Soge Culebra lanza “1y1000”, su esperado nuevo single, en colaboración con Alejo, Kris Floyd y Kristina. La canción marca el inicio de un 2026 clave en la carrera del artista murciano y llega tras meses de expectativa generada en redes sociales.
“1y1000”: el tema viral de Soge Culebra que por fin ve la luz
El estreno de “1y1000” responde a una fuerte demanda del público. Un fragmento del tema se filtró en TikTok hace meses y rápidamente se volvió viral, generando miles de pedidos para su lanzamiento oficial.
Desde entonces, la canción se convirtió en una de las más esperadas dentro del repertorio de Soge Culebra, consolidando el poder de las redes sociales como termómetro del éxito en la música urbana actual.
Una colaboración internacional con identidad propia
En “1y1000”, Soge Culebra combina su estilo con el flow internacional de Alejo y Kris Floyd, dos referentes de la escena urbana de Puerto Rico, y la frescura de Kristina, una de las voces emergentes más destacadas de España.
El resultado es un track que mezcla reguetón melódico con una carga emocional intensa, sello característico del artista español.
Soge Culebra: versatilidad y evolución en la música urbana
Con una voz inconfundible y una gran capacidad para moverse entre distintos géneros, Soge Culebra reafirma su lugar en la industria. Su evolución artística lo llevó del rap y el reggae a sonidos más cercanos al trap, el reguetón y la electrónica, sin perder su identidad.
Este crecimiento quedó reflejado en STORM (2023), un disco que marcó un antes y un después en su carrera, con colaboraciones junto a figuras como Quevedo, Saiko y Micro TDH.
Un 2026 decisivo para Soge Culebra
El lanzamiento de “1y1000” no es solo un single más, sino el punto de partida de un año que promete ser determinante para Soge Culebra. Con una base de fans en crecimiento y una identidad artística cada vez más sólida, el artista se posiciona como una de las figuras más fuertes del panorama urbano actual.
El Cuarteto de Nos presenta “Sigo atravesando puertas”, su primer álbum en vivo, grabado durante su histórico show en el Estadio Ferro Carril Oeste en septiembre de 2025. El lanzamiento marca un hito en la carrera de la banda y refleja su gran presente en la escena del rock latino.
Un show histórico en Buenos Aires
Luego de una extensa trayectoria, el Cuarteto de Nos finalmente decide publicar un registro en vivo oficial. “Sigo atravesando puertas” captura la potencia escénica de la banda en Ferro, uno de los conciertos más importantes de su historia reciente.
El título del álbum conecta directamente con su último disco de estudio, Puertas, y simboliza una nueva etapa: expansión artística, crecimiento de público y consolidación internacional.
Un recorrido por los grandes éxitos del Cuarteto de Nos
El show tiene como eje la presentación de Puertas, pero el setlist recorre los temas más icónicos de los últimos 20 años. Desde Raro hasta la actualidad, el recital incluye canciones de discos como Bipolar, Porfiado, Habla tu espejo, Apocalipsis Zombi, Jueves y Lámina Once.
El cierre con Yendo a la casa de Damián confirma la vigencia de la banda, que logra conectar con nuevas generaciones sin perder a su público histórico.
Cuarteto de Nos en vivo: un fenómeno que crece en Latinoamérica
El lanzamiento del disco en vivo llega en un momento clave. Durante 2025, el Cuarteto de Nos reunió a más de 400 mil personas en 46 ciudades y agotó entradas en escenarios como el Palacio de los Deportes en México y el Movistar Arena en Chile.
Además, la banda cuenta con millones de oyentes mensuales en plataformas digitales, consolidándose como uno de los grupos de rock latino más escuchados de la actualidad.
“Sigo atravesando puertas”: dónde ver el show completo
El álbum en vivo se estrenó el 19 de marzo de 2026 y permite revivir uno de los conciertos más impactantes del Cuarteto de Nos. Con una puesta visual potente y un sonido sólido, el material busca llevar la experiencia del vivo a fans de todo el mundo.
Ahí está una de las claves del fenómeno: la vigencia. Temas como Yendo a la casa de Damián, que cierra el concierto, conviven con canciones recientes sin perder fuerza ni actualidad. El público, cada vez más joven —con fans desde los 6 años—, confirma que la banda no solo se mantiene, sino que se renueva constantemente.
El lanzamiento llega en un momento consagratorio. Durante 2025, el Cuarteto reunió a más de 400 mil personas en 46 ciudades y consolidó su presencia en toda Latinoamérica, con shows agotados en plazas clave como México y Chile. En paralelo, sus números digitales acompañan: millones de oyentes mensuales y una comunidad global en crecimiento.
El estreno de “Sigo atravesando puertas” se realizó el 19 de marzo de 2026 y permite que ese show en Buenos Aires trascienda el momento y el lugar. Es, en definitiva, una forma de amplificar la experiencia Cuarteto: llevarla a cualquier parte del mundo y confirmar que, a esta altura, la banda no solo atraviesa puertas… las derriba.
