El músico rosarino Fito Páez lanzó “Todos los Fitos”, un cortometraje dirigido por José Fogwill que funciona como anticipo conceptual de su próximo álbum Shine, disponible desde el 21 de mayo.
El film presenta cuatro versiones de Fito Páez conviviendo en un mismo espacio: el del ‘63, el de Circo Beat, el de 2014 y el actual. A través de diálogos cruzados y una puesta visual cargada de simbolismo, el artista reflexiona sobre el paso del tiempo, la música y el renacimiento personal.
“Todos los Fitos”: el multiverso emocional de Fito Páez
El corto propone una conversación circular entre distintas etapas de la vida y carrera de Fito Páez. En un living nocturno y minimalista, las distintas versiones del músico interactúan mientras la cámara refuerza la idea de circularidad y encierro emocional.
La narrativa combina dos planos centrales: lo audiovisual y lo musical. Mientras los personajes dialogan entre sí, aparece el concepto detrás de Shine, el nuevo disco atravesado por una experiencia límite que marcó su vida reciente.
El significado de “Shine”
El álbum Shine representa el renacer artístico y personal después del accidente doméstico que sufrió en septiembre de 2024, que derivó en la fractura de nueve costillas, una intervención quirúrgica y la suspensión de sus conciertos y grabaciones.
Ese contexto aparece directamente en el cortometraje. El Fito actual les habla a sus versiones pasadas sobre el dolor, el tiempo y la reconstrucción personal. “Shine” deja de ser solamente el título de un disco para transformarse en una idea narrativa y existencial.
“Cuando estás a punto de morir, y los tres estuvieron a punto de morir conmigo, el único lugar que te queda es renacer”, expresa el Fito actual en uno de los momentos más intensos del corto.
Música, memoria y renacimiento
Otro de los ejes musicales destacados es “Háblame”, canción que atraviesa todo el álbum y que en el corto aparece como símbolo de comunicación y encuentro entre las distintas versiones del artista.
Con referencias cinematográficas, climas oníricos y una estética introspectiva, Todos los Fitos funciona como una bisagra dentro de la obra reciente: una invitación a revisitar el pasado para entender el presente y volver a empezar.
El rapero y compositor argentino Aukan presentó oficialmente Umbral, su segundo disco de estudio, una obra atravesada por la búsqueda artística, la fusión de géneros y una fuerte identidad conceptual. El lanzamiento fue celebrado con un evento especial en La Fábrica, donde se proyectaron todos los videoclips que acompañan el álbum.
Conformado por 10 canciones, Umbral propone un recorrido musical que atraviesa distintos universos sonoros. Hip hop, rock, metal, jazz y elementos experimentales conviven de manera orgánica en un trabajo que expone la evolución artística y personal del músico.
La propuesta audiovisual ocupa un lugar central dentro del proyecto. Cada videoclip fue dirigido por Mauro Perez Quinteros (Eucalipto Films), David Pacheco y Camilo Llorente, y funciona como una extensión narrativa de las canciones.
“Umbral es el resultado de un proceso madurativo que atravesé estos últimos años. Siempre supe que las riquezas se hallan luego de búsquedas extensas y por eso me sumergí en una exploración exhaustiva”, explica Aukan sobre el concepto del disco.
El álbum contó con la participación de distintos productores musicales como Kiyo, Tomás Justo Gaggero, Alejandro Schuster y Damián Gagliardi, quienes aportaron diferentes matices sonoros a la obra.
Las canciones de “Umbral”
Los adelantos ya anticipaban el espíritu versátil del disco con temas como “Siempre High”, “Lucidez”, “Prendido Fuego” y “Viejo Desastre”. A ellos se suman las nuevas composiciones:
“Suelta Venga”
“Hábito”
“Todo y más”
“Tu luz, mi cruz”
“Easy Mode”
“La chispa”
Con este lanzamiento, Aukan consolida una propuesta musical que combina rap, rock, funk y experimentación, con letras introspectivas y una búsqueda estética cada vez más definida.
El crecimiento de Aukan en 2025
Durante el último año, el artista atravesó una etapa de fuerte expansión profesional. Fue invitado a abrir los shows de Khea y Neo Pistea en el Pina Music Fest, uno de los festivales más importantes de la Costa Atlántica, y también realizó una gira por la Patagonia junto a su banda.
Además, en noviembre fue seleccionado para abrir el show del referente español del hip hop Fernando Costa. Meses antes había concretado su primera gira internacional por España, con presentaciones en Madrid, Barcelona, Ibiza, Mallorca y Málaga.
