La maquinaria volvió a encenderse. Foo Fighters presentó “Your Favorite Toy”, el single que abre el camino hacia su duodécimo álbum de estudio, que verá la luz el 24 de abril a través de Roswell Records y RCA Records.
Se trata de la primera música inédita de la banda en 2026 y funciona como una auténtica declaración de intenciones: guitarras afiladas, teclados que meten tensión y un pulso rítmico que no te suelta. Sobre esa base, Dave Grohl aparece con un enfoque vocal distinto, empujando estribillos que se te quedan pegados desde la primera escucha.
Get back / Hear that, boy? / Someone threw away your favorite toy for good
El tema no solo le da nombre al disco, también define su espíritu. Sin parecerse a nada de lo que hicieron antes, mantiene ese ADN que hace que, aunque cambien el envase, el contenido siga siendo inconfundible.
Grohl lo explicó sin vueltas: “‘Your Favorite Toy’ fue la clave que desbloqueó el tono y la dirección enérgica del nuevo álbum. Después de más de un año probando sonidos y dinámicas, cuando esta canción tomó forma supimos que había que seguir ese camino. Fue la mecha del polvorín”.
Tracklist de Your Favorite Toy de Foo Fighters:
Caught In The Echo
Of All People
Window
Your Favorite Toy
If You Only Knew
Spit Shine
Unconditional
Child Actor
Amen, Caveman
Asking For A Friend
El lanzamiento llega como antesala de la gira mundial Take Cover, que arranca el 10 de junio en el Unity Arena de Oslo, tras pasar por festivales como Welcome to Rockville y BottleRock Napa Valley.
Hoy, Foo Fighters son Grohl, Nate Mendel, Chris Shiflett, Pat Smear, Rami Jaffee e Ilan Rubin. Y sí: parece que todavía tienen juguetes nuevos para romper.
Compuesto y grabado entre junio y agosto de 2025 en los estudios Esquina del Barro Sagrado y Aurea Lab Studio, el material propone un recorrido íntimo donde la guitarra y el bandoneón funcionan como ejes expresivos dentro de una narrativa que prioriza la emoción y el clima por sobre la estructura convencional.
“Fuego Interminable nace de la necesidad de compartir sonidos que habitan en mí desde hace años. Es una invitación a sentir, caminar y permanecer, aun cuando el fuego parece no apagarse”, señala Linyera sobre este lanzamiento que ya se encuentra disponible en plataformas digitales.
El EP está integrado por tres canciones y una intro que lleva el nombre del trabajo. Entre ellas se destaca José de la Vida, una composición dedicada a su padre, donde la guitarra criolla y los arreglos de cuerdas construyen una atmósfera que remite al amor incondicional y a la perseverancia como motor vital.
La esencia de Linyera en su música
A lo largo del disco, las canciones exploran distintas texturas sin perder coherencia estética. En A Golpe de Vivir, Linyera comparte arreglos de guitarra junto a MBVR, mientras que en En las Alturas el bandoneón aparece como elemento central, aportando identidad sonora a la propuesta. El cierre llega con Fuego Interminable (Outro), un recitado en la voz del propio artista acompañado nuevamente por MBVR en bandoneón, que funciona como una suerte de plegaria a volver a la raíz y resistir frente a las circunstancias.
Escrito y compuesto por Nico Linyera —con música de MBVR en el outro—, el EP representa una síntesis del camino iniciado en 2019, cuando comenzó a dar forma a sus primeras composiciones instrumentales registradas junto al colectivo Brookarte en Machina Records. Tras la edición en 2024 de Mientras Palpita, un EP instrumental de 12 minutos que capturó el pulso más inmediato de su propuesta, y el lanzamiento del single Leticia en abril de 2025, el artista proyecta ahora una serie de shows y giras durante 2026 para presentar este nuevo material en vivo.
