Lollapalooza Argentina ya reveló su grilla oficial organizada por jornadas, con nombres que encabezan la expectativa de miles de fanáticos. Del 13 al 15 de marzo, el Hipódromo de San Isidro volverá a convertirse en epicentro de la música global con más de 100 artistas de distintos géneros y orígenes. El anuncio confirmó la presencia de Tyler, The Creator, Sabrina Carpenter y Chappell Roan entre los principales headliners, desatando la cuenta regresiva para uno de los festivales más esperados del 2026.
Lollapalooza Argentina 2026
Viernes 13 de marzo: Tyler, The Creator al frente
El primer día tendrá como figura central al rapero estadounidense Tyler, The Creator, quien presentará Don’t Tap The Glass, su álbum más reciente, donde continúa expandiendo los límites de la experimentación sonora. También se sumará Lorde, que regresa a la Argentina con su nuevo trabajo VIRGIN.
El cartel del viernes incluye además a Turnstile, ícono del punk internacional; la DJ surcoreana Peggy Gou; el japonés ¥ØU$UK€ ¥UK1MAT$U y DJO (Joe Keery). La propuesta se completa con Danny Ocean, Royel Otis, Judeline, Katseye y Balu Brigada, junto con artistas locales como Militantes del Clímax, Victoria Whynot y Mora Fisz.
Sábado 14 de marzo: el debut de Chappell Roan
El segundo día tendrá como gran novedad la primera visita de Chappell Roan, considerada una de las voces más influyentes del pop de vanguardia. Compartirá jornada con Skrillex, referente de la electrónica moderna; Lewis Capaldi, con sus reconocidas baladas; y Paulo Londra, representante del rap argentino. La fecha también suma a Addison Rae, Aitana, Marina, Soledad, TV Girl, LANY, RIIZE y Brutalismus 3000. El abanico artístico incorpora a nuevas figuras como Joaquina, Easykid y TIMØ, consolidando un día que cruzará pop, música urbana y electrónica.
Domingo 15 de marzo: Sabrina Carpenter como cierre del Lollapalooza 2026
La última jornada será encabezada por Sabrina Carpenter, quien regresa al país convertida en una de las artistas pop más influyentes del momento. Tras haber teloneado a Taylor Swift en River en 2023, ahora vuelve como protagonista absoluta y presentará su disco Man’s Best Friend.
Ese mismo día actuarán los históricos Deftones y, por primera vez en Argentina, la rapera estadounidense Doechii. La electrónica tendrá un espacio destacado con Kygo y Ben Böhmer. Además, Interpol celebrará los 20 años de su álbum Antics. El cierre también contará con Ratones Paranoicos, Massacre, Men I Trust, Yami Safdie, The Warning y Reybruja, exponente emergente de la escena local.
Una edición histórica
Con tres días de shows, más de 100 artistas y una convocatoria que promete récords, Lollapalooza Argentina inicia un nuevo capítulo en su historia. Esta edición no solo reafirma su peso cultural, sino que marca un hito: por primera vez reúne diez headliners en el Hipódromo de San Isidro, reforzando la diversidad y la potencia de un festival que cambió la manera de vivir la música en vivo en el país.
La artista argentina Ernestina lanzó oficialmente su álbum debut Espiral con un show sold out en La Tangente el domingo 28 de septiembre. Con un repertorio dividido en tres actos —Ilusión, Espiral y Liberación— y un público entregado que acompañó cada canción, la cantante confirmó su lugar como una de las voces emergentes más prometedoras de la escena musical nacional.
Un debut soñado: La Tangente colmada
El domingo 28 de septiembre quedará grabado como una noche especial para Ernestina y sus seguidores. La presentación oficial de su primer disco, Espiral, se convirtió en un evento inolvidable: entradas agotadas, una sala colmada y un clima de comunión absoluta entre artista y público. Desde el inicio quedó claro que no se trataba de un simple show, sino de una celebración de lo construido hasta ahora y un punto de partida hacia lo que viene.
La Tangente, reconocida por ser un espacio clave para la música independiente en Buenos Aires, se transformó en el escenario perfecto para un debut cargado de intensidad, honestidad y emoción. Allí, Ernestina desplegó un repertorio que dejó al descubierto la riqueza de su universo artístico, acompañada por una audiencia que no dejó de corear cada tema.
Tres actos para un viaje emocional
La estructura del show estuvo dividida en tres bloques que acompañaron la narrativa de Espiral: Ilusión, Espiral y Liberación. Cada uno representó una etapa distinta del recorrido emocional que propone el disco, logrando que la presentación funcionara también como una experiencia conceptual.
En el primer acto, Ilusión, la artista abordó canciones como Alguien, Delirante, Noches despierta y Julieta. Estos temas construyeron un clima íntimo, de complicidad con el público, en el que se pudo percibir la sensibilidad que caracteriza a su propuesta.
El segundo acto, Espiral, se centró en el núcleo del disco. Allí resonaron piezas como Sin peros, Ridículo, No es tan difícil y Resoluciones de año nuevo. Fue el momento de mayor carga emocional, con letras que exponen con crudeza sentimientos ligados al desamor, la vulnerabilidad y la búsqueda de respuestas.
Finalmente, el bloque de Liberación elevó la energía de la noche. Canciones como Relationshipit, INTENSA y el single Pasatiempo —producido por Lucas Cassina y uno de los más coreados por el público— marcaron un cierre explosivo, con el público entregado al baile y la catarsis.