Durante ese recorrido compartió escenario con los artistas españoles Y9 y Javi Castro, grabó material audiovisual para futuros videoclips y comenzó la realización de un documental sobre su proceso creativo y su recorrido artístico.
Otro de los hitos del año fue la apertura de Estudio 3000, su propio espacio de producción musical ubicado en el barrio de Colegiales, dedicado a grabación, mixing, mastering y salas de ensayo.
Quién es Aukan
Aukan nació y creció en el barrio porteño de Colegiales y desde muy chico estuvo vinculado a la música y al rap. Entre sus influencias aparecen figuras históricas como Tupac Shakur, Snoop Dogg, Eminem y André Benjamin.
Debutó oficialmente en 2020 con el single “25 inviernos” y poco después lanzó una colaboración junto a Nucleo aka Tinta Sucia, uno de los referentes históricos del rap argentino.
En 2022 editó RCP, su primer álbum conceptual, mientras que en los años siguientes continuó desarrollando una identidad artística marcada por la mezcla de géneros y la potencia de sus shows en vivo.
Con Umbral, Aukan reafirma ese camino y se posiciona como una de las nuevas voces emergentes más auténticas del hip hop argentino actual.
La artista argentina BB ASUL presentó “Ajedrez”, su nuevo single junto a Massacre, acompañado por un videoclip de fuerte impronta rockera donde la estética visual ocupa un lugar central. Entre tapados de piel, fuego y una puesta cargada de simbolismo, el video potencia el clima intenso de la canción y marca una etapa más directa y filosa en el proyecto de la cantante.
Después del lanzamiento de Tabaco Para Armar, “Ajedrez” continúa anticipando el próximo disco de BB ASUL, ahora con guitarras al frente, distorsión y una energía cruda que atraviesa tanto el sonido como la imagen.
La canción nació de manera espontánea: letra y melodía aparecieron de golpe antes de dormir. Desde ahí, BB ASUL construyó un tema que ironiza sobre el detrás de escena de la industria musical y las falsas promesas que muchas veces rodean al ambiente artístico. Según explicó la propia artista, “Ajedrez” intenta romantizar “las promesas fallidas de algunos vampiros de la industria musical”, entre vendedores de oro falso, timadores profesionales y personajes oportunistas.
Con una mirada crítica, pero sin perder el deseo de seguir formando parte de ese universo, la canción se convierte en uno de los lanzamientos más personales y contundentes de esta nueva etapa creativa.
La participación de Massacre aporta además un peso simbólico especial. Referentes directos dentro de su formación musical, la presencia de la histórica banda argentina refuerza el espíritu del tema y consolida un interesante cruce generacional dentro de la escena alternativa local. Producida por Dante Saulino y mezclada por Santiago De Simone de 7AM Mixing, “Ajedrez” confirma un camino artístico cada vez más definido para BB ASUL.
El crecimiento artístico de BB ASUL
En pocos años, BB ASUL logró convertirse en una de las artistas más singulares de la nueva escena musical argentina. Su propuesta mezcla R&B, pop alternativo, cultura animé y una sensibilidad atravesada por la melancolía, construyendo una identidad estética y sonora reconocible desde sus primeras canciones publicadas entre 2020 y 2022.
Ese recorrido inicial desembocó en UWU, un EP de siete canciones que fusionó sonidos urbanos con referencias otaku y terminó de definir el tono emocional que caracteriza a la artista: vulnerabilidad explícita, dramatismo generacional y una dulzura vocal que conecta con su audiencia.
Su crecimiento también la llevó a formar parte de proyectos sinfónicos dirigidos por Alejandro Terán. En “La Trampa” interpretó “1312” junto a artistas como Ca7riel, Paco Amoroso, Zoe Gotusso, Chita, Taichu y Benito Cerati. Más adelante, en “Tesoro, Fantasía Orquestal Urbana”, presentó Mar y una versión de Blue Bird.
“PURA”, nominaciones a los Gardel y el salto definitivo
En 2023 llegó PURA, su primer disco de estudio, definido por la propia artista como “música triste para chicas lindas”. El álbum contó con colaboraciones de Lara91k, Angela Torres, Blair y Oddmami, además de arreglos de cuerdas realizados por el Cuarteto Divergente bajo la dirección de Alejandro Terán.
El trabajo recibió dos nominaciones a los Premios Gardel y obtuvo un reconocimiento en los Video Prisma Awards gracias al single Incel. La presentación oficial en Niceto Club confirmó además el crecimiento de una propuesta que transformó su universo íntimo en un fenómeno colectivo.
