«Qué Hubiera Pasado» es un tema que fusiona cumbia, pop y folklore para crear un ritmo irresistible para bailar. Esta canción es el resultado de la colaboración entre Campedrinos y Natalie Pérez, dos artistas que se unen para crear una canción que refleja la duda y la imaginación que nos invade cuando nos preguntamos qué hubiera pasado si hubiéramos tomado un camino diferente. La canción es una composición de Campedrinos y el reconocido compositor uruguayo Diego Maturro.
La fusión de cumbia, pop y folklore en «Qué Hubiera Pasado» crea un sonido único y contagioso para bailar y disfrutar este verano. La canción es un reflejo de la expansión artística y versatilidad de Campedrinos y el cruce con una figura clave del pop argentino.
Este tema y sus lanzamientos anteriores como “La Revancha” junto a Lázaro Caballero y “+Zambas Románticas” junto a Agus Bernasconi estarán presentes en su próximo show el 6 de diciembre en el Teatro Ópera.
La biografía de Campedrinos
La historia es así: Sergio y Agustín son dos muy buenos amigos, uno es de Campana y el otro es de San Pedro, ambas ciudades pertenecen a la provincia de Buenos Aires. Por eso ya hace unos años cuando se conocieron en la fila de un casting, jugando con los nombres de estas ciudades es que se forma Campedrinos.
En el 2024 realizaron más de 80 shows recorriendo el país, y más de 60.000 km en rutas argentinas.
Su show ante un colmado Teatro Ópera de la Av. Corrientes de Buenos Aires los consagró como nuevos representantes del folklore.
Durante el verano de 2025, realizaron más de 25 shows en festivales.
La cantante, compositora y cineasta argentina Carolina Mama cierra el año presentando el video de “Honrar La Voz«, una canción que honra la voz de todos los seres del planeta, e invita a reflexionar sobre la convivencia humana con el mundo natural. Esta canción forma parte de «Amina«, primer y esperado trabajo discográfico solista de la artista, disponible en todas las plataformas digitales.
Sobre esta canción, Carolina comentó “Surgió durante un profundo encuentro con la naturaleza, cuando me encontré con un oso en un sendero. Fue un momento de gran comprensión: todos estamos conectados, todos los seres tienen voz. Esta canción honra esa voz, invocando la reverencia hacia el mundo natural y su profunda sabiduría. Sirve como recordatorio de que debemos escuchar, respetar y honrar las voces de todos los seres en este viaje compartido de la vida”.
Y el video refleja fielmente esta idea. En él, se la ve a la artista fundiéndose en un paisaje imponente, de senderos, agua, montañas, y cielo. Erica Nguyen, a cargo de la dirección, transformó este clip en un poema filmado, en una pieza audiovisual que resume a la perfección la intención de Carolina Mama en esta canción.
No hay dudas de que el 2025 ha sido un año de gran crecimiento para Carolina Mama. El lanzamiento de “Amina” en el mes de septiembre marcó la piedra fundamental de un camino como solista. Durante todo el año, la artista fue anticipando en formato de singles las canciones de este trabajo: “Amina”, “Bajo el silencio”, en colaboración con el reconocido y multipremiado productor hondureño Trooko, “Dos Almas” en colaboración con Mat Alba, “Vestida de Melodía”; y hoy se suma el video de “Honrar La Voz”. Completan el álbum “Poemas sobre el mar”, “Cuanto querer es quererte”, “El adiós”, “Mi madre la Luna”, y “A la orilla”.
Cada una de sus diez canciones forma parte de una narrativa que inspira el cambio, alzar voces e impulsar a la acción. En ellas, la cantante retrata las luchas y celebraciones de la feminidad, dándole voz a historias y luchas muchas veces silenciadas.