Cuarteto de Nos en vivo
La presentación de “Puertas” es el core del show en lo que respecta a puesta en escena, que le da un increíble marco a lo que se podrá disfrutar a nivel audiovisual. Pero, el setlist recorre igualmente los principales temas de los últimos 20 años años de Cuarteto de Nos, desde su emblemático disco Raro en adelante. Así, se genera un show explosivo y lleno de hits de todas las canciones de los álbumes Raro, Bipolar, Porfiado, Habla tu espejo, AZ, Jueves, Lámina once y Puertas.
La permanencia de las canciones, lo variado del público de Cuarteto, y el permanente crecimiento y renovación de la audiencia (con nuevo público incluso desde los 6 años) que canciones como Yendo a la casa de Damián, que cierra el show, resulta tan vigente y actual como Esplín, de su último disco.
CRÉDITOS “Sigo Atravesando Puertas”
CUARTETO DE NOS
Roberto Musso – Voz y guitarra
Álvaro Pintos – Batería
Santiago Marrero – Bajo, teclados y coros
Gustavo “Topo” Antuña – Guitarra y coros
Luis Angelero – Guitarra, bajo y coros
Veronica Piana – Management
Juan Falcone – Jefe de Producción y monitores
Camilo Giannattasio – Asistencia en escenario
Charly Zoia – Sonido
Martin Techera – Luces
Guillermo Gross – Visuales y VJ en vivo
Sebastián Morandeira – Sistemas y asistencia en escenario
Ignacio Benedetti – Dirección de cámaras
Juan Pablo Romero – Logística & Hospitalidad
Soledad Espíndola – Comunicación
Dirección: Ignacio Benedetti
Edición, mezcla y master de audio: Nicolás Demzcylo
SETUP VISUAL y FAV PRODUCCIONES
Tomás Raimondo – Productor
Lautaro Monzani – Productor
Mariano Landetcheverry – camarógrafo
Eugenio Chiavassa – camarógrafo
Federico Graf – camarógrafo
Catalina Derecho – camarógrafa
Marcos Hurvitz – Sr. Hornero Drone
DBN PRODUCCIONES
Germán Guagliardi – jefe técnico
Ismael Guagliardi – asistente técnico
Gustavo stempniewicz – jefe técnico
Fabián sosa – op video
Franco Guagliardi – asistente
Cristian Sabena – camarógrafo
Diego carini – camarógrafo
Ricardo Guadalupe – camarógrafo
Ignacio Acevedo – camarógrafo
Ariel Olmos – camarógrafo
Nico Sabena – camarógrafo
EDICIÓN
Mariano Landetcheverry
Lautaro Monzani
Producción ejecutiva: Verónica Piana/Porfiado Records
La artista argentina HANA vuelve a escena con “Un solo parpadeo”, el primer adelanto de lo que será su sexto álbum de estudio, previsto para este 2026. Fiel a su identidad sonora, la cantante propone un universo donde la electrónica y el pop se cruzan con naturalidad, consolidando una estética que viene construyendo desde hace más de dos décadas.
El lanzamiento llega acompañado por un videoclip dirigido por la dupla audiovisual Lolo & Lauti, en el que se refleja la formación actual del proyecto: HANA junto a su hermana melliza Andy Ciliberti, quien participa en percusión, baterías y voces. La pieza refuerza el carácter performático y visual que atraviesa toda la obra de la artista.
La presentación oficial del single y su videoclip se realizó en la galería Azur Contemporáneo (Arroyo 981), espacio donde actualmente HANA exhibe sus piezas sonoras, reafirmando su vínculo con el circuito del arte contemporáneo.
Una trayectoria que cruza música, arte y escena
Nacida en Buenos Aires como Florencia Ciliberti, HANA es música, artista visual y gestora cultural. Su trabajo se caracteriza por una búsqueda multidisciplinaria que integra sonido, imagen y performance.
Con su proyecto solista —activo desde los años 2000— logró destacarse en una escena históricamente cerrada, convirtiéndose en una de las pocas mujeres en consolidar una carrera dentro del circuito alternativo. Ganadora de un Premio Gardel y con múltiples nominaciones, lleva editados cinco discos y dos sencillos, además de haber participado en los principales festivales de Argentina y México.
Foto: Nora Lezano
Su debut discográfico, Fetiche (2006), incluyó la canción “Parque de diversiones”, un punto de inflexión en su carrera. Ese mismo impulso la llevó a convertirse en la primera artista femenina solista argentina en participar del Festival Vive Latino en Ciudad de México, donde se presentó en tres ediciones. También formó parte de escenarios como Creamfields, Cosquín Rock, Personal Fest, Pepsi Music, BUE, Hot Festival, Quilmes Rock y Festival Nuestro.
A lo largo de su trayectoria, HANA funcionó como puente entre generaciones, colaborando con artistas como Daniel Melero, Diego Tuñón (Babasónicos), Goyo Degano (Bandalos Chinos) y el artista plástico Alfredo Prior. Además, fue elegida para abrir shows de figuras internacionales como Coldplay, Laurie Anderson, Julieta Venegas y Roxette.
