La artista puertorriqueña iLe, ganadora del Latin GRAMMY, ha lanzado su nuevo sencillo “El Verdugo”. La canción, escrita originalmente por Tite Curet Alonso, fue popularizada por La Lupe en 1974. “El Verdugo” sirve como adelanto del nuevo álbum de iLe, “Como Las Canto Yo”, que está disponible.
“Verdugo’’ simboliza a esa persona que quiere ‘matar’ la relación como un ejecutor,pero la ‘víctima’ no se siente amenazada porque puede ver a través de él, y eso cambia todo”, explica iLe. “Ella se aleja de la relación y recupera su poder al elegir estar sola, mientras el verdugo sufre su felicidad”, añade.
El álbum “Como Las Canto Yo” es un proyecto de versiones dedicado a los boleros favoritos de iLe. Fue co-producido por la propia artista junto a Ismael Cancel. “Soñé con grabar este disco desde que tenía unos 13 años”, dice iLe desde San Juan. “Siempre me han encantado los boleros, especialmente cuando era adolescente. En casa escuchábamos mucha salsa y rock, pero mi papá me presentó estas cancionesbrutales sobre amores no correspondidos que conectaban totalmente con el drama demi propia adolescencia. Me encantaba la pasión de los boleros: disfrutaba cantarlos,expresar los sentimientos e intentar entenderlos.
Lejos de ser predecibles, sus interpretaciones de estos clásicos ofrecen variaciones sutiles mientras aborda las melodías con reverencia y elegancia. En todo caso, “ComoLas Canto Yo” revela la profunda comprensión que iLe tiene del misticismo del bolero. Es una sesión elegante, marcada por un sonido impecable y una voz extraordinaria — hermosa e impredecible— que será recordada por décadas como una de las más trascendentes de su tipo.
Desde la aterciopelada joya “Llanto de luna” de Gilberto Monroig, hasta la explosiva “Puro teatro” de La Lupe, obra magistral del ícono puertorriqueño Tite Curet Alonso, la selección de canciones ilustra la amplitud del conocimiento de iLe y su incomparable comprensión de la estética del género.
“ La mayoría de la gente asocia los boleros con orquestaciones sofisticadas”, explica iLe. “Pero cuando sales a la calle, también los ves interpretados con guitarras. Quiseque el álbum tuviera esa energía bohemia, auténtica y callejera. Hay algo crudo yagresivo en esas texturas de guitarra. Los boleros son apasionados y directos, y eseera precisamente mi estado de ánimo al hacer el disco. Algunas de las canciones segrabaron en una sola toma.
”
iLe presentó el nuevo álbum por primera vez en un evento íntimo en National Sawdust, en Brooklyn, el pasado viernes 17 de octubre.
1. Tiemblas (Catalino Curet Alonso) 2. Un amor de la calle (Orlando Brito) 3. Llanto de luna (Julio Gutiérrez) 4. Mientes (A. Condecuri Maru) 5. El verdugo (Catalino Curet Alonso) 6. No te detengas (Flor Amelia de Gracia) 7. Pepito (Jonathon Truscott / T. Taylor) 8. Piénsalo bien (Raúl Díaz) 9. Regáñame (Héctor Flores Osuna) 10. Si te contara (Félix Reina) 11. Un poco más (Álvaro Carrillo) 12. Puro teatro (Catalino Curet Alonso) 13. Yo era una flor (Sylvia Rexach) 14. La Borinqueña (Lola Rodríguez)
La playlist con los mejores lanzamientos musicales en Spotify y Apple Music. Por aquí te dejamos la playlist con las nuevas canciones de la semana para que escuches lo mejor de los últimos días donde quieras. Ahora sí: repasamos los estrenos más destacados.
Foo Fighters – “Asking For a Friend”
Dave Grohl atraviesa un momento introspectivo al cumplirse 30 años de Foo Fighters, y lo refleja en “Asking For a Friend”, una de las canciones más pesadas que le escuchamos a la banda en años.
El sonido heavy y contundente encaja con la letra, donde Grohl canta sobre mantener la esperanza incluso en los peores momentos. El nuevo baterista, Ilan Rubin, brilla con potencia y técnica, recordando al inolvidable Taylor Hawkins.
Hayley Williams – “Good Ol’ Days”
La líder de Paramore demuestra otra vez que puede cantar cualquier género. En “Good Ol’ Days”, Hayley explora un sonido R&B clásico para contar una historia de nostalgia, deseo y contradicciones.
