Franco García, cantante y compositor entrerriano, acaba de lanzar “Milo Cura”, su primer EP. Un proyecto íntimo y luminoso, inspirado en la llegada de su hijo, que marca el inicio de una nueva etapa en su carrera.
El trabajo propone un universo sonoro híbrido, donde la calidez de los instrumentos reales convive con la frescura de la producción contemporánea. La producción musical estuvo a cargo de Martín López y el mix & mastering de Mariano Míguez.
MILO CURA incluye las canciones “Me vuelvo a casa”, “El lenguaje de tu amor”, “Tu tranquilidad” y “Milo Cura”, más un bonus track en vivo, “Cansado”, grabado en una sola toma, que transmite la crudeza y la verdad del momento. Cada tema refleja una faceta del recorrido emocional de García: desde la ternura y el asombro de descubrir un nuevo amor hasta la calma y fortaleza de asumir una nueva etapa de vida.
Con este EP, Franco García reafirma su idea de que la música cura, acompaña y transforma, componiendo desde la raíz de sus vivencias para conectar con lo colectivo desde lo más íntimo.
Acerca de Franco García
Nacido en Nogoyá, Entre Ríos, en el año 2000, Franco García comenzó su vínculo con la música a temprana edad, debutando con un bombo legüero en mano y una clara conexión con la música popular. A lo largo de su carrera se presentó en escenarios icónicos como el Teatro Gran Rex y Ciudad Cultural Konex, y participó en proyectos musicales en vivo en Tecnópolis.
Ha colaborado con artistas de la escena nacional e internacional, destacándose en el single Energía de La Bomba de Tiempo y en Quiero de PA!BAILAR. También trabajó junto a Conociendo Rusia, La Charo y Yacaré Manso, consolidando su versatilidad.
En 2025 inaugura una nueva etapa con MILO CURA, un EP que refleja ternura, introspección y fortaleza, y que marca un punto de inflexión en su camino artístico. Paralelamente, Franco expande su rol como compositor para otros proyectos mainstream, entre ellos su colaboración con Ke Personajes, ícono de la cumbia argentina y latinoamericana.
Con una carrera en constante evolución, Franco García se consolida como un artista auténtico, sensible y en permanente crecimiento, capaz de emocionar y transformar a través de la música.
La banda adelanta su tercer álbum con una versión intensa y desgarradora del histórico hit, acompañada por un videoclip con impronta noventera y dirigida por Gastón Echeverría.
DARAA estrena “Bye Bye”, una relectura potente del inolvidable tema de Vilma Palma e’ Vampiros. La canción, que mezcla melancolía y desamor con una base instrumental que remite a las Power Ballads más emblemáticas de Guns N’ Roses, abre el camino hacia lo que será el tercer álbum de la agrupación, cuyo lanzamiento se anunciará próximamente.
El videoclip, dirigido por Gastón Echeverría y protagonizado por la banda, despliega una atmósfera cálida y oscura inspirada en la estética de Samuel Bayer. En pocos minutos narra las dificultades que atraviesa un artista cuando su obra es explotada por otros, trasladando al espectador a un viaje directo a la década de los ’90, pero con un pulso moderno.
DARAA es: Flor Alba (voz), Gastón Echeverría y Brian Martínez (guitarras), Mauro Aybar (bajo), Fabián Medina (batería) y Jonathan Domínguez (teclados).
BIO DE DARAA
2017: nace en Buenos Aires con influencias del Hard Rock y el Pop Punk.
2018: lanzan su primer álbum “…3, 2, ¡1!”.
2019-2020: participan en Rock en Baradero, Ciudad Emergente, Oktubre y Cosquín Rock (20° aniversario).
2021: presentan “Ser Libre” (2do álbum) con show agotado en El Teatrito.
2022: elegidos por Marky Ramone; tocan en Quilmes Rock; lanzan “Al Fuego Que Ilumina” junto a PilTrafa (Los Violadores), con participación de Stuka y Vala Valente. Ese año también abren el show de Ska-p en GEBA y de Michale Graves (ex Misfits).
2023: banda soporte de Paramore en Movistar Arena.
2024: encabezaron el festival TocaDak junto a Todos Tus Muertos, y se presentaron con gran éxito en Auditorio Sur y Niceto Club.