En paralelo, BB ASUL amplió todavía más su perfil artístico con colaboraciones junto a L-Gante y EMJAY en “I’m a slut”, además de escribir canciones para Lali, Ángela Torres, Taichu y la chilena Vesta Lugg. También trabajó junto al productor IMANBEK y participó como actriz en En El Barro.
Durante 2025, la cantante formó parte del lineup de Lollapalooza Argentina, realizó presentaciones en Chile y fue seleccionada para el programa EQUAL de Spotify México. Actualmente continúa adelantando canciones de su próximo disco, un proyecto que promete profundizar aún más en esa combinación entre tristeza, cultura pop, honestidad brutal y distorsión rockera que ya define su identidad artística.
El uruguayo Leo Rizzi avanza hacia el lanzamiento de su segundo álbum con un movimiento claro: cerrar el ciclo de adelantos con una colaboración que suma peso artístico y conceptual. “Aquí nadie se puede morir”, junto a Santi Balmes —voz central de Love of Lesbian— funciona como síntesis estética y emocional de La Belleza de las Flores, que verá la luz el 8 de mayo.
La canción construye una progresión marcada: parte desde un clima íntimo y contenido y se expande hacia una sonoridad más abierta, donde ambas voces dialogan sin competir. El resultado no es solo una colaboración, sino un cruce generacional y de sensibilidades dentro del indie en español. Balmes aporta densidad interpretativa; Rizzi sostiene la identidad emocional que viene desarrollando en sus últimos lanzamientos.
En términos narrativos, el single continúa la línea de “Puro”, “Choque” y “Corazón hinchado”: una exploración de la vulnerabilidad, pero con un giro hacia la calma. La frase “aquí no se puede morir” no es literal, sino simbólica: plantea un espacio mental de resguardo, una tregua frente al desgaste emocional. Es, en esencia, una canción sobre soltar.
Rizzi y su propuesta
El concepto del álbum está atravesado por la influencia del filósofo Byung-Chul Han, especialmente en su crítica a la cultura del rendimiento. Rizzi toma esa base para construir una propuesta que se posiciona en contra de la lógica de productividad constante: La Belleza de las Flores no busca ser útil, busca ser.
Ahí está el eje: desacelerar. Frente a la sobreinformación, la cuantificación de todo y la presión por convertir lo artístico en dato o rendimiento, el disco propone una resistencia silenciosa. No hay épica grandilocuente; hay contemplación.
“Aquí nadie se puede morir” cierra los adelantos dejando claro el tono del proyecto: menos urgencia, más profundidad. Un disco que no intenta imponerse, sino invitar a detenerse.
La artista Yaspresentó su nuevo álbum, “Distinta”, con un evento exclusivo que reunió a prensa e invitados en una propuesta que fue más allá de lo musical: una experiencia sensorial pensada para sumergirse en su universo creativo.
La noche estuvo atravesada por un formato cuidado al detalle, que incluyó junket, cóctel y un espacio instagrameable, diseñado para amplificar el concepto del disco. El cierre fue un show en vivo donde Yas interpretó cinco canciones de su nuevo trabajo: “Esencia”, “La Niña”, “La Culpa”, “Crecer Duele” y “Distinta”, su focus track. La puesta contó con dos bailarinas, además de acompañamiento en piano y guitarra, reforzando el tono íntimo y emocional.
La dirección de arte estuvo a cargo de Julia Conde, quien diseñó un entorno con pantallas interactivas que permitió a los asistentes formar parte activa de “El universo de Yas”.
Un disco que retrata una etapa
Producido por Peter Akselrad, “Distinta” es un álbum de 10 canciones que funciona como un registro personal de los veintis de la artista: una etapa marcada por cambios, búsquedas y construcción de identidad.
El tracklist incluye: La Niña, Si Tiene Que Ser Será, La Culpa, Distinta, No Me Va, Crecer Duele, Mi Peor Enemiga, Si No Lo Contamos, Esencia y Deseo de Cumpleaños.
El focus track, “Distinta”, coescrito junto a Camilú, sintetiza el concepto del disco: la evolución personal, el quiebre de estructuras internas y la aceptación del cambio como parte del crecimiento.
Una narrativa visual coherente
El videoclip oficial, también dirigido por Julia Conde, con dirección de arte de Melanie Anton Def y estilismo de Jorge León, refuerza esa dualidad que atraviesa todo el álbum: vulnerabilidad y fortaleza en constante tensión.
La voz de Yas
“Este disco es muy especial para mí porque no solo cuenta mis vivencias, sino también la etapa que estoy atravesando: mis veintis. Es como una película de esta década de mi vida”, explicó la artista.
A lo largo del álbum, Yas aborda vínculos que cambian, inseguridades, proyecciones a futuro y la necesidad de construir una identidad propia sin filtros.