Desde el sonido, el disco atraviesa las raíces musicales de la artista, fusionando elementos del folklore latinoamericano y africano con elementos del jazz. En este trabajo, Carolina une sus universos artísticos, y se vale del sonido y la narración cinematográfica para crear una experiencia inmersiva que honra la fuerza, belleza y resiliencia de las mujeres de todo el mundo.
El disco fue coproducido y grabado en Los Ángeles con Lau Noah y Emily Elbert, junto con Tamir Barzilay, Andre de Santana y Gabe Witcher, entre otros artistas. Más tarde, se sumaron músicos de todo el mundo que grabaron desde sus ciudades natales: un cuarteto de cuerdas en Argentina dirigido por Lucio Mantel, y Munir Hossn desde Brasil, quien también coprodujo Amina. Fue mezclado por Mati Cella y masterizado por Edu Bergallo.
“Amina” es un testimonio sonoro de vidas frecuentemente silenciadas, de voces marginadas. Es una invitación a recordar de dónde venimos, a volver a imaginar hacia dónde vamos y a celebrar el poder femenino en toda su complejidad y gloria.
La historia de Carolina Mama
Es una cantante, compositora y cineasta argentina cuyo trabajo combina una narrativa conmovedora con un estilo vocal trascendental. Con raíces latinoamericanas y profundas influencias artísticas del norte de África y Estados Unidos, su música desafía fronteras, fusionando tradiciones folclóricas con géneros modernos como el jazz, el hip-hop y paisajes sonoros cinematográficos.
Comenzó su trayectoria artística a temprana edad, estudiando cine en la Universidad Nacional de las Artes de Buenos Aires, donde descubrió su pasión por la narración. Esta doble devoción por la música y el cine se convirtió en la base de su carrera multidisciplinaria. Además, se formó en la prestigiosa New School for Jazz and Contemporary Music de Nueva York, donde recibió una beca para sus estudios. Fue entonces cuando se radicó en la ciudad, en la que vive desde hace algunos años.
Gracias a su formación en distintas disciplinas artísticas, crea canciones con una refinada arquitectura musical y una profunda carga emocional. Sus composiciones son íntimas pero a la vez expansivas, e invitan al oyente a un viaje a través del tiempo, la cultura y la imaginación.
Durante su trayectoria, trabajó con artistas como Arturo O’Farrill, Samir Langus, Linda Briceño, y Ayodele Casel, además de formar parte del grupo vocal Rosa. Con estos proyectos, tocó en escenarios y festivales aclamados de todo el mundo: BRIC JazzFest, NYC Winter Jazz Festival, Joyce Theater, Symphony Space, Brooklyn Bowl, Buenos Aires Jazz Festival y Pregones Theater.
Para la realización de Amina, su primer álbum solista, recibió una beca de la prestigiosa Fundación Cultural Café Royal. El álbum está coproducido por Emily Elbert (guitarrista de Jacob Collier y Leon Bridges) y Lau Noah (guitarrista y compositor catalán).
Rock en Baradero confirmó su edición 2026, una cita infaltable que se espera con total emoción y que el próximo año traerá muchísimas sorpresas y propuestas, para seguir encontrándonos en la música, renovando anécdotas, sumando horas y horas de felicidad entre amigos y junto a los mejores artistas.
Así, el 3 y 4 de abril de 2026 en el Anfiteatro Municipal la República del Rock volverá a sacudir la tierra. Un predio pensado para vivir dos jornadas memorables. Esta edición promete una cartelera histórica aún sin develar: múltiples escenarios, decenas de bandas, variedad de propuestas culturales, artísticas y gastronómicas que darán vida a un fin de semana ideal.
Baradero, epicentro de este legendario ritual argentino invita nuevamente a congregarnos junto al río, a dejar el ruido de las ciudades, parar el reloj y planificar dos días a puro disfrute.
La PREVENTA FAN de entradas para esta gran edición ya está disponible a través de LIVEPASS
Una historia que solo se puede contar a través de la música. Rock en Baradero es el festival que necesitamos para mantenernos vivos.