Del sonido al cine y las artes visuales
En 2025 estrenó Otras formas, su ópera prima documental sobre la música desde el campo del arte. La película fue exhibida en el Malba y seleccionada en el BAFICI, y en febrero de 2026 formó parte de la semana del arte en México con una proyección en el histórico Cine Tonalá.
Actualmente, la artista presenta su muestra sonora “Abrazame muy fuerte”, curada por Carlos Herrera, en la galería Azur Contemporáneo. La exhibición puede visitarse hasta el 26 de marzo, de lunes a viernes de 12 a 19 horas.
“Otras formas”: un proyecto que amplía la escena
Como parte de su universo creativo, HANA desarrolló la trilogía Otras formas, una investigación centrada en la música producida desde el campo de las artes visuales. En 2017 fundó el sello discográfico homónimo, único en su tipo, dedicado a editar obras de artistas visuales que trabajan con sonido.
El sello ya publicó trabajos de más de 30 artistas, impulsando una escena que hoy ocupa un lugar consolidado dentro del arte argentino. Esta investigación también dio origen al libro Otras formas (2023), editado por Gourmet Musical.
Con “Un solo parpadeo”, HANA no solo anticipa un nuevo disco: reafirma una identidad artística que desafía fronteras y conecta lenguajes. Música, arte y experimentación, en un mismo pulso.
La banda argentina Los Calzones vuelve a la carga con un mensaje claro, directo y sin filtro. Con 37 años de trayectoria, el grupo presenta “JUNTOS”, el primer corte de difusión de Huella, su décimo trabajo discográfico, ya disponible en todas las plataformas digitales.
Fieles a su esencia —esa mezcla de rebeldía, ironía y potencia sonora—, Los Calzones no vienen a pedir permiso. Vienen a reafirmar su lugar. Renovados, políticamente incorrectos y con más filo que nunca, el lanzamiento de “JUNTOS” funciona como una declaración de principios: el ska sigue vivo, y ellos lo empujan hacia adelante.
“JUNTOS”: energía, identidad y un mensaje sin anestesia
Desde el primer segundo, “JUNTOS” no da respiro. Es un golpe directo, un relámpago sonoro que combina la velocidad del ska con una impronta rockera que ya es marca registrada del grupo. La canción se construye sobre una base rítmica sólida, con guitarras filosas y una sección de vientos que no adorna: ataca.
El resultado es una pieza que entra por el cuerpo antes que por la cabeza. El ritmo contagia, el estribillo se pega y la estructura del tema juega con climas que van desde la euforia hasta una especie de trance que se rompe con una explosión final. No hay medias tintas.
En lo lírico, el concepto es claro: la unidad como respuesta frente al caos. En tiempos donde todo parece fragmentarse, “JUNTOS” plantea lo contrario. No desde la corrección política, sino desde una mirada cruda, casi visceral.
El sonido Calzones: una identidad que no negocia
Hablar de Los Calzones es hablar de una banda que construyó su identidad a base de coherencia. Desde sus inicios, tomaron el espíritu del ska —un género nacido en Jamaica y redefinido en Inglaterra— y lo adaptaron al ADN latinoamericano.
Ese cruce no es menor. Lo que en otras bandas puede sonar a revival, en Los Calzones se siente como evolución. Hay respeto por la raíz, pero también una necesidad constante de empujar los límites.
“JUNTOS” es un buen ejemplo de eso. Conviven los elementos clásicos del género —vientos, síncopas, velocidad— con una producción moderna y una actitud que dialoga con el presente.
Producción internacional y un equipo de peso
El single fue grabado en los históricos Criteria Studios, en Miami, y mezclado en Igloo Music, en Burbank, California. Detrás del sonido está Gustavo Borner, uno de los productores más reconocidos de la escena latina, quien además estuvo a cargo de la producción artística junto a la banda.
La composición y los arreglos llevan la firma de Marcelo Del Grosso, Eduardo A. Casareski, Fabián M. Isernia, Carlos C. Báez y Sergio M. Chávez, un núcleo creativo que sostiene la esencia del grupo.
En cuanto a la ejecución, el tema cuenta con la participación de los integrantes clásicos: Pingüino en voz, teclados y coros; Pitulo en guitarras y coros; y Pájaro en bajo y coros. A ellos se suma una sección de vientos potente con Gargamel en trombón, Azrael en trompetas y músicos invitados de alto nivel como Ed Calle en saxo y Albert Sterling Menendez en teclados, entre otros.
El resultado es un sonido compacto, filoso y sin concesiones.
“Huella”: un nuevo capítulo en una historia larga
“JUNTOS” es apenas la puerta de entrada a Huella, el décimo disco de estudio de la banda. Un número que no es casual: llegar a diez álbumes implica constancia, evolución y, sobre todo, supervivencia en una industria que cambia todo el tiempo.
El título del disco ya anticipa una intención: dejar marca. No solo en lo musical, sino también en lo conceptual. A lo largo de su carrera, Los Calzones se caracterizaron por abordar temáticas sociales, políticas y culturales sin edulcorantes. Y todo indica que este nuevo trabajo seguirá esa línea.