Hay referencias pop inteligentes —de Avatar: La leyenda de Aang hasta Fleetwood Mac— y una interpretación llena de sutileza y emoción.
Depeche Mode – “In The End”
Tras el éxito de Memento Mori y su gira mundial, Depeche Mode lanza “In The End”, una joya inédita incluida en los créditos finales del documental dirigido por Fernando Frías.
El tema suena oscuro, introspectivo y synth-pop, con una letra que reflexiona sobre la finitud y el caos del mundo moderno. Melancolía elegante, marca registrada de DM.
Lily Allen – “Pussy Palace”
Siete años después de su último disco, Lily Allen vuelve con West End Girl, un álbum que mezcla pop, sátira y melancolía.
Su nueva canción, “Pussy Palace”, narra la revelación de una infidelidad constante con la honestidad ácida que la caracteriza. Lily convierte el desahogo personal en pop confesional de alto nivel, con guiños a su vida real y a su exmarido, el actor David Harbour.
Mon Laferte – “Veracruz”
Dentro de su disco Femme Fatale, Mon Laferte entrega una de sus canciones más profundas: “Veracruz”, un bolero-jazz melancólico sobre el amor perdido.
La letra mezcla nostalgia y poesía:
“Nos juramos amarnos hasta la muerte, fueron tiempos de una absurda intimidad.”
Y, como guiño meta, Mon recuerda a su clásico Tu falta de querer. Un tema tan cinematográfico como desgarrador.
Sleaford Mods ft. Gwendoline Christie y Big Special – “The Good Life”
El vocalista Jason Williamson reflexiona sobre su propio cinismo en “The Good Life”, una canción en la que da voz a sus dudas internas con ayuda de Gwendoline Christie (sí, Brienne de Tarth de Game of Thrones) y Big Special.
Un punk narrativo, crítico y cerebral.
O Tortuga – “No he sido yo”
Desde México, O Tortuga suma una joya al género del sad sierreño, con “No he sido yo”, una declaración de amor intensa que mezcla indie rock y regional mexicano.
Una canción para dedicar y repetir sin culpa.
Mumford & Sons ft. Hozier – “Rubber Band Man”
Dos potencias del indie folk se unen en esta colaboración producida por Aaron Dessner (The National). “Rubber Band Man” es una balada folk-country que celebra el amor sin miedo al final.
Simple, honesta y emocional.
Sampha – “Cumulus/Memory”
El británico Sampha vuelve con una canción doble que combina minimalismo, R&B alternativo y letras sobre sanar el dolor del pasado. En coautoría con Romy Madley-Croft (The xx), es una pieza introspectiva que quedó fuera de Lahai, pero brilla por derecho propio.
Tycho ft. Paul Banks – “Boundary Rider”
Tycho y Paul Banks (Interpol) capturan la soledad con una analogía potente: los Boundary Riders australianos que patrullaban vallas en los años 30. El resultado es un paisaje sonoro electrónico y melancólico, con la voz grave y elegante de Banks.
Un cierre perfecto para esta semana de lanzamientos.
La Monada es la banda de los hermanos Ninci que desde 2013 revoluciona la escena cordobesa con un estilo único: una verdadera banda de rock que toca cuarteto.Con 10 discos editados y una historia que comenzó hace más de 2 décadas (Desde que eran la banda punk 250 centavos), La Monada, que ya se convirtió en una de las grandes referencias de la música popular, llega a Niceto este viernes 7 de noviembre para mostrar la potencia de su ritual en vivo.
La Monada acaba de recibir el beneplácito de la Legislatura de Córdoba como reconocimiento a su aporte a la cultura popular y su música original entregado en el Museo Bar de la Mona Jiménez.
Además, La Monada tiene su propio programa de Streaming con el que ya llevan 5 temporadas y ahora sale los Lunes de 21:30 a 23:30 en directo por el canal de YouTube de Canal 12 en dúplex con Cuarteteando y Direct TV.
“El Show de la monada” mezcla el humor cordobés y pícaro de Juanito, Lucas y Agustin Ninci con sus personajes improvisados y con rituales en vivo. 2 horas de puro agite virtual que incluye entrevistas a artistas y personalidades de la música y la cultura cordobesa y de todo el país.
El mundo de la música electrónica está de luto: Dave Ball, cofundador del legendario dúo británico Soft Cell —responsable de himnos como “Tainted Love”— murió el miércoles 22 de octubre de 2025 a los 66 años, de forma pacífica en su domicilio en Londres.