En su última edición 2025,Rock en Baradero reunió a 25 mil fanáticos que agotaron las entradas y celebraron el rock argentino. El icónico ritual se sigue proponiendo como escenario de una comunidad cultural única. Hermanando generaciones de públicos pero también de artistas, dando lugar a nuevos talentos y rindiendo honores a los legendarios músicos, el “encuentro” es la clave de Rock en Baradero, y lo convierte en uno de los festivales más importantes de Argentina.
Miranda! volvió a sacudir Buenos Aires con dos noches inolvidables el 22 y 23 de noviembre, cuando el Nuevo Hotel Miranda! abrió sus puertas ante más de 60 mil personas. Con ambas funciones completamente agotadas, Ale Sergi y Juliana Gattas ofrecieron un espectáculo monumental que reafirmó por qué siguen marcando el pulso del pop en español.
Con un vestuario renovado, visuales impactantes y una puesta escénica deslumbrante, el dúo presentó un show de dos horas que recorrió el universo del nuevo disco, revisitó clásicos, sumó versiones inesperadas y reactivó la potencia de sus hits eternos. El setlist fue una celebración sin respiro que incluyó gemas como Ritmo y Decepción, Extraño, Perfecta, Prisionero, Hola, Por Amar al Amor, Casualidad, Don y muchas más, en un viaje que sintetizó dos décadas de inventiva, desparpajo y emoción pop.
Cada noche tuvo su cuota de magia extra con invitados de lujo. Lali dijo presente tanto el sábado como el domingo y encendió Ferro con Mejor que vos y Yo te diré, en dos intervenciones que pusieron de pie a todo el estadio y demostraron, una vez más, que el pop argentino atraviesa un momento de esplendor absoluto. La segunda velada también contó con la participación de Mateo Sujatovich (Conociendo Rusia), que emocionó al interpretar Triste en un clima de complicidad total con el público.
Ambas funciones tuvieron al estadio entero coreando cada palabra, en una fiesta colectiva que reafirmó el liderazgo artístico de Miranda! y su poder para renovar, una y otra vez, la escena pop del continente.
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Como antesala, debutó la Fiesta Poppa!, una celebración dedicada íntegramente al universo pop, con sets de DJ, karaoke con canciones de Miranda! junto a una persona del público sorteada en vivo y un karaoke con artista invitado. El 22/11 fue protagonista Joaquín Levinton, que interpretó un tema de Turf y otro de Miranda!, mientras que el 23/11 la invitada especial fue BB Asul. Además, ambas noches contaron con un opening exclusivo de Dorian, la banda española que viajó especialmente para sumarse a esta experiencia.
El nuevo hito de Miranda!
Los shows de Ferro se convirtieron en un nuevo hito dentro de un 2025 extraordinario para Miranda!, año en el que lanzaron Nuevo Hotel Miranda!, brillaron como coaches en La Voz Argentina y recorrieron América y Europa con una gira de estadios agotados. Este tramo porteño consolidó todo ese camino: dos Ferro completamente sold out y una puesta épica, teatral, emocional y absolutamente pop.
Y como el fenómeno no se detiene, ante la demanda abrumadora, Miranda! anunció una tercera fecha en el Estadio Ferro, el 20 de diciembre, la última oportunidad del año para sumarse a la fiesta más magnética del pop latino. Será la despedida perfecta de una gira que dejó huella en cada ciudad que visitó y que reafirma a Miranda! como la banda pop más influyente, innovadora y vigente del continente.
El Día de la Música se celebra cada año como una oportunidad para detenernos un momento y reconocer el valor inmenso que tiene la música en la vida cotidiana. No es simplemente un arte ni un entretenimiento, sino un lenguaje universal capaz de unir culturas, atravesar fronteras, construir identidades y acompañar emociones. Su origen se remonta a distintas tradiciones que confluyen en una misma idea: la música merece ser celebrada, difundida y defendida como uno de los elementos más valiosos del patrimonio cultural de la humanidad.
