En tiempos de soledades hiperconectadas, microburbujas y desfasajes comunicacionales, 1915 irrumpe con Ceremonia, su quinto álbum de estudio. Ocho canciones acompañadas de videos que funcionan como estaciones de un recorrido íntimo, donde la música se convierte en herramienta y espacio de encuentro.
La banda integrada por Cruz Hunkeler (voz y guitarra), Penzo (teclados), Alejo Freixas (bajo) y Jeremías Alegre (batería) afina su lenguaje musical: más sutil, más sensual, más oscuro. Una evolución natural después de años de escenario, discurso y comunidad. Lo que antes se gritaba, ahora se susurra, pero el mensaje sigue ahí: incómodo, comprometido y latente.
Ceremonia parte desde la unidad mínima del yo hacia el encuentro con los otros, explorando la tensión entre soledad y pertenencia. A lo largo del álbum, el oyente transita de la oscuridad a la luz, guiado por un profundo deseo de superar la alienación y volver a formar parte de un todo que nos trasciende.
Producido por Facundo Yalve (EVLAY) en su primera experiencia con una banda de rock, y grabado en Romaphonic, Le Palm y Caraza Records, Ceremonia inaugura un universo sonoro y conceptual nuevo para 1915. Con una estética electrónica y nocturna, la banda de Buenos Aires incorpora sintetizadores densos y climas oscuros que potencian el tránsito hacia lo colectivo, construyendo un recorrido audiovisual hipnótico de principio a fin.
En este marco, 1915 anunció su primera gira mundial para presentar el álbum. Las fechas en Argentina incluyen Mendoza, Santa Fe, Rosario y La Plata, con la esperada presentación en el Complejo Art Media de Buenos Aires el próximo 14 de noviembre. Además, la banda desembarcará por primera vez en Europa, con shows en España e Irlanda, y completará la gira en Chile y Uruguay.
Ceremonia muestra a un 1915 inédito, decidido a correr los límites de su propio sonido. El costado más pop y sintético convive con su espíritu contestatario y su nervio rockero, en un equilibrio que no busca agradar, sino despertar. En ese diálogo entre lo emocional y lo político, entre lo íntimo y lo comunitario, el álbum reafirma a 1915 como una de las voces más potentes y necesarias de su generación.
La artista argentina Sophie Oliver presenta su más reciente single, “Touch Me Baby”, un tema que refleja su esencia artística ligada al pop y a las canciones melódicas con mensaje. La canción fue producida por el reconocido Ronnie King (The Offspring, Snoop Dogg, Mariah Carey) en California, y finalizada en Buenos Aires junto a Gustavo Buchiniz y Agustín Della Croce, quienes también acompañan a Sophie en sus shows en vivo.
«Touch Me Baby» narra una mezcla de deseo, imaginación y sensibilidad. Según la propia Sophie: “El tema nació tras casi una semana de convivencia con personas que no conocía previamente. Como cada canción del disco, tiene su historia y su motivo. En este caso, surgió del deseo, la nostalgia y la necesidad de conexión física y emocional. Extrañaba el calor humano, a mi pareja, y me refugié en la memoria sensorial de esos primeros encuentros que erizan la piel”.
La artista continúa: “Encerrada, sin salir ni siquiera a tomar aire fresco, me dejé llevar por la imaginación: me vi en una disco con estética ochentosa, envuelta en luces y sintetizadores, observando a esa persona que me atrae, deseando su contacto, anticipando el roce de sus manos sobre mi cuerpo”.
Sophie Oliver: trayectoria y carrera
Desde muy joven, la música ha sido el motor de su vida. A los 14 años comenzó su carrera en el programa televisivo Cantaníños, donde obtuvo su primer Disco de Oro. A los 19 fue seleccionada para High School Musical: El Desafío, dando inicio a una colaboración de seis años con Disney que le permitió recibir otros tres Discos de Oro y formarse profesionalmente en música y actuación.
Tras esa etapa, Sophie continuó su camino como artista independiente, sumando experiencias con proyectos como la banda Oliviah (2010–2013) y siendo actualmente vocalista de Brixton Cumbia Association, un colectivo de cumbia con base en Londres. Sin embargo, su esencia artística siempre estuvo vinculada al pop y a las canciones melódicas con mensaje.
