El aclamado artista español Juanlu de la Rosa, reconocido por su talento, llegará a Argentina por primera vez el 12 de octubre. Sus populares canciones, como “Hoy voy a beber”, “Se nota distinta”, y “Tú me vuelves loco”, han resonado en los corazones de sus fans, y ahora, estas melodías llegarán a Buenos Aires para conquistar a los fans locales. Se presentará en el Teatro Multiescena, a las 21.
Durante su visita, Juanlu ofrecerá un show lleno de sorpresas, donde los asistentes podrán disfrutar de bailarines, canciones originales y covers. Será una oportunidad única para que sus seguidores argentinos experimenten su música en vivo y se conecten con él de una manera especial.
Juan Luis De la Rosa González es un artista nacido en Alicante, tierra en la que ha crecido y se ha forjado como artista, pero no la única que lo ha influenciado. De padre almeriense y madre gallega(Vigo), este se ha nutrido de muchos géneros musicales, de los cuales predomina el flamenco gracias a su familia paterna.
Su abuela, una gran vedette de los años 50, trabajó con artistas de la talla de Rafael Fariña o el Príncipe Gitano, su padre también aficionado a la música flamenca como cantaor y guitarrista. Pero, también gracias a su madre se ha nutrido de otros estilos musicales como la balada, los boleros, el pop español, influenciado por artistas como Luis Miguel, Alejandro Fernández, David Bisbal…
Todo esto hace de Juanlu De la Rosa un artista todo terreno a la hora de cantar ya que fusiona muchos estilos musicales pero siempre dando ese toque tan personal flamenco, dulce y con tanto sentimiento. Su capacidad de emocionar a través de su música es lo que hace de él un artista diferente a los del panorama actual.
Juanlu de la Rosa pertenece a la fundacion Princesa de Girona, la cual cuenta con jóvenes artistas españoles, para difundir con ellos valores a los jóvenes mediante la educación y transmitir un mensaje positivo a la sociedad con sus propias canciones que sirven de inspiración a millas de jóvenes. Con este proyecto, Juanlu, ha conseguido mayor reconocimiento a nivel nacional actuando en muchas ciudades entre ellas Madrid (Teatro Real), Alicante (Teatro Principal), Salamanca, Sevilla, Cádiz, Vigo, Albacete, Murcia, Almería… y fuera del panorama nacional, actuando dos veces en Portugal.
La agrupación capitalina Arkadia ha lanzado su segundo álbum de estudio, titulado De noche viven, y se prepara para presentarlo en vivo el próximo viernes 1 de noviembre en The Roxy Live, ubicado en Av. Niceto Vega 5542, Palermo.
Formada en Buenos Aires en 2013, Arkadia comenzó su trayectoria en la escena del rock independiente con un sonido que fusionaba hard rock y pop. Con el tiempo, la banda fue evolucionando hacia el rock alternativo, sin perder la esencia melódica que la caracteriza. Su primer álbum, Este lado de la locura, lanzado en 2017 y producido por Oscar “Chino” Asencio, les abrió las puertas del circuito rockero local, permitiéndoles presentarse en escenarios como Cosquín Rock 2013, Metal para Todos 2014, Groove, Teatro Sony, Ciudad Emergente, y Vorterix, entre otros.
El primer corte de Este lado de la locura, titulado “En la misma canción”, fue acompañado por un videoclip dirigido por Gabriel Grieco y protagonizado por Peter Lanzani, Mercedes Oviedo y Niko Zuviría. Además, Lanzani prestó su voz para “Hipersomnia”, un tema que se convirtió en la canción principal de la película homónima producida por Telefé y dirigida por Grieco. La banda también grabó una versión de “Cae el sol” de Airbag para el film, en colaboración con Fabiana Cantilo, Daniela Herrero y Claudia Puyó.
Actualmente, Arkadia está integrada por José Luis Des Justo en voz, Gabriel Mateo y Simón Simsiroglu en guitarras, y Lucas Gregorini en bajo. Con esta formación, la banda ha grabado De noche viven, un disco que explora nuevas facetas en la composición y propuesta sonora, mostrando una evolución hacia una mezcla de sonidos urbanos con rock alternativo. El primer sencillo del álbum, “Frío”, también producido por Asencio, cuenta con un videoclip realizado por los hermanos Quintana.