Con Fuego Interminable, Linyera consolida una identidad sonora que combina tradición y contemporaneidad, apostando a una música donde la emoción y el territorio se entrelazan en cada composición.
El trompetista y compositor Ed Pareta presenta Pareta Hotel, su nuevo material discográfico grabado en noviembre de 2025 en el estudio Doctor F, donde despliega una propuesta sonora que combina composición original, improvisación y un diálogo constante entre tradición y modernidad dentro del jazz contemporáneo.
El disco fue registrado junto a su cuarteto integrado por Ignacio Bianchi en bajo eléctrico fretless, Santiago Hernández en batería y Lautaro Huerín en piano, conformando un ensamble que apuesta a una sonoridad orgánica y dinámica, donde cada instrumento encuentra su espacio dentro de una narrativa musical colectiva.
Además, el álbum cuenta con la participación de músicos invitados que aportan nuevas texturas a la obra: Sergio Burián en el tema Camino a Macerata y Gabriel Rivano en Mina Gonzalito, ampliando el espectro tímbrico del proyecto y sumando nuevas capas interpretativas a las composiciones.
La ingeniería de sonido estuvo a cargo de Solano Esti, mientras que el arte de tapa fue realizado por Rita Simoni. El registro audiovisual de las sesiones de grabación fue llevado adelante por Ana Pareta, con el apoyo logístico de Victoria Pareta.
Pareta Hotel propone un recorrido musical que refleja el universo compositivo de Pareta, donde la trompeta funciona como eje expresivo dentro de una estructura abierta que habilita la interacción constante entre los músicos.
Edgardo «Ed» Pareta es compositor, trompetista, docente y escritor, oriundo de Lincoln, Provincia de Buenos Aires. Su obra se caracteriza por una fuerte impronta jazzística fusionada con músicas latinoamericanas y raíces folklóricas argentinas.
Estudió en el ex Conservatorio Nacional «Carlos López Buchardo» (hoy Universidad Nacional de las Artes – UNA), donde se formó como Profesor Nacional de Música con especialización en trompeta. Actualmente dicta la cátedra de trompeta en la Escuela de Música Popular de Avellaneda (EMPA).
Con más de 35 años de trayectoria, participó en destacadas formaciones como Satch Big Band, No Alineados, el ensamble de Alejandro Santos, y la Big Band de Mariano Tito (h). También fue convocado como trompetista por artistas populares como Palito Ortega, Daniel Lezica, Alcides, Manuel Wirtz, María Marta Serra Lima y Martín Bossi, entre otros.
En los últimos años, Pareta se volcó plenamente a la composición y ejecución de un repertorio propio, donde la trompeta ocupa un lugar central en un diálogo creativo entre el jazz y las músicas de raíz.
Con una melodía que apareció mientras manejaba y una historia que mezcla experiencia personal con idealización, Ema Peñalba transita un presente de crecimiento artístico impulsado por el lanzamiento de Cucharita, un single donde confluyen el pulso afro, la impronta latina y una búsqueda sonora que prioriza tanto la emoción como el movimiento. Músico desde la infancia, actor y dueño de oído absoluto, Peñalba habla en esta entrevista con Pogo de Rock sobre su proceso creativo, la obsesión por el detalle, el peso de las influencias, el aprendizaje vocal y el desafío de encontrar el equilibrio entre la perfección y el momento de soltar una canción para que llegue al público.
—Cucharita nace, según contaste, en una situación bastante cotidiana: manejando. ¿Cómo fue ese momento?
—Me pasa mucho que cuando voy manejando empiezo a tararear o a hacer ejercicios vocales, no sé por qué, pero es un momento donde aparecen muchas ideas. De repente surge una melodía y la grabo con el celular en una nota de voz. Después voy al estudio y empiezo a trabajar desde ahí. Muchas veces la propia melodía ya te dice de qué tiene que hablar la canción: si es triste, si es alegre, si es más íntima o más arriba. En este caso, la historia viene de alguien que conocí en una salida con amigos. Trato siempre de partir de algo real, aunque después, como intérprete, uno ficcionaliza.