En 2021 lanzó su primer álbum como solista, Otra vez me levanté, un trabajo profundamente emocional. Hoy presenta su segundo disco, To Space, un proyecto más introspectivo y personal, compuesto por diez canciones mayormente en inglés, muchas de ellas creadas durante un retiro creativo de tres semanas en plena naturaleza. La producción se inició en California con Ronnie King y se finalizó en Buenos Aires con Gustavo Buchiniz y Agustín Della Croce, quienes también la acompañan en vivo.
To Space es un viaje sonoro hacia lo interno y lo infinito. Sus canciones hablan de no bajar los brazos, de confiar en uno mismo y de atravesar los procesos personales con fuerza y sensibilidad. Sophie confiesa: “Esta música nació de la necesidad de recordarnos que siempre podemos volver a empezar. Espero que quien la escuche pueda encontrar algo de eso en ella”.
CDR (Cabezas de Remolino)es una banda de rock pop alternativo nacida en 2021 en Buenos Aires que viene pisando fuerte en la escena del under. Con un sonido crudo, visceral y emocional, la agrupación se distingue por letras que atraviesan el amor, la amistad, el paso del tiempo, la confusión y la oscuridad, imágenes que resuenan con una generación que busca expresarse sin pedir permiso.
El nuevo EP: Flores Rojas
El flamante EP Flores Rojas es una declaración de principios. Compuesto por cinco canciones, propone un recorrido que va de lo oscuro y rockero a lo irónico y entrañable, incluyendo una balada de desamor. Su sonido remite al espíritu del rock de los 90, pero con una mirada actual, sensible y desbordada de energía.
El track que da nombre al material, Flores Rojas, trabaja sobre el punto de no retorno: una flor que para descubrirla hay que destruirla. Habla de la culpa y de las decisiones que ya no tienen marcha atrás. El tema cuenta con un videoclip filmado en Súper 8, con solo 9 minutos de rollo, que profundiza esa sensación de irreversibilidad y completa la propuesta visual de la banda.
Tracklist – Flores Rojas (2025):
Flores rojas
Quién va a ser
Alas gastadas
Parte de mí
Ya fue escrito
Ficha técnica: Producción por Cabezas de Remolino | Grabado en Estudio Insigno | Mezcla y mastering: Federico Mendiry y Bautista Filgueira | Fotos de prensa: Candelaria Aparicio y Thamara Balbi | Arte de tapa: Tilo De Napoli | Videoclip: Marina Ramírez | Distribución: Imán Discos.
Presentaciones en vivo de Cabezas de Remolino
Sábado 25 de octubre – Liverpool Bar (CABA): presentación oficial de Flores Rojas, con las cinco canciones del EP, clásicos de la banda y un adelanto de su próximo disco. (Entradas a la venta desde el 15 de septiembre).
Viernes 1 de noviembre – Festival Bandera (Rosario): primera participación en un festival oficial, como parte del line-up de uno de los encuentros más importantes de la escena nacional.
Sobre Cabezas de Remolino
Integrada por Helena Wisznia (voz), Felipe Villaroel y Bautista Filgueira (guitarras), Tilo de Napoli (bajo), Lorenzo Palmieri (batería) y Lara Moure Net (coros), la banda construye un sonido potente y melancólico, donde lo íntimo y lo colectivo conviven en canciones que son refugio y grito al mismo tiempo.
Su recorrido incluye:
Volumen 1 (2022), primer disco grabado de manera casera.
Tan Liviano (EP, 2023), cuatro canciones que consolidaron su identidad sonora.
Flores Rojas (2025), su nuevo EP.
Y el primer disco de estudio, previsto para 2026.
Con una fuerte identidad visual y una apuesta por la autogestión, Cabezas de Remolino se consolida como una de las propuestas más originales del under porteño, llevando su música desde los espacios más pequeños de la ciudad hacia escenarios cada vez más grandes.
La escena porteña suma un nuevo capítulo con el regreso de Feriados, que estrena su single “Gitanos” y lo celebra en vivo el próximo viernes 12 de septiembre a las 21 hs en Mamita Bar (Av. Álvarez Thomas 487, CABA).