En muchos países del mundo la fecha se asocia con Santa Cecilia, considerada la patrona de los músicos desde tiempos medievales, aunque la manera de celebrarlo y el sentido que adquiere la jornada varían según la época, las tradiciones y el desarrollo musical de cada región. Hoy, más allá de cualquier referencia religiosa, se vive como una jornada global dedicada a quienes crean, interpretan, enseñan y viven en todas sus formas.
Es también hablar de la historia misma de la humanidad. Desde los primeros instrumentos rudimentarios hechos con huesos y piedras hasta las complejas producciones digitales de la actualidad, la música fue siempre un modo de expresión profunda y colectiva. En tiempos antiguos, acompañaba rituales, celebraciones, despedidas, nacimientos y todo tipo de ritos sociales.
Con el crecimiento de las civilizaciones, se convirtió en una herramienta para transmitir relatos, preservar memorias y emocionar a las comunidades. Las culturas indígenas de América, las tradiciones africanas, la música europeizante que llegó con los colonizadores, todo se mezcló con los sonidos locales en un proceso constante de fusión que nunca se detuvo.
Hoy escuchamos esa mezcla en los ritmos modernos como el rock, el folclore, la música urbana, la electrónica, el tango y tantos otros géneros que conviven en el universo sonoro contemporáneo.
Día de la Música en la Argentina
Suele funcionar como una invitación a mirar hacia adentro y reconocer la enorme riqueza musical que se desarrolla en el país. La escena local es diversa, creativa y profundamente ligada a las identidades regionales. El tango, el chamamé, el rock nacional, el cuarteto, la cumbia, el folklore y las nuevas corrientes de pop urbano forman un mapa sonoro que cambia constantemente, pero que siempre conserva un rasgo en común: la pasión.
En las escuelas, los conservatorios, los escenarios barriales, los estudios caseros, los festivales multitudinarios y los proyectos independientes, miles de artistas trabajan a diario construyendo una cultura viva que se reinventa todo el tiempo. También es un reconocimiento a la dedicación, al esfuerzo y al talento de quienes sostienen esta industria desde todos los roles, no solo desde el escenario, sino también desde la producción, la grabación, la enseñanza y la gestión cultural.
Cecilia era una joven cristiana de una familia patricia que fue obligada por sus padres a casarse con Valeriano, un joven de la misma clase social.
La tecnología transformó de manera radical la forma en que vivimos la música. Antes se necesitaba estar frente a un grupo de músicos para poder disfrutarla en vivo; después llegaron los discos, la radio, la televisión, los casetes y los CD. Hoy, con las plataformas digitales, se volvió omnipresente: está en el celular, en el auto, en la televisión, en las redes sociales y en prácticamente cualquier espacio público. Esa expansión trajo nuevas oportunidades para los artistas, pero también nuevos desafíos.
Sirve para reflexionar sobre el valor del trabajo artístico en una época donde abundan las opciones de consumo, pero donde a veces resulta difícil para los músicos sostener económicamente su proyecto. Celebrar la música es también promover políticas culturales que fortalezcan a los artistas, favorezcan el acceso a la educación musical y acompañen el desarrollo de nuevas generaciones.
En este día es habitual que escuelas, instituciones culturales, bandas independientes, orquestas sinfónicas y organizaciones vinculadas a la música realicen conciertos, actividades abiertas, talleres, charlas y transmisiones en vivo. Muchas ciudades arman festivales abiertos con artistas de distintos géneros, buscando acercar la música a la comunidad y fomentar la participación. La música tiene un rol social fundamental: genera encuentro, crea identidad, promueve la inclusión, permite expresar ideas y sentimientos que a veces no pueden ponerse en palabras. Por eso no importa si uno es músico profesional, estudiante, oyente casual o fan incondicional; la música es una puerta que todos podemos abrir.
