Inés Martina vuelve a poner en marcha su carrera discográfica con un adelanto poderoso: su nuevo single “Mejor Amiga”, que funciona como anticipo del esperado EP titulado Rocola Latina.
“Mejor Amiga” representa una carta de presentación emocional y sincera. Según la propia Inés, la canción nació en un momento de sinceridad propia: “quise escribir sobre esas amistades que dejan huellas, las que te acompañan aunque la vida cambie de forma. Me senté, y en cuestión de minutos, las palabras se ordenaron solas.” El resultado es un tema cargado de nostalgia, amistad y autenticidad, con producción y arreglos firmados por Joaquín Plada.
La producción musical incluye voces y coros de Inés Martina; guitarras, bajo, batería, percusiones y teclados a cargo de Joaquín Plada; y mezcla/mastering de Nicolás Morone. El videoclip, dirigido por Alex Kosene y Nicolás Lanusse —con dirección de fotografía a cargo de Hernán Gómez— tiene su estreno anunciado para el 19 de diciembre de 2025, generando expectativa entre sus seguidores.
Rocola Latina: mucho más que un EP
El proyecto Rocola Latina no se limita a “Mejor Amiga”. Según la artista, el EP agrupará cinco canciones que representan distintos estados emocionales y momentos de su vida:
“Mejor Amiga”: homenaje a la amistad duradera, a los lazos que perduran más allá del tiempo y los cambios.
“Como la vida”: nació de una frase espontánea de su hijo —“¿Por qué no podemos ver el viento?”— y busca reflexionar sobre la vida y su esencia.
“Duelo por vos”: una canción introspectiva que surgió como una necesidad de sanar sentimientos profundos.
“Mi amor cliché”: declaración de amor y felicidad, aunque con la autoconciencia de que puede sonar “idealista”.
“Tu amor millenial”: un dueto propuesto por Joaquín Plada, que busca conectar con las nuevas generaciones y sus formas de amar.
Este conjunto busca encapsular “ritmo, emoción y verdad” bajo una impronta latina contemporánea — una suerte de “rocola emocional” — que da nombre al EP.
Una artista con trayectoria, presente y futuro
Inés Martina no es nueva en la escena. Estudió Diseño de Imagen y Sonido en FADU, y más tarde viajó a Nueva York para formarse en artes dramáticas en la reconocida escuela HB Studio. A lo largo de los años vivió en EE. UU. y trabajó en diversos oficios —moza, paseadora de perros, niñera, asistente personal— antes de volcar su creatividad en la música.
En 2021 lanzó su primer sencillo, Los Giles, y desde entonces acumuló más de una docena de singles, muchos con videoclips filmados en Argentina. Rocola Latina será su debut en formato EP, previsto para marzo de 2026; la presentación en vivo será en Buenos Aires, en el espacio Casa Gómez, el jueves 9 de abril.
Además de su faceta como cantante, Inés Martina es actriz y coproductora en su propia productora audiovisual, lo que refleja su versatilidad creativa y su compromiso con el arte en múltiples formatos.
Qué esperar del nuevo single
“Mejor Amiga” marca un giro hacia lo íntimo, lo emotivo y lo honesto. A través de su letra y su melodía, Inés invita al oyente a reconectar con valores como la amistad, la nostalgia, la memoria afectiva y las huellas que dejamos en los otros. El videoclip promete complementar esa atmósfera con una estética cuidada: un equipo técnico y artístico de primer nivel, y una producción audiovisual que acompañe la fragilidad y la emoción de la canción.
Con Rocola Latina, Inés Martina busca hacerse un lugar firme en la escena contemporánea de música latina, aportando su mirada personal, su sensibilidad y su bagaje artístico. “Mejor Amiga” es solo el comienzo: una muestra de lo que está por venir.