Espiral: un disco íntimo y visceral
El álbum debut de Ernestina, Espiral, es mucho más que una colección de canciones. Se trata de un trabajo profundamente personal, escrito a partir de una ruptura amorosa que la enfrentó con una crisis existencial. En esas letras se percibe un ejercicio de sinceridad brutal, sin filtros, donde conviven el dolor, la contradicción y la esperanza de un renacer.
Producido por Mateo Rodó, el disco reúne diez canciones que se mueven entre el pop rock y un minimalismo cuidado, siempre al servicio de la voz y las palabras de la artista. Esa fusión le otorga un carácter particular: directo, intenso y con un aire fresco dentro de la nueva generación de cantautores argentinos.
Con Espiral, Ernestina logra un retrato honesto de su universo emocional, pero también ofrece canciones que conectan con la experiencia colectiva. Es un álbum que invita a acompañarla en un viaje de transformación donde el amor, la pérdida y la reconstrucción conviven en un delicado equilibrio.
La conexión con el público: el sello de Ernestina
Uno de los aspectos más destacados de la noche fue la entrega total de los fans. Desde el inicio del show, el público cantó cada tema con devoción, generando un ida y vuelta constante con la artista. Esa conexión genuina se percibió tanto en los momentos más íntimos como en los de mayor explosión.
Esa respuesta no es casual: Ernestina se ha ganado un lugar a partir de la honestidad de su propuesta. Sus canciones transmiten verdad y cercanía, lo que genera un vínculo especial con quienes las escuchan. La presentación en La Tangente fue la confirmación de que ese lazo va más allá de la música y se transforma en comunidad.
Una nueva voz en la escena musical argentina
La irrupción de Ernestina con Espiral la posiciona como una de las artistas emergentes más interesantes de la actualidad. Con un estilo propio, letras que no temen mostrar fragilidad y una presencia escénica arrolladora, su propuesta se diferencia dentro del panorama del pop rock argentino.
Su voz sensible, sumada a una interpretación cargada de emoción, la convierten en una cantante capaz de transmitir mucho más que notas: logra generar empatía y complicidad con quien escucha. Esa combinación la perfila como una figura con gran proyección, tanto en el circuito independiente como en escenarios de mayor alcance.
Lo que viene: un futuro prometedor
La presentación en La Tangente fue apenas el inicio de una etapa que promete crecimiento y consolidación. Con Espiral ya disponible en todas las plataformas digitales, la artista buscará expandir su alcance a nuevas audiencias y llevar su música a distintos escenarios del país.
El camino de Ernestina recién comienza, pero su debut muestra un horizonte cargado de posibilidades. Su capacidad para transformar experiencias personales en canciones universales es, sin duda, uno de sus mayores atributos. Lo vivido el 28 de septiembre es solo el primer capítulo de una historia que tiene mucho por contar.
Hablar de Soda Stereo es hablar de historia viva del rock en español. La banda que revolucionó la música latinoamericana, liderada por Gustavo Cerati junto a Zeta Bosio y Charly Alberti, sigue siendo referente indiscutible de innovación, vanguardia y emoción colectiva. Aunque Gustavo ya no esté físicamente, su esencia permanece tan fuerte como siempre. Ahora, con ECOS, los seguidores tendrán la posibilidad de reencontrarse con la magia que convirtió a Soda en un fenómeno cultural único.
El espectáculo fue anunciado oficialmente para el 21 de marzo de 2026 en el Movistar Arena de Buenos Aires, un lugar que se ha consolidado como epicentro de los grandes shows internacionales. El concepto es claro: no se trata de un tributo ni de un homenaje convencional. Tampoco es una película ni un show con invitados. ECOS será una experiencia en vivo, con la fuerza de Soda Stereo en el escenario y el respaldo de la tecnología más innovadora para dar vida a un reencuentro que parecía imposible.
Ecos, una propuesta inmersiva que combina nostalgia y futuro
El anuncio llega con una promesa contundente: “Imaginemos un lugar donde lo irreal se vuelve real, donde nos transportamos a momentos soñados y los deseos se convierten en realidad”. Esa es la esencia de ECOS. Gracias a recursos tecnológicos de última generación, el espectáculo ofrecerá una puesta en escena sin precedentes que permitirá que Gustavo, Charly y Zeta vuelvan a compartir el escenario. El resultado será una vivencia que mezclará lo emocional con lo sensorial, acercando a nuevas generaciones y reafirmando el legado de la banda.
El propio lema que acompaña la campaña lo resume en pocas palabras: “Soda = Vanguardia”. Una declaración que encaja con la historia del grupo, siempre adelantado a su tiempo en lo musical, lo estético y lo conceptual. ECOS no será la excepción: más que un concierto, será un viaje hacia lo más profundo del universo Soda.
Preventa y entradas: todo lo que hay que saber
Uno de los puntos más esperados por los fanáticos es el acceso a las entradas. La preventa exclusiva para clientes de Banco Galicia con tarjetas VISA comenzará el martes 30 de septiembre y se extenderá hasta agotar stock. Como beneficio adicional, se podrán adquirir los tickets en 6 cuotas sin interés a través de la web oficial del Movistar Arena: movistararena.com.ar.
Se trata de una oportunidad limitada, por lo que se espera que la demanda sea altísima. Los cupos serán restringidos y la expectativa generada por el anuncio anticipa que las entradas podrían agotarse en pocas horas. Para quienes no logren acceder en preventa, más adelante se anunciará la venta general.
Soda Stereo: la banda que nunca se fue
A más de tres décadas de su formación, Soda Stereo sigue siendo un fenómeno cultural en toda Latinoamérica. Sus canciones no solo marcaron una época, sino que lograron atravesar generaciones. Temas como De música ligera, Persiana americana, En la ciudad de la furia o Cuando pase el temblor son parte del ADN musical de millones de personas.