Una banda que no se queda quieta
Lejos de vivir de la nostalgia, Los Calzones siguen expandiendo su alcance. En los últimos años, consolidaron su presencia en mercados como Colombia, Chile, México y distintos países de Centroamérica. Su propuesta —una mezcla de fiesta y crítica— encontró un público que trasciende fronteras.
Para este año, la banda prepara una gira ambiciosa que incluirá presentaciones en Argentina, Europa, Latinoamérica y Norteamérica. Un recorrido que confirma lo que el propio “JUNTOS” plantea: la conexión con el público es el motor que los mantiene en movimiento.
Ska, actitud y vigencia
En un contexto musical donde las tendencias cambian a velocidad de vértigo, el ska mantiene un lugar particular. No es el género dominante, pero tiene algo que otros no: identidad.
Los Calzones entendieron eso desde el principio. No se subieron a modas ni intentaron encajar en fórmulas ajenas. Construyeron su propio camino, con una estética, un discurso y una energía que siguen vigentes.
“JUNTOS” no es solo un single. Es una reafirmación. Un recordatorio de que hay bandas que no negocian su esencia, aunque el mundo alrededor cambie.
La banda cordobesa Los Caligaris presentó “El Reloj Me Miente”, su primer lanzamiento de 2026, en colaboración con Silvestre y La Naranja. El nuevo single ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales y marca el inicio de una nueva etapa creativa para el grupo.
El tema reúne a dos universos fuertes de la escena musical argentina en un cruce tan inesperado como natural. La canción fusiona la identidad festiva y popular que caracteriza a Los Caligaris con el sonido indie-pop modernode Silvestre y La Naranja, logrando un equilibrio fresco que potencia la esencia de ambas bandas.
“El Reloj Me Miente”, la nueva canción de Los Caligaris
En “El Reloj Me Miente”, Los Caligaris exploran una narrativa donde el tiempo deja de ser una certeza rígida para convertirse en una excusa para avanzar, compartir momentos y dejarse llevar por el camino.
La canción propone un relato que dialoga con la idea de vivir el presente y disfrutar del recorrido, una temática que encaja naturalmente con el espíritu optimista y celebratorio que caracteriza a la banda desde sus inicios.
Por su parte, la participación de Silvestre y La Naranja aporta un matiz sonoro contemporáneo, con texturas indie y una sensibilidad melódica que amplía el universo musical del tema.
Un videoclip con espíritu de ruta
El lanzamiento de “El Reloj Me Miente” llega acompañado por un videoclip que refuerza el concepto de la canción. La pieza audiovisual propone una narrativa de ruta, donde el viaje funciona como metáfora del proceso creativo compartido.
En ese recorrido simbólico se refleja el trayecto artístico de ambas bandas y el punto de encuentro entre dos caminos musicales que, aunque diferentes, encuentran un punto de conexión natural.
La estética del video acompaña el clima de la canción y subraya la idea de movimiento, encuentro y transformación que atraviesa el single.
Un adelanto del próximo disco de Los Caligaris
El nuevo tema forma parte del próximo álbum de Los Caligaris, actualmente en proceso de producción. En los últimos meses, el grupo viene presentando distintos lanzamientos que marcan una etapa de renovación artística.
Estas nuevas canciones amplían el universo sonoro de la banda y reflejan una búsqueda de nuevos cruces musicales, sumando influencias contemporáneas sin perder el ADN festivo que los convirtió en una de las propuestas más reconocidas del rock latino.
Con “El Reloj Me Miente”, Los Caligaris arrancan el 2026 reafirmando un gran momento creativo, respaldado además por el impacto positivo que tuvieron sus lanzamientos recientes tanto en plataformas digitales como en sus presentaciones en vivo.
Gira internacional: los próximos shows de Los Caligaris
Mientras presentan su nueva música, Los Caligaris continúan con su intensa actividad en los escenarios. La banda tiene confirmadas varias fechas en México durante marzo, donde seguirán llevando su show característico lleno de energía, humor y espíritu festivo.
Próximas presentaciones:
13 de marzo – Foro Boca, Veracruz, México
14 de marzo – Teatro Ocampo, Cuernavaca, México
15 de marzo – Festival Tlaskalita, Tlaxcala, México
19 de marzo – Foro Arpa, Querétaro, México
20 de marzo – Teatro Morelos, Toluca, México
21 de marzo – Centepatio, Ciudad Juárez, México
Con este nuevo single y una agenda internacional activa, Los Caligaris comienzan el año con impulso renovado, mientras el público espera el lanzamiento de su próximo disco y más novedades en los próximos meses.
El músico, compositor y cantante uruguayo Jorge Drexlerpresenta “TARACÁ”, su esperado nuevo disco, ya disponible en todas las plataformas digitales. Con este lanzamiento, el artista suma un nuevo capítulo a una trayectoria de más de tres décadas en la música iberoamericana, consolidándose como una de las voces más influyentes y singulares del panorama contemporáneo.