El 2025 llega a su fin y uno de los grandes referentes del pop melódico cordobés vuelve a la ciudad para despedir el año como mejor sabe hacerlo: sobre el escenario, rodeado de música, historias y el acompañamiento fiel de su público. Guille Molina se presentará el jueves 18 de diciembre a las 20.30 en Café La Humedad (Carlos Calvo 2540), un espacio emblemático de la noche porteña donde promete un show cargado de sentimiento y grandes canciones.
Un recital con un condimento especial
El cantautor oriundo de Monte Maíz viene recorriendo el país con una propuesta cada vez más sólida y una conexión con el público que no para de crecer. Esta fecha tendrá un plus emocional muy fuerte: Felipe, hijo de Guille y baterista de la banda, emprenderá un viaje de seis meses a Estados Unidos para capacitarse y absorber nuevas tendencias musicales que luego aplicará al proyecto.
Será, entonces, una noche de celebración… pero también de abrazos, despedidas y nuevos sueños.
Pop del corazón y “canciones prestadas”
Guille Molina se caracteriza por componer historias donde el amor es protagonista, ya sea en su forma más luminosa o en aquellas que duelen un poco más. Cada show es un viaje emocional: baladas, pop suave, delicadeza instrumental y una voz cálida que cuenta lo que muchos sienten.
Además, quienes lo siguen saben que siempre hay lugar para versiones súper personales de clásicos populares, a las que ellos llaman “canciones prestadas”, como:
Y cómo es él
Entra en mi vida
Lamento boliviano
Siesta de verano
Hoy tengo ganas de ti
Canciones conocidas que la banda resignifica con su estilo propio.
De Alquimia a Guille Molina: una historia de evolución
El proyecto comenzó como Alquimia, con un fuerte vínculo con el folclore argentino. Con el tiempo, creció la necesidad de componer y de expresar sentimientos propios, y esa evolución los llevó hacia un pop melódico totalmente definido.
El cambio de nombre fue clave en su crecimiento. Encontraban demasiadas bandas llamadas Alquimia en redes y plataformas, y llegó el momento de dar un paso más: presentarse directamente como Guille Molina, la voz y la identidad del proyecto.
Sin cambios de integrantes y con la misma amistad que los unió desde el inicio, la banda encontró una impronta más clara, profesional y reconocible para seguir creciendo en escenarios de todo el país.
La banda
Guille Molina – voz
Felipe Molina – batería
Giuliano Colonna – bajo
Facundo Gatti – guitarras
Cuatro músicos, un mismo sueño, una ruta de kilómetros recorridos y un horizonte que se expande.
“Segundas Chances”: un disco para sentir
Su álbum “Segundas Chances” refleja perfectamente el ADN artístico de este proyecto: melodías cálidas, letras directas y una búsqueda emocional constante. Estas son las canciones que lo componen:
Dame tu amor
Tan solo una vida con vos
Lo mejor del amor
De otras
Quiéreme
No sos vos
Será
Es con vos
El color de tus besos
Lejos no es mejor
Un repertorio que habla del amor en todos sus matices, de la intensidad, del encuentro y del adiós… pero siempre con una segunda oportunidad esperando.
Un 2026 con nuevos rumbos
Tras este cierre de año en Buenos Aires, la banda seguirá con presentaciones en distintos puntos del país, mientras Felipe se perfecciona en Estados Unidos y trae al regreso ideas frescas y nuevos recursos musicales.
Porque Guille Molina no es sólo un cantante, es un equipo que crece y se reinventa con cada paso.
Entradas, streaming y próximos shows
Además de acompañar presencialmente la fecha porteña, los fanáticos pueden disfrutar de su música en plataformas digitales y descubrir más contenido audiovisual del proyecto.
Midnight Til Morningel grupo de pop rock que está conquistando a fans de todo el mundo con su química y armonías impecables, se presentará en Buenos Aires el jueves 16 de abril en Niceto Club (Niceto Vega 5510).