Con claras reminiscencias del rock de los 90, pero sin miedo a cruzar fronteras entre el pop, la música alternativa y otros matices, Feriados construye un sonido marcado por los contrastes: lo íntimo y delicado convive con la crudeza y la energía en una búsqueda sónica que ya es sello propio de la banda.
El nuevo tema, compuesto por Alejandra Sotelo, fue grabado en el Estudio CMA y en la sala del grupo entre abril y mayo de este año. La mezcla y el mastering estuvieron a cargo de Santiago Retamoza.
La banda
Alejandra Sotelo – guitarra, voz, percusión
Santiago Retamoza – guitarra, voz, sintetizadores, percusión
Rafael Chapuis – bajo, sintetizadores, percusión
Mariano Marotta – batería, percusión, diyeridú
Entradas
Los tickets anticipados tienen un valor de $5.000 y se consiguen a través de Mercado Pago (alias: feriadosbanda) enviando el comprobante al WhatsApp 116-681-9200.
Trayectoria de Feriados
Desde 2015, Feriados viene recorriendo escenarios de CABA y el conurbano bonaerense. En su recorrido aparecen nombres como The Roxy Bar, Club Cultural Matienzo y El Emergente, entre otros. En su discografía se destaca el álbum Confluencia, además de una sesión en vivo y varios singles que trazan la evolución del proyecto.
Con “Gitanos”, Feriados reafirma su espíritu inquieto y su búsqueda de un sonido propio que mira al pasado sin dejar de sonar actual.
Desde el 2018, Piloteando Pájarosha irrumpido en la escena del rock argentino con un estilo que mezcla la tradición del género con elementos contemporáneos, destacándose la fuerza y singularidad de la voz femenina de la banda.
Hoy Piloteando Pájaros está lanzando su nuevo single “Que nunca se me pegue” el que “habla de la hipocresía y falsedad de ciertas personas que se acercan a alguien que ha alcanzado el éxito, contrastando con el previo desinterés o desprecio. La letra también refleja la introspección y el deseo de expresarse auténticamente en un mundo lleno de redes y apariencias”.
La formación actual de Piloteando Pájaros
-Daniela Iazgi: Voz y guitarras
-Juan Pablo Cicchetti: Guitarra principal
-Juan Ignacio Asprella: Bajo
-Juan Martín Risso: Batería y coros
Desde el lanzamiento de su primer EP en 2020, la banda ha continuado su ascenso, colaborando con grandes del rock nacional y cultivando una base de fans apasionada.
Habiéndose presentado con bandas renombradas como Guasones, Bersuit Vergarabat, Jóvenes Pordioseros y Viejas Locas, Piloteando Pájaros ha logrado una notable presencia en escenarios de todo el país.
Piloteando Pájaros se ha destacado en numerosos conciertos en vivo, encendiendo escenarios en localidades como CABA, Zárate, Hurlingham, Del Viso, y otras ciudades de la provincia de Buenos Aires.
Estas presentaciones son una muestra del poder y la energía que la banda trae en cada actuación.
La histórica banda argentina Pez acaba de lanzar De Buenos Aires, su álbum número 22, grabado entre enero de 2024 y mayo de 2025 por Mauro Taranto y editado de manera independiente a través de su sello propio, Azione Artigianale. El arte de tapa estuvo a cargo de Alejandro Leonelli y el corte principal cuenta con un video-cortometraje dirigido por Ezequiel Muñoz.
La canción que da nombre al disco ocupa casi todo el lado A, con una duración cercana a los 20 minutos. Minimal la define como “una síntesis de todo lo hecho por la banda en más de 30 años: rock progresivo, tango, canción y rabiosa poesía ciudadana. La banda de sonido ideal para una Buenos Aires que está fuera del tiempo”.
Pez, en formato quinteto
Con el regreso de Pepo Limeres en teclados, Pez se muestra en formato quinteto, completado por Fósforo García (bajo), Franco Salvador (batería), Hernán Espejo (guitarra) y el propio Minimal en voz y guitarras.