Otro aspecto importante del Día de la Música es la valoración de la educación artística. Estudiar música desde temprana edad no solo permite desarrollar habilidades específicas, sino que también estimula la creatividad, fortalece la memoria, mejora la concentración y promueve la sensibilidad. Las orquestas infantiles y juveniles, los talleres comunitarios y las escuelas públicas de música cumplen un rol fundamental en barrios de todo el país, ofreciendo oportunidades de crecimiento y convirtiéndose en espacios de contención y desarrollo humano. Celebrar la música es también valorar estos proyectos y reconocer su impacto social.
En definitiva, el Día de la Música es mucho más que una fecha marcada en el calendario. Es un recordatorio de que la música es parte esencial de la vida, de las emociones, de la cultura y de nuestra historia compartida. Es un homenaje a quienes la crean, a quienes la enseñan y a quienes la disfrutan. Y es, sobre todo, una invitación a seguir construyendo un mundo donde el arte, la creatividad y la expresión sigan siendo un derecho y un patrimonio de todos.
Zoe Gotusso lanza Detalles, un álbum que se anima a un gesto poco frecuente en la música pop contemporánea: dialogar con un repertorio canónico sin caer en la nostalgia, reinterpretando ocho canciones de Roberto Carlos, el gigante brasileño cuyo universo sentimental marcó a generaciones enteras.
Lo que podría haber sido un ejercicio de reverencia se transforma, en manos de Gotusso, en un espacio íntimo, donde la emoción se afina, la forma respira y el romanticismo se convierte en un territorio adulto. Las ocho canciones elegidas —de “La distancia” a “Un millón de amigos”— aparecen aquí con un pulso nuevo: menos solemne, más respirado.
Zoe Gotusso no busca grandilocuencia; encuentra, en cambio, una ternura madura, esa que llega cuando la emoción deja de ser pura exaltación y empieza a volverse conciencia.
El single “Camionera”, lanzado hace dos semanas, abrió el camino con esa mezcla tan propia de Zoe: vulnerabilidad luminosa y una precisión vocal que se impone sin estridencias.
La producción de María Wolff —quien viene de colaborar con Alex Anwandter y desarrolla también su propia obra solista— construye un escenario sonoro donde cada instrumento tiene aire propio. A esto se suman las participaciones de Rigoberta Bandini y Juliana Gattas, que aportan matices sutiles y expanden los límites del repertorio sin alterar su esencia.
Detalles, de Zoe Gotusso
La distancia
Camionera
Amada amante
Detalles
No te apartes de mí (feat. Rigoberta Bandini)
Que será de ti (feat. Juliana Gattas)
La paz de tu sonrisa
Un millón de amigos
En Detalles, Gotusso regresa al romanticismo que la acompaña desde sus inicios, pero lo hace desde un lugar transformado: más consciente, más profundo y absolutamente propio. Las canciones dejan atrás cualquier ingenuidad juvenil para habitar un espacio donde la vulnerabilidad se lleva con elegancia, y donde la tradición romántica encuentra nuevas maneras de ser dicha.
La semana pasada, Zoe viajó a Las Vegas para los Latin Grammy, donde estuvo nominada a Grabación del Año (“Lara”) y Mejor Álbum Pop Tradicional (Cursi), consolidando un presente artístico que combina riesgo, madurez y delicadeza.
Este jueves 20, en paralelo al lanzamiento del álbum, continúa su ciclo de “Pequeños conciertos” en el Teatro Margarita Xirgu, con funciones el 20, 21, 23, 26 y 27 de noviembre, y el 3 de diciembre. Las entradas ya están disponibles a través de Fever.
Además, el 30 de noviembre presentará una doble función en La Trastienda junto a Julián Kartún, retomando el espectáculo que el año pasado llevaron de gira por España.
Detalles no es un regreso al pasado: es la prueba de que ciertas canciones, cuando encuentran la voz justa, siguen creciendo.