La música de Midnight Til Morning resuena con una energía única que atrae a fans de diferentes géneros. El fenómeno sigue creciendo, capturando la atención de oyentes en todo el mundo. Con cada sencillo, demuestra su versatilidad y creatividad musical.
De la pantalla al escenario, Midnight Til Morning es una banda transatlántica de pop-rock formada en tiempo real en «Building the Band» de Netflix. Reunidos mediante audiciones a ciegas, los australianos Conor Smith (22) y Mason Watts (25) unieron fuerzas con los estadounidenses Shane Appell (22) y Zach Newbould (22), captando rápidamente la atención mundial con su química en el escenario y armonías impecables.
La conexión del público ces innegable, especialmente entre los jóvenes. Esta cercanía se refleja en la música de Midnight Til Morning, que ha resonado en muchos corazones.
Procedentes de carreras solistas, los cuatro plasman sus estilos individuales en un sonido colaborativo que fusiona himnos modernos del pop y el rock. Su sencillo debut, «Bye», coescrito con creadores de éxitos como Benson Boone, Harry Styles, Sabrina Carpenter y Shawn Mendes, marcó el comienzo de lo que promete ser un año decisivo para el grupo.
El viaje musical de Midnight Til Morning apenas comienza, y esperamos grandes cosas de ellos. Shane también menciona cómo Midnight Til Morning ha influido en su enfoque musical. La evolución es un testimonio de su dedicación y arduo trabajo.
A medida que la trayectoria de la banda se desarrollaba en pantalla, los espectadores seguían la intensidad y la conexión entre los chicos tras bambalinas, factores que conectaron especialmente con el público más joven. Combinados con unas voces excepcionales y un vínculo natural, estos elementos forman la base de algo mucho más allá de un típico debut.
La primera gira mundial de Midnight Til Morning
La banda promete llevar su magia a nuevos públicos. “La conexión fue instantánea […] y ahora somos muy cercanos y nos sentimos muy cómodos el uno con el otro”, dice Mason.
Mason empezó a cantar de joven, en bares de karaoke, donde sus padres notaron su potencial y lo animaron a seguir adelante. Tras terminar la escuela, comenzó a grabar y publicar una serie de temas pop, creando poco a poco una audiencia y formando un equipo creativo. Finalmente, presentó su trabajo en Big Sound, una de las conferencias musicales más influyentes de Australia.
Conor, por su parte, creció en la Costa Central de Nueva Gales del Sur, Australia. Autodidacta desde pequeño, comenzó con el ukelele antes de tocar la guitarra y aprender a componer canciones. Como alguien que a menudo se sentía excluido en la escuela, la música y la composición se convirtieron en un espacio seguro para expresar lo que no siempre era fácil de decir.
Al otro lado del mundo, en Nueva York, Shane comenzó a tocar la batería con tan solo cinco años, y más tarde se expandió a la guitarra y la composición. Aunque es un intérprete enérgico y apasionado, Shane se describe a sí mismo como una persona reservada y familiar que mantiene a la banda con los pies en la tierra tanto dentro como fuera del estudio.
Completando el cuarteto, Zach, criado en Massachusetts, cantaba incluso antes de aprender a hablar. Su familia lo recuerda tarareando en casa de niño, y nunca paró. A los diez años, comenzó a tomarse la música en serio y a componer canciones, actuando siempre que podía. Apasionado por las voces potentes y las melodías emotivas, Zach fue construyendo gradualmente una base de fans y un sonido que refleja tanto pasión como vulnerabilidad.
Con su talento individual y colectivo ya demostrado, la banda ahora cuenta con el apoyo de Chugg Music, que ha firmado con el grupo, incluyendo la gestión global. Andrew Stone, director ejecutivo de Chugg Music, lidera la estrategia y el desarrollo, mientras que Michael Chugg AM, figura legendaria de la industria musical australiana e internacional, aporta décadas de experiencia al equipo.