Próxima parada: el vivo
Como parte del lanzamiento, Yas llevará “Distinta” al escenario con un show íntimo el próximo 15 de mayo a las 20:45 hs en Café Berlín, donde propondrá trasladar esta experiencia al formato en vivo.
Las entradas se encuentran disponibles a través de la plataforma Livepass.
Ficha técnica
Artista: Yas
Álbum: Distinta
Producción musical: Peter Akselrad
Focus track: “Distinta” ft. Camilú
Videoclip: Dir. Julia Conde | DA: Melanie Anton Def | Estilismo: Jorge León
Enrique Bunbury presenta De un siglo anterior, su décimo cuarto álbum de estudio y el segundo trabajo consecutivo enfocado en la exploración del folklore hispano y latinoamericano. Luego de Cuentas Pendientes (2025), el artista cierra una etapa marcada por la búsqueda de raíces y la relectura de tradiciones musicales del continente.
Grabado en febrero de 2025 y mezclado en agosto del mismo año en el Desierto de los Leones, México, el disco fue producido por el propio Bunbury junto a Ramón Gacías, con ingeniería de Daniel Bitrán en el Desierto Casa/Estudio. Para este proyecto, el músico vuelve a rodearse de una banda con fuerte impronta latinoamericana: el guitarrista chileno Sebastián Aracena, el contrabajista mexicano Luri Molina y el percusionista Johnny Molina, además de sus colaboradores habituales.
En lo conceptual, De un siglo anterior se detiene en los cambios de época: un mundo en transformación donde conviven fascinación e incertidumbre. Lejos de una mirada pesimista, el álbum propone preguntas más que respuestas, con una perspectiva abierta que evita juicios categóricos y deja lugar a cierto optimismo.
Con más de dos décadas de trayectoria desde sus inicios en Héroes del Silencio y una prolífica carrera solista, Bunbury se mantiene al margen de las tendencias, enfocado en una obra personal que prioriza la calidad compositiva, el trabajo sobre el sonido y el peso de las letras. Este nuevo lanzamiento funciona así como cierre de un ciclo artístico que dejó una serie de composiciones atravesadas por la tradición y la identidad cultural.
En paralelo, el artista anunció las fechas del Nuevas Mutaciones Tour 2026, con presentaciones en América y España. Varias ciudades ya agotaron entradas, entre ellas Puebla, Ciudad de México, Guadalajara y Zaragoza.
El tour contará con una banda ampliada de diez músicos, entre los que se destacan Robert Castellanos en bajo, Ramón Gacías en batería, Jorge “Rebe” Rebenaque en teclados, Jordi Mena en guitarras y una sección de vientos y cuerdas que promete renovar el sonido en vivo.
Show en Buenos Aires de Bunbury 📍 Movistar Arena 🗓️ 4 de noviembre 🎫 Entradas a la venta próximamente
Con este lanzamiento, Bunbury no solo suma un nuevo capítulo a su discografía, sino que también pone punto final a una etapa estética clara, dejando abierta la incógnita sobre su próximo movimiento.
Camionero lanza su tercer álbum de estudio, “Pruebas de Contacto”, y lo presentará en vivo el sábado 23 de mayo a las 21 hs en el Teatro Flores. Las entradas ya están disponibles a través de Passline, con un beneficio especial: quienes compren su ticket podrán acceder al disco físico antes de su salida oficial en plataformas digitales.
Este lanzamiento marca un punto clave en la evolución del grupo, que viene consolidándose dentro de la escena independiente con una propuesta sólida, autogestionada y en constante crecimiento. Con “Pruebas de Contacto”, Camionero redobla su apuesta artística y plantea un trabajo que combina la crudeza del rock con una fuerte impronta conceptual, centrada en los vínculos humanos y la necesidad de conexión en tiempos atravesados por tensiones sociales y personales.
“Pruebas de Contacto”: un disco que apuesta a la conexión
El tercer álbum de Camionero no es solo una colección de canciones: funciona como una experiencia integral. A lo largo de sus diez temas, la banda construye un recorrido donde el sonido y el concepto dialogan de forma directa.
El eje central del disco es el contacto: la relación entre las personas, la energía del encuentro y la música como vehículo de conexión. En ese marco, las canciones se mueven entre la intensidad y la introspección, con una identidad sonora que evita zonas cómodas y apuesta por un lenguaje propio.
“Pruebas de Contacto” se inscribe dentro de una tradición del rock que prioriza la experiencia antes que la fórmula. Hay una búsqueda constante de tensión, de movimiento, de incomodidad incluso, que termina siendo uno de los rasgos más distintivos del álbum.