Aunque la despedida oficial llegó en 1997 y la reunión en 2007 significó un hito irrepetible, Soda Stereo nunca dejó de estar presente. Su influencia se mantiene viva en artistas contemporáneos, en las playlists de jóvenes que descubren sus discos por primera vez y en la memoria colectiva de quienes vibraron en sus conciertos. Con ECOS, la banda refuerza esa idea: Soda Stereo nunca se fue, simplemente se transformó.
La importancia del Movistar Arena en este regreso
El Movistar Arena de Buenos Aires es hoy una de las salas más modernas y tecnológicamente avanzadas de América Latina. Su infraestructura permite producciones de gran escala, lo que lo convierte en el escenario ideal para un show como ECOS. La combinación de sonido envolvente, pantallas de última generación y una capacidad pensada para la cercanía con el público lo transforma en el lugar perfecto para vivir un espectáculo inmersivo.
No es casual que Soda lo haya elegido: el recinto asegura la posibilidad de desplegar todo el potencial visual y sonoro que requiere una propuesta tan ambiciosa.
La expectativa de los fans
Desde que se difundió el anuncio en redes sociales, la expectativa explotó. Los hashtags oficiales #SodaStereo y #ECOS2026 se volvieron tendencia en pocas horas, confirmando que la conexión de la banda con su público sigue intacta. Las reacciones muestran un abanico de emociones: desde la nostalgia de quienes vivieron los grandes shows de los 80 y 90, hasta la ansiedad de los más jóvenes que tendrán su primera experiencia en vivo con Soda.
Muchos seguidores lo definen como un sueño hecho realidad, una oportunidad única para revivir sensaciones que parecían perdidas. Otros destacan la valentía de la propuesta: apostar a un show sin invitados ni tributos, sino con la esencia pura de Soda en escena.
Un legado eterno que sigue expandiéndose
Soda Stereo no solo dejó un catálogo de canciones inolvidables, sino que también abrió caminos en la forma de pensar la música en español. Su capacidad para fusionar estilos, su visión artística y su audacia marcaron a varias generaciones de músicos. Con ECOS, la banda demuestra que su legado no es estático, sino que puede expandirse en nuevas formas de expresión que combinan tecnología, arte y emoción.
Este espectáculo será, sin dudas, un acontecimiento histórico para la música latinoamericana. Una oportunidad de volver a latir con la fuerza de una banda que cambió para siempre la manera de entender el rock en español.
La ciudad de La Plata volvió a convertirse en el epicentro de la música argentina con la segunda fecha de Noches Capitales 2025, el festival que reúne a los artistas más destacados del país y que este año promete una temporada inolvidable. En esta ocasión, el gran protagonista fue YSY A, uno de los máximos referentes de la escena urbana, que desató la locura en el Hipódromo de La Plata con su Trampa al Tiempo Tour. Miles de fanáticos se acercaron para disfrutar de un show arrollador que confirmó por qué el rapero es considerado una de las figuras más influyentes del movimiento urbano latinoamericano.
YSY A encendió la segunda noche de Noches Capitales
El Hipódromo de La Plata se transformó en una fiesta total con un recital que repasó lo mejor de la trayectoria de YSY A. Con un setlist de 30 canciones, el artista combinó sus clásicos con los temas de su reciente disco Trampa al Tiempo. Sonaron hits como “Duele”, “Como chilla ella”, “Traje unos tangos” y “Dormir es para giles”, todos coreados por un público que acompañó con euforia cada palabra.
El rapero, que comenzó su camino en el freestyle con el histórico El Quinto Escalón, demostró una vez más su versatilidad y su capacidad de improvisación. Dueño de un estilo único que fusiona géneros y rompe moldes, YSY A se consolidó como uno de los nombres más potentes de la música urbana actual. Su show en Noches Capitales La Plata 2025 fue un despliegue de energía, luces, visuales y un ida y vuelta permanente con los fans.
La Plata, punto de encuentro de la música argentina
Con esta segunda fecha, el festival reafirma su lugar como uno de los grandes encuentros musicales del país. Noches Capitales 2025 en el Hipódromo de La Plata arrancó con una apertura de lujo: Los Fabulosos Cadillacs celebrando sus 40 años de carrera ante una multitud. Ahora, la performance de YSY A confirma que el ciclo es mucho más que un festival: es un ritual sonoro que atraviesa generaciones y estilos, y que se convirtió en cita obligada para los amantes de la música en vivo.
Durante su show, YSY A sorprendió a sus seguidores anunciando su regreso a Mandarine Park el 29 de noviembre, noticia que desató otra ola de entusiasmo entre los presentes.
Una grilla con lo mejor de la música nacional
La edición 2025 de Noches Capitales no se detiene y todavía queda mucho por disfrutar. La agenda del festival trae consigo una lista de artistas que abarcan distintos géneros y que prometen noches inolvidables en La Plata:
18 de octubre: Los Auténticos Decadentes (Tour 30 años de Mi Vida Loca)
1 de noviembre: Abel Pintos (Gracias a la vida)
15 de noviembre: Peces Raros (Gira Artificial)
28 y 29 de noviembre: Miranda! (Hotel Miranda!)
6 de diciembre: Andrés Calamaro (Tour 2025)
13 de diciembre: Guasones (Gira Nacional 2025)
Con esta cartelera, el Hipódromo de La Plata se consolida como uno de los escenarios más importantes del país, recibiendo a artistas consagrados y propuestas innovadoras que marcan el pulso de la música argentina.