Ema Peñalba toca el piano desde niño
—El tema tiene un groove muy marcado. ¿Qué te atrae de ese universo sonoro?
—Siempre me gustó lo latino, lo percusivo. Escucho mucha salsa, merengue, y también me encanta todo lo afro, las voces africanas me generan algo muy especial. Entonces cuando armé Cucharita empecé a sumar percusiones, muchas voces en el estribillo, como representando una especie de tribu. Me gusta generar alegría, movimiento. Es difícil escuchar salsa y quedarse quieto, por ejemplo. Yo voy por ese lado.
—En Argentina no es tan habitual encontrar referentes en ese estilo…
—No, referentes locales tengo, pero no dentro de este género. Soy muy fanático de Charly García, por ejemplo, que va por otro lado completamente distinto. Pero uno adopta recursos de lo que escucha. Quizás un acorde, una estructura, una forma de resolver algo. Después lo llevás a tu terreno.
—¿Te considerás obsesivo con el trabajo en estudio?
—Sí, demasiado. Estoy aprendiendo a ser menos así. Me ha pasado de componer una canción y tardar años en terminarla por querer que todo sea perfecto: agregarle cuerdas, sacar una conga, cambiar un sonido… y así no se termina nunca. Entonces trato de hacer lo mejor posible dentro del tiempo que tengo. Prefiero ofrecer algo que no ofrecer nada por seguir corrigiendo.
—¿Esa obsesión tiene que ver con cómo concebís el vínculo con tu público?
—Claro. Yo siento que estoy entregando algo y que el público se merece lo mejor de mí. Eso también genera ansiedad, porque querés que todo salga excelente y es imposible. Pero no me gusta lanzar algo y después pensar “podría haberlo hecho mejor”.
—Hoy la tecnología permite grabaciones cada vez más detalladas, pero muchas veces se escuchan desde dispositivos que no reproducen todo ese trabajo…
—Totalmente. Se graba con una calidad increíble, pero después lo escuchás en un auricular básico del celular y se pierden agudos, medios… un montón de cosas. Y la mezcla, el mastering, llevan un trabajo enorme. A veces está bueno destacarlo.
—Tenés oído absoluto. ¿Cómo convivís con eso?
—Hoy lo veo como una bendición, pero de chico era medio una condena (risas). Me hacían golpear vasos con una cucharita para que diga qué nota era. Pero para componer es una ventaja enorme: cualquier sonido puede convertirse en una idea. Aunque también tiene su lado complicado: si algo está apenas desafinado, no puedo seguir hasta resolverlo.
—Venís de una familia de músicos…
—Sí, mi abuelo tocaba el arpa y mi papá muchos instrumentos. En casa había guitarras, pianos… música por todos lados. Yo quería demostrarles que podía hacer lo mismo que ellos. Mi papá me metió desde chico en coros, bandas… con ocho años ya acompañaba con piano a una caravana coral.
—¿Seguís tomando clases de canto?
—Sí, con Erica Morelo, la hermana de Marcela Morelo. Me salvó la vida. Me enseñó técnicas para no dañarme, a cuidar la voz, a ser consciente de malos hábitos. Hoy puedo hacer un show de dos horas y terminar como si nada.
—¿Qué cambió a partir de ese trabajo?
—Aprendí que no se canta solo con las cuerdas vocales, sino con todo el cuerpo. Si estás tensionado o estresado, eso impacta en la voz. Incluso las expresiones ayudan a colocarla mejor. Yo antes trataba de no gesticular para que el público no viera ciertas caras, pero en realidad necesitás poner el cuerpo para transmitir.
—También sos actor. ¿Eso suma?
—Muchísimo. Me ayudó a perderle el miedo al escenario. Desde chico hacía teatro, entonces subirme a un escenario se volvió algo natural.