Producción y sonido: un equipo de alto nivel
El disco fue grabado en estudios de referencia como Estudio Coco, Estudio Romaphonic y Estudio Velozet, bajo la producción de Dylan Lerner, quien ha trabajado con artistas como Louta, Wos, Juanse, Andrew Oldham y Santiago Motorizado.
La participación de Lerner aporta una mirada contemporánea al sonido de la banda, potenciando su identidad sin perder la esencia cruda que caracteriza a Camionero. El resultado es un álbum con una producción cuidada, pero que conserva la energía orgánica del rock.
La masterización estuvo a cargo de Brian Lucey, reconocido internacionalmente por su trabajo con Depeche Mode, The Black Keys, Arctic Monkeys y Liam Gallagher. Este detalle no es menor: le da al disco un estándar sonoro competitivo a nivel global.
Show en Teatro Flores: fecha clave en su recorrido
La presentación oficial de “Pruebas de Contacto” será el sábado 23 de mayo en el Teatro Flores, uno de los espacios más representativos del circuito rockero porteño. El show no solo servirá para estrenar el nuevo material en vivo, sino que también marcará el inicio de una nueva etapa para la banda.
Camionero tiene una fuerte reputación en vivo, donde logra trasladar la intensidad de sus canciones a una experiencia colectiva. En ese contexto, el recital en Flores se perfila como una fecha central para su público, que viene acompañando el crecimiento del proyecto.
Preventa especial: acceso anticipado al disco físico
Uno de los puntos más destacados de este lanzamiento es la estrategia de cercanía con los fans. Quienes compren entradas a través de Passline podrán retirar el disco físico antes de su estreno oficial en plataformas digitales.
Este acceso anticipado convierte al público en parte activa del lanzamiento, reforzando la lógica de comunidad que la banda viene construyendo desde sus inicios. Los puntos de retiro serán informados a través de los canales oficiales del grupo.
Autogestión y crecimiento dentro de la escena independiente
Desde sus comienzos, Camionero se sostiene desde la autogestión. Sin estructuras tradicionales de la industria, el grupo fue construyendo su camino a base de shows, una identidad clara y un vínculo directo con su audiencia.
Ese modelo no solo se mantiene en “Pruebas de Contacto”, sino que se profundiza. El disco funciona como una confirmación de esa lógica: independencia creativa, coherencia estética y una apuesta constante por el contacto real con el público.
Una identidad que trasciende la música
El proyecto de Camionero va más allá de lo estrictamente musical. La banda está integrada por Joan Manuel Pardo (guitarra, voz, composición) y Santiago Luis (batería, voz, composición), quienes construyeron un lenguaje propio que escapa a etiquetas tradicionales del rock.
A su alrededor se articula una comunidad creativa conocida como “El acoplado”, que incluye artistas, tatuadores, recicladoras textiles y otros proyectos. También forma parte la “Rueda de auxilio”, un conjunto solidario que refuerza el costado colectivo del grupo.
Este entramado convierte cada show en una experiencia que combina música, arte y comunidad. En ese sentido, Camionero no es solo una banda, sino una plataforma cultural en expansión.
Un disco que marca una nueva etapa
“Pruebas de Contacto” se presenta como un punto de inflexión en la carrera de Camionero. No solo por su propuesta sonora, sino por la claridad conceptual que atraviesa todo el proyecto.
Hay discos que funcionan como síntesis y otros como impulso. Este trabajo parece ubicarse en ese segundo grupo: empuja a la banda hacia un territorio más intenso, más definido y con mayor proyección.
El show del 23 de mayo en el Teatro Flores será la primera gran prueba de ese nuevo momento. Un espacio donde el contacto —tema central del disco— se vuelve real, directo y compartido.
Dónde comprar entradas
Las entradas para la presentación de “Pruebas de Contacto” ya están disponibles a través de Passline. La expectativa es alta, tanto por el lanzamiento del disco como por la experiencia en vivo que propone la banda.
Con este nuevo trabajo, Camionero reafirma su lugar dentro del rock independiente argentino y se proyecta hacia una etapa de mayor visibilidad, sin perder el eje que define su recorrido: la conexión genuina con su público.
Los Caligaris vuelven a dar un paso firme en su evolución musical con el lanzamiento de “Mala Junta”, un nuevo single que los encuentra compartiendo escena con La K’onga y el rapero mexicano Neto Peña. El tema funciona como un adelanto central de su próximo disco, previsto para mayo de 2026, y confirma una dirección artística que apuesta por la mezcla de géneros y la apertura a nuevos públicos.