Los fanáticos del rock alternativo podrán disfrutar de la presentación en vivo de De noche viven en The Roxy Live, un evento que promete ser un hito en la trayectoria de Arkadia.
A 20 años de su formación, la banda platense Se Va El Camello presenta el segundo corte de su nuevo disco NAFTA en formato audiovisual de alta calidad (4K). Se trata de «A tu estrella», una canción muy especial en el entorno familiar de la banda. Este video es protagonizado por Diego Alonso (bien reconocido como «El Pollo» de Okupas) que, extrañando a su amigo, asegura haberlo visto y lo persigue por las calles de Isla Santiago (Ensenada). «A tu estrella» es un grito al cielo, la búsqueda de un hermano, de un compañero de banda que ya no está. El clip, que fue dirigido por Nicolás Guagnini, se encuentra ya disponible en You Tube.
Además, la banda está lista para celebrar dos décadas de trayectoria con un gran espectáculo el próximo sábado 14 de septiembre en el Teatro Bar de La Plata. Este evento marca el inicio de las celebraciones del 2024, donde la banda promete ofrecer un show inolvidable para sus seguidores.
Se Va El Camello, formada en 2004 por un grupo de amigos apasionados por el rock, ha recorrido un largo camino desde sus inicios, donde interpretaban clásicos de las décadas de los 70, 80 y 90, hasta consolidarse como una de las bandas referentes de la escena local. A lo largo de estos 20 años, han compartido escenario con destacados artistas como Divididos, Viejas Locas, Gustavo Cordera, Fito Páez y Los Gardelitos, entre otros.
La banda cuenta con cinco discos en su haber: Las luces del alba (2010), Latiendo de más (2014), 10 años Latiendo de más (2015), Círculo Eléctrico (2018) y Nafta (2022), además de numerosos videos disponibles en su canal oficial de YouTube.
El grupo está conformado por Tomás Rusconi (voz y guitarra), Esteban Penovi (bajo), Julián Lizardo (batería), Elunen Moreno (guitarra), Imanol Salinas (guitarra y voz), Ricardo Pelatti (saxo) y Matías Otonelo (guitarra). Para este evento, las entradas están disponibles a través de Plateanet.
Se Va El Camello invita a todos sus seguidores a unirse a esta gran celebración en el Teatro Bar, ubicado en calle 43 Nº 632 entre 7 y 8, La Plata. El evento comenzará a las 20 horas y promete ser una noche llena de buena música y emociones.
El talentoso pianista y compositor mendocino Marcelo López se presentará el miércoles 21 de agosto a las 23 horas Café Berlín (Av. San Martín 6656, Villa Devoto, CABA).Con entradas a $8000, disponibles en Livepass, el evento promete ser una noche memorable en un formato de trío.
López estará acompañado por César Franov en bajo y Facundo Guevara en percusión. Juntos, ofrecerán una selección de las composiciones más destacadas de López, así como algunos clásicos del rock nacional e internacional, creando una atmósfera diversa y cautivadora.
Artistas Invitados:
Laura Hatton: Con su voz exquisita, interpretará canciones de Marcelo López y algunos estándares de jazz.
Jorge Garacotche: Líder de Canturbe, quien ha colaborado con Marcelo en varias oportunidades.
Daniel Benítez: Flautista traverso mendocino, invitado en algunas composiciones de López.
Walter Soria: Guitarrista de folclore que aportará su maestría instrumental en ciertos temas.
Compositor e intérprete de blues, rock & roll y música urbana, López ha sido parte de diversas bandas mendocinas, incluyendo Synthesis, Phao, La Cofradía, Ala Disidente, Martes 13 y López & Fiat, con la que editó el disco “Cantos Son Cantos”. Su carrera solista cuenta con cinco álbumes, producidos, arreglados y dirigidos musicalmente por Litto Nebbia bajo el sello discográfico MELOPEA.
Desde 2010, López ha compartido escenario con artistas como Alejandro Del Prado, Rubén Goldín, Jorge Garacotche y Miguel Cantilo. En 2021, presentó su espectáculo “Cortázar ‘all inclusive'» y participó en varios homenajes, incluyendo uno a Marciano Cantero de Los Enanitos Verdes.