Entradas y sistema cashless
Las entradas para Noches Capitales 2025 están disponibles a través de Livepass, con la posibilidad de pagar en 4 cuotas sin interés con Banco Provincia. Además, el festival implementa un sistema cashless, pensado para agilizar consumos dentro del predio. Los asistentes pueden precargar dinero en la billetera virtual de Noches Capitales y utilizarlo en puestos de gastronomía y merchandising durante todas las fechas. En caso de quedar saldo, puede reutilizarse en futuros shows o solicitar la devolución online.
Un festival que celebra la identidad musical argentina
El Hipódromo de La Plata se ha convertido en un espacio único para este ciclo: su historia patrimonial y su amplitud lo transforman en el lugar ideal para vivir experiencias colectivas. Con estacionamiento propio, una variada propuesta gastronómica, sectores VIP y activaciones artísticas, Noches Capitales ofrece una experiencia integral para quienes buscan disfrutar de la música en vivo con comodidad y seguridad.
Desde su debut en 2024, el festival dejó una huella en la escena cultural al reunir a artistas de distintos géneros como Él Mató a un Policía Motorizado, Cuarteto de Nos, Dillom, Peces Raros, Usted Señalemelo, Ca7riel & Paco Amoroso, entre otros. En esta nueva edición, la propuesta se amplía y consolida, celebrando la diversidad y el talento de la música argentina.
La banda argentina de rock reybruja lanzó su esperado primer álbum de estudio, Gustar y Ofender, con una presentación explosiva en The Roxy Live que reunió a cientos de seguidores. Con fechas confirmadas en Uniclub, El Emergente, una gira por Argentina y Uruguay, y su participación en el Lollapalooza 2026, el grupo continúa consolidándose como una de las propuestas más potentes del nuevo rock nacional.
Un inicio arrollador con disco debut y público en ascenso
El camino de reybruja en la escena del rock argentino ha sido vertiginoso. En apenas dos años lograron un recorrido que muchas bandas tardan más de una década en construir. Desde sus primeras presentaciones en el circuito under hasta el lanzamiento de Gustar y Ofender, su primer disco de larga duración, la agrupación demuestra que llegó para quedarse.
El debut del álbum fue celebrado a lo grande en The Roxy Live, donde la sala se vio colmada de fans y prensa especializada. Más de 200 personas quedaron afuera, un dato que refleja el crecimiento del grupo y la expectativa que generan en cada show. Ahora, con la energía en su punto más alto, reybruja se prepara para una serie de conciertos que los llevará por distintos puntos de Argentina y Uruguay: CABA, Zárate, Bahía Blanca, Rosario, Montevideo y un hito especial en marzo de 2026, cuando formen parte de la grilla del Lollapalooza Argentina.
Presentaciones confirmadas: Uniclub y El Emergente
El calendario inmediato de reybruja marca dos fechas imperdibles en Buenos Aires. El viernes 31 de octubre se presentarán en Uniclub y el viernes 14 de noviembre será el turno de El Emergente. Ambos shows serán clave para seguir mostrando en vivo las canciones de Gustar y Ofender, en un contacto directo con el público que se ha convertido en el motor de su crecimiento.
La experiencia del vivo es, de hecho, uno de los puntos fuertes de la banda. Desde sus inicios se apoyaron en la potencia de sus presentaciones para construir comunidad y sumar seguidores, consolidando un vínculo que ahora encuentra su mejor expresión en escenarios de mayor envergadura.
Gustar y Ofender: un disco que refleja la identidad de la banda
El álbum debut de reybruja, Gustar y Ofender, está disponible en todas las plataformas digitales y muestra una clara intención artística: rescatar la tradición del rock nacional, pero con una mirada renovada y actual. El disco fue producido por Mauro De Tommaso, grabado en El Mejor Estudio por Javier Caso, Augusto Flores, Manuel Gattoni y Panda Elliot, y mezclado y masterizado por Santiago De Simone (7AMmixing).
La producción cuidada y la potencia de las canciones logran un equilibrio entre crudeza y sofisticación, dejando en claro que reybruja no pretende imitar, sino crear su propio lenguaje a partir de influencias reconocibles.
Tracklist de Gustar y Ofender
Chica Saavedra
El Atrevido
El Jugador
El Peaje
La Novedad
Libertarios
Piso 20
Pocamonta
Que se la Banquen
RNA
Te Advertí que No Me Dejaras Pisar las Flores
Virgencitas y Malvones
Yirando en el Mood
Cada canción aporta una faceta distinta de la propuesta, con letras cargadas de ironía, crítica social y sensibilidad urbana. Desde la energía desafiante de El Atrevido hasta la introspección de Virgencitas y Malvones, el disco construye un recorrido sonoro diverso que refuerza la identidad de la banda.
Dos años de crecimiento imparable
A casi dos años de su primer show, reybruja acumula un historial impresionante: más de 80 presentaciones en vivo, de las cuales más de 50 tuvieron lugar en 2024, un año clave para su consolidación en el circuito. La Ciudad de Buenos Aires y distintos puntos de la Provincia fueron testigos de ese recorrido, que les permitió construir una base sólida de público y generar una identidad fuerte dentro del rock emergente.
En 2023 ya habían dado un primer paso con el lanzamiento de Supereestrellas del barrio, un EP de cinco canciones que delineó la dirección que seguirían: un revival del rock nacional de los años ‘80, ‘90 y ‘00, con letras potentes y guiños a las influencias históricas del género. Ese material anticipó lo que hoy cristaliza Gustar y Ofender: un disco con peso propio, que no se limita a homenajear el pasado sino que busca aggiornarlo y proyectarlo hacia adelante.