Una vida, múltiples revoluciones
Ball nació como David James Ball el 3 de mayo de 1959 en Chester, Inglaterra, y fue criado en Blackpool tras haber sido adoptado. Su fascinación por la música electrónica surgió cuando escuchó a Kraftwerk y su “Autobahn”, un momento clave que lo lanzó hacia una vida de experimentación sonora.
En 1977 conoció a Marc Almond en Leeds Polytechnic y juntos formaron Soft Cell. Su álbum debut, Non‑Stop Erotic Cabaret (1981), abrió camino con su estilo oscuro, provocador y electrónico, que combinaba pop, soul y art-punk. “Tainted Love” se convirtió en un fenómeno internacional, llevando a Soft Cell a los primeros puestos de las listas y dejando una huella imborrable en el pop de los 80.
Más allá del éxito de los 80
Si bien es en Soft Cell que Ball alcanzó fama masiva, su curiosidad y su talento lo llevaron a explorar otros territorios. En los años 90 cofundó el proyecto The Grid junto a Richard Norris, con éxitos como “Swamp Thing”. También colaboró y produjo para artistas como Kylie Minogue, David Bowie, los Pet Shop Boys y Erasure.
Último capítulo: salud frágil, creatividad intacta
En los últimos años su salud se deterioró: en marzo de 2022 sufrió una caída que le provocó fracturas en la columna y varias costillas, lo que lo tuvo varios meses en coma inducido tras contraer neumonía y sepsis. A pesar de eso, Ball siguió trabajando sin descanso. En agosto de 2025, Soft Cell actuó en el Rewind Festival, y apenas días antes de su muerte habían completado el álbum Danceteria, que será el último de la banda.
Su compañero Marc Almond lo definió como “un genio musical maravillosamente brillante” y confesó que “él estaba en un gran lugar emocional, feliz con el nuevo álbum que terminamos hace unos días”.
El legado que deja Dave Ball
Dave Ball no fue un músico de cara al estroboscópico escenario; su papel estaba detrás de los sintetizadores, los cables, la programación, los efectos, el espacio donde la máquina se convierte en emoción. Su sonido definió lo que sería la nueva ola de la electrónica pop.
Algunas de sus contribuciones clave:
Redefinió el pop con atmósferas frías, sofisticadas y sensuales al mismo tiempo.
Ayudó a mostrar que la música electrónica podía tener alma y no solo ritmo.
Influenció a generaciones de artistas de pop, dance y techno.
Demostró que la resiliencia importa: aun con salud frágil, siguió produciendo y creando hasta el final.
¿Por qué importa en Argentina (y globalmente)?
Para el público hispanohablante, Soft Cell y Ball representan un puente entre los 80 flamboyantes y la música electrónica de club que dominaría los 90 y 2000. “Tainted Love” no solo fue un hit global, sino un himno que se bailó en discotecas de Buenos Aires, Madrid o Ciudad de México.
Además, su trayectoria muestra que la vanguardia no está reservada exclusivamente a géneros underground: se puede llegar al mainstream haciendo lo propio, sin perder autenticidad.
Despedida
Hoy, 24 de octubre de 2025, el mundo pierde a uno de los arquitectos del pop electrónico moderno. Dave Ball se va, pero su sonido —ese click de sintetizador, esa atmósfera entre melancólica y danzante— se queda. En cada disco que pongan, en cada club que enciendan, en cada playlist ochentera o en cada sample de un DJ internacional, habrá un rastro de su ingenio.
“Alguien, en alguna parte del mundo, en este mismo instante, escucha una canción de Soft Cell…” — Marc Almond.
Descansa en paz, Dave Ball. Y gracias por enseñarnos que bajo los cables y los beats también existe la emoción.
El músico y escritor rosarino Cristián David Castro, conocido artísticamente como Kaztroh, presenta Nacido en rojo y crecido en bordeaux, una obra conceptual que une música, literatura y cine. En esta entrevista, repasa su recorrido por el under, el proceso creativo, el vínculo con el público y el sentido de construir arte en tiempos donde todo parece fugaz.
Por Daniel Accornero
Rosario late distinto cuando el arte se hace sin fórmulas. En esa escena diversa, entre bares, teatros y salas autogestionadas, Kaztroh forjó su identidad. Músico, escritor y performer, lleva casi dos décadas transitando el circuito independiente. Estudió bajo, guitarra, saxo tenor y canto, herramientas que moldearon una mirada musical amplia y artesanal.