“Mala Junta”: una fusión que potencia el ADN festivo
En “Mala Junta”, Los Caligaris se apoyan en el cuarteto cordobés como columna vertebral, pero van más allá de la fórmula tradicional. La participación de La K’onga aporta peso específico dentro del género, mientras que la intervención de Neto Peña introduce una textura urbana que rompe con lo esperable dentro del universo de la banda.
El resultado no es una superposición forzada de estilos, sino una integración fluida. La canción logra sostener un clima festivo, bailable y popular, sin resignar identidad. Por el contrario, amplifica el ADN de Los Caligaris, que históricamente se caracterizaron por mezclar ska, pop, rock y espíritu circense con una impronta propia.
Esta nueva colaboración refuerza esa lógica: sumar voces y universos distintos para construir algo común. En este caso, el cuarteto funciona como punto de encuentro entre la tradición local y la expansión internacional, mientras que el rap aporta un contraste que renueva la propuesta.
Un videoclip con identidad y referencias cinematográficas
El lanzamiento de “Mala Junta” llega acompañado por un videoclip que sostiene el tono lúdico y dinámico de la canción. En las imágenes, los artistas comparten escenas relajadas, con una narrativa visual que apuesta al entretenimiento y a la complicidad entre los protagonistas.
Uno de los puntos más destacados del video es la inclusión de guiños a películas icónicas como Kill Bill, Volver al Futuro y Men in Black. Estas referencias no solo aportan humor, sino que también construyen una estética reconocible que conecta con distintas generaciones.
La presencia de Martín Pampiglione (Los Caligaris) y Diego Granadé (La K’onga) recreando estas escenas suma un elemento narrativo que potencia el atractivo del video y lo convierte en una pieza clave dentro del lanzamiento.
El camino hacia el nuevo disco
“Mala Junta” se suma a una serie de adelantos que Los Caligaris vienen presentando en los últimos meses y que anticipan un disco marcado por las colaboraciones. En ese recorrido aparecen nombres de peso de la escena latinoamericana, lo que da cuenta de una estrategia clara: construir un álbum diverso, con múltiples identidades y sonidos.
Entre los lanzamientos previos se destacan “Tu Infeliz” junto a Karina, “Tengo” con Don Tetto, “Hablar de Flores” con Coti Sorokin y “Hoy Flasheaba” junto a Benjamín Amadeo.
A esa lista se suman “Mi vida sin tu vida” con Los Auténticos Decadentes y Banda El Recodo, y el reciente “El Reloj me miente” junto a Silvestre y La Naranja.
El patrón es claro: cada canción abre una puerta distinta, tanto en lo sonoro como en lo geográfico. México, Colombia y Argentina aparecen como territorios de intercambio constante, consolidando a Los Caligaris como una banda que ya no se limita a una escena local.
Show en Buenos Aires
En paralelo al lanzamiento de “Mala Junta”, la banda confirmó un show en Buenos Aires que funciona como uno de los hitos más importantes de esta etapa. La cita será el 6 de junio en Museum, donde el grupo volverá a encontrarse con su público porteño.
El recital no será uno más dentro de su agenda. Llega en un momento de renovación artística, con material nuevo y una propuesta que amplía su alcance. La expectativa está puesta en cómo convivirán en vivo los clásicos que consolidaron a la banda con las canciones de esta nueva etapa.
El show promete mantener el espíritu festivo característico de Los Caligaris, con una puesta en escena dinámica y una fuerte conexión con el público, pero también dejar ver el camino que están trazando hacia adelante.
Gira internacional y expansión regional
El recital en Buenos Aires será parte de una serie de presentaciones en la región. Luego del paso por la capital argentina, la banda continuará con fechas en Perú y Chile, reforzando su presencia en el circuito latinoamericano.
Próximas fechas confirmadas:
6 de junio: Buenos Aires, Argentina
26 de junio: Barranco, Perú
27 de junio: Santiago de Chile, Chile
Este recorrido consolida el crecimiento sostenido de Los Caligaris en distintos mercados y reafirma su capacidad para adaptarse a públicos diversos sin perder identidad.
Una banda en constante transformación
Con “Mala Junta”, Los Caligaris no solo presentan una nueva canción: dejan en claro el rumbo de su proyecto. La apuesta por la fusión, las colaboraciones y la expansión internacional se convierte en el eje central de esta etapa.
Lejos de repetir fórmulas, la banda elige moverse, probar y cruzar límites. El resultado es una propuesta que mantiene su esencia festiva, pero que suma nuevas capas y lecturas. En ese equilibrio entre lo conocido y lo nuevo está la clave de su vigencia.
