Sophie Oliverpresenta su nuevo single“Like a Fish”, una canción emotiva y poderosa que refleja su experiencia personal de resiliencia y superación. El tema fue compuesto en California junto al reconocido productor Ronnie King durante tres semanas intensas de trabajo creativo. En esta pieza, la artista argentina radicada en Londres transmite un mensaje de introspección y fortaleza interior, invitando a los oyentes a mantener la calma y nadar a través de la tormenta, incluso en los momentos más adversos.
El proceso de creación de “Like a Fish” marcó una etapa transformadora para Sophie, quien decidió alejarse de su entorno familiar para explorar nuevos sonidos y emociones. Este viaje artístico no solo fortaleció su identidad musical, sino que también le permitió consolidar una visión más amplia y libre sobre la creación.
Actualmente, Sophie Oliver se encuentra dando forma a su primer álbum en inglés, titulado To Space, un proyecto pop-dance cargado de sintetizadores y energía ochentosa. Con canciones como “Touch Me Baby” y “Like a Fish”, producidas junto a Ronnie King y mezcladas por Gustavo Buchiniz y Agustín Della Croce en Buenos Aires, la artista fusiona la vulnerabilidad emocional con una poderosa presencia vocal y una estética vibrante que conecta lo íntimo con lo bailable.
Biografía de Sophie Oliver
Es una cantante, actriz y compositora argentina con una sólida trayectoria internacional. Desde muy joven formó parte de proyectos icónicos de Disney Channel como Cantaniño, High School Musical: El Desafío y El Jardín de Clarilú, con el cual obtuvo discos de oro y llegó a miles de hogares de toda Latinoamérica.
Radicada en Londres desde hace más de una década, Sophie consolidó un estilo que combina el pop contemporáneo con ritmos latinos y la energía de la pista de baile. Además, es líder y co-directora de Brixton Cumbia Association (BCA), una banda que se transformó en un fenómeno de la escena multicultural londinense, con presentaciones destacadas en Electric Brixton, Covent Garden y en diversos festivales a orillas del Támesis.
Creativa multifacética y emprendedora, Sophie Oliver también se desempeña como actriz, anfitriona de eventos culturales y activadora de la escena artística y comunitaria en Reino Unido. Su obra refleja un puente entre sus raíces argentinas y su presente internacional, donde la música, la actuación y la conexión humana son el corazón de su propuesta.
Con “Like a Fish”, Sophie reafirma su búsqueda de autenticidad y su compromiso con una música que emociona, inspira y trasciende fronteras.
WOS no deja de sorprender. En medio de una ola de euforia por haber agotado cinco funciones en el Estadio Obras Sanitarias en menos de tres horas, el artista lanzó su nueva canción “Así Nomás”, una obra fresca, auténtica y poderosa que reafirma su estilo inconfundible y su conexión con el público.
El lanzamiento llega como un gesto de agradecimiento hacia sus seguidores, en un momento de plenitud creativa y emocional. “Así Nomás” es una canción que combina el espíritu libre y la crudeza característica de WOS, con una producción moderna y un mensaje que interpela directamente a las dinámicas actuales de la sociedad y de la industria cultural.
Una canción que invita a lo simple
En “Así Nomás”, WOS expone su hartazgo frente a los estándares impuestos, las súper producciones y las formas esclavizantes que dominan las redes sociales y buena parte del mundo contemporáneo. El artista pone en palabras un malestar generacional: la presión por cumplir con expectativas ajenas y la necesidad de encontrar autenticidad en medio del ruido digital.
Con esta canción, WOS invita a volver a lo esencial, a disfrutar de lo simple, de la compañía de los propios, y a reconectarse con la alegría genuina. En tiempos donde todo parece sobreproducido y programado para agradar, “Así Nomás” es un llamado a recuperar la espontaneidad, la libertad y el sentido real de crear.
Producción con sello personal y encuentro creativo en Berlín
La canción fue producida por Evlay, el reconocido productor y colaborador habitual del artista, con quien WOS se reencontró en Berlín (Alemania) para dar forma a esta obra. El tema nació en un contexto distendido, entre amigos, y ese espíritu se traduce en la energía honesta que transmite la canción.
Durante ese encuentro, Tino —Valentino Biardi—, integrante del círculo más cercano de WOS y colaborador constante, registró el plano secuencia que acompaña visualmente el lanzamiento. El video logra captar la esencia del tema: movimiento, libertad y una conexión directa con la música sin artificios.
“Así Nomás” fue editado por Doguito Récords, el sello independiente que WOS fundó junto a su socio y mánager Peter Ehrlich. Con esta nueva entrega, el artista reafirma su camino independiente, demostrando que su mejor estrategia sigue siendo la sorpresa, la autenticidad y la coherencia con su propio discurso artístico.
El single ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales, y en pocas horas logró una gran repercusión entre sus seguidores y en la prensa musical latinoamericana.
Los Obras: un regreso a casa
El lanzamiento de “Así Nomás” llega acompañado de otra noticia que confirma el gran momento del artista: cinco Estadios Obras completamente agotados. Las fechas del 27 y 28 de noviembre, y del 4, 10 y 11 de diciembre, se vendieron en menos de tres horas, un récord que refleja la enorme conexión de WOS con su público.
Estos shows marcan su regreso a casa, luego de una etapa de giras multitudinarias por estadios y festivales internacionales. En esta serie de presentaciones, el artista propone un formato más íntimo, directo y visceral, donde busca reconectarse con el origen y ofrecer un recorrido por sus canciones más emblemáticas.
ElEstadio Obras Sanitarias, un lugar mítico en la historia del rock argentino, será testigo de un espectáculo que promete ser arrollador. Se espera una experiencia intensa, tanto en lo musical como en lo poético, reafirmando a WOS como una de las voces más potentes e influyentes de la escena contemporánea.
Una figura que trasciende géneros y generaciones
Con una carrera en constante evolución, WOS ha logrado trascender los límites del rap, el rock y la canción de autor. Su propuesta combina potencia escénica, compromiso social y una lírica de profundidad poco habitual en la música popular actual.
Desde sus primeros pasos en las batallas de freestyle hasta su consagración como uno de los artistas más importantes de la región, su recorrido ha sido tan veloz como sólido. Cada lanzamiento suyo genera impacto, debate y admiración por su capacidad de fusionar energía, honestidad y reflexión.