En Nacido en rojo y crecido en bordeaux, su nuevo proyecto, se mezclan esas trayectorias. Es un disco, sí, pero también un libro y un cortometraje: una trilogía emocional donde el sonido, la palabra y la imagen confluyen. El resultado es un manifiesto artístico sobre el deseo, la memoria y la transformación.
“Lo que empezó como un disco terminó siendo una historia —cuenta—. Una especie de universo propio. No quería hacer algo más para Spotify: quería hacer algo que quedara, que tenga alma”.
“Quería grabar con Ale Vázquez, un productor al que admiré toda la vida. Cuando me dijo que sí, armó un equipo con músicos que fueron referentes para mí: Corvata (Carajo), Andy Villanova, Guillermo Vadalá… Fue un sueño. Pero en ese proceso me di cuenta de que lo que estaba escribiendo tenía un hilo narrativo, un personaje. No era solo música. Era una historia completa. Y ahí nació la idea de hacer una obra conceptual de siete canciones, con libro y cortometraje incluidos”.
El personaje —Neryceb— encarna un viaje de redención, una metáfora del ser humano que intenta reconciliarse con su propio caos. “Neryceb es una especie de alter ego, una parte mía y una parte de todos. Tiene luz y tiene sombra. Lo que vive él, lo vivimos todos: la búsqueda, la caída, la reconstrucción”.
El arte como refugio físico y emocional
Kaztroh habla del arte como quien habla de un hogar. “Yo vengo de una época donde uno esperaba el disco, lo abría, leía los créditos, olía el librito. Ese ritual se perdió. Hoy todo es rápido, líquido, inmediato. Yo quise ir a contramano de eso: hacer algo físico, tangible, que se escuche y se lea con tiempo”.
El concepto de tiempo aparece constantemente en su discurso. No solo como proceso creativo, sino como postura ante el mundo. “Vivimos en la era del zapping emocional —dice—. No podés construir profundidad si todo tiene que durar quince segundos. Nacido en rojo y crecido en bordeaux es una resistencia a eso. Es una invitación a frenar y escuchar”.
¿Cómo fue el proceso compositivo y de grabación?
“Muy distinto a lo que venía haciendo. Esta vez no arranqué con la guitarra o con el piano, sino con la voz. Grababa ideas, frases, melodías, y las iba puliendo. Después vino el trabajo colectivo en el estudio, donde la energía fue increíble. Estuvimos cinco días encerrados de diez de la mañana a diez de la noche. Ale (Vázquez) llevó todo a un nivel impresionante. Cada músico aportó algo único. Hubo lágrimas, risas, silencios… y mucha entrega.”
El resultado es un sonido híbrido: rock, hip hop, tango y folclore, unidos por un hilo poético. La producción, cuidada al detalle, logra equilibrio entre fuerza y melancolía. “Hay canciones que nacen como puñetazos y otras como susurros. Me gusta ese contraste. El rojo es la pasión; el bordeaux, la madurez. Esas son mis dos caras”, indica Kaztroh.
Del escenario al cine: una experiencia sensorial
El proyecto también incluye un cortometraje, dirigido por el propio Kaztroh junto a un equipo audiovisual rosarino. En él, el artista interpreta a Neryceb, su personaje.
“Actuar fue un desafío enorme. En el rodaje entendí que no estaba interpretando a otro, sino que me estaba mirando a mí mismo. Fue sanador. Me reconcilié con cosas que no había terminado de entender».
El resultado es una pieza visual potente, que dialoga con la música desde lo simbólico.
“La idea no era hacer videoclips sueltos, sino una historia que complemente la obra. Cada canción es un capítulo y cada imagen es un recuerdo”.
¿Cómo será el show de presentación?
“El 31 de octubre en Refi (Rosario) vamos a hacer una puesta con fuerte carga audiovisual. No quiero un recital tradicional: quiero una experiencia. Hay visuales, proyecciones, performance, teatro. Me interesa que el público sienta que entra a un mundo, no a un concierto. Que viva la historia conmigo”.
Kaztroh sonríe cuando lo dice. Tiene el entusiasmo de quien vuelve a creer en la magia del escenario. “Después de tanto tiempo tocando en bares, sentir que algo propio toma forma es impagable. Este proyecto me dio un propósito”.