El artista sevillano Beret regresa con su esperado tercer álbum de estudio, Lo Bello y lo Roto: una obra íntima, conceptual y honesta que lo reafirma como una de las voces más sensibles y auténticas de la música en español. Gestado a lo largo de varios años entre España y Argentina, este nuevo trabajo explora la belleza que se revela en la imperfección y la fuerza que nace de la vulnerabilidad.
El disco, conformado por 13 canciones, llega tras el éxito de siete adelantos, entre ellos el más reciente, “¿Cómo va a saber de amor?”. Esta balada cruda y profundamente emocional es el último adelanto antes del lanzamiento completo, y en ella Beret retrata el dolor de amar sin ser comprendido.
Lo Bello y lo Roto no es solo un viaje personal; también se enriquece con colaboraciones de gran calibre. Voces como Diegote, Mr. Rain, SFDK, Morodo y Domelipa se suman al universo de Beret, aportando matices y nuevas texturas. Entre ellas, destaca especialmente la unión con Mr. Rain en Superhéroes, una colaboración que ya se ha convertido en uno de los himnos del disco.
El concepto del álbum gira en torno a las cicatrices que cuentan historias y a las pérdidas que nos transforman. Musicalmente, Beret traza un puente entre lo crudo y lo delicado, entre lo pop más contemporáneo y arreglos de corte mainstream, sin dejar de lado sus características letras cargadas de emoción y melancolía.
Pensado también para amantes del formato físico, Lo Bello y lo Roto estará disponible en vinilo, CD Digipack y una edición especial en CD. Con este nuevo trabajo, Beret invita a descubrir la poesía escondida en lo imperfecto y a abrazar la belleza que habita incluso en los momentos más oscuros.
Beret, una de las voces más influyentes y representativas de su generación
Con más de 6 millones de oyentes mensuales en Spotify y una comunidad fiel que lo sigue tanto en España como en Latinoamérica, Beret se ha consolidado como una de las voces más influyentes y representativas de su generación. Su capacidad para conectar con las emociones humanas más profundas, sin artificios ni filtros, lo ha convertido en un referente indiscutible dentro de la música en español.
Lo Bello y lo Roto es la confirmación de que Beret sigue escribiendo la banda sonora de toda una generación.
TRACKLIST
El último baile Hola, qué tal? Amaneceres ft. Diegote Nadie más te la cree Si te vuelvo a llamar Hechizo ft. Domelipa Fran Cupido Superhéroes ft. Mr Rain La última granada Alma y corazón ft. SFDK, Morodo Flores ¿Cómo va a saber de amor?
Lauta vuelve a sorprender con un lanzamiento que combina frescura, baile y emoción. “Puñaladas”es su nuevo single, una cumbia con perfume veraniego en colaboración con Amigo de Artistas, donde el artista platense despliega una faceta más íntima.
Con un ritmo que invita a moverse y una letra cargada de sensibilidad, “Puñaladas ” narra el dolor de no poder convertirse en la persona ideal para alguien que se desea. Esa tensión entre lo bailable y lo emocional se convierte en el corazón de la canción, que encuentra en la participación de Amigo de Artistas un matiz especial: un color sentimental que potencia su energía y la transforma en un tema destinado a quedarse.
Con este lanzamiento, Lauta reafirma su lugar dentro de la nueva escena de la cumbia, consolidando un sonido propio que mezcla frescura, honestidad y espíritu playero. “Puñaladas” se posiciona así como una de las propuestas que promete sonar fuerte durante todo el verano.
Sobre Lauta
Lauta es un cantante y compositor argentino oriundo de la ciudad de La Plata. Desde muy pequeño mostró su talento cantando y escribiendo, lo que lo llevó a tomar clases de piano y formar parte de distintas bandas hasta que, a los 17 años, decidió iniciar su camino como solista.