En “Así Nomás”, ese espíritu vuelve a hacerse presente: un mensaje de libertad, una búsqueda estética propia y una reafirmación de que la independencia artística sigue siendo su marca distintiva.
Fiel a su estilo, WOS vuelve a romper los esquemas y a recordarle a su público que la autenticidad no se negocia. Mientras las grandes industrias apuestan a fórmulas, algoritmos y campañas masivas, él elige el camino más desafiante: el de la verdad, la emoción y la sorpresa.
Un equipo que mantiene su identidad independiente
Como es habitual en sus proyectos, WOS trabaja junto a su equipo de confianza. Doguito Récords, el sello que fundó en 2018 con Peter Ehrlich, es una plataforma que le permite desarrollar sus ideas sin presiones externas, conservando total libertad creativa.
Desde allí lanzó sus discos Caravana (2019) y Oscuro Éxtasis (2021), ambos multipremiados, y desde allí también planifica cada nuevo paso de su carrera, combinando autogestión, innovación y coherencia artística.
Su regreso a Obras, el lanzamiento de “Así Nomás” y el éxito arrollador en ventas confirman que WOS se encuentra en un punto alto de madurez y conexión con su público. Su mensaje, cada vez más profundo y humano, sigue inspirando a nuevas generaciones de oyentes.
Kapanga celebra tres décadas de historia, música y alegría. La banda quilmeña, una de las más queridas y representativas del rock argentino, cumple 30 años de carrera y lo festejará con un show imperdible el próximo 5 de diciembre en el Estadio Obras Sanitarias, el emblemático escenario porteño donde se han escrito muchas páginas del rock nacional. Será una noche cargada de energía, recuerdos y emoción, donde no faltarán los clásicos, los hits, las sorpresas y el espíritu festivo que caracteriza a la banda liderada por Martín “El Mono” Fabio.
Una celebración con historia y archivos inéditos
En el marco de este aniversario tan especial, Kapanga decidió compartir con su público una serie de materiales inéditos a través de su canal oficial de YouTube, Kapanga TV, donde está publicando videos que recorren distintos momentos de su trayectoria. La propuesta busca revivir anécdotas, colaboraciones y momentos emblemáticos de la banda, ofreciendo una mirada íntima y emotiva de su historia.
Los capítulos de esta serie documental están generando gran repercusión en redes sociales y medios digitales, no solo por el valor histórico del contenido, sino también por el cariño y la nostalgia que despiertan entre los fans. Cada entrega invita a un viaje en el tiempo, mostrando el crecimiento artístico del grupo y su constante conexión con el público.
Hasta el momento, ya se estrenaron los tres primeros capítulos:
El primer episodio muestra la grabación de “Demasiado”, junto a Ricardo Mollo, líder de Divididos, quien fue una figura clave en la historia del rock nacional y en la relación de respeto y camaradería entre músicos de distintas generaciones.
El segundo capítulo revive la filmación del videoclip de “El Mono Relojero”, uno de los temas más populares y entrañables del grupo, que marcó un antes y un después en su carrera.
En el tercer episodio, Kapanga vuelve al mítico Cemento, uno de los templos del rock argentino, en una entrega que cuenta con la participación especial de Adrián Dárgelos, líder de Babasónicos, otro de los grandes referentes de la escena local.
Estos tres primeros capítulos ya están disponibles en Kapanga TV, donde los seguidores pueden disfrutarlos de manera libre. En cada video se puede ver a los integrantes de la banda compartiendo recuerdos, imágenes de archivo, grabaciones históricas y backstage de momentos que definieron su identidad.
“El Mono Relojero” versión 2025: Kapanga junto a Damas Gratis
Como parte de estos festejos por los 30 años, Kapanga lanzó recientemente una nueva versión de su clásico “El Mono Relojero”, esta vez junto a Damas Gratis, la banda de Pablo Lescano, ícono de la cumbia villera. La colaboración, que combina la energía del rock con el ritmo tropical característico de Lescano, formará parte del próximo álbum de colaboraciones que el grupo se encuentra preparando, donde también se esperan participaciones de artistas invitados de distintos géneros.
Esta reversión demuestra la capacidad de Kapanga para reinventarse sin perder su esencia, fusionando estilos y conectando con públicos diversos, algo que ha sido una constante en su carrera. Desde sus primeros discos, la banda ha sabido mezclar rock, cuarteto, ska y cumbia con humor, autenticidad y una energía que los distingue dentro de la música popular argentina.
Kapanga: 30 años de alegría, música y conexión
A lo largo de estas tres décadas, Kapanga se ha mantenido fiel a su estilo, construyendo una carrera sólida, cercana al público y con una identidad inconfundible. Desde sus primeros shows en Quilmes hasta los grandes escenarios de festivales como Cosquín Rock, su historia está atravesada por la constancia, la amistad y el amor por la música.
Canciones como “Me Mata”, “Ramón”, “El Universal”, “Bisabuelo”, “Rock” o “La Crudita” forman parte del repertorio popular argentino, coreadas por distintas generaciones. Con un carisma único y un sentido del humor que siempre los acompañó, El Mono Fabio, Maikel, Memo, Balde y Pablo siguen siendo referentes de una forma de vivir el rock con alegría, energía y conexión con la gente.
En estos 30 años, Kapanga no solo mantuvo su vigencia, sino que se consolidó como una banda que trasciende géneros, capaz de hacer bailar tanto en un festival de rock como en una fiesta popular. Su mensaje siempre fue claro: la música como espacio de unión, celebración y libertad.
Camino al gran festejo en Obras
El próximo 5 de diciembre, Kapanga coronará este año especial con un show en el Estadio Obras, donde repasará toda su historia con invitados especiales, nuevas versiones y un repaso por las canciones que marcaron su camino. El grupo promete una noche única, con la energía y la emoción de siempre, en uno de los escenarios más emblemáticos de la Argentina.