El lanzamiento del disco en mayo terminará de completar este proceso. Mientras tanto, “Mala Junta” funciona como una muestra concreta de hacia dónde van: más mezcla, más apertura y una identidad que sigue creciendo.
La escena urbana suma un nuevo capítulo con el lanzamiento de “Qué ganas de comerte”, el flamante single de María Becerra junto a Lucky Brown y Jere Klein, dos de los nombres más fuertes del reggaetón chileno actual. La colaboración no solo une territorios, sino también estilos, en una canción que marca el regreso de la artista argentina a sus raíces más puras dentro del género urbano.
María Becerra con un sonido directo y actual
“Qué ganas de comerte” encuentra a María Becerra reconectando con la esencia del reggaetón, con una propuesta fresca, sensual y pensada para el impacto inmediato. La canción apuesta por un beat clásico del género, pero con una impronta moderna que refleja la evolución de la artista.
La producción estuvo a cargo del ecuatoriano Xross, quien logra ensamblar las tres voces con fluidez, generando una dinámica en la que cada artista aporta su identidad sin perder cohesión. El resultado es un track sólido, pegadizo y alineado con las tendencias actuales del sonido latino.
Un videoclip entre lujo y estética urbana
El lanzamiento llega acompañado por un videoclip dirigido por Valentín Herrero, rodado íntegramente en Chile. La pieza visual refuerza el clima del tema con una estética que combina lo urbano con lo aspiracional.
Yates, helicópteros y distintos escenarios construyen un relato visual dinámico, donde los tres artistas se mueven con naturalidad en un universo de exceso, deseo y energía nocturna. El clip potencia el carácter internacional del lanzamiento y posiciona la colaboración como un producto pensado para trascender fronteras.
Un momento clave en la carrera de María Becerra
Este lanzamiento llega en un punto de consolidación para María Becerra. Tras la presentación de su álbum QUIMERA, la artista atraviesa uno de los momentos más importantes de su carrera.
Sus shows en el Estadio Monumental marcaron un antes y un después: dos funciones 360° completamente agotadas que la posicionaron como una de las figuras más convocantes de la música argentina. Con más de 170 mil personas en total, se convirtió en la única mujer argentina en alcanzar esa magnitud en ese escenario.
Además, su crecimiento internacional no se detiene. En el último tiempo, participó de eventos de gran escala como el Festival de Viña del Mar —donde fue jurado y artista— y el Festival Coachella, donde se presentó como invitada de J Balvin.
Una carrera en constante expansión
Con más de 18 millones de oyentes mensuales en plataformas digitales y miles de millones de reproducciones acumuladas, María Becerra se consolidó como una de las artistas más influyentes de la música latina actual.
Su recorrido reciente muestra una búsqueda artística amplia y versátil. Desde baladas como “Tatú”, pasando por el R&B de “Ramen Para Dos” junto a Paulo Londra, hasta propuestas más conceptuales como “Infinitos como el mar” o “Agora”, la artista viene construyendo un universo propio que combina música, narrativa y estética.
Incluso expandió su presencia hacia la actuación con su participación en la serie En el barro, donde también interpretó la canción “7 vidas”, reforzando su perfil multidisciplinario.
“Qué ganas de comerte”: un paso más en su proyección global
La colaboración con Lucky Brown y Jere Klein no es casual. Ambos artistas representan una nueva generación del reggaetón chileno, un movimiento que viene ganando cada vez más protagonismo en la escena latinoamericana.
Al sumarse a este cruce, María Becerra no solo refuerza su vínculo con el género urbano, sino que también amplía su alcance regional, conectando con nuevas audiencias y consolidando su presencia en distintos mercados.
El lanzamiento también funciona como antesala de lo que vendrá: próximamente, la artista anunciará las fechas de su QUIMERA TOUR, con el que recorrerá distintos países de Latinoamérica y España.
Un regreso a las raíces sin perder evolución
“Qué ganas de comerte” sintetiza un momento artístico particular: el equilibrio entre origen y evolución. María Becerra vuelve al reggaetón, pero lo hace desde un lugar de madurez, con una identidad ya consolidada y una visión clara de su lugar en la industria.
La canción no solo suma un nuevo hit a su repertorio, sino que también reafirma su capacidad para adaptarse, reinventarse y mantenerse vigente en una escena en constante cambio.
TiziShi lanzó “Te quise”, su nuevo single en colaboración con Juli Savioli, una canción que se adentra en las emociones más profundas de los vínculos afectivos. Con una propuesta honesta y sensible, ambas artistas construyen un relato sobre el amor que deja marcas, pero también sobre la decisión de priorizarse.
El lanzamiento posiciona a TiziShi como una de las voces con mayor proyección dentro de la escena urbana argentina, consolidando un estilo que combina introspección, crudeza y una fuerte identidad artística.