“Chuggi y yo escuchamos a la banda por primera vez cuando volvieron a reunirse con nosotros después de grabar con Netflix. Mason Watts nos contó lo comprometido que estaba con el grupo, y una sola reunión fue suficiente para que viéramos al instante la química, la amistad y la dedicación de todos los chicos (además de algunas anécdotas divertidas). Pero cuando entraron al estudio y comenzaron a grabar y componer juntos, quedamos completamente impresionados. Son una de las bandas más trabajadoras que he conocido, y son tan jóvenes, con tanto tiempo por delante. […] Creemos que el futuro es increíblemente brillante para MTM”, dijo Andrew Stone.
Desde momentos virales hasta el furor en streaming, rápidamente se hicieron con una base de seguidores a nivel global atraídos por sus armonías, su corazón y su carisma. Ahora, Midnight Til Morning sale de la pantalla y sube a los escenarios de todo el mundo con su primera gira mundial, un espectáculo en vivo que promete energía pura y momentos inolvidables.
Nacida en Santa Fe en 2001, Avru comenzó su historia en la música a los 8 años, formándose durante más de una década en la escuela coral Carlos Guastavino de Santo Tomé. Allí desarrolló una base lírica sólida, disciplina escénica y una conciencia vocal que la marcarían para siempre.
Pero, años después, esa niña que cantaba ópera en un escenario estático empezó a preguntarse qué más podía ser.
Una nueva identidad para una nueva etapa
—Cambiaste tu nombre artístico, tu sonido y hasta tu estética. ¿Cuál fue el disparador? —Esta identidad la vengo buscando hace mucho. Pasé por un montón de etapas y nunca terminaba de sentirme del todo cómoda. Cuando conocí a Pepe Pagan, con quien hice el EP, encontré una pieza clave para transformarme. Quise soltar lo que fui y empezar desde otro lugar. Avru es más yo, más libre.
La decisión de dejar atrás el nombre Abril Lerman marcó el inicio simbólico de esta evolución. Así nació AVRU: una artista que abraza sus raíces, pero se anima al riesgo.
—¿Y por qué el turquesa como color insignia? —Es mi color favorito, lo relaciono con el agua, el cielo, la calma. Sin darme cuenta, todo lo que elijo es turquesa. Llevarlo a la música ayuda a reforzar quién soy y la imagen que quiero transmitir.
El turquesa es bandera. Y destino.
La composición como descubrimiento
Componer desde la búsqueda: salir de la zona conocida
El trabajo con el productor Pepe Pagan empezó a través de videollamadas: él desde Miami, ella desde Buenos Aires. Compartieron melodías, ideas, referencias visuales y musicales hasta construir las bases de las primeras canciones del EP.
—¿Cómo fue el proceso compositivo? —Al principio nos mandábamos melodías nomás. Pepe me pidió que armara una lista de Spotify con referencias del sonido al que quería llegar. Pero mis influencias de siempre son Evanescence, Nightwish, Adele… y la idea era salir de esa zona conocida y explorar un pop más popular.
Así descubrió música que no estaba en su radar:
—Tuve que meterme en un universo que no escuchaba: Miley Cyrus, Britney, artistas italianos… Conocí música nueva, me encantó. Y cada vez que escucho este EP pienso: wow, puedo hacer mucho más de lo que imaginaba.
Cuando las pistas tenían forma, se sentaron a escribir…
—Nos juntábamos a charlar de qué queríamos hablar en cada canción. A veces los versos salían solos, otras eran palabras sueltas hasta que todo encajaba. Fue mágico compartir la composición.
Antes de este lanzamiento, Avru ya había dado pasos importantes: en 2022 participó en el certamen televisivo Canta Conmigo Ahora, donde se lució con interpretaciones líricas y fue semifinalista. Luego llegaron shows en espacios emblemáticos como The Roxy y La Trastienda, además de primeros reconocimientos institucionales.