Previo a este gran cierre, la banda tiene dos fechas confirmadas:
01/11 – Fiesta Nacional de la Pelota de Fútbol, Córdoba, Argentina
El músico y escritor rosarino Kaztrohacaba de lanzar el proyecto más ambicioso de su carrera: “Nacido en rojo y crecido en bordeaux”, una obra integral que combina un álbum musical, una novela ilustrada y un cortometraje. Se trata de una propuesta multidisciplinaria y visceral que, desde Rosario hacia Buenos Aires, busca expandir los límites de la música independiente y consolidar la identidad de un artista que lleva más de 20 años en la escena.
Una obra conceptual con tres lenguajes
La historia gira en torno a Neryceb, un personaje atrapado en conflictos existenciales que simboliza la lucha del ego, el dolor y la posibilidad de renacer. Este relato no solo está plasmado en la novela de siete capítulos escrita por Kaztroh, sino que también atraviesa las siete canciones del disco y se potencia con la narrativa visual del cortometraje. El resultado es un relato integral que funciona como trilogía artística, donde la música, la literatura y el cine se entrelazan para dar vida a un mismo universo simbólico.
El disco: siete canciones con colaboraciones de lujo
El álbum, grabado entre Buenos Aires y Rosario, cuenta con la producción de Alejandro Vázquez y la masterización de Daniel Osorio, dos referentes de la industria musical argentina. Las siete canciones no solo construyen un paisaje sonoro potente, sino que también se enriquecen con la participación de músicos invitados que suman diversidad y calidad. Entre ellos se destacan:
Corvex, reconocido cantante de Carajo, que aporta su fuerza vocal característica.
Maxi Bongarrá, baterista de gran trayectoria, que imprime energía y precisión rítmica.
Andrés Villanova, otra figura destacada de la escena, que potencia la crudeza del proyecto.
Uno de los puntos más altos del álbum es el tercer tema, “Me Planta un Hedor Qué No es Mío”, elegido como primer single. Esta canción incorpora un espíritu muy porteño y argento gracias a dos colaboraciones únicas: Guillermo Vadalá en el bajo, que suma una base sólida y contundente, y Joaquín Kitegroski en el bandoneón, quien viene de grabar en el disco de Milo J y aquí aporta un toque distintivo que acerca la canción a la esencia de Buenos Aires.
La novela: siete capítulos para un viaje poético y oscuro
La narrativa escrita por Kaztroh funciona como el corazón conceptual del proyecto. “Nacido en rojo y crecido en bordeaux” no es solo un disco, sino también un libro con siete capítulos ilustrados que invitan a un viaje oscuro, poético y catártico. A través de la historia de Neryceb, el autor reflexiona sobre los dilemas existenciales, la fragilidad del ego y la posibilidad de la transformación personal. La literatura, en este caso, no se limita a acompañar la música, sino que expande sus significados y le otorga nuevas dimensiones.
El cortometraje: un relato visual y visceral
La tercera parte del proyecto es el cortometraje dirigido por Andrés Picech, rodado en Rosario y concebido como una pieza que acompaña visualmente las siete canciones del disco. Con una puesta simbólica y visceral, el filme narra el encierro mental del protagonista y su liberación final. Allí, cuerpo, música y emoción se funden en una propuesta artística que trasciende los géneros y busca una experiencia total.
Kaztroh, un artista con identidad propia
Detrás de este proyecto integral está la trayectoria de Cristián David Castro, conocido artísticamente como Kaztroh, nacido en Rosario en 1986. Con más de 20 años en la escena independiente, Kaztroh recorrió el circuito de bares y teatros de su ciudad, compartiendo escenario con numerosos artistas y ganando un espacio propio dentro del under rosarino. Su formación musical incluye bajo, guitarra, saxo tenor y canto, lo que le permitió construir un estilo versátil, abierto y con múltiples matices.
Con “Nacido en rojo y crecido en bordeaux”, Kaztroh logra una síntesis de todo su recorrido artístico, una obra que lo define con identidad propia y que busca trascender formatos y fronteras. Su propuesta, que integra música, literatura y cine, no solo refleja pasión y creatividad, sino que también plantea una manera distinta de concebir el arte: como una experiencia total, profunda y transformadora.
En tiempos donde los lanzamientos suelen pensarse en simples singles o videos cortos, Kaztroh apuesta por un proyecto de gran escala y ambición conceptual. “Nacido en rojo y crecido en bordeaux” se posiciona así como una de las propuestas más originales de la escena independiente argentina en 2025, y una obra que sin dudas dejará una huella en quienes se acerquen a su universo.
El cantante Bahiano, una de las voces más reconocidas e influyentes del reggae y la música popular argentina, está listo para compartir con sus seguidores un lanzamiento muy especial: “Pura Adrenalina”, un álbum en vivo registrado en el Teatro Coliseo el 8 de noviembre de 2024, ahora disponible en formato vinilo doble. Este trabajo no solo representa un recorrido por más de tres décadas de trayectoria, sino que también recupera la magia irrepetible de una noche en la que el público fue tan protagonista como el propio artista.
Un recorrido histórico por sus clásicos
Con más de 35 años de música a cuestas, Bahiano ha sabido consolidar un repertorio que se convirtió en la banda sonora de varias generaciones. En “Pura Adrenalina” conviven canciones que marcaron época con nuevas versiones que recuperan la energía y frescura del vivo. Temas icónicos como “Tarde Gris”, “Óyelo”, “Sin Cadenas”, “Pupilas Lejanas” o “Párate y Mira” suenan renovados, acompañados por el fervor de un público que celebró cada acorde como si fuera el primero.
El registro se realizó en un Teatro Coliseo colmado, en una noche que tuvo tanto momentos explosivos como pasajes íntimos. A los clásicos eléctricos se suman cinco canciones en formato acústico, que funcionan como bonus track y capturan el costado más cercano de Bahiano con sus fans. Esta dualidad entre la intensidad y la calma, entre la euforia colectiva y la intimidad, refleja de manera fiel la amplitud artística de un cantante que siempre supo adaptarse sin perder su identidad.
El valor del vinilo como experiencia
Uno de los grandes atractivos de este lanzamiento es su edición en vinilo doble, un formato que ha recuperado vigencia entre melómanos y coleccionistas de todo el mundo. Escuchar “Pura Adrenalina” en vinilo no es solo acceder a un sonido cálido y profundo, sino también recuperar un ritual que vuelve a estar de moda: sacar el disco de su funda, colocar la púa y dejarse llevar por la música.