Redes, comunidad y escucha
En tiempos donde el algoritmo parece decidir qué vale y qué no, Kaztroh apuesta por el vínculo humano. “El feedback con la gente me sorprende. Algunos se me acercan después de los shows a contarme que encontraron alivio en una letra o en un video. Me escriben pibes que me dicen: ‘Che, loco, me sentí menos solo escuchando eso’. Ahí entendés que el arte no es ego ni vanidad: es conexión”.
También confiesa que no le teme a la crítica. “El arte no tiene que gustar siempre. Tiene que movilizar. Si deja indiferente, no sirve. Prefiero incomodar a que me olviden”.
Aprendizaje y evolución
Kaztroh reconoce que su relación con las nuevas generaciones de músicos lo transformó. “Antes uno se creía que lo sabía todo. Hoy aprendo de los pibes. Hay una apertura tremenda, una colaboración que antes no existía. Lo que antes era competencia hoy es comunidad. Me nutrí mucho de eso”.
Su mirada es generacional, pero también filosófica. “En el arte no hay edades, hay procesos. Cada uno llega cuando tiene que llegar. Yo recién ahora siento que encontré mi voz, y eso no me da vergüenza decirlo”.
Epílogo: el refugio y la bandera
¿Cómo describirías este momento de tu carrera?
Como un renacimiento. Este disco fue un reseteo. Cerré una etapa de búsqueda y abrí otra de certeza. Encontré mi voz y mi propósito. Por eso digo que planté bandera.
¿Cómo te gustaría que se recuerde a Kaztroh dentro de unos años?
Como un refugio. No como un artista de moda ni como un personaje. Quiero que Kaztroh sea un espacio donde el arte y la gente se abracen. Si eso sobrevive, ya está.
En Musicomio, una de las disquerías de vinilos más reconocidas del país, Daniela Milagrospresentó en exclusiva su esperado álbum debut en vinilo, titulado “ATTENTION ATTENTION”, que estará disponible a la venta a partir del 24 de octubre.
La artista deslumbró a medios y seguidores con un show íntimo y poderoso, donde desplegó toda su energía y carisma en un recorrido por las canciones que conforman su primer trabajo discográfico.
“Este disco es un reflejo de mi mundo interior: emociones, fuerza, contradicciones y esa necesidad de decir las cosas sin filtros”, expresó Daniela durante la presentación.
Un debut que combina fuerza, misterio y sensibilidad
“ATTENTION ATTENTION” es una obra que refleja el talento, la sensibilidad y la identidad artística de Daniela Milagros. Con una mezcla única de estilos y emociones, el disco propone un viaje sonoro tan personal como contundente.
Durante el evento, la cantante interpretó en vivo varios de los temas del álbum, entre ellos: “Attention”, “Hipnotiza”, “Psycho Killer”, “Que la noche diga”, “Adrenalina” y “Fantasía”, demostrando la versatilidad y potencia vocal que la caracterizan.
Canciones que integran el disco
Fantasía
Ego
Hipnotiza
Adrenalina
Si tú no estás
Que la noche diga
Attention
Psycho Killer (versión del clásico de Talking Heads)
Siete de las ocho canciones fueron compuestas por Daniela Milagros junto a su hermano y guitarrista Rodrigo de Miguel, confirmando el trabajo creativo familiar que sostiene el proyecto.
La portada del álbum, diseñada por la propia artista, se inspira en un thriller romántico que combina misterio, elegancia y un sutil peligro, en sintonía con la estética sonora del disco.
El músico y compositor Stu Larsenvuelve con un nuevo single titulado “If I’m Honest”, una canción que adelanta su próxima producción discográfica prevista para 2026. En este regreso, el cantautor australianose aleja del ruido de la fama y de las modas pasajeras para reivindicar un mensaje simple pero contundente: la honestidad y la vida tranquila valen más que el reconocimiento público.
“¿Es la vida solo un sueño extraño? No sé qué pensar del mundo con toda su locura… Prefiero vivir una vida sencilla que perseguir cosas que no traen felicidad genuina”, reflexiona Larsen sobre el espíritu del tema.
Una canción nacida lejos del ruido
“If I’m Honest” fue escrita en Nevada City, California (EE. UU.), en un entorno de calma que refleja el tono introspectivo del single. La producción retoma el estilo folk melódico característico de Larsen, con arreglos suaves y una interpretación que prioriza la conexión emocional sobre los artificios del mercado musical.