Formada en 1993, Pez ha editado toda su discografía de forma independiente, lo que les permitió construir una identidad sólida y escapar de las etiquetas de estilo. A lo largo de su carrera participaron en festivales como Lollapalooza y Cosquín Rock, llevaron su música a países como Brasil, Uruguay y Chile, y en 2015 recibieron el Premio Konex como una de las cinco mejores bandas de rock de la década.
El proyecto De Buenos Aires
Con De Buenos Aires, la banda reafirma su lugar como uno de los proyectos más consistentes y respetados de la escena argentina, capaz de reinventarse sin abandonar la intensidad que la caracteriza desde hace tres décadas.
El trío integrado por Irepelusa, Frank Lucas y Veztalone repasará sus hits y estrenará su nuevo single “Mi casita”. Entradas a la venta en AllAccess.
El próximo 18 de noviembre, el Teatro Vorterix (Av. Federico Lacroze 3455, CABA) se convertirá en el epicentro de una fiesta cargada de flow y frescura caribeña. Allí se presentará Motherflowers, la banda venezolana que no para de crecer en la escena latinoamericana y que regresa a Argentina para inaugurar el ciclo internacional Embassy.
El trío integrado por Irepelusa, Frank Lucas y Veztalone desplegará toda su energía con un repertorio que incluye sus ya clásicos “No me quiero bañar”, “¿Quién lo diría?”, “NINA”, “BEIbi” (junto a Akapella), “Awakate”, “Que te vaya mal”, “Bájale”, “Porrito y dormir”, “Xinchorro”, y presentará en vivo su más reciente sencillo: “Mi casita”.
Motherflowers, una banda que rompe fronteras
Formados en Puerto La Cruz en 2018, Motherflowers se consolidó rápidamente como un fenómeno cultural gracias a su originalidad y mezcla de géneros. Su estilo atraviesa hip hop, trap, reggaeton, R&B, funk, disco, synth pop, house, cumbia, bolero y bossa nova, todo condimentado con letras cargadas de frescura, ironía y picardía.
Inspirados por Héctor Lavoe y con influencias que van desde System of a Down y Gorillaz hasta Rita Indiana y Los Amigos Invisibles, la agrupación construyó una identidad que combina la calidez de la costa venezolana con un sonido irreverente y único, posicionándose como uno de los proyectos más innovadores de la región.
Entradas disponibles para Vorterix
Las entradas para Motherflowers en Buenos Aires ya se encuentran a la venta a través de AllAccess, con valores desde $50.000 + service charge. Además, hay posibilidad de abonar en 6 cuotas sin interés con tarjetas de crédito de Banco Galicia.
Franco García, cantante y compositor entrerriano, acaba de lanzar “Milo Cura”, su primer EP. Un proyecto íntimo y luminoso, inspirado en la llegada de su hijo, que marca el inicio de una nueva etapa en su carrera.
El trabajo propone un universo sonoro híbrido, donde la calidez de los instrumentos reales convive con la frescura de la producción contemporánea. La producción musical estuvo a cargo de Martín López y el mix & mastering de Mariano Míguez.
MILO CURA incluye las canciones “Me vuelvo a casa”, “El lenguaje de tu amor”, “Tu tranquilidad” y “Milo Cura”, más un bonus track en vivo, “Cansado”, grabado en una sola toma, que transmite la crudeza y la verdad del momento. Cada tema refleja una faceta del recorrido emocional de García: desde la ternura y el asombro de descubrir un nuevo amor hasta la calma y fortaleza de asumir una nueva etapa de vida.
Con este EP, Franco García reafirma su idea de que la música cura, acompaña y transforma, componiendo desde la raíz de sus vivencias para conectar con lo colectivo desde lo más íntimo.
Acerca de Franco García
Nacido en Nogoyá, Entre Ríos, en el año 2000, Franco García comenzó su vínculo con la música a temprana edad, debutando con un bombo legüero en mano y una clara conexión con la música popular. A lo largo de su carrera se presentó en escenarios icónicos como el Teatro Gran Rex y Ciudad Cultural Konex, y participó en proyectos musicales en vivo en Tecnópolis.
Ha colaborado con artistas de la escena nacional e internacional, destacándose en el single Energía de La Bomba de Tiempo y en Quiero de PA!BAILAR. También trabajó junto a Conociendo Rusia, La Charo y Yacaré Manso, consolidando su versatilidad.