🎸 PRÓXIMO SHOW DARAA en The Roxy Live
📅 Viernes 5 de septiembre – 20 hs 📍 Niceto Vega 5542 🎟 Últimas entradas a través de AllAccess
Hablando sobre la nueva canción, Rowsell agrega: «Me inspiré al ir a cenar con mis amigos, un par de amigos, en diferentes momentos, solo uno a uno. Me di cuenta de lo mucho que estaba diciendo: ¡Oh, Dios mío, sí, tienes tanta razón! Y pensé que era muy agradable ver cuán validadoras son estas conversaciones con mis amigas, cuánto estoy aprendiendo en estos chats. Creo que he estado tratando de descubrir muchas cosas, como envejecer. Siento que realmente ha sido un momento extraño para pensar en la apariencia. Y estas son cosas que discutes con tus amigas y de repente no te sientes tan mal por ellas otra vez. Sentí que merecía haber una canción sobre eso».
Después de un potente trío de singles ‘Bloom Baby Bloom’, ‘The Sofa’ y el más reciente ‘White Horses’, cada uno de los cuales revela una dirección sonora distinta, The Clearing llega como un momento de cristalización para una de las bandas más innovadoras y cargadas de emociones del Reino Unido.
Escrito en Seven Sisters y grabado en Los Ángeles con el productor ganador del Grammy Greg Kurstin, The Clearing es una colección de canciones audaces en ambición, llenas de corazón y el trabajo más refinado de la banda hasta el momento. Es un álbum clásico de pop/rock que hace un guiño a los años 70 sin dejar de estar firmemente arraigado en el presente. Si Fleetwood Mac escribiera un álbum hoy en el norte de Londres, te acercarías a esta serie de grandes canciones sin esfuerzo, cada una tan distinta como la anterior.
La banda celebró anoche con un espectáculo de lanzamiento que definió la historia en The Dublin Castle en Camden, terreno sagrado para una banda cuyo impacto en su norte de Londres natal es imposible de medir. La celebración se extendió al lado con un evento especial, donde los fanáticos pudieron escuchar el álbum temprano y acceder a productos exclusivos. Su actuación en Jimmy Kimmel Live! también se transmitió ayer por la noche, donde la banda tocó una increíble interpretación del primer single ‘Bloom Baby Bloom’.
En esencia, The Clearing es un disco sobre la llegada, no a un destino, sino a una sensación de paz con el viaje. Ya sea el autointerrogatorio de ‘Thorns’, la nostalgia anhelante de ‘Leaning Against The Wall’ o la intimidad cruda de ‘Play It Out’, cada pista traza un punto de referencia en la evolución de la banda.
Un álbum histórico tanto en concepto como en ejecución, The Clearing es menos una reinvención que un reconocimiento de todas las capacidades de la banda: feroz pero frágil, juguetón pero profundo. Al frente y al centro está la narración poética en constante evolución de Rowsell junto con un deseo innato de que Ellie, Joff, Theo y Joel se diviertan, seguros de su ambición y capacidad en este momento único.
Desde la euforia de ‘Bread Butter Tea Sugar’ hasta la aceptación segura de ‘The Sofa’, el disco captura a una banda que no tiene miedo de esforzarse más que nunca. Esta es Wolf Alice completamente al mando, ya no buscando, sino entrando con confianza en un nuevo capítulo.
El título del álbum sirve como una declaración de misión silenciosa y una pieza central emocional. Encuentra al cuarteto meditando sobre lo que queda cuando la incertidumbre, las inseguridades y el autodesprecio de los 20 años desaparecen. El sentimiento: «Saber quién soy, eso es importante para mí. Hacer lo que pueda para ver el bosque desde los árboles» (White Horses) – es menos una declaración de triunfo que de aceptación pacífica. The Clearing es el trabajo más logrado y conmovedor de Wolf Alice hasta la fecha.
La historia de Wolf Alice
Wolf Alice ha recorrido un largo camino desde que el cuarteto del norte de Londres surgió por primera vez en 2013 como una banda joven que sostenía un espejo frente a su propia generación emergente. Hoy, el cuarto álbum de Wolf Alice, The Clearing, los encuentra en la cima de sus poderes, convertidos en una banda de importancia generacional.
Si bien la euforia magullada de su debut My Love Is Cool, que contó con la nominada al Grammy ‘Moaning Lisa Smile’, capturó y puso banda sonora a la perfección de la experiencia de la juventud que se inició en la música, el seguimiento de 2018, Visions Of A Life, consolidó su ascenso con un Mercury Music Prize, antes del precioso dolor de Blue Weekend de 2022 y su resultante número 1 en el Reino Unido y Premio Brit al Mejor Grupo.