De Queensland al mundo: la ruta nómada de Stu Larsen
Nacido en una pequeña comunidad rural de Queensland, Stu Larsen decidió en 2010 emprender un viaje que cambiaría su vida. Se unió a su amigo y colega Passenger en una gira internacional y adoptó el estilo de vida nómada que definiría su identidad artística. De esas experiencias nacieron sus primeros álbumes, Vagabond y Resolute, donde plasmó su visión sobre la libertad, la búsqueda y el desarraigo.
Su tercer disco, Marigold, marcó una etapa más personal y emotiva. Grabado junto a Tim Hart (Boy & Bear) en los Golden Retriever Studios de Sídney, el álbum surgió tras atravesar una ruptura amorosa y consolidó su madurez compositiva.
Camino a un nuevo álbum
Con “If I’m Honest”, Stu Larsen abre una nueva etapa creativa que combina introspección, serenidad y una mirada crítica hacia los excesos del mundo moderno. El artista se muestra fiel a sí mismo, explorando la sencillez como una forma de resistencia y autenticidad en tiempos dominados por la inmediatez.
“Se cerraron las puertas de Ferro, pero se abren las Puertas del Movistar.” Así lo anunció Cuarteto de Nos en redes, dejando claro que la historia continúa. Lo que en septiembre fue una noche épica frente a miles de personas en el Estadio Ferro, ahora se transforma en una nueva experiencia en el Movistar Arena, el próximo jueves 28 de mayo de 2026.
La propuesta mantiene el tono de juego que caracteriza al universo CDN: una mezcla entre performance, filosofía pop y humor inteligente, donde el público se sumerge en un “portal mágico” que conecta con El Cuarto de Nico y el espiral de Esplín.
“Sabemos que mucha gente que venía de distintas partes del país no pudo estar en Ferro —explicaron desde la producción—, así que esta es la oportunidad de vivirlo de cerca, en un espacio que permite una experiencia más inmersiva y visual”.
Preventa y entradas: lo que hay que saber
El anuncio viene acompañado por un video oficial del tema “Ganaron los malos”, registrado en vivo desde Ferro, que funciona como anticipo de lo que será el show en el Movistar.
Las entradas estarán disponibles con distintas etapas de venta:
🎟️ Preventa exclusiva Banco Galicia: desde el lunes 20 de octubre a las 13:00 hs hasta el miércoles 22 de octubre a las 12:59 hs, ingresando en www.movistararena.com.ar.
🎟️ Preventa exclusiva miembros “La Cocina del Dr. Hermes”: el miércoles 22 de octubre de 13:00 a 17:00 hs.
🎟️ Venta general: a partir del miércoles 22 de octubre a las 17:00 hs.
El mensaje es claro: “No te duermas. Que no se te cierren las Puertas otra vez.”
Una gira del Cuarteto que sigue expandiéndose
Además del Movistar, el grupo ya confirmó fechas de su gira argentina 2025, que recorrerá varias provincias y consolidará el vínculo con su público federal:
📍 Mar del Plata — 30/10 — Estadio Once Unidos 📍 Bahía Blanca — 31/10 — Club Estudiantes 📍 Neuquén — 1/11 — Gimnasio Municipal del Parque Central 📍 Bariloche — 2/11 — Estadio Bomberos Voluntarios 📍 Santa Rosa — 4/11 — Club San Martín
Cada show promete una puesta en escena que refuerza la estética de Lámina Once, Jueves y Habla tu espejo: canciones que mezclan introspección y sátira con una narrativa visual que los fanáticos ya reconocen como marca registrada del grupo.
El ADN CDN: ironía, emoción y conexión
Más allá del espectáculo, Cuarteto de Nos sigue defendiendo su lugar como una de las bandas más originales del rock en español. Letras que exploran la identidad, la mente y la ironía contemporánea; una estética que combina lo existencial con lo performático; y un público que entiende que, detrás del sarcasmo, hay siempre una mirada sensible sobre el mundo.
“Entrar al universo CDN es como mirarte en un espejo distorsionado: te reís, te duele y te reconocés”, escribió un fan tras el show en Ferro. Ese espejo ahora volverá a abrirse en el Movistar, con nuevos matices y un despliegue escénico que promete superar lo anterior.
Cierre: las puertas se vuelven a abrir
Después del cierre emotivo de Ferro, Cuarteto de Nos renueva su ritual con una frase que ya resuena entre los fans:
“Las Puertas se abren otra vez. Y esta vez, nadie se queda afuera.”