El álbum llega tras una extensa carrera en la que Drexler publicó quince discos de estudio y llevó su propuesta artística a escenarios de todo el mundo. Su obra se caracteriza por un equilibrio particular entre música, literatura y conocimiento, con letras que transitan con naturalidad entre la poesía y la ciencia, y que reflejan una constante búsqueda de sentido, sensibilidad y conexión humana.
“TARACÁ”, el nuevo disco de Jorge Drexler
El nuevo trabajo de Jorge Drexler se presenta como un disco de puentes: generacionales, geográficos, estilísticos y temporales. En “TARACÁ”, Uruguay, Puerto Rico y España funcionan como vértices de un mismo triángulo cultural que dialoga a través de la música.
Con la clave del candombe uruguayo como hilo conductor, el álbum reúne once canciones donde el tambor y la palabra adquieren un rol central. El resultado es un trabajo sonoro frondoso y vibrante, que rescata tradiciones musicales al tiempo que las proyecta hacia nuevas búsquedas estéticas.
El título del disco también encierra un juego conceptual: “TARACÁ” es una aféresis de “estar acá”, una forma abreviada que remite tanto a la presencia como al ritmo del tambor chico del candombe, marcando el pulso del álbum.
Colaboraciones que amplían el universo del disco
Uno de los rasgos distintivos de “TARACÁ” es su carácter colectivo. El disco funciona como una comunidad musical que reúne artistas de distintas tradiciones y generaciones, ampliando el universo creativo de Drexler.
Entre las participaciones destacadas se encuentran la rapera puertorriqueña Young Miko, el histórico guitarrista de candombe beat Julio Cobeli y la cantaora española Ángeles Toledano. También participan la legendaria murga uruguaya Falta y Resto y el artista uruguayo Américo Young.
Este cruce de estilos y procedencias convierte al disco en un mapa sonoro de tradiciones musicales, donde conviven el candombe, la canción de autor, el flamenco y la música urbana en un diálogo creativo que refleja la diversidad cultural del mundo iberoamericano.
Un proceso creativo colectivo
La producción de “TARACÁ” estuvo a cargo de un equipo amplio y diverso que acompañó la visión artística de Jorge Drexler. Entre los productores se encuentran Lucas Piedra Cueva, Mauro, Tadu Vázquez, Gabo Lugo, Facundo Balta y el propio Drexler.
El disco fue mezclado por el reconocido productor Carles “Campi” Campón y masterizado por Fred Kevorkian, dos figuras de trayectoria internacional que aportaron el acabado final al proyecto.
El resultado es un álbum que combina raíces musicales profundas con una mirada contemporánea, reafirmando la identidad sonora del artista uruguayo.
Una propuesta audiovisual pensada como obra integral
El lanzamiento de “TARACÁ” también se apoya en una fuerte propuesta visual. El arte y diseño físico del disco estuvo a cargo de Bandiz Studio, integrado por David Heofs y Sergio Polvorinos.
Por su parte, los directores Joana Colomar y Rodrigo Méndez co-dirigen los visuales que acompañan cada canción del álbum, en formato de lyric videos. Además, el videoclip del segundo adelanto del disco, “¿Qué será que es?”, también forma parte de esta propuesta audiovisual.
El primer video del proyecto, “Toco madera”, fue dirigido por Mario Arenas sobre una idea original de Drexler, consolidando un concepto visual que acompaña la identidad artística del álbum.
Un showcase en Montevideo para presentar el nuevo sonido
Como parte del lanzamiento, Jorge Drexler presentó un showcase especial grabado en Montevideo, en el que interpreta en vivo algunas de las canciones incluidas en “TARACÁ”.
El registro, de aproximadamente treinta minutos, funciona como una ventana al sonido vivo del disco y permite apreciar la energía de las nuevas composiciones en formato directo. En ese breve recorrido musical se revela la riqueza rítmica y la identidad sonora que atraviesa el proyecto.
La presentación también pone en primer plano la influencia del candombe y el patrimonio musical uruguayo que inspira gran parte del álbum.
La gira de Jorge Drexler ya tiene fechas confirmadas
El lanzamiento de “TARACÁ” marca también el inicio de una nueva gira internacional de Jorge Drexler, que ya tiene presentaciones confirmadas en varios países.
Entre los destinos anunciados figuran Argentina, Chile, Brasil, Uruguay y España, donde el artista presentará en vivo las canciones del nuevo álbum junto a parte de su repertorio más emblemático.
Las entradas para los conciertos ya se encuentran disponibles a través del sitio oficial del músico, mientras que próximamente se anunciarán nuevas ciudades que se sumarán al tour.
Un nuevo capítulo en la carrera de Jorge Drexler
Con “TARACÁ”, Jorge Drexler reafirma su identidad como uno de los compositores más inquietos y originales de la música en español. El disco sintetiza su interés por la experimentación, la palabra y el cruce de tradiciones culturales, tres ejes que atraviesan su obra desde sus comienzos.
El propio artista ha señalado que este álbum es el resultado de una búsqueda que lo acompañó durante muchos años, una idea que fue madurando con el tiempo hasta convertirse en un proyecto colectivo que ahora finalmente ve la luz.