En tiempos de consumo inmediato, este lanzamiento invita a redescubrir la música con otra cadencia. El vinilo no es un detalle nostálgico, sino una manera de vivir la música de Bahiano de forma más auténtica y emocional, como un puente entre el pasado y el presente. Para los coleccionistas, se trata de una pieza imprescindible que resume en 22 canciones lo mejor de un artista clave en la historia del reggae y el rock argentino.
La lista completa de temas
El disco se organiza en dos placas que ofrecen un recorrido variado y vibrante:
Disco 1 – Lado A
Runaway
Óyelo
Mucha Experiencia
Tarde Gris
Waitin’
Disco 1 – Lado B
Más Cerca del Cielo
El Pescador
Big Yuyo
Duerme Negrito
Sin Cadenas
Pupilas Lejanas
Disco 2 – Lado A
Hoy Sabrás
Jamaica Reggae
Fuego
Uma Brasileira
Párate y Mira
Me Late
Disco 2 – Lado B
A Primera Vista
A Mi Manera
Planes
Cerca de Mí
Complicado y Aturdido
Cada lado ofrece un viaje distinto: desde la fuerza del reggae y la cadencia del rock latino hasta la emoción de las baladas más sensibles.
Bahiano, una voz eterna del reggae argentino
Si algo caracteriza a Bahiano es su capacidad de mantener vigente un repertorio que sigue emocionando a nuevas generaciones. Desde sus años como voz principal de Los Pericos hasta su consolidación como solista, su carrera ha estado marcada por la fusión de géneros, la energía del escenario y una impronta vocal que es inmediatamente reconocible.
Con “Pura Adrenalina”, Bahiano demuestra que sigue siendo un referente ineludible de la música argentina y latinoamericana. Este lanzamiento en vinilo doble no solo celebra su legado, sino que también refuerza su conexión con un público fiel que lo sigue acompañando en cada etapa.
Más que un simple álbum en vivo, “Pura Adrenalina” es un testimonio sonoro de la pasión de Bahiano por la música, un documento histórico que captura la intensidad de una carrera de más de 35 años y la transforma en una experiencia sensorial para el presente.
El cantante español Pablo Alborán vuelve a sorprender a su público con una colaboración internacional de lujo. Junto al reconocido artista brasileño Luan Santana, acaba de lanzar “¿Qué tal te va?”, el segundo adelanto de su próximo álbum de estudio titulado KM0. Se trata de una canción cargada de emoción y nostalgia, con una producción moderna y vibrante realizada por el propio Alborán, que promete convertirse en una de las favoritas de sus seguidores.
El videoclip de “¿Qué tal te va?” fue grabado en Lisboa y refleja la química entre los dos artistas. La filmación tuvo lugar en el marco del concierto que Alborán brindó como invitado especial en el show de Luan Santana el pasado 23 de agosto. La interpretación conjunta emocionó al público y quedó inmortalizada en un clip oficial que ya está disponible en plataformas digitales.
Un showcase histórico en la Puerta del Sol
El lanzamiento de este nuevo sencillo coincide con un momento clave en la carrera de Pablo Alborán. En paralelo, el artista presentó la preventa de su disco KM0 y de las entradas para su próxima gira internacional, en un evento multitudinario en la Puerta del Sol de Madrid. El showcase gratuito reunió a más de 15.000 personas en pleno corazón de la capital española y fue seguido en directo por más de 100.000 espectadores a través de TikTok LIVE, consolidando al malagueño como uno de los artistas más convocantes del panorama musical iberoamericano.
Durante el show, Pablo interpretó algunos de sus clásicos más queridos como “Saturno” y compartió en primicia nuevas canciones del álbum, entre ellas “Vámonos de aquí” y “Mis 36”. Este último tema, ya disponible en plataformas digitales, es considerado uno de los más personales y emotivos del disco, y conecta de lleno con la esencia íntima que siempre ha caracterizado su música.
KM0: el séptimo álbum de estudio de Pablo Alborán
KM0 será el séptimo álbum de estudio de Pablo Alborán y se perfila como su proyecto más ambicioso hasta la fecha. El artista no solo se ha encargado de la autoría de todas las canciones, sino que también asumió la producción y los arreglos de la mayoría de los temas, desplegando una amplia paleta sonora que combina emoción, innovación y honestidad.
El repertorio reúne canciones orgánicas y sinceras, atravesadas por sonidos de vanguardia que muestran a un Alborán más libre y creativo que nunca. En palabras del propio artista, KM0 es un disco honesto y rotundo, que marca una nueva etapa en su trayectoria tanto a nivel profesional como personal. Con este trabajo, el malagueño ofrece una obra madura que explora nuevos terrenos sonoros sin perder su sello inconfundible.
La preventa de KM0 ya está disponible en todos los formatos a través de tiendas físicas, digitales y en la tienda oficial de Warner Music.
Gira mundial 2026-2027
El lanzamiento de KM0 trae consigo otra gran noticia: el regreso de Pablo Alborán a los escenarios con una gira internacional que comenzará en marzo de 2026 en Latinoamérica y se extenderá durante 2027 por las principales ciudades de Europa, incluyendo un recorrido completo por España.
La gira de Pablo Alborán 2026 será una oportunidad única para que los fans disfruten de sus grandes clásicos y de las nuevas canciones de KM0, en un espectáculo que combina emoción, pasión y un sonido más innovador y maduro. El artista promete una experiencia inolvidable en cada ciudad, con shows en los que la cercanía con el público será tan protagonista como su voz.
Las entradas ya se encuentran disponibles a través de la web oficial del cantante: www.pabloalboran.es.
Pablo Alborán, un artista en plenitud
Con este nuevo capítulo de su carrera, Pablo Alborán demuestra estar en uno de los mejores momentos de su vida artística. La colaboración con Luan Santana en “¿Qué tal te va?” simboliza la proyección internacional del malagueño y su capacidad para conectar con públicos diversos a través de la música.
El éxito del showcase en la Puerta del Sol, la expectación por el lanzamiento de KM0 y la gran demanda de entradas para la gira confirman que Alborán sigue siendo uno de los artistas más relevantes de la escena musical de habla hispana.