Su música se caracteriza por la versatilidad y la frescura, explorando géneros como el pop, R&B y reguetón, siempre con una fuerte identidad ligada a la playa y a los sonidos del verano. Con canciones como “Insta (Remix)” junto a MYA y Rombai, y “No Le Gusta lo Romántico” con Migrantes, logró un gran impulso en su carrera y una importante repercusión en la escena musical. A esto se suman lanzamientos como “Ke Nos Vea la Luna”, “En Loop”, “La Mudanza”, “Una Banda” y “Pa La Playita” (en colaboración con Yami Safdie, Benja Torres y Los Palmeras), que refuerzan su estilo y expanden su universo sonoro.
Reconocido también como compositor, este año prepara nuevos lanzamientos que seguirán consolidando su identidad artística, al mismo tiempo que escribe canciones para destacados artistas de la escena argentina e internacional.
Fito Páez regresó a Miami y volvió a demostrar por qué es una de las figuras más influyentes, queridas y respetadas del rock latinoamericano. En el Hard Rock Live de Hollywood, Florida, el músico rosarino ofreció un show vibrante y emotivo que repasó algunos de los momentos más potentes de sus más de cuarenta años de trayectoria. Su vuelta a los escenarios estadounidenses fue celebrada por un público fiel que agotó las localidades y acompañó cada canción con una energía que se sintió desde la primera fila hasta las butacas más lejanas.
La noche comenzó con una declaración de principios: “El amor después del amor”, su himno eterno, abrió el concierto con una fuerza demoledora. El estadio estalló en aplausos y coreos, anticipando que el espectáculo sería mucho más que un repaso de grandes éxitos; sería un reencuentro íntimo y colectivo entre el artista y sus seguidores de esta región clave de Estados Unidos.
A lo largo de un setlist de 21 canciones, Páez equilibró su repertorio histórico con material reciente, incluyendo varias piezas de NOVELA, el álbum que continúa recibiendo elogios de la crítica y que le valió un nuevo Latin GRAMMY®. La selección de temas mostró la amplitud de su obra: desde las baladas que marcaron generaciones hasta los pasajes más rockeros, pasando por momentos de introspección pianística que conectaron directamente con el corazón del público.
Entre los puntos más altos del show se destacaron “Llueve sobre mojado”, “Abre” y “11 y 6”, tres clásicos que desataron ovaciones y cantos masivos. También brilló “Sale el Sol”, ganadora del Latin GRAMMY® 2025 a Mejor Canción de Rock, interpretada con un nivel de intensidad que dejó en claro por qué la canción se convirtió en uno de los grandes temas de su etapa reciente. Otro momento de pura emoción llegó con “Cable a tierra”, la balada de Giros (1984) que Páez transformó en una pieza íntima y poderosa, sostenida por su voz y su piano, arrancando otra ovación de pie.
El show contó con una formación sólida de ocho músicos, que incluyó una sección de vientos precisa y contundente, una corista que sumó matices y texturas a varias canciones y, por supuesto, el piano, fiel compañero del rosarino y protagonista indiscutido del escenario. La banda logró una combinación equilibrada entre prolijidad técnica y pasión interpretativa, acompañando a Fito con un sonido moderno, enérgico y fiel al espíritu de sus canciones.
La gira de Fito Páez
La presentación en Miami fue la segunda parada de Páez Tecknicolor USA ‘25, una gira que ya venía precedida de un enorme éxito tras su paso por el YouTube Theatre de Los Ángeles. En esa primera fecha, el público agotó las entradas y celebró al artista con un fervor imparable, inaugurando un recorrido que promete convertirse en uno de los hitos de su trayectoria internacional. El paso por Miami no hizo más que confirmar ese rumbo: el vínculo entre Fito y sus seguidores norteamericanos es cada vez más profundo, genuino y emocional.