A partir de su publicación, “TARACÁ” inicia su propio camino: primero en las plataformas digitales y luego en los escenarios, donde las nuevas canciones encontrarán su dimensión definitiva frente al público.
El nuevo disco de Jorge Drexler ya está disponible en todas las plataformas de streaming, marcando un lanzamiento que promete convertirse en uno de los hitos musicales del año en la escena iberoamericana. 🎶
El cantautor hispano-uruguayo Leo Rizzi lanzó Choque, su segundo sencillo de 2026, una canción que profundiza en las distintas formas que puede tomar el amor y en la intensidad emocional del enamoramiento. El tema ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales junto a su videoclip oficial en el canal de YouTube del artista.
Con este nuevo lanzamiento, Rizzi continúa expandiendo el universo sonoro que comenzó a desarrollar en su etapa más reciente, donde el brillo melódico y la nostalgia del soft rock funcionan como marco para una mirada íntima sobre los vínculos y las emociones.
Una mirada poética sobre el enamoramiento
La canción fue compuesta por Leo Rizzi junto a Jesús José Ortega Bermúdez y Juan González Sánchez, y propone un recorrido por el carácter transformador del amor. A través de imágenes contrastantes, el artista retrata la intensidad de los vínculos cuando se viven con total entrega.
En la letra, Rizzi utiliza metáforas que combinan actos de destrucción con la fragilidad de las emociones, construyendo una narrativa que describe la volatilidad sentimental de las relaciones profundas. Esa dualidad entre ruptura y renacimiento atraviesa todo el tema y se convierte en uno de sus ejes conceptuales.
Con estas imágenes poéticas, el cantante logra traducir en palabras las sensaciones físicas del enamoramiento: ese instante previo en el que conviven la incertidumbre, la pasión y la posibilidad de empezar de nuevo.
Un sonido que mira a los años 80 y 90
La producción de “Choque” estuvo a cargo del propio Leo Rizzi junto a RYO, con quien ya había trabajado en Puro, el primer lanzamiento del artista en lo que va del año.
El resultado es una canción atravesada por una fuerte impronta nostálgica. El soft rock que define esta nueva etapa del músico se potencia con una instrumentación que remite directamente al sonido del sophistipop de las décadas del 80 y 90.
En la grabación se destacan una sección de metales compuesta por trombón, saxofón y trompeta, además de un piano que aporta una atmósfera elegante y melancólica. Estos elementos le dan a la canción un carácter cinematográfico que acompaña la carga emocional de la letra.
Un videoclip con estética retro
El lanzamiento llega acompañado por un videoclip oficial que refuerza el concepto narrativo de la canción. El video fue filmado en película Kodak, una decisión estética que acentúa el carácter retro de la propuesta.
La idea original del clip fue desarrollada por Leo Rizzi junto a Ana Roda, quienes también estuvieron a cargo de la dirección creativa. La realización estuvo en manos de Sofía Boriosi, mientras que la dirección de fotografía fue realizada por Sofía Colodrón y la producción por Sandra Paola Fierro.
El videoclip funciona como un complemento visual perfecto para la narrativa de la canción, ya que busca representar el concepto central del tema: la idea de que todo nuevo comienzo implica, de alguna manera, una destrucción previa.
Una historia de despedida y renacimiento
La historia del video comienza con Leo conduciendo un automóvil antiguo a través de un paisaje rural hasta llegar a un descampado. Allí, junto a un maletín que contiene un objeto ligado al pasado, se desarrolla una escena clave que materializa una de las frases más significativas de la canción.
“Quemaré puentes hacia atrás / para no volver / es mi última apuesta”, canta el artista, mientras la acción simboliza el acto de dejar atrás aquello que ya no pertenece al presente.
La escena representa el momento en el que la destrucción se convierte en liberación: una metáfora visual de la necesidad de soltar para poder avanzar.
Una nueva etapa artística
“Choque” llega después de “Puro”, el sencillo que marcó el inicio de un nuevo capítulo en la carrera de Leo Rizzi. En esta etapa, el artista profundiza en una identidad musical donde conviven el pop alternativo, el soft rock y una estética sonora influenciada por la nostalgia.
Con cada lanzamiento, el cantautor continúa ampliando su universo creativo y consolidando un estilo que combina sensibilidad lírica con una producción elegante y contemporánea.
En “Choque”, esa búsqueda alcanza uno de sus puntos más claros: una canción que habla de amor, ruptura y transformación, pero que también propone una mirada sobre el valor de los finales como punto de partida para algo nuevo.
El cantante y frontman de Turf Joaquín Levinton presenta “Yo Soy Joaquín”, su esperado debut solista abre una nueva etapa en su carrera con el lanzamiento de Yo Soy Joaquín, su primer disco solista, ya disponible en todas las plataformas digitales. Se trata de una de las primeras grandes sorpresas discográficas de 2026: un álbum actual, potente y profundamente personal que comenzó a gestarse hace más de 15 años y que hoy finalmente ve la luz en su versión definitiva.