En el proceso, la cantante principal Ellie Rowsell se ha convertido en un ícono de la narración, tejiendo historias con moraleja sobre cómo tus veinte años te lastimarán, pero de maneras valiosas. Wolf Alice también ha realizado giras por el mundo varias veces encabezando giras con entradas agotadas, adornando numerosos escenarios de festivales y apoyando a una variedad de artistas clave, incluido el ícono del pop Harry Styles.
Después de un verano repleto de festivales históricos en Primavera Sound, Big Weekend de Radio 1 y Glastonbury, la banda celebrará The Clearing con una gira con entradas agotadas por América del Norte, Europa, Reino Unido e Irlanda este otoño, que ve a la banda encabezar algunos de los escenarios más grandes de su carrera hasta la fecha, incluido el O2 Arena de Londres.
The Clearing – Tracklist
Thorns Bloom Baby Bloom Just Two Girls Leaning Against The Wall Passenger Seat Play It Out Bread Butter Tea Sugar Safe in the World Midnight Song White Horses The Sofa
Jueves 30 de octubre 📆 Humboldt Niceto Club 📍 Entradas en venta por Passline 🎟️ Evento para mayores de 18 años 🚫
G Sony, reconocido artista argentino que conquistó a toda Latinoamérica con su voz y sus rimas, inicia una nueva etapa en su carrera musical: la cumbia. Con una trayectoria que lo llevó de los escenarios del freestyle a convertirse en un referente de la música urbana, ahora apuesta a mostrar una faceta distinta, fresca y popular, abrazando uno de los géneros más representativos de la cultura latinoamericana.
Este nuevo camino combina la potencia vocal y la sensibilidad que siempre lo caracterizaron, con el sabor y la energía de la cumbia. Con letras que oscilan entre el amor, la fiesta y las historias de barrio, G Sony se prepara para sonar en pistas, radios y playlists de todo el continente.
La relación del artista con la cumbia no es nueva: ya compartió escenario y canciones con referentes como Ulises Bueno, Rodrigo Tapari, Migrantes, The La Planta y Jambao, demostrando su versatilidad y su conexión natural con el género.
“Siempre sentí que la cumbia es parte de nuestra identidad. Era el momento de animarme a mostrar esta faceta, con respeto y con mucha pasión”, expresa el artista.
G Sony y su versatilidad
Actualmente, el artista está preparando nueva música, donde se mezclan la tradición de la cumbia con un sonido actual, listo para conquistar tanto a quienes lo siguen desde sus inicios como a un nuevo público que descubrirá otra cara de su talento.
Con esta nueva etapa, G Sony reafirma su versatilidad y se proyecta como uno de los artistas argentinos más completos de su generación.
Las canciones de Martín Dlugonoga son furor en las redes con cifras llamativas. El promedio de vistas de videos de Coqui es aproximadamente de 3 millones. Tuvo un pico de 21 millones que hizo que “Las cosas que no dije” se convirtiera en viral número 1.
El fenómeno se viralizó tema tras tema y resultó tendencia. Los algoritmos hablan por sí solos y le ofrecen el marco ideal para la previa al lanzamiento de su segundo disco solista, y el interés por conocerlo.
Dlugonoga, el artista que con sus canciones ayuda a sanar
El propio artista comenta: “las canciones se estaban promocionando a un buen ritmo, pero la influencia mayor fueron las recomendaciones en el IG del abuelocoquiok”
Estas canciones son también una forma artística y efectiva de dar algunas respuestas a problemáticas actuales y comunes a cualquiera.
El primer single, “Voy a abrirte la puerta” traccionó a través de la propuesta: enviá esta canción a la persona que te gusta para ver de qué manera reacciona.
En este tema participa la cantante Mía Frankel(hoy presente en el certámen La Voz).
El segundo sencillo, “Tu voz y mi voz” con la consigna: si te rompieron el corazón, escuchá esta canción que te vas a sentir acompañado.
En esta canción colabora la cantante Jenny Martínez(conocida por su actuación en la serie Aliados).