Pero algo todavía no encajaba del todo. Y se animó a probar:
—Tuve que empezar clases de canto desde cero. Cantar ópera es mi lugar seguro, pero acá necesitaba otra técnica completamente distinta. En el estudio muchas veces decía: esto no me sale. Fue fuerte… pero también liberador.
—Además, ahora bailás… —¡Sí! Antes era trípode y yo quietita. Ahora hay movimiento, show, energía. Cantar y bailar exige otra respiración, otro cuerpo. Convive el miedo, pero me encanta.
El salto fue musical, físico y emocional: de la solemnidad al disfrute total.
Avru en primera persona
El videoclip representa el inicio de una etapa más fresca, alegre y luminosa dentro del universo de Avru.
«Lo trabajé junto a Mayo Vernetti: guiones, concepto, identidad visual. Fue súper colaborativo. Queríamos que música e imagen dialoguen desde un mismo lugar. La Buena Fortuna es el primer paso de un camino más definido, donde todo tiene coherencia. Este videoclip marca ese comienzo».
Reacciones y comunidad
—¿Qué dijeron tus afectos ante el cambio? —La familia siempre pregunta por lo lírico… pero me ven feliz. Y el público re bien: comparten, lo ponen en momentos lindos, se suman. Para una artista independiente eso es todo.
—¿Sentís que tu público se amplió? —Sí, muchísimo. Esta música llega a más gente, sobre todo a jóvenes. Lo lírico sigue en mí, pero ahora también exploro otra parte de mi identidad.
Lo que viene: escenarios y sueños
—¿Planes para presentar el EP? —Banda nueva: piano, batería, bajo, guitarra, coros y yo. Queremos tocar muchísimo: volver a La Trastienda, recorrer el país. Y ojalá sumar cuerdas: me apasiona ese sonido.
—¿Cómo cuidás la voz con tanta exigencia? —Vocalizo siempre, mucha hidratación, nada de humo. La voz es un instrumento que no se puede reemplazar. Y ahora la uso de otras maneras, así que la cuido el doble.
Después de años de búsqueda, disciplina y exposición, Avru se planta en un presente donde puede ser todo lo que sueña.
Soñar como motor
—Si estuvieras en el diccionario, ¿qué palabra serías? —Soñar. Es lo que me sostiene cuando dudo. Tengo un propósito que me mueve todos los días.
—¿Y cómo te ves de acá a diez años? —Cantando. No importa dónde, pero cantando. Porque la felicidad no es solo llegar: es el camino.
El EP La Buena Fortuna ya está disponible y es solo el inicio de una nueva era para Avru: una artista que encontró su color, su voz y, sobre todo, su verdad.
Guns N’ Roses vuelve a sacudir el mundo del rock con el lanzamiento de dos nuevos sencillos, marcando su primer material inédito desde 2023. “Nothin’” y “Atlas” llegan para reafirmar que la banda sigue en plena forma y con inspiración renovada, mostrando dos caras bien definidas de su sonido: mientras “Atlas” exhibe a los GNR más filosos, con su clásico pulso de rock intenso y guitarras encendidas, “Nothin’” apuesta por un costado más introspectivo, sostenido por teclados envolventes y una guitarra cargada de emoción.
En los últimos años, Guns N’ Roses ha mantenido una presencia constante con lanzamientos esporádicos y giras sold out alrededor del mundo. Luego de presentar en 2023 “The General” y “Perhaps”, estos dos nuevos temas se suman como piezas fundamentales dentro del repertorio más reciente de la banda y prometen ganarse su lugar en los próximos setlists, junto a los clásicos inoxidables y los favoritos de su catálogo histórico.
La gira mundial de los Guns en 2026
La banda también confirmó una gira mundial para la primavera y el verano de 2026, que los llevará nuevamente por escenarios icónicos del planeta. El tour incluirá una esperada parada en México para presentarse en el Festival Pal’ Norte, antes de encabezar distintas fechas en Europa y desembarcar luego en estadios de Estados Unidos y Canadá. Uno de los hitos más destacados será su show en el Rose Bowl de Los Ángeles, marcando un regreso histórico al estadio después de más de tres décadas.