Influencias y estilo: un revival con identidad propia
Lo que distingue a reybruja dentro de la escena es su capacidad para tomar referencias del rock nacional clásico sin caer en la mera imitación. En sus canciones aparecen ecos de las grandes bandas argentinas, pero con un sonido contemporáneo que conecta con nuevas audiencias.
Las guitarras filosas, la base rítmica contundente y los teclados envolventes conforman un estilo que resulta familiar pero renovado. Las letras, cargadas de imágenes urbanas y relatos cotidianos, aportan un sello personal que reafirma la autenticidad de la propuesta.
Integrantes de reybruja
La formación de la banda es clave para entender la solidez del proyecto:
Enzo Lupo (voz)
Juan Manuel Fombella (guitarra y voz)
Lautaro Satalino (guitarra)
Andrés Human (bajo)
Sergio Peluso (batería)
Rodrigo Martini (teclados)
Cada integrante aporta su impronta al sonido colectivo, logrando un balance entre energía, precisión y emoción que se refleja tanto en el estudio como en el escenario.
Proyección: del under al Lollapalooza
La confirmación de reybruja en el Lollapalooza Argentina 2026 es un punto de inflexión en su carrera. Se trata de un festival de alcance internacional que los pondrá frente a miles de espectadores y que representa una plataforma ideal para expandir su público. Esa oportunidad, sumada a la gira por ciudades argentinas y Montevideo, muestra que el futuro inmediato de la banda está cargado de desafíos y de crecimiento.
“La vida era más corta” confirma a Milo J como uno de los artistas más singulares y visionarios de la nueva generación argentina. Con una propuesta que trasciende géneros y fronteras, el álbum se presenta como una obra conceptual, emocional y profundamente arraigada en la identidad regional.
Producido por el propio Milo J, Tatool y Santiago Alvarado, el disco despliega un recorrido de 15 canciones que entrelazan lo ancestral con lo contemporáneo. La narrativa se construye desde lo íntimo y lo colectivo, con una lírica que habla de tiempo, memoria, cicatrices y transformación.
Las colaboraciones elevan el carácter artístico del proyecto de Milo J. Participan referentes históricos como Cuti y Roberto Carabajal, íconos del folklore argentino, y la inolvidable Mercedes Sosa, cuya voz aparece en fragmentos de estudio, que resuenan como un rezo.
También se destacan Trueno y Soledad Pastorutti, dos figuras esenciales de la música y la cultura contemporánea argentinas, arraigadas desde la escena local hacia el mundo.
Se suman voces como la de la cantautora Paula Prieto, que aporta profundidad y sensibilidad, y la chilena AKRIILA, quien agrega un tinte moderno y disruptivo al universo del disco.
El legendario Silvio Rodríguez, figura exponencial de la música cubana, aporta su delicadeza única, mientras que nuevas voces como Radamel traen frescura y fuerza interpretativa a esta obra que celebra la riqueza artística de la región. Además, artistas como Nicki Nicole, Yami Safdie y Agarrate Catalina participaron en arreglos vocales que suman textura y diversidad.
El álbum incorpora cánticos de pueblos originarios, que refuerzan la conexión con las raíces y la identidad nacional, además de sonidos de otros rincones de Sudamérica, fusionados con una producción moderna y contemporánea. Bandoneones, guitarras criollas, voces ancestrales y texturas digitales conviven en armonía, dando forma a una obra que honra las raíces sin caer en lo tradicional.
TRACKLIST – “LA VIDA ERA MÁS CORTA” de Milo J.
Bajo de la piel
Niño
Gil – Trueno
Ama de mi Sol
Solidifican12
Lucía – Soledad Pastorutti
MmmM – Paula Prieto
Llora Llora – AKRIILA
Recordé
Cuando El Agua Hirviendo
La Vida Era Más Corta
Radamel – Radamel
El invisible – Cuti y Roberto Carabajal
Luciérnagas – Silvio Rodríguez
Jangadero – Mercedes Sosa
La propuesta visual del álbum refuerza su dimensión narrativa. Los visualizers, grabados en Suncho Corral y Villa Atamisqui en Santiago del Estero, rompen con los estereotipos folklóricos proponiendo una perspectiva actual y esencialmente humana. Con estética cinematográfica y casting real de pobladores locales, cada pieza audiovisual funciona como extensión emocional de las canciones, sumando capas de memoria, identidad y resistencia.
Uno de los visuales más conmovedores (“Bajo de la piel”) fue filmado en un cementerio ancestral, donde las cicatrices —protagonistas en lo simbólico— representan vidas largas que quizás deberían haber sido más cortas.
“Todos los que participaron nos vinieron a agradecer y nos contaron que gracias a esta iniciativa ahora el mundo se iba a enterar que esas personas existieron y siguen existiendo en nuestras memorias, en las canciones y en las reuniones”, explica. Milo J.
“Para mi familia, Santiago del Estero tiene mucho significado. La abuela de mi mamá, quien la crió, era santiagueña y se vino a los 12 años para Buenos Aires a construir una nueva vida porque allá todo es muy difícil y hay de todo menos oportunidades. Y es por eso que por este medio sigo escribiendo esta historia”, agrega el artista.
“LA VIDA ERA MÁS CORTA” es una obra que mezcla elementos sonoros nacionales con una estética moderna y exportable. Un viaje musical que recorre sonidos folklóricos y tangueros, bandoneones y cánticos originarios. Es un disco que abraza la cultura argentina y la trae al presente, reinterpretando sus expresiones desde un lugar honesto, actual y profundamente emocional.