En definitiva, KM0 no es solo un disco, sino un nuevo punto de partida en la carrera de un músico que ha sabido evolucionar sin perder la esencia que lo convirtió en uno de los cantautores más queridos de los últimos tiempos.
El proyecto Campo Loop, que combina lo ancestral con lo contemporáneo bajo la figura enigmática de SIAM, presenta su nuevo lanzamiento: “Grito Gaucha”, una canción de electrofolclore surero argentino que ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales. La obra propone un cruce sonoro y simbólico que expande las fronteras del folklore, incorporando beats electrónicos y una impronta visual cargada de épica pampeana.
Una fusión entre lo rústico y lo moderno
Musicalmente, “Grito Gaucha” se apoya en un coro unísono de voces femeninas que se entrelaza con la fuerza de una base techno y la hondura de guitarras milongueras camperas. El resultado es un paisaje sonoro donde lo criollo se renueva en clave electrónica, creando un universo que es a la vez rústico, moderno y profundamente argentino.
La letra refleja cómo esas voces femeninas se elevan en la inmensidad de la pampa, expandiéndose como ecos infinitos que trascienden fronteras y tiempos. En ese vuelo poético, el canto se transforma en un grito colectivo, cargado de resistencia, unión y memoria.
Inspiración en la “Guerra del Barro”
“Grito Gaucha” anticipa el próximo disco de Campo Loop, titulado “Guerra del Barro”, y toma como referencia un grupo de mujeres de Amalaya que, en medio de una pampa devastada, levantan su voz como acto de defensa y fe. En este relato, el canto no es solo expresión artística, sino también himno y resistencia frente a la amenaza exterior.
La canción encarna ese espíritu: una fortaleza colectiva sostenida en la tradición gaucha y pampeana, donde la unión se convierte en un refugio para la vida compartida y la esperanza en tiempos oscuros.
Producción y ficha técnica
La producción, mezcla y mastering de la canción estuvo a cargo de Matías “Chávez” Méndez, quien aporta un enfoque contemporáneo al sonido y refuerza el diálogo entre tradición y modernidad. La guitarra criolla fue interpretada por SIAM, mientras que la dirección del coro estuvo en manos de Joaquín Andrés Azque.
El coro de voces femeninas, integrado por Melisa Arce, Pamela Pérez, Mercedes Mansilla, Begoña Kain Aramburu, Raquel Pantolini, Milagros Noriega, María Salceda, Gisela Djambercic y Gabriela Lindström, es uno de los ejes expresivos de la canción y transmite la fuerza ancestral que define el concepto de “Grito Gaucha”.
El videoclip: una narrativa épica
El video oficial fue producido por Atlanta Audiovisual y dirigido por Gastón Barbosa y Agustina Barreto, con producción de Nazareno Gutiérrez y Tiago Tapponnier. Filmado en escenarios pampeanos, la pieza audiovisual expande el relato de la canción y lo convierte en una experiencia inmersiva.
En el videoclip vemos a las gauchas levantando su voz en medio de la llanura, un jinete que atraviesa los campos y un guitarrista solitario que anticipa el duelo final. La narrativa visual refuerza el pulso épico de la obra, con una puesta estética que combina vestuario, dirección de arte y fotografía en sintonía con el universo sonoro de Campo Loop.
El elenco de actrices está compuesto por Abigail Calderón, Malena Piñeiro, Ornella Ricciardi, Florencia Barone y Guillermina Quintana, mientras que el actor Sebastián Iringaray aporta intensidad a la trama. La producción se completa con un equipo técnico que incluye asistencia de dirección, cámara, fotografía fija, maquillaje, montaje y corrección de color, logrando una propuesta audiovisual de alto impacto.
Campo Loop: identidad y misterio
Campo Loop se define como un proyecto de Electro Folclore Surero Argentino, donde la tradición pampeana se cruza con la electrónica contemporánea. A través de SIAM, un personaje enigmático con cabeza de nido de hornero, el proyecto plantea una identidad que no se centra en un rostro individual, sino en una experiencia colectiva y simbólica.
Con guitarras criollas y milongueras como punto de anclaje, y beats electrónicos como motor de movimiento, Campo Loop resignifica las raíces gauchas y las lleva hacia nuevos territorios sonoros. Su propuesta no solo invita al baile y a la inmersión sensorial, sino que también funciona como manifiesto de resistencia cultural y artística.
Un manifiesto de fuerza colectiva
“Grito Gaucha” es mucho más que un single: es una declaración artística que reivindica la fuerza de la unión femenina y la resistencia pampeana. Con su combinación de folklore, electrónica y un relato cargado de símbolos, Campo Loop reafirma que lo ancestral puede convivir con lo contemporáneo y generar nuevas formas de emoción.
El lanzamiento marca un paso importante en el camino hacia “Guerra del Barro”, el próximo disco de Campo Loop, que promete expandir aún más este universo de electrofolclore surero.
En palabras de la propia obra, “Grito Gaucha” no es solo música: es canto, himno y grito colectivo que se proyecta sobre la pampa y trasciende el tiempo.
El artista multidisciplinario Akirey lanzó su nuevo single“Tal Vez”, acompañado de un videoclip conceptual que transita entre la introspección, la fantasía y el duelo. Protagonizado por Jorge Rey, la pieza audiovisual combina realidad virtual, teatro vacío y una coreografía barroca que simboliza la liberación personal y artística.
Un lanzamiento cargado de simbolismo
Akirey vuelve a sorprender con el estreno de su nuevo single “Tal Vez”, una canción que no solo se escucha, sino que también se experimenta a través de un videoclip pensado como una obra sensorial y emocional. La propuesta invita al espectador a sumergirse en un viaje íntimo y transformador, donde se entrelazan la música, la danza, la moda y la narrativa audiovisual.
La historia del videoclip comienza con Jorge Rey en una habitación oscura, donde guarda a su “Akirito”, un muñeco hecho a mano que representa a su niño interior. Ese gesto íntimo abre la puerta a un universo onírico: el protagonista se conecta a una realidad virtual y aparece en un teatro vacío en el que trabaja como utilero. A partir de allí, la música guía el relato y da inicio a una metamorfosis colectiva.