—En cuanto a las influencias, ¿cómo evitás caer en la copia?
—Creo que todos adoptamos cosas de lo que escuchamos. A mí me dicen que tengo algo de Ricky Martin, pero no es que lo copie. Puede ser alguna colocación vocal. También escuchás a Fabiana Cantilo y encontrás similitudes con otros artistas. Es inevitable. Como cuando ves jugar a Lionel Messi y lo comparás con Diego Maradona.
—¿Cómo se vive el feedback del público con una canción nueva?
—Es increíble. La primera vez que vi gente cantando Cucharita, algunos sin conocerla, casi me largo a llorar. Había 120 personas, pero que te presten atención hoy, con todas las distracciones que hay, es muchísimo.
—¿Qué viene ahora?
—Arrancamos el año tranquilos. Venía de hacer uno o dos shows por fin de semana y necesitaba bajar un cambio para dedicarme a los lanzamientos. Hay que hacer videos, fotos, contenido… y también pasar horas en el estudio, porque ya estamos trabajando en lo que sigue.
—Si tuvieras que definirte en una palabra…
—Soñador. Y alguien que quiere motivar y ayudar a otros. Yo estoy cumpliendo un sueño y quiero demostrar que se puede. Con amor, todo sería distinto.
Las Bodas Químicasatraviesa un momento de plena actividad artística. Mientras continúa presentando en vivo su más reciente álbum, Razones Poderosas, la banda prepara nuevos proyectos para lo que será un 2026 cargado de movimiento, material audiovisual y escenarios.
El próximo sábado 14 de marzo, LBQ regresará a la Ciudad de Buenos Aires para ofrecer su primer show del año en CABA, con una fecha especial enLa Tangente, donde desplegará un concierto de larga duración, pensado como una experiencia integral que combine presente, recorrido y potencia en vivo.
Un concierto para estrenar y repasar
El show del 14 de marzo no será una fecha más. La banda adelantó que se tratará de un recital extenso, en el que estrenará en vivo las canciones de Razones Poderosas y, al mismo tiempo, repasará lo mejor de su discografía.
La lógica es clara: mostrar el nuevo material en su contexto natural —el escenario— sin dejar de lado una obra que se fue consolidando a lo largo de los años y que encontró en el vivo uno de sus puntos más fuertes. Porque si algo distingue a Las Bodas Químicas es su consistencia arriba del escenario, donde el sonido, la interpretación y la energía terminan de cerrar la propuesta.
“Razones Poderosas”, un disco que pide escenario
Razones Poderosas es el trabajo más reciente de LBQ y marca una nueva etapa en su recorrido. El álbum combina canciones directas, climas trabajados y una identidad sonora que dialoga con el rock argentino sin quedarse en la nostalgia.
No es casual que la banda apueste fuerte a su presentación en vivo: el disco fue concebido para ser tocado, transitado y sentido con volumen. En ese sentido, el show en La Tangente funcionará como una carta de presentación definitiva del material en la Ciudad.
Nuevo videoclip en camino: “Moda pasajera”
En paralelo a la agenda de shows, Las Bodas Químicas se encuentra trabajando en la edición final del videoclip de “Moda pasajera”, una de las canciones incluidas en Razones Poderosas.
El nuevo material audiovisual contará con la participación especial del actor Manu Fanego y se estrenará próximamente en todas las plataformas digitales. El videoclip se suma a la estrategia de la banda de acompañar su música con una narrativa visual cuidada, sin descuidar el eje principal: la canción.
Una banda con recorrido y credenciales
Formada en 2010, Las Bodas Químicas cuenta con una trayectoria sólida dentro del circuito del rock argentino. Actualmente, la banda está integrada por:
José Lavallén (voz y guitarra)
Nicolás Daniluk (batería)
Andrés Tersoni (bajo)
Roco Collado (teclados, percusión y DJ)
A lo largo de su carrera, LBQ lanzó varios discos y singles, recorrió escenarios de todo el país y también se presentó en México. Además, compartió colaboraciones en vivo y en estudio con artistas de peso como Sergio Dawi, Richard Coleman, Billy Bond, El Plan de la Mariposa, León Gieco y Las Pastillas del Abuelo, un respaldo que habla tanto de afinidades musicales como de respeto artístico.