En 2025 inaugura una nueva etapa con MILO CURA, un EP que refleja ternura, introspección y fortaleza, y que marca un punto de inflexión en su camino artístico. Paralelamente, Franco expande su rol como compositor para otros proyectos mainstream, entre ellos su colaboración con Ke Personajes, ícono de la cumbia argentina y latinoamericana.
Con una carrera en constante evolución, Franco García se consolida como un artista auténtico, sensible y en permanente crecimiento, capaz de emocionar y transformar a través de la música.
La banda adelanta su tercer álbum con una versión intensa y desgarradora del histórico hit, acompañada por un videoclip con impronta noventera y dirigida por Gastón Echeverría.
DARAA estrena “Bye Bye”, una relectura potente del inolvidable tema de Vilma Palma e’ Vampiros. La canción, que mezcla melancolía y desamor con una base instrumental que remite a las Power Ballads más emblemáticas de Guns N’ Roses, abre el camino hacia lo que será el tercer álbum de la agrupación, cuyo lanzamiento se anunciará próximamente.
El videoclip, dirigido por Gastón Echeverría y protagonizado por la banda, despliega una atmósfera cálida y oscura inspirada en la estética de Samuel Bayer. En pocos minutos narra las dificultades que atraviesa un artista cuando su obra es explotada por otros, trasladando al espectador a un viaje directo a la década de los ’90, pero con un pulso moderno.
DARAA es: Flor Alba (voz), Gastón Echeverría y Brian Martínez (guitarras), Mauro Aybar (bajo), Fabián Medina (batería) y Jonathan Domínguez (teclados).
BIO DE DARAA
2017: nace en Buenos Aires con influencias del Hard Rock y el Pop Punk.
2018: lanzan su primer álbum “…3, 2, ¡1!”.
2019-2020: participan en Rock en Baradero, Ciudad Emergente, Oktubre y Cosquín Rock (20° aniversario).
2021: presentan “Ser Libre” (2do álbum) con show agotado en El Teatrito.
2022: elegidos por Marky Ramone; tocan en Quilmes Rock; lanzan “Al Fuego Que Ilumina” junto a PilTrafa (Los Violadores), con participación de Stuka y Vala Valente. Ese año también abren el show de Ska-p en GEBA y de Michale Graves (ex Misfits).
2023: banda soporte de Paramore en Movistar Arena.
2024: encabezaron el festival TocaDak junto a Todos Tus Muertos, y se presentaron con gran éxito en Auditorio Sur y Niceto Club.
🎸 PRÓXIMO SHOW DARAA en The Roxy Live
📅 Viernes 5 de septiembre – 20 hs 📍 Niceto Vega 5542 🎟 Últimas entradas a través de AllAccess
Hablando sobre la nueva canción, Rowsell agrega: «Me inspiré al ir a cenar con mis amigos, un par de amigos, en diferentes momentos, solo uno a uno. Me di cuenta de lo mucho que estaba diciendo: ¡Oh, Dios mío, sí, tienes tanta razón! Y pensé que era muy agradable ver cuán validadoras son estas conversaciones con mis amigas, cuánto estoy aprendiendo en estos chats. Creo que he estado tratando de descubrir muchas cosas, como envejecer. Siento que realmente ha sido un momento extraño para pensar en la apariencia. Y estas son cosas que discutes con tus amigas y de repente no te sientes tan mal por ellas otra vez. Sentí que merecía haber una canción sobre eso».
Después de un potente trío de singles ‘Bloom Baby Bloom’, ‘The Sofa’ y el más reciente ‘White Horses’, cada uno de los cuales revela una dirección sonora distinta, The Clearing llega como un momento de cristalización para una de las bandas más innovadoras y cargadas de emociones del Reino Unido.
Escrito en Seven Sisters y grabado en Los Ángeles con el productor ganador del Grammy Greg Kurstin, The Clearing es una colección de canciones audaces en ambición, llenas de corazón y el trabajo más refinado de la banda hasta el momento. Es un álbum clásico de pop/rock que hace un guiño a los años 70 sin dejar de estar firmemente arraigado en el presente. Si Fleetwood Mac escribiera un álbum hoy en el norte de Londres, te acercarías a esta serie de grandes canciones sin esfuerzo, cada una tan distinta como la anterior.