Una experiencia audiovisual inmersiva
A medida que avanza el videoclip, Jorge Rey se encuentra acompañado por otros trabajadores del teatro. Juntos, inician una coreografía espontánea que simboliza la liberación de las inhibiciones y el despertar creativo.
La secuencia final es una celebración pop barroca, cargada de color y dramatismo. Los bailarines y protagonistas aparecen con vestidos “New Romantics” diseñados por Verónica de la Canal, en un despliegue visual que fusiona moda, teatralidad y música en una misma narrativa.
El resultado es un videoclip que no se limita a ilustrar la canción, sino que propone un lenguaje propio: un mensaje de libertad y transformación, que invita al espectador a explorar sus emociones y a conectar con su creatividad sin límites.
“Tal Vez”: un acto de amor y liberación
En palabras del propio Akirey, “Tal Vez” nació como un proceso personal de sanación y aceptación tras un duelo. La canción se construye como una reflexión sobre el amor, la libertad y los caminos que no siempre coinciden:
“Esta canción me ayudó a atravesar un duelo. A aceptar que, aunque haya amor, a veces no puede ser en esta vida, en este cuerpo, en esta dimensión. Porque el otro puede amarte, pero no saber qué hacer con tu libertad. Tal vez es un acto de amor. Es mi forma de decir: si no fue acá, ojalá nos volvamos a encontrar en otro plano, en otra historia, en otra piel. Porque esa historia, aunque dolió, también me hizo ser quien soy”.
Estas palabras del artista sintetizan el espíritu del single: un canto a la resiliencia y a la libertad, que transforma el dolor en arte.
La trayectoria de Akirey: un creador sin etiquetas
Detrás de Akirey está Jorge Rey, un artista multidisciplinario que desde muy joven eligió la creatividad como modo de vida. Llegó a Buenos Aires a los 17 años y rápidamente dejó su huella en la moda, la actuación y la dirección creativa.
Su carrera comenzó en el diseño, pero pronto se expandió hacia la música, el teatro y la escritura, construyendo una identidad artística que no reconoce etiquetas ni límites. El propósito de su obra siempre fue claro: inspirar autenticidad, amor y libertad en su público.
A lo largo de su camino, Akirey participó en comedias musicales en la calle Corrientes, tanto como actor como diseñador de vestuario, y fue parte de la serie “Margarita”. En paralelo, desarrolló su faceta como escritor y compositor, y actualmente trabaja en su segundo álbum de estudio y en su proyecto conceptual “Akirey: El Niño Ojos de Cristal”, una historia que explora la búsqueda de identidad en un mundo digitalizado.
Moda, música y performance: el universo Akirey
El videoclip de “Tal Vez” también refleja una de las marcas personales de Akirey: la unión entre distintas disciplinas artísticas. En esta propuesta, la música se encuentra con la danza, la narrativa audiovisual y la moda de alta costura.
El vestuario diseñado por Verónica de la Canal aporta un carácter visual poderoso, que refuerza la estética pop barroca del video y lo conecta con una tradición de rebeldía estilística propia de los New Romantics. De este modo, la propuesta audiovisual no solo acompaña la música, sino que expande su significado en múltiples direcciones.
Un mensaje de autenticidad y amor
Para Akirey, el arte es una herramienta de liberación y de búsqueda de autenticidad. Su obra no solo se limita a la creación musical, sino que también tiene un trasfondo filosófico y emocional: invitar al público a ser fiel a sí mismo y a romper con los límites impuestos por la sociedad.
Cada una de sus propuestas busca despertar una conciencia de belleza interior y celebrar la diversidad. En “Tal Vez”, ese mensaje se traduce en una obra que habla de la transformación personal y de la importancia de abrazar la libertad como un acto de amor.
Proyección y futuro
Con este lanzamiento, Akirey refuerza su posición como uno de los artistas emergentes más interesantes de la escena independiente argentina. Su estilo, que combina lo íntimo con lo performático, lo personal con lo colectivo, marca un camino propio en el que la música es apenas una de las tantas dimensiones de su creatividad.
Mientras continúa presentando “Tal Vez”, Akirey ya trabaja en nuevos proyectos musicales y escénicos que prometen seguir ampliando su universo artístico. Lo que queda claro es que su obra no busca encajar en moldes preexistentes, sino generar experiencias transformadoras.
La banda argentina de rock reybruja lanzó su esperado primer álbum de estudio, Gustar y Ofender, con una presentación explosiva en The Roxy Live que reunió a cientos de seguidores. Con fechas confirmadas en Uniclub, El Emergente, una gira por Argentina y Uruguay, y su participación en el Lollapalooza 2026, el grupo continúa consolidándose como una de las propuestas más potentes del nuevo rock nacional.
Un inicio arrollador con disco debut y público en ascenso
El camino de reybruja en la escena del rock argentino ha sido vertiginoso. En apenas dos años lograron un recorrido que muchas bandas tardan más de una década en construir. Desde sus primeras presentaciones en el circuito under hasta el lanzamiento de Gustar y Ofender, su primer disco de larga duración, la agrupación demuestra que llegó para quedarse.
El debut del álbum fue celebrado a lo grande en The Roxy Live, donde la sala se vio colmada de fans y prensa especializada. Más de 200 personas quedaron afuera, un dato que refleja el crecimiento del grupo y la expectativa que generan en cada show. Ahora, con la energía en su punto más alto, reybruja se prepara para una serie de conciertos que los llevará por distintos puntos de Argentina y Uruguay: CABA, Zárate, Bahía Blanca, Rosario, Montevideo y un hito especial en marzo de 2026, cuando formen parte de la grilla del Lollapalooza Argentina.
Presentaciones confirmadas: Uniclub y El Emergente
El calendario inmediato de reybruja marca dos fechas imperdibles en Buenos Aires. El viernes 31 de octubre se presentarán en Uniclub y el viernes 14 de noviembre será el turno de El Emergente. Ambos shows serán clave para seguir mostrando en vivo las canciones de Gustar y Ofender, en un contacto directo con el público que se ha convertido en el motor de su crecimiento.
La experiencia del vivo es, de hecho, uno de los puntos fuertes de la banda. Desde sus inicios se apoyaron en la potencia de sus presentaciones para construir comunidad y sumar seguidores, consolidando un vínculo que ahora encuentra su mejor expresión en escenarios de mayor envergadura.