Grabado y mezclado en Sound Ambition entre 2024 y 2025, el proyecto tiene una historia singular. El germen de estas canciones nació hace una década y media, en una aventura creativa que Joaquín Levinton emprendió junto a su amigo y productor Ezequiel Araujo. Durante años, aquel primer registro parecía perdido. Sin embargo, reapareció y reactivó el deseo de retomar ese material, revisarlo, enriquecerlo y llevarlo a otro nivel con instrumentación real, baterías tocadas y una búsqueda sonora más amplia y ambiciosa.
El resultado es un disco compuesto por nueve canciones que propone un viaje caleidoscópico al universo personal de Levinton. Con letras sinceras, melodías directas y una producción musical cuidada al detalle, Yo Soy Joaquín combina electricidad rockera con orquestación pop y un sonido analógico que le aporta una textura poco habitual en la escena actual. Es un trabajo diferente, con identidad propia y una impronta artística que amplía el horizonte creativo del músico.
Explorando el legado de Joaquín Levinton
El álbum abre con el tema que le da nombre y que funciona como una verdadera declaración de principios. En “Yo Soy Joaquín”, el cantante expone sin filtros su mirada interior:
“Yo soy Joaquín, perdido entre las confusiones Tratando de escapar de las tentaciones Sofocado por tantas manipulaciones Estoy hablando de invertir situaciones…”
La canción se transforma rápidamente en un manifiesto de identidad y determinación, con versos que refuerzan la idea de afirmación personal: “Yo me miro a mí mismo / Y antes que nada creo en mí”. Esa convicción atraviesa todo el disco y le da cohesión a una obra que estuvo guardada durante años y que hoy encuentra su mejor versión.
Con fecha de lanzamiento el 3 de marzo, coincidiendo con el cumpleaños de Levinton, el álbum refuerza su carácter íntimo y autobiográfico. No es casual que haya elegido ese día para compartirlo: se trata de un proyecto que lo representa desde un lugar más introspectivo, pero sin perder la energía y el carisma que lo caracterizan.
Reconocido por su presencia escénica y su personalidad magnética al frente de Turf, Joaquín Levinton construyó durante décadas una identidad inconfundible dentro del rock argentino. Ahora, con este debut solista, suma una nueva dimensión a su recorrido. Yo Soy Joaquín no compite con su historia en banda: convive con ella y la complementa, mostrando una faceta distinta, más introspectiva y experimental.
En cuanto a los créditos, el disco cuenta con la participación central de Ezequiel Araujo en coros, bajo, guitarras y sintetizadores, además de la producción general. En batería aparecen Will Kas y Bolsa González, mientras que músicos como Indio Márquez, Gonzalo “Gutty” Gutiérrez y Agustín Della Croce aportan guitarras, teclados, piano y cello, enriqueciendo la paleta sonora del álbum.
Las nueve canciones que integran el disco son: “Yo Soy Joaquín”, “Te Amo”, “Estúpido”, “Si Te Caes Te Levanto”, “Te Quiero (Pero Lejos)”, “La Pared”, “Para Saber”, “Respuesta Perfecta” y “Adiviname”. Cada una aporta un matiz distinto dentro de un conjunto que mantiene coherencia estética y emocional.
Mientras disfruta de este lanzamiento solista, Levinton también se prepara para celebrar un hito fundamental en su carrera: los 30 años de Turf. La banda festejará su aniversario con un show especial el sábado 9 de mayo en el C Art Media de Buenos Aires, en una noche que promete repasar tres décadas de canciones que marcaron a varias generaciones. Las entradas ya se encuentran a la venta.
Con Yo Soy Joaquín, Joaquín Levinton confirma que todavía tiene nuevas historias para contar y nuevas formas de decirlas. Un debut solista que no solo amplía su universo artístico, sino que reafirma su lugar como una de las figuras más emblemáticas y versátiles del rock argentino.
A 45 años de la histórica llegada de Queen al país, se publicará Queen en Argentina 1981. La historia jamás contada, un libro que reconstruye en detalle los cinco shows que la banda británica ofreció en febrero de 1981 y revela aspectos desconocidos de aquella estadía que marcó un antes y un después en la historia de los recitales internacionales en el país.
La publicación, escrita por Iván Petracchi y Lucas Ricardo Pan, tiene 144 páginas y se presenta como una investigación exhaustiva apoyada en material inédito, archivos privados y testimonios directos de quienes participaron o fueron testigos de la gira. El libro será presentado oficialmente el 15 de marzo a las 19:30 en The Roxy Bar & Grill, y las entradas ya se encuentran disponibles a través de AllAccess.
Queen en Argentina 1981: cuando todo cambió
En febrero de 1981, Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon atravesaban uno de los momentos más altos de su popularidad internacional. La visita a la Argentina no solo convocó multitudes, sino que también amplió la escala de los espectáculos en vivo y redefinió los estándares de producción, sonido y puesta en escena para artistas internacionales en el país.
Aquellos cinco conciertos consolidaron un vínculo particular entre la banda y el público argentino, un “romance” que, según coinciden investigadores y protagonistas de la época, tuvo características únicas dentro de la historia del grupo.
