorio. Juntas, ambas canciones revelan dos dimensiones de un mismo proceso creativo vivido en Buenos Aires y funcionan como anticipo del camino que está trazando.
Con este lanzamiento, el trío avanza hacia la grabación de su primer álbum de estudio, consolidando una propuesta que, a solo dos años de su debut, ya pisa firme dentro de la nueva ola del rock latinoamericano.
Ficha técnica de Suspendido
Grabación: Romaphonic (Buenos Aires) Mezcla: Alain Johannes & El Kaural Máster: Alain Johannes Productores: El Kaural Lanzamiento: 17 de noviembre de 2025 Género: Rock Latinoamericano