Gustar y Ofender: un disco que refleja la identidad de la banda
El álbum debut de reybruja, Gustar y Ofender, está disponible en todas las plataformas digitales y muestra una clara intención artística: rescatar la tradición del rock nacional, pero con una mirada renovada y actual. El disco fue producido por Mauro De Tommaso, grabado en El Mejor Estudio por Javier Caso, Augusto Flores, Manuel Gattoni y Panda Elliot, y mezclado y masterizado por Santiago De Simone (7AMmixing).
La producción cuidada y la potencia de las canciones logran un equilibrio entre crudeza y sofisticación, dejando en claro que reybruja no pretende imitar, sino crear su propio lenguaje a partir de influencias reconocibles.
Tracklist de Gustar y Ofender
Chica Saavedra
El Atrevido
El Jugador
El Peaje
La Novedad
Libertarios
Piso 20
Pocamonta
Que se la Banquen
RNA
Te Advertí que No Me Dejaras Pisar las Flores
Virgencitas y Malvones
Yirando en el Mood
Cada canción aporta una faceta distinta de la propuesta, con letras cargadas de ironía, crítica social y sensibilidad urbana. Desde la energía desafiante de El Atrevido hasta la introspección de Virgencitas y Malvones, el disco construye un recorrido sonoro diverso que refuerza la identidad de la banda.
Dos años de crecimiento imparable
A casi dos años de su primer show, reybruja acumula un historial impresionante: más de 80 presentaciones en vivo, de las cuales más de 50 tuvieron lugar en 2024, un año clave para su consolidación en el circuito. La Ciudad de Buenos Aires y distintos puntos de la Provincia fueron testigos de ese recorrido, que les permitió construir una base sólida de público y generar una identidad fuerte dentro del rock emergente.
En 2023 ya habían dado un primer paso con el lanzamiento de Supereestrellas del barrio, un EP de cinco canciones que delineó la dirección que seguirían: un revival del rock nacional de los años ‘80, ‘90 y ‘00, con letras potentes y guiños a las influencias históricas del género. Ese material anticipó lo que hoy cristaliza Gustar y Ofender: un disco con peso propio, que no se limita a homenajear el pasado sino que busca aggiornarlo y proyectarlo hacia adelante.
Influencias y estilo: un revival con identidad propia
Lo que distingue a reybruja dentro de la escena es su capacidad para tomar referencias del rock nacional clásico sin caer en la mera imitación. En sus canciones aparecen ecos de las grandes bandas argentinas, pero con un sonido contemporáneo que conecta con nuevas audiencias.
Las guitarras filosas, la base rítmica contundente y los teclados envolventes conforman un estilo que resulta familiar pero renovado. Las letras, cargadas de imágenes urbanas y relatos cotidianos, aportan un sello personal que reafirma la autenticidad de la propuesta.
Integrantes de reybruja
La formación de la banda es clave para entender la solidez del proyecto:
Enzo Lupo (voz)
Juan Manuel Fombella (guitarra y voz)
Lautaro Satalino (guitarra)
Andrés Human (bajo)
Sergio Peluso (batería)
Rodrigo Martini (teclados)
Cada integrante aporta su impronta al sonido colectivo, logrando un balance entre energía, precisión y emoción que se refleja tanto en el estudio como en el escenario.
Proyección: del under al Lollapalooza
La confirmación de reybruja en el Lollapalooza Argentina 2026 es un punto de inflexión en su carrera. Se trata de un festival de alcance internacional que los pondrá frente a miles de espectadores y que representa una plataforma ideal para expandir su público. Esa oportunidad, sumada a la gira por ciudades argentinas y Montevideo, muestra que el futuro inmediato de la banda está cargado de desafíos y de crecimiento.
“La vida era más corta” confirma a Milo J como uno de los artistas más singulares y visionarios de la nueva generación argentina. Con una propuesta que trasciende géneros y fronteras, el álbum se presenta como una obra conceptual, emocional y profundamente arraigada en la identidad regional.
Producido por el propio Milo J, Tatool y Santiago Alvarado, el disco despliega un recorrido de 15 canciones que entrelazan lo ancestral con lo contemporáneo. La narrativa se construye desde lo íntimo y lo colectivo, con una lírica que habla de tiempo, memoria, cicatrices y transformación.
Las colaboraciones elevan el carácter artístico del proyecto de Milo J. Participan referentes históricos como Cuti y Roberto Carabajal, íconos del folklore argentino, y la inolvidable Mercedes Sosa, cuya voz aparece en fragmentos de estudio, que resuenan como un rezo.
También se destacan Trueno y Soledad Pastorutti, dos figuras esenciales de la música y la cultura contemporánea argentinas, arraigadas desde la escena local hacia el mundo.
Se suman voces como la de la cantautora Paula Prieto, que aporta profundidad y sensibilidad, y la chilena AKRIILA, quien agrega un tinte moderno y disruptivo al universo del disco.
El legendario Silvio Rodríguez, figura exponencial de la música cubana, aporta su delicadeza única, mientras que nuevas voces como Radamel traen frescura y fuerza interpretativa a esta obra que celebra la riqueza artística de la región. Además, artistas como Nicki Nicole, Yami Safdie y Agarrate Catalina participaron en arreglos vocales que suman textura y diversidad.
El álbum incorpora cánticos de pueblos originarios, que refuerzan la conexión con las raíces y la identidad nacional, además de sonidos de otros rincones de Sudamérica, fusionados con una producción moderna y contemporánea. Bandoneones, guitarras criollas, voces ancestrales y texturas digitales conviven en armonía, dando forma a una obra que honra las raíces sin caer en lo tradicional.
TRACKLIST – “LA VIDA ERA MÁS CORTA” de Milo J.
Bajo de la piel
Niño
Gil – Trueno
Ama de mi Sol
Solidifican12
Lucía – Soledad Pastorutti
MmmM – Paula Prieto
Llora Llora – AKRIILA
Recordé
Cuando El Agua Hirviendo
La Vida Era Más Corta
Radamel – Radamel
El invisible – Cuti y Roberto Carabajal
Luciérnagas – Silvio Rodríguez
Jangadero – Mercedes Sosa
La propuesta visual del álbum refuerza su dimensión narrativa. Los visualizers, grabados en Suncho Corral y Villa Atamisqui en Santiago del Estero, rompen con los estereotipos folklóricos proponiendo una perspectiva actual y esencialmente humana. Con estética cinematográfica y casting real de pobladores locales, cada pieza audiovisual funciona como extensión emocional de las canciones, sumando capas de memoria, identidad y resistencia.