Material inédito y detalles desconocidos
Queen en Argentina 1981. La historia jamás contada propone una mirada íntima sobre aquella gira. A partir del acceso a colecciones especializadas y archivos privados, los autores reconstruyen conversaciones detrás de escena, anécdotas narradas por testigos directos y episodios poco conocidos de la estadía de la banda.
El recorrido incluye desde datos logísticos —como los vehículos en los que fueron trasladados y los restaurantes que visitaron— hasta paseos y momentos fuera del escenario. El libro también incorpora un valioso archivo fotográfico y piezas de memorabilia que permanecieron durante décadas en manos de coleccionistas.
Iván Petracchi forma parte de un circuito internacional de coleccionistas especializados en Queen y en la figura de Mercury, lo que le permitió acceder a material exclusivo. Parte de su colección integrará una exhibición internacional que comenzará en 2026. Por su parte, Lucas Ricardo Pan reúne un archivo centrado en la visita de 1981 y en la carrera solista de Taylor, aportando documentación y testimonios clave para reconstruir el contexto completo de aquella gira.
Testimonios que subrayan su importancia histórica
La publicación cuenta con prólogos y testimonios que remarcan la relevancia histórica del episodio. La locutora y escritora Daisy May Queen destacó el trabajo de investigación y la recuperación de relatos de quienes participaron en la gira: agradeció que los autores hayan asumido el desafío de entrevistar y ordenar cientos de historias de quienes trabajaron o fueron testigos privilegiados de aquellos conciertos.
En la misma línea, el locutor y conductor Bebe Sanzo sostuvo que la relación entre la banda y el público argentino merecía ser contada con esta profundidad, cuatro décadas y media después, subrayando que aquella historia, con sus idas y vueltas, dificultades y misterios, necesitaba una reconstrucción minuciosa.
Presentación oficial en Buenos Aires
La presentación oficial de Queen en Argentina 1981. La historia jamás contada se realizará el 15 de marzo a las 19:30 en The Roxy Bar & Grill, en la intersección de Álvarez Thomas y Federico Lacroze, en la Ciudad de Buenos Aires. El evento se enmarca en el 45° aniversario de una visita que transformó para siempre la dimensión de los shows internacionales en la Argentina.
A más de cuatro décadas de aquellos recitales que quedaron grabados en la memoria colectiva, el libro se propone como un documento imprescindible para fanáticos, investigadores y amantes de la historia del rock, ofreciendo una reconstrucción detallada de una de las visitas más emblemáticas de la música internacional al país.
A cuatro años de Mesa dulce, el disco que le valió su primer Latin Grammy como solista, Dante Spinetta presenta Día 3, su nuevo trabajo de estudio. Editado por Sony Music Argentina, el álbum completa la trilogía iniciada con Puñal y continuada con Mesa dulce, consolidando una etapa creativa atravesada por el funk, el pop y una profunda exploración emocional.
Con 12 canciones, Día 3 se presenta como un viaje de renacimiento y autodescubrimiento. Inspirado en inquietudes contemporáneas —desde la manipulación mental a través de algoritmos hasta la necesidad de reconectar con las emociones reales—, el disco propone volver al amor como fuerza vital. “Es un viaje de amor y de escape de la realidad. En un mundo que se aleja cada vez más de eso, tenemos que volver a conectar las almas”, explica el artista.
El proceso creativo no fue lineal. En un principio, el álbum surgió como una continuidad de Mesa dulce, pero una nueva camada de canciones modificó el rumbo. Spinetta regresó al estudio, compuso y grabó más material, y finalmente combinó ambos universos en una narrativa que integra introspección y expansión rítmica.
El recorrido fue anticipado por tres singles lanzados entre 2025 y 2026. “Starlight”, un funk-pop bailable con fuerte presencia de vientos; “Pensando en ella”, una balada de melancolía tanguera con cuerdas protagonistas; y “El reset”, que fusiona sonidos urbanos con bolero e incluye la participación de la Orquesta Sinfónica Nacional Checa, además de influencias de José Feliciano.
El álbum también suma colaboraciones destacadas. El puertorriqueño De La Ghetto participa en “Mía mía”, una canción pop de pulso contagioso, mientras que Juanse aporta su impronta rockera en “Me quedo acá”, donde guitarras y funk se combinan en un trance eléctrico.
Día 3 de Dante Spinetta
Compuesto y producido íntegramente por Spinetta, Día 3 demandó más de un año de trabajo minucioso. Grabado y mezclado en La Diosa Salvaje, en Buenos Aires, y masterizado por Randi Merril en Sterling Sound (Nueva York), el disco exhibe un cuidado sonoro que dialoga con sus influencias: Prince, Stevie Wonder, Sly Stone, Luis Alberto Spinetta, Willie Colón, Hector Lavoe y D’Angelo, entre otros.
Equilibrio entre emoción y groove, entre búsqueda espiritual y pulsión bailable, Día 3 reafirma a Dante Spinetta como uno de los artistas más inquietos y personales de la música argentina. Un disco que mira hacia adelante, sin perder de vista la memoria emocional que lo impulsa, y que propone —sobre todo— un baile interminable.