Tras la gran noche en Florida, Fito Páez se prepara para presentarse en Nueva York el domingo 23 de noviembre, con un concierto en el histórico Kings Theatre de Brooklyn. Allí celebrará no solo el éxito de la gira, sino también sus dos recientes triunfos en los Latin GRAMMYs® 2025 y su nominación a los GRAMMYs® 2026, un reconocimiento que reafirma su vigencia artística en la escena global. Los últimos tickets están disponibles en fitopaezoficial.com/conciertos.
El cierre de este 2025 encuentra a Páez en uno de los momentos más sólidos y creativos de su carrera. Además de los galardones obtenidos este año, el artista debutó en el prestigioso formato Tiny Desk de NPR, presentó su monumental obra NOVELA, recibió el Premio Konex de Platino como Mejor Autor/Compositor de la última década y fue reconocido por la Universidad Nacional de Rosario con el título de Doctor Honoris Causa por su aporte cultural y su trayectoria artística. Cada uno de estos hitos forma parte de un presente que demuestra que la obra de Páez no solo se mantiene vigente: continúa expandiéndose, renovándose y conquistando generaciones nuevas en todo el mundo.
El show en Miami confirmó lo que sus seguidores repiten hace décadas: Fito Páez tiene una capacidad única para transformar un concierto en una experiencia emocional total. No importa cuántos años pasen, cuántos discos publique o cuántos escenarios recorra; cada vez que se sube a un escenario, lo hace con la entrega, la sensibilidad y la fuerza de un artista que sigue escribiendo su historia con la misma pasión de siempre.
Gary ‘Mani’ Mounfield, pieza clave en el llamado “sonido Manchester” de las décadas de los 80 y los 90 del siglo pasado, bajista de bandas como The Stone Roses y Primal Scream, falleció a los 63 años. En una publicación en Facebook, su hermano Greg lo comunicó con el siguiente escrito: “Con el corazón destrozado, anuncio el triste fallecimiento de mi hermano Gary ‘Mani’ Mounfield. Descansa en paz, RKID”. La causa de la muerte no fue revelada.
El mundo de la música llenó las redes de homenajes tras el anuncio de su fallecimiento. La cantante de Happy Mondays, Rowetta, publicó en X: “Te voy a extrañar muchísimo. Todo mi amor para los chicos, la familia y todos los que lo conocieron y amaron”. Su compañero de banda en The Roses, Ian Brown, publicó en X: “Descansa en paz, Mani X”. Tim Burgess, de The Charlatans, lo describió como “uno de los mejores en todos los sentidos; un amigo entrañable”. Por su parte, el cantante de Oasis, Liam Gallagher, escribió en esta misma red: “Estoy totalmente conmocionado y absolutamente devastado al enterarme de la noticia sobre Mani Mounfield, mi héroe”.
Mounfield había anunciado recientemente una extensa gira de conferencias por el Reino Unido, que abarcaría desde septiembre de 2026 hasta junio de 2027, en la que prometió repasar momentos clave de su carrera, como el concierto de los Stone Roses en Spike Island en 1990 y su gira de regreso en 2011.
El músico británico de rock, originario de Crumpsall, Manchester, saltó a la fama tras unirse a The Stone Roses en la década de 1980. Participó en los dos álbumes de la banda y permaneció en The Stone Roses hasta su disolución en 1996, para luego unirse a Primal Scream, el proyecto del ex The Jesus and Mary Chain Bobby Gillespie. En 2011, anunció su salida de Primal Scream para reformar The Stone Roses.
En una entrevista en 2006 la revista Uncut, Mounfied reflexionaba sobre su vida y su éxito. A pesar de que le había dolido la separación de los Stone Roses, dijo: “Nunca lo veré como una misión fallida; soy del norte de Manchester, no de la mejor zona, y di la vuelta al mundo dos o tres veces tocando música. Sigo viviendo cómodamente, tengo casa. Podría haber terminado traficando con crack, robando coches o asaltando casas, como muchos de mis amigos. O muerto”.