En diciembre de 2022, Marcelo viajó a Buenos Aires para trabajar en su próximo álbum “Seguir con tu canción”. En 2023, fue protagonista de la primera emisión de UNÍSONO por la TV Pública. En 2024, se unió como tecladista a la banda “Clapton Legacy”, recorriendo Chile y tocando las obras de Eric Clapton.
Actualmente, Marcelo López sigue trabajando en su proyecto solista y pronto estrenará un nuevo trabajo titulado “7 canciones 7”. Además, continúa tocando junto a “Tour de los Bares” y “Cantautores”, y la mítica banda Martes 13, que regresó a los escenarios en noviembre de 2023 tras casi tres décadas de ausencia.
Juan Massimo, una figura emblemática del tango contemporáneo, está de vuelta con una propuesta innovadora que fusiona el tango tradicional con el freestyle y el hip hop. El proyecto titulado “Suburbano” cuenta con la participación especial de Barba Roja, un reconocido rapero del género freestyle, y promete romper barreras generacionales y estilísticas.
Un Proyecto Innovador
«Suburbano» no es solo una canción, sino una experiencia sonora que mezcla la melancolía y profundidad del tango con la energía y el ritmo del rap. Este proyecto se centra en una nueva versión del tango «Sur», donde la voz de Juan Massimo se une al freestyle de Barba Roja para crear una armonía única y contemporánea.
La grabación de «Suburbano» se llevó a cabo en Mosco Records, con Daniel Osorio como ingeniero de sonido. La producción cuenta con la participación de Emiliano Guerrero en el bandoneón y Juan Avilano en la guitarra, quienes aportan su talento para enriquecer esta fusión de estilos.
La Trayectoria de Juan Massimo
Nacido y criado en Adrogué, Juan Massimo se introdujo en el mundo de la música a través del rock progresivo durante las décadas de los 60 y 70. Sin embargo, con el tiempo, encontró su verdadera pasión en el tango. A pesar de haberse alejado de la música por su carrera en el gremialismo bancario, Massimo nunca perdió el amor por el tango y decidió regresar con fuerza a la escena musical.
En su segundo disco, «Orillero», Massimo presenta una colección de temas clásicos del tango, reversiones de canciones populares y composiciones propias. Este trabajo destaca por su profunda interpretación y emotividad, reflejando la madurez artística de Massimo.
«Orillero» y Nuevas Colaboraciones
«Orillero» es una muestra del compromiso de Massimo con el tango. El disco incluye temas como «Nuestro Balance» de Chico Novarro, «Los Dinosaurios» de Charly García y «Cuando Ya Me Empiece a Quedar Solo» de Sui Generis, todos ellos reversionados en estilo tango. El álbum cuenta con la dirección musical de Fernando «Quena» Taborda y la participación de músicos talentosos como Astrid Motura (cello), Sebastián Zambrana (guitarra), Ariel Azcárate (piano), Bucky Arcella (bajo) y Carlos Cavagnaro (batería).
Además, la dirección de esta nueva propuesta está a cargo de su hijo, Christian Massimo, quien también participa en el bajo eléctrico, junto a Martín Benedetti (bandoneón), Gabriel Fernández (guitarra) y Agustín Garay (batería).
Futuro del Tango Fusión
Juan Massimo continúa innovando y explorando nuevas fronteras musicales. Con “Suburbano”, Massimo no solo honra las raíces del tango, sino que también lo proyecta hacia el futuro, buscando conectar con nuevas generaciones a través de una fusión contemporánea que refleja la evolución constante del género.
Andrea Álvarez, tan auténtica y rebelde como una campera de cuero old school, vuelve al ruedo con un nuevo disco titulado «La Cadena del Mal». Este trabajo marca un hito en su carrera, combinando su vasta experiencia con una creatividad sin límites para entregar su proyecto más ambicioso hasta la fecha.
El álbum consta de once temas donde los ecos del power rock sirven de base para letras que abordan desde dolores personales y críticas sociales hasta celebraciones más festivas. La contundencia musical y la urgencia se destacan como las grandes armas del trío conformado por Andrea en la batería y voz, Tomás Brugues en la guitarra y Lonnie Hillyer en el bajo. La versatilidad vocal de Andrea, capaz de susurrar con gravedad o desgarrarse en los pasajes más intensos, se suma a la maestría de su ejecución en la batería y su inigualable pasión escénica. A esto se añade la guitarra de riffs vertiginosos de Tomás y el bajo profundo y emocional de Lonnie.