El tercero y el de mayor viralización, “Las cosas que no dije” fue así: mandá esta canción a la gente que querés para comunicarle todo lo que sentís por él o por ella…
El promedio de vistas de videos de Coqui es aproximadamente de 3 millones. Tuvo un pico de 21 millones que hizo que “Las cosas que no dije” se convirtiera en viral número 1 el día 6 de agosto pasado.
Cuenta Martín: “lo interesante es que la respuesta fue muy positiva no sólo en la cuenta del Abuelo Coqui, sino también en mis redes. Mucha gente se mostró agradecida con Coqui, pero se quedó prendida a las canciones.
Siento que muchos se descontracturan, se relajan y a través de la música se animan a reflejar sus sentimientos más profundos”
Lo de Martín no es sólo música para disfrutar, va más allá, sin buscarlo previamente, resulta emotivamente funcional, agradeciendo que su obra sirva para trabajar problemáticas comunes a la gran mayoría de la gente.El próximo corte hablará del “ghosting”, la acción de desaparecer repentinamente de la vida de alguien sin previo aviso ni explicación, que es otra cuestión muy recurrente en estos días. El sencillo será la antesala al lanzamiento de su segundo álbum en solitario.
Martín Dlugonoga (28 años) es productor y compositor argentino con más de 15 años de experiencia en la industria musical. Comenzó su carrera como baterista, tocó dos años con Javier Calamaro y luego se consolidó como productor y compositor trabajando con Bizarrap, Trueno, Beret, Lit Killah y otros.
Es el productor y co-compositor de la canción “Hola, qué tal” de Beret, tema que obtuvo el galardón de Disco de Oro en España en 2024. Este año también se encargó de la producción para Beret del tema “Si te vuelvo a llamar”.
Trabajó también en canciones junto Juli Melian, Camila Mercado, Amílcar Aballay, Eze de Luca, Kizlo y Larín.
Es autor de la música original de documentales, por ej: Maravillas Argentinas (YPF/Aerolíneas) y Hacia un mundo mejor (Nat Geo). Además, recibió varios Premios Hugo por su trabajo en la obra teatral Llega la mañana.
Ahora, se dispone a editar su segundo disco en solitario. Tras lanzar tres cortes a modo de adelanto: “Voy a abrirte la puerta”, “Tu voz y mi voz” y “Las cosas que no dije”, cortará un cuarto sencillo en septiembre, para darle la bienvenida a su nuevo álbum de estudio antes de fin de año.
Formación profesional: Licenciatura en Música Cinematográfica / Universidad Católica Argentina – 2020 5 Week Summer Program / Berklee College of Music (Boston, USA). Formación como baterista con Pipi Piazzolla y Gastón Baremberg.
Agustín Capponillega al Paseo La Plaza. El cantautor rionegrino presentará los temas de Secreto, su álbum debut y versiones de clásicos del rock nacional en un ciclo que comprende los cinco viernes de octubre. Actuará el viernes 3, 10, 17, 24 y 31 de octubre a las 23:30h, en la Sala Cortázar del Paseo La Plaza, Av Corrientes 1660.
Las entradas pueden adquirirse a través de Plateanet.
Después de ser declarado de interés cultural por el Senado de la Nación y la legislatura de Río Negro el disco Secreto aterriza en la ciudad para un ciclo que promete una emotiva fiesta rockera. Una hora a todo rock matizada con temas de su álbum debut y clásicos nacionales que no pueden faltar para consolidar un show intenso, potente y vibrante.
La carrera de Capponi
A los 6 años, Agustín vio por televisión el videoclip del tema “Pulsar” de Gustavo Cerati. La canción, se convirtió en el trampolín que lo incentivó a escuchar a Soda Stereo y a su vez lo llevó a estudiar guitarra.
A los 9 años formó su primer grupo con músicos mucho más grandes que él, con los que hacía versiones de rock nacional en el circuito local. A los 13 años dio forma a otra banda con la que giró por toda la provincia de Río Negro y ciudades limítrofes y a los 17 años grabó Secreto, su primer disco de estudio con artistas de la talla de Alfredo Toth, Pablo Guyot, Alambre González y Bolsa González.
El álbum fue presentado por diferentes provincias y los elogios de prensa y público lograron el reconocimiento del Senado de la Nación y de la Legislatura de la provincia de Río Negro que lo declaró de interés cultural.