ACERCA DE MILO J
Camilo Joaquín Villarruel, artísticamente conocido como Milo J, es un artista incomparable que deja insuficiente la palabra meteórica para describir su carrera. Alcanzado éxitos y colaboraciones con artistas que trascendieron generaciones que forman parte de nuestra identidad cultural, como Nito Mestre.
Su historia comienza el 25 de octubre de 2006 en el barrio San José de Morón, Provincia de Buenos Aires. El tercero de los cuatro hijos de Aldana Ríos comenzó a explorar la música entre sus 8 y 9 años junto a su hermana mayor, Alma. Componiendo y compitiendo en batallas de freestyle desde los 11 años. En su casa se escuchaban temas de folklore argentino, intercalados con el punk y el rock del momento, el rap y el hip hop. Son los géneros que más lo han influenciado y se asoman en su música. Pero también ha explorado corridos tumbados, baladas y ritmos tropicales. Su precisión y lírica que se debate entre la calle y la poesía lo han llevado a cumplir metas ambiciosas durante décadas de carreras por otros artistas.
Milo J entró a su primer estudio de grabación a los 13 años y comenzó a difundir sus canciones en 2021 desde su comunidad Bajo West. La confianza y la admiración de sus amigos lo habían llevado hasta ahí. En agosto de 2022, lanzó “Milagrosa”, una canción que se volvió viral en TikTok y consolidó su nombre dentro de la escena urbana Argentina, pero fue “Rara Vez”, la que demostró en 2023 que no se trataba de suerte. Ese mismo año, estrenó su EP debut “511” (abril 2023), con temas como “FLA” y “Al Borde”. En octubre de ese año lanzó “En Dormir sin Madrid”, un EP colaborativo con Bizarrap que incluía la icónica BZRP Music Sessions, Vol. 57 y exploró otros géneros del trap latino, hip hop y música urbana.
El mismo se posicionó en el top charts de países como España, alcanzando #31 en el Billboard Global 200. Siendo la primera vez que Bizarrap lanzaba un EP junto a un artista. Un mes después estaría lanzando “111”, su primer álbum de estudio, con colaboraciones como Yahritza y Su Esencia, Peso Pluma, Yami Safdie y Nicki Nicole, con quien hoy comparte un vínculo de hermandad artística. De hecho, su anterior colaboración, “Dispara***”, con esta última artista Argentina, lo convirtió a sus 16 años en el artista más joven en ser nominado a los Latin Grammy. Donde, durante la presentación de las tres sesiones más icónicas de Bizarrap, irrumpió en escena con una de sus canciones “Hoy me voy al sol” junto a la clásica murga uruguaya Agarrate Catalina.
En 2024, su ascenso siguió: ganó el primer Premio Gardel a Mejor Nuevo Artista de su carrera, y su colaboración “Fruto” con Bizarrap obtuvo el Gardel a Mejor canción urbana. También fue nominado a los Heat Latin Music Awards (Mejor artista Región Sur), Premios Lo Nuestro (Artista revelación masculino) y Premios Juventud.
El 11 de julio de 2024, Milo J lanzó su segundo álbum de estudio 166, un homenaje a la Línea 166 del transporte público que atraviesa Morón, símbolo íntimo de su recorrido personal. El disco cuenta con 12 canciones, con colaboraciones como Morad, CRTrap y Kelo Ke, el disco fue acompañado por videoclips para cada canción y cuenta su historia de principio a fin.
El tema “3 pecados después…” que comienza con la polémica frase de Charly García en los Premio Gardel de 2018 “Quiero dedicar este premio a Carlos Gardel, María Gabriela Epumer, el flaco Spinetta, el negro García López, Prince, Cerati y hay que prohibir el autotune, muchas gracias” acumuló más de 95 millones de streams y obtuvo nominación a Mejor canción del año y Mejor canción urbana. Además, el deluxe titulado “166 (deluxe) Retirada” vió la luz el 12 de febrero de 2025.
El 25 de octubre de 2024, festejó su cumpleaños número 18 ofreciendo un concierto sold-out en el Estadio Nuevo Francisco Urbano de Morón, con más de 30 mil espectadores, la grabación se publicó en YouTube/Spotify como el álbum en vivo 18 (En Vivo Estadio de Morón) y también recibió nominación a “Mejor videoclip largo”.
En enero de 2025, apenas tres años después de su debut en YouTube, agotó el Palau Sant Jordi (Barcelona), una hazaña pocas veces vista. Poco después, se presentó en el Palacio de los Deportes de Madrid con su álbum 166.
Este agosto de 2025, Milo J se convirtió en uno de los artistas de Sony Music Latin, listo para seguir creando, soñando y volando.
“El viento trae las preguntas”, de esta forma Los Cafrespresentan su nuevo single “Las Preguntas” y ahondan en esta canción a la curiosidad como motor de vida.
“Las Preguntas” es el sucesor de «Viento”, editada en el mes de marzo y que fue una bocanada de aire que invita a un viaje profundo hacia la transformación personal y la celebración de la vida.
Las preguntas son expresiones lingüísticas que solicitan información, conocimiento o una respuesta sobre algún tema o incógnita.
Se formulan con la expectativa de recibir una contestación que aclare lo desconocido.
Son una herramienta fundamental para el aprendizaje, la comunicación, la innovación y para generar reflexión, ya que estimulan la curiosidad y abren la puerta a nuevos puntos de vista.