Una apuesta segura arriba del escenario
El periodista Eduardo Fabregat definió con precisión lo que sucede cuando Las Bodas Químicas se sube a un escenario:
“Hay bandas que prometen y se quedan en las promesas. Otras no, otras nos han acostumbrado a cumplir en el estudio y sobre todo el escenario —ahí donde se ven los pingos— y por eso se convierten en una apuesta segura. Entonces, si Las Bodas Químicas aseguran que hay Razones Poderosas para prestarles atención, más vale ir preparando los parlantes, las orejas, los ojos, el alma y el corazón”.
Una síntesis justa: una banda que no vive de promesas sino de hechos.
El punk no se archiva. No se jubila. No se domestica. Se canta fuerte, se salta en ronda y se comparte. Bajo esa lógica llega la primera edición de Family Punk, un encuentro que celebra al punk rock argentino en su estado más puro: canciones que todos saben, bandas que todavía tienen cosas para decir y una escena que necesita —y quiere— volver a encontrarse cara a cara.
Con un line up encabezado por Dos Minutos, grupo clave del género y referencia ineludible para varias generaciones, Family Punk propone un domingo para ir al frente: pogo, abrazo, escenario y calle en un mismo plan. Porque no es solamente memoria. Es presente. Es comunidad. Es ruido compartido.
Primera edición del Family Punk
El festival reúne a nombres históricos de la escena local, cruzando distintas etapas y sonidos del punk argentino en una misma jornada.
Line up confirmado:
Loquero
Corvex
Mal Pasar
Da Skate
La cita será el domingo 1 de marzo desde las 14 hs en C Art Media (Av. Corrientes 6271, Chacarita, CABA). Las entradas ya se encuentran disponibles a través de Passline.
Un plan sin nostalgia impostada: guitarras al palo, letras que siguen pegando y una escena que, cada tanto, necesita volver a sentirse familia. ¿Nos vemos en el pogo?
Cuando dos voces fundamentales de la música latinoamericana se encuentran, el resultado no necesita fuegos artificiales. Alcanza con verdad, emoción y una canción bien escrita. Eso es exactamente lo que sucede en “Tengo Que Contarte”, el nuevo tema que reúne a Julieta Venegas y Natalia Lafourcade y que funciona como segundo adelanto de Norteña, el próximo trabajo discográfico de Venegas.
La canción abraza los sonidos del regional mexicano, pero lo hace desde una mirada contemporánea, sensible y profundamente emocional. No hay impostura ni nostalgia forzada: hay una conversación hecha música, que se mueve entre la confesión, la amistad y ese momento íntimo en el que decir la verdad ya no puede esperar.
Una conversación convertida en canción
“Tengo Que Contarte” se construye como un diálogo honesto entre dos amigas. Habla de la vida cuando no es simple, cuando confunde, cuando desarma. Habla de detenerse, de dudar, de intentar explicarse cómo seguir. Y, sobre todo, habla del valor de tener a alguien cerca que escuche sin juzgar.
La lírica directa y melancólica de Julieta Venegas se entrelaza de manera natural con la sensibilidad y la raíz folclórica de Natalia Lafourcade. El resultado es una canción que honra la tradición del regional mexicano, pero la proyecta hacia nuevas audiencias, sin perder identidad ni profundidad.
No es un cruce de nombres para sumar likes: es un encuentro artístico genuino.
Sonido, raíz y emoción
Desde lo musical, el tema se apoya en una instrumentación sobria, cálida y orgánica, que remite al espíritu de cantina, de charla larga, de verdades dichas sin apuro. La producción acompaña la narrativa sin imponerse, dejando que las voces respiren y que el clima emocional sea el verdadero protagonista.