A partir de allí continuó con su carrera solista, pero debió transitar períodos dificultosos a raíz de varios inconvenientes de salud. En mayo de 2020, un desprendimiento de retina lo llevó a diez intervenciones que concluyeron en diciembre de 2024. El grave problema de la vista le provocó una rectificación cervical y durante la internación atrajo un fuerte virus gastrointestinal que lo tuvo muy mal. A pesar de todo, continuó firme con la música.
Si bien superó la seguidilla de infortunios de salud, durante todo ese proceso no pudo presentarse en vivo, aunque logró grabar y componer nuevo material e instalarse en Buenos Aires.
Se presenta en el Paseo La Plaza
Por eso, este ciclo es muy importante. Es su regreso cara a cara con el público y la chance de poder presentar, por primera vez en Buenos Aires, los temas de su elogiado álbum debut.
La cita es entonces para el viernes 3, 10, 17, 24 y 31 de octubre a las 23:30h, en la Sala Cortázar del Paseo La Plaza, Av Corrientes 1660.
La cantante tucumana Paula Morena acaba de estrenar su nuevo single, Suelta las penas, una canción de su autoría que busca transformar el dolor en fuerza y esperanza a través de la música. Disponible en todas las plataformas digitales y con videoclip incluido en YouTube, la propuesta combina frescura, autenticidad y un mensaje directo: soltar lo que duele para dejar entrar la alegría.
Una canción de transformación personal
Compuesta en un momento de cambios profundos en la vida de la artista, Suelta las penas funciona como un manifiesto musical: “Y curemos las heridas / echando leña a la pasión / busca siempre la alegría / canta y baila esta canción”, canta Morena en uno de sus pasajes más luminosos.
El tema no solo se apoya en el ritmo de la cumbia para contagiar energía, sino que también plantea un recorrido emocional: desde el reconocimiento de las heridas hasta la invitación a liberarlas a través del baile y la música.
El videoclip: comunidad y energía femenina
El lanzamiento se potencia con un videoclip grabado en Ñandubaysal, Gualeguaychú (Entre Ríos), un entorno natural que refuerza el espíritu de libertad de la canción. Allí participaron la batucada de mujeres “Las Audaces”, músicos locales y vecinos que se sumaron con entusiasmo al rodaje, aportando una impronta comunitaria y auténtica al proyecto.
La fuerza colectiva del clip refuerza el mensaje: la música no solo libera individualmente, sino que también une y potencia a quienes la comparten.
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Un mensaje de esperanza
El estribillo de Suelta las penas es un verdadero llamado a la acción: “Que nada te detenga / a ser tu mejor versión”. Con esas palabras, Paula Morena busca conectar con quienes atraviesan momentos difíciles, recordándoles que la música puede ser refugio, impulso y motor para seguir adelante.
“¡Vamos a soltar las penas juntos y a vivir bailando!”, dice la artista, resumiendo el espíritu del lanzamiento.
Paula Morena, una carrera marcada por la diversidad
Nacida en Tucumán y apasionada por la música desde la infancia, Paula Morena construyó una trayectoria versátil que abarca géneros como soul, gospel, salsa, cumbia y funk. Integró proyectos como el Argentina Gospel Choir, fundó la banda Black Soul y en 2020 dio vida a Paula Morena y La Gran Sureña, una big band con fuerte identidad artística.
Hoy continúa su camino solista con un estilo definido y un sello propio que la distingue dentro de la música tropical, siempre con la premisa de transmitir emoción, alegría y conexión genuina con el público.
En el escenario, su propuesta es pura energía: una fusión de pasión, sencillez y celebración que invita a vivir cada canción como una experiencia compartida.
Luciana Segovia y Vikingos (LSVikingos) es una banda argentina de hard rock/metal alternativo, formada a fines de 2023. El proyecto nace en un momento de reinvención artística; luego de la separación de Cirse y de transitar un período como solista, Luciana Segovia decide iniciar una nueva etapa. Junto al guitarrista Marcelo Celestini, comienzan a desarrollar un nuevo sonido más pesado, distorsionado y directo.
A este núcleo se suman luego Nicolás Cavasso en bajo y Kevin Tappertt en batería, completando la formación actual.
La banda presenta una propuesta poderosa y directa, marcada por una voz femenina potente, riffs y solos frenéticos de guitarra, y una base rítmica muy sólida gracias al bajo y la batería. Cada integrante se destaca tanto por su desempeño musical como por una gran presencia escénica, ofreciendo un show intenso y cargado de energía.