En palabras de Guille Bonetto: “Conozco a Claudio (Illobre) hace casi 40 años y nunca deja de sorprenderme su talenteo. En ‘Las Preguntas’ mantiene vigente y renueva esa premisa.
Que la magia y potencia de lo simple, aplicada con maestría, es arrolladora y este relajado mantra lo demuestra”.
Claudio Illobre por su parte define en precisas palabras: “La curiosidad como motor de vida: somos Las preguntas”.
Show en Vorterix para despedir el 2025
Los Cafres, la banda fundacional de reggae roots en español, despide el año el viernes 12 de diciembre en el Teatro Vorterix (Av. Federico Lacroze 3455), en lo que será un show imperdible y especial.
El viernes 19 de septiembre, salió a la venta el vinilo doble del primer álbum de la banda: “Frecuencia Cafre”, el primer disco de reggae roots en español, en una edición especial que festeja el 30° aniversario de su lanzamiento.
Editados por PopArt Discos y con distribución de DBN, los vinilos serán de 180 gramos y tendrán un arte especial. Además, a diferencia de la edición en vinilo de 2014, en esta ocasión el tracklist estará completo.
Pero esto recién empieza, porque se está trabajando en todos los álbumes de Los Cafres para lograr una mezcla y mastering con un sonido fiel al formato, e ir lanzándolos en el futuro.
Las velas no se apagan. Ardiendo nos vemos. Y nos escucharemos.
Próximas presentaciones de Los Cafres:
27-9 | Reciclarte Pilsen 2025 | Paraguay 11-10 | Villa Gesell | Argentina 7-11 | Cajamarca | Perú 8-11 | Lima | Perú 13-11 | León | México 14-11 | Guadalajara | México 15-11 | Tijuana | México 20-11 | Pachuca | México 21-11 | Monterrey | México 22-11 | CDMX | México 23-11 | San Luis | Potosí | México 12-12 | Buenos Aires | Argentina
Con conciertos en Barcelona, Ibiza, Mallorca, Madrid y Málaga, Aukan presentará su nueva música ante el público ibérico, junto a los artistas españoles Y9 y Javi de Castro. Aukan es, sin dudas, uno de los referentes del hip hop emergente de Argentina que más creció en los últimos tiempos. Luego de lanzar su nuevo single, “Lucidez”, el artista anunció un tour que lo llevará en el mes de octubre por España. Con conciertos en Barcelona, Ibiza, Mallorca, Madrid y Málaga, Aukan repasará su discografía ante el público ibérico en fechas conjuntas con los músicos locales Y9 y Javi de Castro.
Las fechas de la gira de Aukan son:
BARCELONA – 9 de octubre en Lucky Schmuk BARCELONA – 10 de octubre en Pitch Club IBIZA – 12 de octubre en Jazztabé MALLORCA – 13 de octubre en La Movida MADRID – 14 de octubre en Casa Brava MÁLAGA – 16 de octubre en Sala Marte
SOBRE AUKAN
Aukan es un rapero y compositor argentino, del barrio porteño de Colegiales. Desde muy temprano tuvo contacto con la música y el rap llegó a sus oídos cuando tenía sólo 5 años. Sus referentes en la música son Tupac Shakur, Andre Benjamin, Snoop Dogg y Eminem entre otros.
Hizo su debut musical con el single «25 inviernos» en el 2020, al poco tiempo pudo lanzar su primer featuring junto a Nucleo aka Tinta Sucia, referente y pionero del Rap Argentino. En junio de 2022 lanzó su primer disco, RCP: un álbum de Rap y Trap conceptual, una propuesta que incluye sonidos de otros géneros musicales y busca lograr una fusión para generar una personalidad original y propia.
En 2023, además de editar dos singles, “Volá libre” y “Mente astuta”, Aukan realizó una sesión en vivo con cuatro canciones que expresan su poderosa identidad musical, donde transita diferentes ritmos y propuestas. La sesión completa se puede ver en su canal de YouTube.
Durante 2024 el artista anticipó su nuevo disco en plataformas con el single “Amigos Imaginarios”. Además, en un potente show en La Tangente, presentó en vivo más canciones que formarán parte de su próximo álbum, además de recorrer sus trabajos anteriores.
El cantautor uruguayo Jorge Drexlervuelve a sorprender con un estreno que mezcla poesía, música y un mensaje profundamente humano. Su nueva canción, titulada “El fin y el medio”, nace de la necesidad de expresar dolor, rabia y reflexión frente a las injusticias que atraviesa el mundo actual. Con esta obra, el ganador del Oscar y múltiples premios Grammy Latino reafirma su lugar como uno de los artistas más sensibles y comprometidos de la música iberoamericana.
“El fin y el medio”: un grito contra la injusticia
La letra de “El fin y el medio” interpela de manera directa a las audiencias. A través de versos punzantes, Drexler expone la idea de que ninguna causa, ideología o poder puede justificar la pérdida de vidas inocentes.
El propio artista lo resume en uno de los fragmentos más potentes de la canción:
“No hay signo, no hay bando, no hay ideología ni misterio. No hay un solo fin que justifique cualquier medio”.
La pieza refleja tanto la rabia contenida ante la injusticia como la reivindicación de la justicia y la razón por encima de los intereses políticos o económicos.
El proceso creativo: una canción que esperó su momento
Jorge Drexler compartió que comenzó a escribir esta canción hace varios años, aunque recién pudo terminarla hace poco. Según sus propias palabras, las canciones “tienen su propio tiempo” y aparecen cuando deciden hacerlo.
“Me hubiera gustado terminarla antes, pero solo recientemente conseguí completar la idea tal como quería”, explicó el artista.