Julieta lo explica con claridad:
“Dos amigas se juntan para hablar sobre la vida. Que no siempre es fácil, que a veces nos confunde y nos deja sin armas frente a los cambios. Pero una amiga es aliento, alguien que nos escucha y que puede entender lo que hemos vivido”.
Esa idea atraviesa toda la canción y le da sentido a cada palabra.
Venegas-Lafourcade, una colaboración que nace del afecto y la admiración
Lejos de ser un encuentro circunstancial, la colaboración entre Julieta Venegas y Natalia Lafourcade está sostenida por una relación de años, respeto mutuo y admiración artística.
“Estoy feliz de haber colaborado con mi adorada Natalia Lafourcade, con quien hace mucho que nos conocemos, a quien admiro y siento como una voz ideal para cantar juntas esta canción de amistad, de encuentro y de cariño”, señala Julieta.
La elección de Lafourcade no es casual: su voz aporta una profundidad emocional y una conexión directa con la raíz sonora de México, enriqueciendo el universo de Norteña y ampliando su alcance artístico.
Un videoclip que acompaña la intimidad
El lanzamiento llega acompañado por su videoclip oficial, ya disponible en el canal de YouTube de Julieta Venegas. El video refuerza el espíritu del tema: cercanía, complicidad y un clima introspectivo que acompaña la narrativa de la canción sin distracciones innecesarias.
Imagen y música avanzan juntas, sosteniendo la idea central: detenerse, escucharse y decir lo que pesa.
Más que una colaboración: un diálogo artístico
“Tengo Que Contarte” no es solo un single ni un adelanto de disco. Es un diálogo artístico que celebra la sororidad, la autenticidad y la riqueza sonora de México. Una canción que invita a bajar el ruido, prestar atención y conectar con emociones reales.
En tiempos de lanzamientos fugaces y colaboraciones calculadas, este encuentro se siente necesario y honesto.
Julieta Venegas: reconocimiento y nuevos escenarios
El estreno del tema llega en un momento destacado para Julieta Venegas, quien recientemente recibió el Premio Ícono en los TikTok Awards Latinoamérica, celebrados en la Ciudad de México. El reconocimiento reafirma su vigencia, influencia y capacidad de seguir dialogando con nuevas generaciones sin perder profundidad artística.
Mientras tanto, la artista continúa anunciando nuevas fechas de conciertos por México, anticipando un período de fuerte actividad en vivo que acompañará el lanzamiento de Norteña.
Una canción para escuchar sin apuro
“Tengo Que Contarte” es una de esas canciones que no buscan imponerse, sino quedarse. Habla de amistades que sostienen, de verdades que alivian y de caminos que se encuentran incluso en medio de la tristeza.
Julieta Venegas y Natalia Lafourcade no solo cantan juntas: se escuchan, y esa diferencia se nota.
El rock no siempre necesita reinventarse: a veces alcanza con mirar el pasado de frente y avanzar sin pedir permiso. En ese punto exacto se planta Viejo Furgón, que vuelve a escena con nueva música, espíritu renovado y una canción que funciona como declaración de principios.
“Después de Tanto” es el segundo adelanto de Reloj Espiritual, el próximo trabajo discográfico de la banda, previsto para los primeros meses de 2026. El single no solo anticipa un disco: abre una etapa, marca un pulso y deja claro de qué está hecha hoy la identidad del grupo.
Tiempo, memoria y transformación aparecen como ejes creativos de una canción que habla de reencuentros, de lo que permanece pese al desgaste y de todo aquello que se reconstruye, justamente, después de tanto.
Un viaje sonoro que crece y libera
Desde lo musical, “Después de Tanto” propone un recorrido que va de la introspección a la catarsis, con una estructura que crece de manera orgánica hasta desembocar en un estribillo potente, directo y liberador.