La producción artística estuvo a cargo del propio trío y se grabó en el mítico estudio Panda de Buenos Aires. Christian Algarañaz se encargó de la grabación y mezcla en el Estudio Romaphonic, mientras que el mastering fue realizado en el Estudio Revealsound de Londres por Neil Pickles, reconocido por su trabajo con artistas como TOOL, Groove Armada y Kasabian, entre otros. El lanzamiento del disco está acompañado por el videoclip de «Sos La Muerte del Rock», dirigido por Sal Lencina. La portada del álbum es obra de Giselle Morello y las fotos de prensa fueron realizadas por la artista Nora Lezano.
«La Cadena del Mal» se presentará en vivo el viernes 4 de octubre en The Roxy Live, ubicado en el barrio de Palermo. La promesa es clara: un rock de alto octanaje, sonido brutal y una conexión con el público que difícilmente pueda ser igualada.
Andrea compartió sus sentimientos sobre este nuevo trabajo: «Podría asegurar que ‘La Cadena del Mal’ es mi mejor disco. Empecé a componerlo antes de la pandemia y siempre mantuvo el mismo espíritu, inspirado en la disconformidad. El disco habla de los abusos desde el poder y de la muerte del mundo que nos formó, ya no existe más y mi dificultad para aceptarlo. La muerte de amigos, de referentes, de estilos de hacer las cosas. Creo que pudimos concretarlo ahora porque este era el momento justo. Musicalmente trabajamos como banda y eso es lo que más lo distingue de mis discos anteriores. Lo arreglamos e hicimos la producción muy juntos. También trabajé en conjunto con dos personas ajenas a la banda (Luke en la música de ‘Dos Minutos’ y Karina Cohen en la letra de ‘UhUh’) y eso fue una novedad para mí. Traté de sacarme el dolor y la rabia que me da esta época en la que vivimos porque me gusta estar feliz y no acepto la carga de la queja. El rock me ayuda para sacarme de encima el enojo y volverlo algo que valga la pena».
No te pierdas el estreno de «La Cadena del Mal» y disfruta del poder del rock en vivo el 4 de octubre en The Roxy Live.
Decir “te quiero” sin pudor, cantar al sentimiento más universal que existe y potenciarlo en un mundo lleno de odio es lo que propone Álvaro de Luna en su última composición: “Nuestra canción”. Un pegadizo single pop-rock que convierte en canción la adrenalina infinita y los fuegos artificiales de las conexiones humanas. Producida por los colombianos Andrés Torres y Mauricio Rengifo, responsables de éxitos de Morat, Sebastián Yatra o Aitana, y mezclada por Bob Clearmountain que ha trabajado con Bon Jovi, Bryan Adams y Bruce Springsteen, entre otros.
El artista ya avanzó en redes sociales que acababa de componer una canción “muy cursi” y ha ido publicando una serie de imágenes que mostraban momentos románticos de parejas diversas para reivindicar el amor como sentimiento universal. El protagonista de su videoclip es un rockero de larga melena –José Alberto Solís, líder del grupo King Sapo– que tararea hasta el éxtasis esta canción porque los sentimientos están libres de etiquetas y prejuicios.
Al igual que Los Beatles cantaron al amor en su “All You Need Is Love” o Andrés Calamaro en “Te quiero igual”, ahora Álvaro lo hace en “Nuestra canción”, una invitación a perder el control, a dejarnos llevar y a disfrutar del amor con todas sus letras.
Céline Dion emocionó a todos al cantar durante el cierre de la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de París 2024, nada menos que desde la Torre Eiffel.
Dion, de 56 años, cantó por primera vez desde que reveló que padece del síndrome de la persona rígida, una patología que afecta a los músculos del tronco y el abdomen, que se vuelven cada vez más rígidos y se agrandan. Esto termina provocando una rigidez que afecta a todo el cuerpo con el paso del tiempo.
Fue por esto que Dion causó una gran emoción en las personas de todo el mundo que estuvieron viendo la impresionante ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos, que se llevó a cabo en diversas partes de París, principalmente en el Río Sena y en la Torre Eiffel.