El 28 de mayo en el Movistar Arena será mucho más que un concierto: será una nueva entrada al universo del Cuarteto de Nos, donde la música y la palabra siguen encontrando portales insospechados.
El cantante Ricardo Belfi presenta su primer trabajo discográfico, una serie de tangos elegidos desde la memoria y el corazón. A los 68 años, tras una vida en el comercio exterior, decidió profesionalizar su pasión por la música. En diálogo con Pogo de Rock, habla de su infancia tanguera, el impulso de su hija, la importancia de la comunidad y el legado emocional de animarse a empezar.
Por Daniel Accornero
A los 68 años, Ricardo Belfino busca fama ni escenarios multitudinarios: busca emoción. Tras jubilarse, se mudó a Exaltación de la Cruz y, por impulso de su hija, se anotó en un taller municipal de canto. Lo que comenzó como un pasatiempo, terminó abriéndole la puerta a una nueva vida: clases, grabaciones, un primer EP (Nunca es tarde) y, sobre todo, una comunidad.
—¿Cómo fue ese primer paso, ese clic para animarte? “La primera decisión la tomé por un flyer que me mandó mi hija. Me dijo: ‘¿Por qué no te anotás, papá?’. Yo acababa de jubilarme y tenía tiempo. Me encantó el taller, me encantó la gente. Fue una manera de socializar, de sentirme parte. Después empecé a buscar una profesora, encontré a Macu Spinelli en Pilar y ella fue quien me impulsó a grabar. Me dijo: ‘Hacelo, grabá, que nunca sabés lo que puede pasar’. Y así fue”.
Ese “así fue” resume una historia de decisiones tomadas con intuición. Su segundo EP, que se llamará Haciéndome el destino, tiene un título que condensa su filosofía. “Todo lo que hice en mi vida lo decidí solo —cuenta—. Me crié con mi mamá desde los 16 años, cuando perdí a mi papá. Y fui haciéndome el destino con lo que tenía, a veces bien, a veces mal, pero siempre con decisión”.
El tango como herencia
Hijo de un padre tanguero —“fanático de Morán y Marino”—, Ricardo creció entre bandoneones, guitarras y reuniones familiares en las que todos cantaban. Esa raíz se volvió brújula.
—¿Cómo elegiste los tangos que grabaste? “Cada tema lo elegí porque me llegaba. Algunos por lo que significaban para mi viejo, otros porque me marcaron en la infancia. Pasional, por ejemplo, porque él era fanático de Morán. Vieja Viola porque escuchábamos a Marino todo el tiempo. Cada canción tiene algo de mi historia. El tango tiene eso: en algún momento de la vida, alguna letra te atraviesa”.
En su casa siempre hubo música y voces. “Mi familia era italiana, numerosa, todos tocaban algo. De chico escuché miles de tangos, y aunque después la vida me llevó por otros caminos, eso quedó adentro. El tango es memoria viva”.
La vocación tardía y el legado
Belfi habla con serenidad, como quien ya no mide los sueños por resultados. “Lo hice como un regalo para mí —dice—. No buscaba vivir de esto ni hacer carrera. Quería dejar algo para mis hijos, una enseñanza: que los sueños no tienen fecha de vencimiento”.
—¿Qué te dicen tus hijos al verte cantar profesionalmente? “Están felices. Me acompañan a todos lados. Y además sigo en el taller, donde con un grupo de compañeros —los Cantantes Solidarios— vamos a cantar a geriátricos, hospitales y colegios. Eso te llena el alma. Salís más feliz que la gente a la que fuiste a alegrar. Es impresionante”.
Su historia inspira no solo por lo artístico, sino por el sentido de comunidad que transmite. “Nadie se salva solo —dice—. Si no hacés las cosas en comunidad, no existe. Yo recibí mucho y sentí que tenía que devolver algo. Cantar para los demás es mi manera de agradecer”.
El tango, entre técnica y emoción
Formado con paciencia y respeto por el género, Belfi estudió técnica vocal con Spinelli y tomó cursos de historia del tango e interpretación con Patricia Barone.
—¿Te resultó difícil incorporar la técnica a algo tan emocional? “Al principio, sí. El tango es complejo, no solo por la técnica sino por el decir. Pero cuando te apasiona, no lo sentís como esfuerzo. Macu me insistió: ‘Hacelo con sentimiento, pero también con forma’. Y así fue. Tratamos de hacer algo bien presentado, respetando la tradición”.