La sonoridad combina:
La crudeza del rock clásico
La intensidad del hard rock
Texturas más actuales e introspectivas
El resultado es una canción que no fuerza nostalgia, pero dialoga con ella. Viejo Furgón mira a los 90 sin quedarse atrapado ahí, y logra un equilibrio entre energía, emoción y discurso propio.
Un videoclip que acompaña el concepto
El lanzamiento llega acompañado por un video clip de sesión, grabado en Estudio El Cuzco, que refuerza la idea de cercanía, identidad y trabajo colectivo. La producción, mezcla y masterización estuvieron a cargo de Adrián “Burbuja” Pérez, mientras que el manejo de cámara y la edición fueron realizados por Leo Coca.
El material ya se encuentra disponible en YouTube, y funciona como complemento perfecto del clima que propone la canción: sin artificios, con foco en la banda y en la música.
Una nueva etapa para Viejo Furgón
Este lanzamiento consolida un momento clave para Viejo Furgón. Luego de varios años de trabajo, escenarios y construcción de identidad, la banda atraviesa una etapa de madurez creativa donde las canciones dialogan con el pasado, pero apuntan decididamente hacia adelante.
Reloj Espiritual, el disco completo, profundiza esa búsqueda: letras atravesadas por el paso del tiempo, la resistencia, la memoria y la necesidad de seguir en movimiento. “Después de Tanto” es apenas una puerta de entrada a ese universo.
El single ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales y anticipa un 2025 cargado de presentaciones en vivo y novedades.
Quiénes son Viejo Furgón
Viejo Furgón está integrado por:
Luis Ricotti (voz y guitarras)
Mario Molina (bajo y coros)
Enzo Báez (batería)
La banda nació en Florencio Varela, zona sur del conurbano bonaerense, y construyó su identidad fusionando punk, hard rock y post-grunge, con una raíz clara en la música de los años 90, pero con una impronta actual y visceral.
Formados entre amigos del barrio y de la secundaria, alcanzaron su formación definitiva en 2019, año en el que editaron su primer EP grabado en los históricos Estudios Panda, marcando su ingreso formal en la escena rockera local.
En 2025 sorprendieron con el lanzamiento de cuatro singles que funcionan como antesala de su próximo disco de estudio.
La rebeldía, la resistencia y una energía arrolladora definen tanto sus letras como sus shows en vivo, donde la conexión con el público es directa, intensa y sin intermediarios.
Agenda de shows: Viejo Furgón en vivo
La banda ya confirmó una serie de presentaciones donde “Después de Tanto” empezará a rodar fuerte sobre el escenario:
Viernes 6 de marzo – 22 hs 📍 Rodney Bar Rodney 400 – Chacarita
Sábado 21 de marzo – 21 hs 📍 Hangar 18 Posta de Yatasto esq. Dillon – Parque San Martín
Viernes 3 de abril – 20 hs 📍 La Casona Juan B. Justo 4641 – Paternal
Viernes 24 de abril – 21 hs 📍 Mala Vida Piedras 78 – Monserrat
El artista uruguayo está de regreso y no viene a golpear puertas: las hace sonar. Jorge Drexlerpresentó “Toco madera”, el primer adelanto de su próximo álbum Taracá, ya disponible en todas las plataformas digitales.
Razones para escuchar a Jorge Drexler
Se trata de la primera ventana al universo sonoro de Taracá, que será el decimoquinto disco de estudio de Drexler y que fue grabado mayormente en Montevideo. El single sorprende desde el arranque: es enérgico, percusivo y rítmico, con el tambor como corazón de la canción y la clave del candombemarcando el pulso. Tradición, sí; museo, no.
La canción fue escrita por Jorge Drexler junto a Carlos Casacuberta, sobre una idea de Tadu Vázquez, y cuenta con producción compartida entre Lucas Piedra Cueva, Mauro, Facundo Balta y el propio Vázquez. Equipo afilado para una pieza que suena ancestral y moderna a la vez. Un equilibrio que Drexler maneja como pocos.