El 24 de agosto es el Día Internacional de la Música Extraña y se celebra en todo el mundo con diversas actividades de lo más variopintas. La gente toca o escucha música extraña, producida con todo tipo de instrumentos, musicales o no.
El objetivo es abrirse a nuevas experiencias sonoras y, para ello, casi todo vale.
Si eres amante de la música extraña, te lo vas a pasar bomba. Y si no la conoces, ya es hora de que la conozcas, ¡es un día para todos!
Origen del Día Internacional de la Música Extraña
Este día fue ideado en 1997 por el músico y compositor neoyorkino Patrick Grant que quería ampliar los espectros musicales del público en general y para ello, su objetivo principal era conseguir que las personas escucharan y tocaran tipos de música que nunca antes hubieran escuchado. Básicamente lo que quería era «escuchar sin prejuicios».
A decir verdad, también le sirvió para promocionar su disco Fields Amaze que acababa de salir al mercado. Eligió el 24 de agosto por ser el cumpleaños del padre de su novia, que para él, fue una persona especial y una especie de mentor artístico. Así que tampoco le vino mal la efeméride para promocionar su álbum. En principio la denominación de la celebración era «Día de la Música Extraña», aunque con el tiempo, el movimiento fue creciendo por el mundo, y le añadió el adjetivo «internacional».
La música extraña, hoy
Actualmente, el movimiento Strange Music Day tiene un sello discográfico propio, se realizan conciertos en su nombre y se usa como una escuela para incentivar a las mentes de los jóvenes artistas. Cada año se organizan actividades en torno a él. Uno de los más sonados fue en 2021, cuando el creador del día Patrick Grant convocó a los músicos de Nueva York que quisieran participar en una velada de actuaciones para el Día Internacional de la Música Extraña.
¿Qué hacer en el Día de la Música Extraña?
Es muy fácil, busca en Internet artistas y compositores de este tipo de música y escúchala, ¡ya verás como te sorprende! Si te gusta tocar, experimenta con nuevos sonidos, usando técnicas y objetos que nunca hubieras imaginado que sirvieran para tocar, inventa, y diviértete. Se trata de eso. ¡Feliz Día Internacional de la Música Extraña!
“El animal humano” (primer single de un nuevo disco) es mucho más que un tema: es una botella lanzada al mar, un rezo mántrico cargado de imágenes, ironía y reflexión. En un mundo atravesado por tensiones eco-sociales e históricas, el amor —como fuerza única, irrepetible e intraducible— se revela como la única salida posible. Desde esa pulsión nace esta canción, que aborda cuestiones profundas con ligereza poética y una sonrisa cómplice. La canción llega con un videoclip de fuerte impronta visual con dirección de Ariel Sanna y producción de Sebastián Cáceres.
Fiel a su esencia, La Portuaria optó por una producción sin artificios ni ediciones digitales. Todo suena tal como fue tocado, reivindicando la imperfección humana como valor estético y ético, casi como un dogma artístico. Esa decisión radical potencia la verdad emocional de la música y conecta con la raíz más cruda del grupo.
“El animal humano” marca un regreso poderoso, vital y necesario, que celebra la vida, el amor y las posibilidades reales de transformación.
La Portuaria: Sebastián Schachtel / Diego Frenkel / María Eva Albistur / Fernando Samalea
Sobre La Portuaria
La Portuaria irrumpió en la escena a finales de los ’80, fusionando rock con elementos de jazz, funk y ritmos latinos para crear un sonido único y distintivo. Con letras poéticas y urbanas, su música exploró el amor, la vida en la ciudad y la introspección, marcando un rumbo experimental dentro del rock nacional.
Su discografía incluye trabajos clave como Rosas Rojas (1989), Escenas de la vida amorosa (1991), Devorador de corazones (1993), Huija (1995), Me mata la vida (2001), Hasta despertar (EP, 2002), 10.000 Km (2003), Río (2005) y La Vaca Atada (2008). Entre sus canciones más grabadas se encuentran Selva, El bar de la calle Rodney, Nada es igual, 10.000 Km, Baby, A través de tus ojos, Hoy no le temo a la muerte —con la participación de David Byrne— y una versión celebrada de Perfidia.
Su colaboración con Byrne marcó un éxito internacional y consolidó su prestigio. Hoy, su legado sigue vivo como ejemplo de innovación y búsqueda sonora en la música argentina.