Su respeto por los grandes es evidente. Habla con devoción de Morán, Marino, Goyeneche y Rubén Juárez, a quien vio ensayar en los años del mítico Café Homero, cuando su padre lo llevaba a los shows. “Ver a Rubén hacer variaciones con el bandoneón era impresionante. Tenía una potencia escénica increíble. Y Goyeneche… ese fraseo, ese decir único. El tango tiene esa mística: te llega al alma”.
Ricardo Belfi, entre dos mundos
Aún trabaja en su profesión original, pero mantiene un perfil bajo. “Es como si tuviera dos vidas —se ríe—. En el trabajo pocos saben que canto. No lo oculto, pero tampoco lo anuncio. En algún momento lo descubrirán por las redes, y está bien así”.
—¿Te reconocés más como cantante o como aprendiz? “Como aprendiz siempre. Estoy descubriendo cosas nuevas todos los días. Tengo 68 años y todavía siento curiosidad, ganas de aprender, de probar. Creo que mientras eso exista, uno está vivo”.
Futuro y mensaje
Belfi proyecta el lanzamiento de Haciéndome el destino para noviembre y ya sueña con escribir su primer tango propio. “Mi profesora me insiste: tenés historias, tenés que sentarte a escribir. Tal vez lo haga. Viví mucho, tengo algo para contar”.
—¿Qué te gustaría que quede de este camino? “Que alguien vea que se puede. Que nunca es tarde. Que si uno tiene un sueño, por más chico que parezca, vale la pena intentarlo. A veces no hay que decirlo: hay que hacerlo. Ese es mi mensaje”.
La Valenti, una de las voces más potentes y visionarias de la nueva escena argentina, se presentará el 12 de diciembre en The Roxy Livepara compartir con el público su proyecto Pop, Folclore y Demencia. Esta obra fusiona un álbum de estudio y una película musical inspirados en las próceres de la historia argentina y en los paisajes patagónicos de su infancia.
El show propone una experiencia sensorial donde el folclore argentino se entrelaza con el pop, el hip hop y la música electrónica. En La Capitana, la artista invita a un viaje que une raíces y modernidad, con momentos de introspección poética y explosiones de energía que reflejan su esencia: una intérprete que rompe moldes y reivindica el poder femenino desde la música y la performance.
La presentación en The Roxy será una oportunidad única para reencontrarse con su público y cerrar el año con un espectáculo vibrante, que recorrerá las canciones de su nuevo álbum junto a clásicos de su repertorio.
Una artista que une tradición y modernidad
Oriunda de Neuquén, La Valenti es una artista multidisciplinaria que fusiona folclore, poesía y performance con los sonidos contemporáneos del pop y la electrónica. Su propuesta se caracteriza por un compromiso profundo con la historia y la cultura argentina, y por una estética que celebra la fuerza de las mujeres latinoamericanas.
En 2022 marcó su camino en la escena nacional con su disco debut RCHOP, una obra conceptual que definió como “el antídoto y la cura, un esquema de libertad”. Este material fue presentado en importantes venues y festivales del país bajo el formato Misa Apócrifa, con localidades agotadas a fines de 2023.
Con La Capitana (2024/2025), La Valenti consolidó su identidad artística a través de una propuesta integral que combina cine, música y teatro. Este trabajo la llevó a presentarse en escenarios emblemáticos como Studio Crobar, a realizar una gira federal en 2025 y a ser seleccionada como artista EQUAL de Spotify, además de representar a Argentina en BIME Pro Bilbao 2025.
“Corazón Acústico”: la faceta más íntima de La Valenti
En paralelo, la artista desarrolla Corazón Acústico, un espectáculo de voz, guitarra y violín que combina composiciones propias con clásicos de María Elena Walsh, Mercedes Sosa y otras referentes del continente. Este formato fue presentado en espacios como la Usina del Arte, el Centro Cultural Konex y la Sala Zitarrosa en Montevideo, Uruguay.
Una de las voces más prometedoras de la música argentina
Con una estética que une lo ancestral y lo contemporáneo, La Valenti se proyecta como una de las artistas emergentes más versátiles y poderosas de la nueva música argentina. Su obra tiende puentes entre la tradición y la vanguardia, construyendo un lenguaje propio que combina compromiso, libertad y exploración sonora.