El título no es casual y juega en doble sentido. Por un lado, el ritual universal de “tocar madera” para espantar la mala suerte. Por otro, en el candombe uruguayo, la expresión refiere a golpear la madera del tambor con el palo para marcar la clave rítmica. Es decir: superstición y ritmo, destino y tambor. Si va a tentar al futuro, mejor hacerlo con groove.
Con “Toco madera”, Drexler abre el juego de Taracá dejando claro que el nuevo álbum dialoga con la raíz, pero mira hacia adelante. Música que piensa, que baila y que —por las dudas— toca madera.
La Vela Puerca volvió a confirmar por qué es una de las bandas más queridas del rock rioplatense. Los días 10 y 11 de febrero, el grupo uruguayo se presentó con dos funciones sold out en el Ciudad Cultural Konex, reafirmando su vínculo histórico con el público porteño y consolidando al Patio del Konex como uno de los clásicos del verano en Buenos Aires.
Dos noches agotadas en Buenos Aires y un festejo que no se detiene para La Vela Puerca
Luego de su potente paso por el Estadio Ferro, la expectativa por estos shows era alta, y la respuesta fue inmediata: entradas agotadas en ambas fechas. El regreso al Konex se inscribe dentro del extenso recorrido de conciertos que La Vela Puerca viene realizando para celebrar sus 30 años de trayectoria, un aniversario que se vive arriba del escenario y de cara a la gente.
Ambas noches ofrecieron un repertorio amplio y transversal, recorriendo distintas etapas de su discografía. Clásicos infalibles, canciones más recientes y una energía que confirma que la banda no vive de la nostalgia: vive del presente. Dos shows consecutivos que funcionaron como capítulos de un festejo en movimiento, que sigue creciendo fecha tras fecha.
La Vela Puerca en 2026: presente activo y comunión con el público
La celebración no se limita a Buenos Aires. En paralelo a su paso por la ciudad, La Vela Puerca sigue sumando hitos a este aniversario histórico. El 29 de enero, la banda se presentó en el festival Canelones Suena Bien, en Atlántida, frente a más de 60.000 personas, en un escenario natural junto al mar que ya es parte de la memoria colectiva del festival.
El show en el Konex se suma así a una serie de escenarios emblemáticos que acompañan esta celebración, consolidando la continuidad del proyecto y su presencia sostenida dentro del rock latinoamericano.
Más que un aniversario: un sentimiento que se hereda
Las dos noches en el Konex estuvieron atravesadas por la emoción, el pogo compartido y una comunión total con el público. Treinta años después, La Vela Puerca demuestra que no se trata solo de una carrera musical, sino de un sentimiento que pasa de generación en generación. Sin solemnidad, sin poses: rock, fiesta y convicción.
Vuelve la gira barrial: próximas fechas en Buenos Aires y el exterior
El festejo continúa. Durante el mes de marzo, la banda volverá a Buenos Aires para reencontrarse cara a cara con su gente en una gira barrial que promete cercanía, intensidad y celebración pura.
Próximos shows de La Vela Puerca:
14 de febrero: Cosquín Rock – Córdoba, Argentina
5 de marzo: Auditorio Sur – Provincia de Buenos Aires, Argentina
8 de marzo: Auditorio Oeste – Provincia de Buenos Aires, Argentina
12 de marzo: Teatro Flores – Buenos Aires, Argentina
22 de mayo: Festival Argentina V – Malaga Forum, Málaga, España
23 de mayo: Festival Argentina V – Poble Espanyol, Barcelona, España
24 de mayo: Festival Argentina V – Auto Cine, Madrid, España
Treinta años después, La Vela Puerca sigue haciendo lo que mejor sabe: tocar, celebrar y sobrevivir. Y el público, feliz de acompañar. Sin vueltas. Sin fecha de vencimiento.