Este anuncio llega tras una intensa gira mundial en 2025 que significó el regreso más esperado de la banda a Europa, Medio Oriente, Asia y Latinoamérica, consolidando una vez más su vigencia absoluta y su lugar como leyendas del rock global.
El Kuelgue vuelve a jugar con su fórmula más personal —humor sutil, observación urbana y groove elegante— con “Vos y la Mancha”, su nuevo single, donde la banda afina el pulso funk-disco para despedir la primavera y anticipar el verano. No es solo otra dosis de frescura pop: es un pequeño universo cotidiano teñido de absurdo, con esa melancolía luminosa que ya es marca registrada del grupo.
La canción vibra a medio camino entre la celebración y la extrañeza familiar: una farra barrial, un “todo está bien, pero algo no cuadra”, esa sensación medio doméstica medio surrealista que El Kuelgue lleva años perfeccionando. El beat es suficiente para mover el cuerpo sin desbordar; la ironía está ahí, pero sin burlas; el clima general es festivo, aunque nunca ingenuo.
El Kuelgue despide el 2025 el próximo 13 y 14 de diciembre en C Art Media, Villa Crespo, reafirmando un clásico de cada fin de año: celebrar junto a su público en casa. Después de agotar su cuarto Movistar Arena, girar por Argentina, México, Uruguay, Paraguay y España y destacarse en festivales como Vive Latino, Quilmes Rock y Rock en Baradero, El Kuelgue vuelve a jugar de local con dos conciertos únicos. El show promete un recorrido por toda su discografía, con arreglos renovados, momentos de improvisación y esa conexión con el público que se ha convertido en marca registrada de la banda.
El grupo llega a fin de año reafirmando su lugar como uno de los proyectos más singulares y queridos de la música nacional.
Historia de El Kuelgue
Se formó en Buenos Aires, en el corazón del barrio de Villa Crespo durante el año 2004. Sus particulares conciertos en vivo, en donde despliegan su impronta ligada al absurdo y la improvisación, y sus originales puestos en escena, son el sello de este grupo liderado por el multifacético Julián Kartun.
Esta suma de factores estableció a El Kuelgue como una propuesta distinta dentro de la escena de la música argentina y latinoamericana. La versatilidad musical y la combinación que la banda hace de múltiples estilos ha capturado a una generación que ya no elige más a la música por su género. Hace más de 15 años la banda realiza sus conciertos en las más importantes salas y festivales de Argentina, América Latina y Europa. En el 2016 la banda fue elegida para abrir los dos shows de Paul McCartney en el Estadio Único de la Plata, y realizó colaboraciones con artistas como Julieta Venegas, Adrían Dárgelos de Babasonicos, entre otros.
Crítica tema por tema al disco que exige oídos despiertos y cero pereza auditiva.
Babasónicos lanzó Con Cuerpos Vol. 1, su flamante álbum de estudio, y no es simplemente “el disco nuevo”: es el primer capítulo de una etapa conceptual donde el cuerpo, el deseo y la reorganización del tiempo funcionan como ejes dramáticos. Nueve canciones que, más que seguir una línea, se proponen romperla. Un proyecto que llega tres años después de Trinchera y que se planta como un manifiesto: acá no hay estructuras dóciles ni formas conocidas para dormir tranquilo.
Según Babasónicos, este volumen trabaja desde la lógica del experimento y el ensayo; una escritura que desarma, reordena y descoloca. Una “obra totalizadora” en un contexto fragmentado: canciones que se construyen y se deshacen al mismo tiempo, como si estuvieran vivas.
En esa dinámica, la voz y la letra de Adrián Dárgelos toman el mando con nuevas exploraciones vocales, juegos de memoria, reglas nemotécnicas propias y una sintaxis deliberadamente desobediente. Los temas orbitan entre poder, deseo y cuerpo, con un lenguaje que nunca pide permiso.