Desde la Torre Eiffel, con una impresionante puesta en escena, Dion cantó el Himno al amor, de Edith Piaf.
En el crisol de la escena musical argentina, emerge Banquete, un proyecto que destila la esencia del rock and roll en cada nota. Con el lanzamiento del EP “Obra Ilegal” y el impactante videoclip de “La solución”, esta banda irrumpe con fuerza. Al frente del grupo, Guido Vene no solo presta su voz, sino que también teje melodías en la guitarra eléctrica y el piano, guiando a su selecto cuarteto en un viaje musical cargado de pasión y autenticidad.
Acompañando a Guido, Gonzalo Cuchetti en el bajo aporta su vasta experiencia, mientras que Adrián Bareiro en la batería y voz, conocido por su influencia en “La Jackie Brown” y “Nacho Ladisa Blues Club”, suma su talento multifacético. Nicolás Yudchak, con su distintivo estilo forjado en “Vieja Estación”, completa esta formación, evocando a los grandes como Mick Taylor y Duane Allman.
En tan solo un año, Banquete ha logrado consolidarse como un faro de autenticidad en el panorama del rock & roll argentino.
En una charla exclusiva con Pogo de Rock,Guido Vene nos comparte detalles sobre este proyecto y las historias detrás de su reciente lanzamiento.
CRÉDITO: CANDELA BARJA
¿Qué criterios y procesos utilizaste para elegir a los miembros actuales de Banquete y cómo crees que cada uno complementa la dinámica del grupo?
Es curioso cómo a veces la vida nos lleva a decisiones sin que nos demos cuenta. En 2018, dimos un show con esta misma formación, antes de que Banquete existiera oficialmente. Fue un tributo a Elmore James que organicé en un bar. Mirar hacia atrás y ver cómo ciertas decisiones ya estaban predestinadas es increíble. Elegir a mis compañeros se basó en compartir intereses socio-culturales, gustos musicales y en tener una conversación fluida y agradable. Somos amigos desde hace muchos años, pero esta es nuestra primera aventura juntos en un proyecto. Esa camaradería y entendimiento previo han sido clave para la dinámica del grupo.
¿Cómo fue el proceso de grabación de “Obra Ilegal” en solo catorce horas?
El proceso de grabación fue intenso y meticuloso. Primero, en aproximadamente tres horas, grabamos la batería y el bajo. Luego, en otras tres horas, todas las guitarras rítmicas. Mis voces para los temas las grabé en apenas 45 minutos; “La solución” fue una toma única. Los coros llevaron un poco más de tiempo, pero no más de dos horas. Finalmente, en las últimas horas, grabamos las acústicas y solos de guitarra. Queríamos que lo primero que la gente conociera de Banquete reflejara la energía de nuestros shows en vivo. Nuestro sonido es crudo, limpio y preciso, y creo que logramos capturar eso perfectamente.
¿Cómo fue la experiencia de trabajar con Nico Raffetta en la grabación y Yamil Salvador en la mezcla y masterización?
Fue increíble trabajar con dos pianistas tan talentosos, aunque curiosamente Banquete no tiene teclado. Raffetta, un prodigio del blues y rock and roll nacional, ha estado presente en casi todos los momentos importantes de mi carrera musical. Su aporte en las armonías vocales fue invaluable. Yamil Salvador se comprometió con el proyecto de una manera excepcional, y gran parte del sonido del EP se debe a su trabajo en la mezcla y masterización. Estamos en conversaciones para que produzca artísticamente nuestro próximo single. Tener a dos de los mejores tecladistas de Blues y Rock and Roll del país colaborando con nosotros nos hace sentir en muy buenas manos.
¿Cómo fue el proceso compositivo para el EP “Obra Ilegal”?