“Te quise”: una canción sobre el amor, la pérdida y la elección personal
El nuevo single “Te quise” aborda una de las experiencias más universales: amar a alguien que, con el tiempo, deja de ser un lugar seguro.
A través de una narrativa directa y emocional, la canción describe ese momento en el que el amor convive con una certeza incómoda: quedarse también implica perderse. Lejos de caer en el dramatismo, la propuesta de TiziShi y Juli Savioli se apoya en una mirada madura sobre los vínculos.
La letra pone en palabras el vacío que deja una relación que no hace bien, pero también la dificultad de aceptar que soltar puede ser necesario, incluso cuando existe el miedo de no volver a sentir algo igual.
Una mirada honesta sobre los vínculos que duelen
Uno de los puntos más fuertes de “Te quise” es su enfoque emocional. La canción no romantiza el sufrimiento, sino que lo reconoce como parte de un proceso más amplio de crecimiento personal.
En ese sentido, el tema propone una idea clave: dejar ir también puede ser un acto de cuidado.
La construcción del relato se apoya en:
la dignidad personal
el reconocimiento emocional
la valentía de tomar distancia
la aceptación de la soledad como parte del proceso
TiziShi y Juli Savioli logran transmitir una sensibilidad cruda, pero a la vez contenida, que conecta con quienes atravesaron experiencias similares.
El mensaje: elegirse a uno mismo
En esencia, “Te quise” es una canción sobre el coraje.
Coraje para reconocer que un vínculo ya no es sano. Coraje para aceptar el dolor que implica soltar. Y, sobre todo, coraje para elegirse a uno mismo.
La propuesta artística se aleja de los discursos tradicionales del desamor y plantea una visión más introspectiva, donde la decisión de irse no es una derrota, sino una forma de crecimiento.
Este enfoque la conecta con una nueva generación de oyentes que buscan relatos más honestos y menos idealizados sobre las relaciones.
Quién es TiziShi: una artista en crecimiento dentro de la escena argentina
TiziShi es una artista de 25 años nacida en Moreno, provincia de Buenos Aires, que viene construyendo un camino sólido dentro de la música urbana.
Su propuesta combina rap, trap y R&B, con una impronta personal que mezcla lo crudo de lo urbano con una sensibilidad melódica y nostálgica.
Desde 2022, su crecimiento fue constante, participando en escenarios de gran visibilidad y compartiendo espacio con artistas reconocidos.
Un recorrido que la posiciona en la escena
En los últimos años, TiziShi logró consolidar su presencia dentro del circuito musical argentino:
fue telonera de Nicki Nicole
abrió shows para Cazzu y Emilia
participó en el Festival Buenos Aires Trap
compartió escenario con artistas internacionales como Rels B y Shakira
Estas experiencias le permitieron ganar visibilidad y consolidar su identidad artística frente a públicos cada vez más amplios.
El impacto de sus lanzamientos
Uno de los hitos recientes en su carrera fue el single “La Oscuridad del Sol” (2025), que superó las 100.000 reproducciones en pocas semanas, confirmando su capacidad de conexión con el público.
Su música se caracteriza por transformar vivencias personales en canciones que funcionan como espejos emocionales para quienes la escuchan.
Esa autenticidad es uno de los factores clave de su crecimiento dentro de la escena.
Una identidad artística en construcción constante
Lejos de seguir tendencias pasajeras, TiziShi construye una propuesta basada en la honestidad y la coherencia artística.
Sus canciones exploran emociones reales, conflictos internos y experiencias cotidianas, logrando un equilibrio entre lo íntimo y lo universal.
En ese camino, “Te quise” aparece como un paso más en la consolidación de su identidad musical.
Un nuevo paso en su carrera
Con este lanzamiento, TiziShi no solo presenta una nueva canción, sino que reafirma su lugar como una artista en plena evolución.
La colaboración con Juli Savioli suma una nueva dimensión a su propuesta, ampliando su universo sonoro y emocional.
“Te quise” se posiciona así como un tema que dialoga con las experiencias afectivas de una generación que busca nuevas formas de entender el amor, el dolor y la reconstrucción personal.
TiziShi, una voz a seguir
En un panorama musical en constante cambio, TiziShi se presenta como una artista con identidad propia, capaz de transformar lo personal en colectivo.
Su capacidad para narrar emociones con honestidad, sumada a una propuesta sonora sólida, la convierte en una de las figuras emergentes más interesantes de la escena argentina.
Con “Te quise”, da un paso más en ese camino, confirmando que su música no solo se escucha: también se siente.