Un detalle especial es que la música fue compuesta por Pablo Drexler, hijo del cantante, lo que convierte a “El fin y el medio” en la primera canción escrita en conjunto entre ambos. Este dato añade un valor emocional y artístico extra, ya que muestra el legado musical que continúa en la familia Drexler.
Producción y músicos invitados
La canción fue escrita por Jorge y Pablo Drexler, y producida por Jorge Drexler, Lucas Piedracueva y Tadu Vázquez. La mezcla estuvo a cargo de Carles «Campi» Campón, mientras que la masterización fue realizada por Fred Kevorkian.
En cuanto a la instrumentación, participaron:
Facu Balta en teclados
Tadu Vázquez en programaciones
Borja Barrueta con percusión en mesa
Nasrine Rahmani en percusión flamenca
y el propio Jorge Drexler en voz y guitarra
Este ensamble de músicos otorga a la canción una textura sonora rica y emotiva, que acompaña y potencia el mensaje de la letra.
Jorge Drexler y su compromiso con la música con sentido
A lo largo de su carrera, Jorge Drexler se ha caracterizado por abordar en sus canciones temas que van más allá de lo puramente musical. Con obras como Al otro lado del río, Movimiento o Universos paralelos, el uruguayo ha demostrado que la música puede ser vehículo de reflexión, denuncia y esperanza.
En el caso de “El fin y el medio”, se trata de un mensaje directo que interpela no solo al ámbito artístico, sino también al social y político: la vida humana como valor absoluto, más allá de cualquier frontera, ideología o poder.
El grupo Márama, uno de los mayores exponentes de la cumbia pop uruguaya, vuelve a conquistar al público con un nuevo lanzamiento que confirma su evolución artística y su vigencia en la escena musical. La banda presentó “Decepción”, un sencillo que sorprende con la participación especial deÁngela Leiva, referente indiscutida de la música tropical en la Argentina.
La canción combina la frescura característica de Márama con la potencia vocal de Leiva, generando un resultado conmovedor que ya despertó la emoción de miles de fanáticos en las plataformas digitales.
“Decepción”: la fusión de estilos entre Márama y Ángela Leiva
El tema “Decepción” es mucho más que una colaboración. Se trata de un encuentro entre dos universos musicales que dialogan y se potencian. Márama, con más de diez años de trayectoria y una identidad consolidada en la cumbia pop rioplatense, aporta el ritmo fresco y contagioso que lo caracteriza. Ángela Leiva, por su parte, suma una interpretación profunda, cargada de sensibilidad y fuerza.
“Queríamos hacer algo que tocara el corazón, que hablara de lo que sentimos hoy como artistas”, explicaron los integrantes de Márama al momento del estreno. La voz de Leiva logra amplificar ese propósito, con matices que refuerzan el dramatismo y la emoción de la letra.
“Fue un honor cantar con ellos. Hay algo muy genuino en lo que hacen, y eso se siente”, señaló la cantante argentina, cuya participación aporta un valor diferencial al proyecto.
Márama: una década de trayectoria y renovación constante
Desde su irrupción en la escena a mediados de la década de 2010, Márama se convirtió en sinónimo de cumbia pop uruguaya, conquistando no solo a su país sino también a la Argentina y otros mercados de la región. Con hits como Loquita, La Quiero a Morir y Noche Loca, la banda marcó una generación que encontró en su música una banda sonora para momentos de alegría, fiesta y emoción.
Hoy, con más de diez años de carrera, Márama demuestra que sigue en plena forma. Este nuevo sencillo refleja una madurez artística que conserva la esencia bailable y popular del grupo, pero también se anima a explorar nuevas texturas y emociones. Esa búsqueda constante es la que le permite mantenerse vigente en un mercado musical en permanente cambio.
El impacto del lanzamiento en redes y plataformas digitales
El estreno de “Decepción” no pasó desapercibido. En cuestión de horas, los seguidores de Márama y Ángela Leiva hicieron tendencia el lanzamiento en redes sociales, compartiendo fragmentos de la canción y celebrando esta unión inesperada pero sumamente efectiva.
Los fanáticos destacan la química entre ambos estilos y la autenticidad que transmite la interpretación conjunta. En YouTube, Spotify y otras plataformas, la canción comenzó rápidamente a sumar miles de reproducciones, confirmando el entusiasmo del público por esta propuesta.
Una colaboración que enriquece la música popular
La unión entre Márama y Ángela Leiva refleja un fenómeno interesante dentro de la música popular del Río de la Plata: la capacidad de artistas de distintos géneros y trayectorias para encontrarse en un mismo proyecto. La cumbia pop uruguaya y la música tropical argentina dialogan en “Decepción” de manera natural, mostrando que la diversidad sonora puede dar lugar a productos artísticos de gran calidad y masiva aceptación.
Además, esta colaboración reafirma la importancia de seguir construyendo puentes entre Uruguay y Argentina, dos países con tradiciones musicales estrechamente ligadas, que se nutren y potencian mutuamente.
Con “Decepción”, Márama da un paso más en su camino artístico y confirma que su música sigue emocionando y evolucionando. La participación de Ángela Leiva no solo aporta un plus vocal, sino que también abre nuevas posibilidades para la banda, que demuestra estar lista para seguir sorprendiendo a su público con propuestas frescas y genuinas.
La canción ya se perfila como uno de los lanzamientos destacados del año en la música popular del Río de la Plata, consolidando a Márama como un referente indiscutible de la cumbia pop y a Ángela Leiva como una de las voces más poderosas y queridas de la Argentina.