La composición es una actividad constante para mí, desde mis primeras épocas con Támesis. Cuando se formó Banquete, tenía una valija llena de temas listos para trabajar. Había tropezado con el inicio de muchos proyectos, y tener estos temas ahí esperando fue una bendición. Mis compañeros confiaron en mis composiciones, lo cual fue crucial. Además, Adrián Bareiro, nuestro baterista, grabó y cantó su primera canción, demostrando ser un gran cantante. Ahora trabajamos directamente sobre ideas en la sala de ensayo. Gonzalo Cuchetti, nuestro bajista, también ha empezado a aportar sus propias composiciones. Nicolás Yudchak, aunque aún no compone, es nuestro as bajo la manga en las guitarras. Tengo alrededor de 12 canciones listas para nuestro próximo material, y el apoyo de mis compañeros ha sido fundamental para mi desarrollo como compositor.
CRÉDITO: CANDELA BARJA
¿Las letras se basan en historias reales, ficticias, o ambas?
Las letras están basadas en historias reales, pero oscilan entre lo autorreferencial y lo ajeno. Me gusta ser un narrador en tercera persona, lo que me permite explorar diferentes perspectivas y experiencias a través de la música.
¿Qué mensaje principal quieren transmitir con este EP?
El mensaje del EP abarca temas como el amor, la redención, la camaradería y la pasión, todo envuelto en un halo de cemento, calle y ciudad. Es un oasis mental para la hora del almuerzo en el trabajo, una pausa para conectarse con algo más profundo y auténtico.
¿Qué pueden esperar los fans de sus próximos shows? ¿Cómo ha sido la recepción del público?
Estamos trabajando arduamente para presentarnos en la mayor cantidad de lugares posibles, tanto en el conurbano como en la Capital. Queremos hacer el camino correcto, sabiendo que tiene muchas aristas. Siempre ha sido así en el rock and roll. Hay un agotamiento visible del “amiguismo” y de los “hijos de…”, y creemos que nuestra autenticidad resuena con el público. La recepción ha sido muy positiva, y estamos emocionados por seguir compartiendo nuestra música en vivo.
¿Cómo es la dinámica de sus presentaciones en vivo y qué diferencia a Banquete de otras bandas en escena?
La otra noche, tocamos en un lugar con otras cuatro o cinco bandas, y la diferencia fue abismal en términos de sonido y originalidad. Tocar temas propios y darles más importancia que a los covers es una bandera en esta época llena de tributos. Además, nuestro sonido se destaca por la arquitectura que propone Nicolás Yudchak y porque afinamos las guitarras de manera diferente a lo habitual, en “OPEN G”. Esto no es solo un detalle, sino una constante que nos hace únicos en vivo, y cuando hay otras bandas, se nota la diferencia.
Si Banquete tuviese una acepción en el diccionario, ¿cuál sería?
Aunque el nombre de nuestra banda ya tiene connotaciones implícitas, si tuviera una acepción en el diccionario, sería ROCK AND ROLL. Representamos la esencia pura y cruda de este género, con todo lo que eso implica.
A los 90 años falleció el bluesman John Mayall, un verdadero clásico de los intérpretes británicos del blues. El músico murió en su casa de California el lunes 22 de julio de 2024, rodeado de su familia, según confirmó su misma parentela.
“Los problemas de salud que obligaron a John a poner fin a su épica carrera en las giras finalmente han llevado a la paz a uno de los guerreros de la carretera más grandes del mundo. John Mayall nos brindó noventa años de incansables esfuerzos para educar, inspirar y entretener”, señalaron sus cercanos en un comunicado oficial.
Mayall, nacido en Cheshire el 29 de noviembre de 1933, fue un músico excelso. Tocaba la guitarra, los teclados, además de la armónica y la voz, y fue uno de los entusiastas del blues en tierras británicas. Por ello, en 1963 fundó el grupo que lo lanzó a la fama, John Mayall & the Bluesbreakers. Con esa alineación, en 1966 grabó un disco fundamental para el blues-rock de los 60, Blues Breakers with Eric Clapton, un álbum con la participación de “Slowhand” en las seis cuerdas.
Tras la marcha de Clapton para conformar Cream, Mayall encontró un sustituto en el guitarrista Peter Green. Con él grabó otra joya, el disco A Hard Road (1967). Luego, Green se marcharía para formar Fleetwood Mac, y Mayall tendría otro reemplazo de lujo: Mick Taylor, quien luego sería parte de los Rolling Stones. Por su aporte al estilo del Delta en Inglaterra, fue llamado “el padre blanco del blues”, “el padrino del blues británico” o “el padre fundador del blues británico”. Una pérdida sensible.