Uno de los visuales más conmovedores (“Bajo de la piel”) fue filmado en un cementerio ancestral, donde las cicatrices —protagonistas en lo simbólico— representan vidas largas que quizás deberían haber sido más cortas.
“Todos los que participaron nos vinieron a agradecer y nos contaron que gracias a esta iniciativa ahora el mundo se iba a enterar que esas personas existieron y siguen existiendo en nuestras memorias, en las canciones y en las reuniones”, explica. Milo J.
“Para mi familia, Santiago del Estero tiene mucho significado. La abuela de mi mamá, quien la crió, era santiagueña y se vino a los 12 años para Buenos Aires a construir una nueva vida porque allá todo es muy difícil y hay de todo menos oportunidades. Y es por eso que por este medio sigo escribiendo esta historia”, agrega el artista.
“LA VIDA ERA MÁS CORTA” es una obra que mezcla elementos sonoros nacionales con una estética moderna y exportable. Un viaje musical que recorre sonidos folklóricos y tangueros, bandoneones y cánticos originarios. Es un disco que abraza la cultura argentina y la trae al presente, reinterpretando sus expresiones desde un lugar honesto, actual y profundamente emocional.
ACERCA DE MILO J
Camilo Joaquín Villarruel, artísticamente conocido como Milo J, es un artista incomparable que deja insuficiente la palabra meteórica para describir su carrera. Alcanzado éxitos y colaboraciones con artistas que trascendieron generaciones que forman parte de nuestra identidad cultural, como Nito Mestre.
Su historia comienza el 25 de octubre de 2006 en el barrio San José de Morón, Provincia de Buenos Aires. El tercero de los cuatro hijos de Aldana Ríos comenzó a explorar la música entre sus 8 y 9 años junto a su hermana mayor, Alma. Componiendo y compitiendo en batallas de freestyle desde los 11 años. En su casa se escuchaban temas de folklore argentino, intercalados con el punk y el rock del momento, el rap y el hip hop. Son los géneros que más lo han influenciado y se asoman en su música. Pero también ha explorado corridos tumbados, baladas y ritmos tropicales. Su precisión y lírica que se debate entre la calle y la poesía lo han llevado a cumplir metas ambiciosas durante décadas de carreras por otros artistas.
Milo J entró a su primer estudio de grabación a los 13 años y comenzó a difundir sus canciones en 2021 desde su comunidad Bajo West. La confianza y la admiración de sus amigos lo habían llevado hasta ahí. En agosto de 2022, lanzó “Milagrosa”, una canción que se volvió viral en TikTok y consolidó su nombre dentro de la escena urbana Argentina, pero fue “Rara Vez”, la que demostró en 2023 que no se trataba de suerte. Ese mismo año, estrenó su EP debut “511” (abril 2023), con temas como “FLA” y “Al Borde”. En octubre de ese año lanzó “En Dormir sin Madrid”, un EP colaborativo con Bizarrap que incluía la icónica BZRP Music Sessions, Vol. 57 y exploró otros géneros del trap latino, hip hop y música urbana.
El mismo se posicionó en el top charts de países como España, alcanzando #31 en el Billboard Global 200. Siendo la primera vez que Bizarrap lanzaba un EP junto a un artista. Un mes después estaría lanzando “111”, su primer álbum de estudio, con colaboraciones como Yahritza y Su Esencia, Peso Pluma, Yami Safdie y Nicki Nicole, con quien hoy comparte un vínculo de hermandad artística. De hecho, su anterior colaboración, “Dispara***”, con esta última artista Argentina, lo convirtió a sus 16 años en el artista más joven en ser nominado a los Latin Grammy. Donde, durante la presentación de las tres sesiones más icónicas de Bizarrap, irrumpió en escena con una de sus canciones “Hoy me voy al sol” junto a la clásica murga uruguaya Agarrate Catalina.
En 2024, su ascenso siguió: ganó el primer Premio Gardel a Mejor Nuevo Artista de su carrera, y su colaboración “Fruto” con Bizarrap obtuvo el Gardel a Mejor canción urbana. También fue nominado a los Heat Latin Music Awards (Mejor artista Región Sur), Premios Lo Nuestro (Artista revelación masculino) y Premios Juventud.
El 11 de julio de 2024, Milo J lanzó su segundo álbum de estudio 166, un homenaje a la Línea 166 del transporte público que atraviesa Morón, símbolo íntimo de su recorrido personal. El disco cuenta con 12 canciones, con colaboraciones como Morad, CRTrap y Kelo Ke, el disco fue acompañado por videoclips para cada canción y cuenta su historia de principio a fin.
El tema “3 pecados después…” que comienza con la polémica frase de Charly García en los Premio Gardel de 2018 “Quiero dedicar este premio a Carlos Gardel, María Gabriela Epumer, el flaco Spinetta, el negro García López, Prince, Cerati y hay que prohibir el autotune, muchas gracias” acumuló más de 95 millones de streams y obtuvo nominación a Mejor canción del año y Mejor canción urbana. Además, el deluxe titulado “166 (deluxe) Retirada” vió la luz el 12 de febrero de 2025.
El 25 de octubre de 2024, festejó su cumpleaños número 18 ofreciendo un concierto sold-out en el Estadio Nuevo Francisco Urbano de Morón, con más de 30 mil espectadores, la grabación se publicó en YouTube/Spotify como el álbum en vivo 18 (En Vivo Estadio de Morón) y también recibió nominación a “Mejor videoclip largo”.
En enero de 2025, apenas tres años después de su debut en YouTube, agotó el Palau Sant Jordi (Barcelona), una hazaña pocas veces vista. Poco después, se presentó en el Palacio de los Deportes de Madrid con su álbum 166.
Este agosto de 2025, Milo J se convirtió en uno de los artistas de Sony Music Latin, listo para seguir creando, soñando y volando.