La banda celebró anoche con un espectáculo de lanzamiento que definió la historia en The Dublin Castle en Camden, terreno sagrado para una banda cuyo impacto en su norte de Londres natal es imposible de medir. La celebración se extendió al lado con un evento especial, donde los fanáticos pudieron escuchar el álbum temprano y acceder a productos exclusivos. Su actuación en Jimmy Kimmel Live! también se transmitió ayer por la noche, donde la banda tocó una increíble interpretación del primer single ‘Bloom Baby Bloom’.
En esencia, The Clearing es un disco sobre la llegada, no a un destino, sino a una sensación de paz con el viaje. Ya sea el autointerrogatorio de ‘Thorns’, la nostalgia anhelante de ‘Leaning Against The Wall’ o la intimidad cruda de ‘Play It Out’, cada pista traza un punto de referencia en la evolución de la banda.
Un álbum histórico tanto en concepto como en ejecución, The Clearing es menos una reinvención que un reconocimiento de todas las capacidades de la banda: feroz pero frágil, juguetón pero profundo. Al frente y al centro está la narración poética en constante evolución de Rowsell junto con un deseo innato de que Ellie, Joff, Theo y Joel se diviertan, seguros de su ambición y capacidad en este momento único.
Desde la euforia de ‘Bread Butter Tea Sugar’ hasta la aceptación segura de ‘The Sofa’, el disco captura a una banda que no tiene miedo de esforzarse más que nunca. Esta es Wolf Alice completamente al mando, ya no buscando, sino entrando con confianza en un nuevo capítulo.
El título del álbum sirve como una declaración de misión silenciosa y una pieza central emocional. Encuentra al cuarteto meditando sobre lo que queda cuando la incertidumbre, las inseguridades y el autodesprecio de los 20 años desaparecen. El sentimiento: «Saber quién soy, eso es importante para mí. Hacer lo que pueda para ver el bosque desde los árboles» (White Horses) – es menos una declaración de triunfo que de aceptación pacífica. The Clearing es el trabajo más logrado y conmovedor de Wolf Alice hasta la fecha.
La historia de Wolf Alice
Wolf Alice ha recorrido un largo camino desde que el cuarteto del norte de Londres surgió por primera vez en 2013 como una banda joven que sostenía un espejo frente a su propia generación emergente. Hoy, el cuarto álbum de Wolf Alice, The Clearing, los encuentra en la cima de sus poderes, convertidos en una banda de importancia generacional.
Si bien la euforia magullada de su debut My Love Is Cool, que contó con la nominada al Grammy ‘Moaning Lisa Smile’, capturó y puso banda sonora a la perfección de la experiencia de la juventud que se inició en la música, el seguimiento de 2018, Visions Of A Life, consolidó su ascenso con un Mercury Music Prize, antes del precioso dolor de Blue Weekend de 2022 y su resultante número 1 en el Reino Unido y Premio Brit al Mejor Grupo.
En el proceso, la cantante principal Ellie Rowsell se ha convertido en un ícono de la narración, tejiendo historias con moraleja sobre cómo tus veinte años te lastimarán, pero de maneras valiosas. Wolf Alice también ha realizado giras por el mundo varias veces encabezando giras con entradas agotadas, adornando numerosos escenarios de festivales y apoyando a una variedad de artistas clave, incluido el ícono del pop Harry Styles.
Después de un verano repleto de festivales históricos en Primavera Sound, Big Weekend de Radio 1 y Glastonbury, la banda celebrará The Clearing con una gira con entradas agotadas por América del Norte, Europa, Reino Unido e Irlanda este otoño, que ve a la banda encabezar algunos de los escenarios más grandes de su carrera hasta la fecha, incluido el O2 Arena de Londres.
The Clearing – Tracklist
Thorns Bloom Baby Bloom Just Two Girls Leaning Against The Wall Passenger Seat Play It Out Bread Butter Tea Sugar Safe in the World Midnight Song White Horses The Sofa