Hecha la antesala, vamos al hueso: tema por tema.
1. Tiempo Off
El disco abre con un pedido desesperado en clave “dame tiempo off”, como si el narrador estuviera harto de sostener el mundo y pidiera licencia emocional. La batería arrastra, la guitarra muerde suave, la voz parece fumarse el último hilo de energía. Es una entrada perfecta: te dice “esto no va a ser liviano, así que ajustá el cinturón”.
2. Revelaciones Aparte
Aquí sube la tensión. Rock clásico, guitarras ásperas, un pulso eléctrico que no negocia. Dárgelos canta como quien ya perdió la paciencia con el futuro. La frase “un paquete de humillaciones por presenciar en primera fila” funciona como editorial del 2025. Es un tema directo al plexo: crudo, lúcido y con la irritación justa.
3. Maracuyá
El primer desvío del viaje. Voces filtradas, capas electrónicas, un clima que oscila entre trance, sueño y fiebre. El maracuyá no es fruta exótica, acá: es una metáfora del deseo ácido, de la herida interna que no cicatriza. Perturbadora sin ser ruidosa, es de esas canciones que crecerán en quienes disfrutan la incomodidad elegante.
4. Cocos
Cambio de paisaje. La banda propone un oasis: un falso relax envuelto en ritmo tibio, casi playero. Pero debajo hay inquietud: la sensación de que cualquier descanso es un paréntesis frágil. El tema respira nostalgia y evasión, como si uno quisiera irse del mundo por 3 minutos y medio sabiendo que debe volver igual.
5. Advertencia
El single y el corazón rítmico del disco. Mezcla electrónica, sensualidad, oscuridad y ese toque de fatalismo marca registrada. “A veces quiero fuego y me quemo”: Babasónicos hace poesía del masoquismo emocional sin ponerse solemne. Es adictiva, bailable, pero nunca complaciente. La advertencia es doble: para el oyente… y para el propio narrador.
6. Miau
Una joya discreta. Bajo grueso, ritmo contenido, atmósfera de bar nocturno donde el humo no molesta. Dárgelos canta con soltura resignada, casi un suspiro largo hecho canción. Un lamento contemporáneo disfrazado de ronroneo. De los temas más sensibles y mejor construidos del álbum.
7. Labios Apilados
Aquí vuelve la estética del crepúsculo: electrónica sutil, guitarras en tonos bajos, un órgano que aparece como fantasma. No busca brillar: busca quedarse. Crece a fuego lento mientras habla de erosiones emocionales, de labios que no saben si besar o callar. Tema puente, tema bisagra, tema que gana con la tercera escucha.
8. Mercado Blue
Un mensaje para esta era líquida. Sintetizadores hipnóticos, guitarras que se doblan entre sí, un clima casi distópico. El título ya anticipa ironía económica y existencial: “mi ironía, mi poca simpatía… no tiene precio fijo”. Es el lado más experimental del disco: el cuerpo como mercancía, como valor flotante, como volatilidad afectiva.
9. Mi Propia Música
El cierre no es triunfalista: es identitario. Babasónicos se mira al espejo y dice “esto soy, esto hago, esto no negocio”. El tema funciona como manifiesto: en un mundo lleno de copias, algoritmos y ruido, la banda elige la singularidad. Es un broche perfecto: sobrio, emocional y con la frente en alto.
Conclusión: un disco que no quiere gustar… quiere permanecer
Cuerpos Vol. 1 no es amable. No es inmediato. No está hecho para el oyente que busca Dopamina Express. Es un disco que pide dejar el celular a un costado, escuchar con todos los sentidos y aceptar que, a veces, entender viene después.
Es Babasónicos en modo quirúrgico: cortando, abriendo, examinando el cuerpo social y el cuerpo íntimo. Y entregando un álbum que respira, transpira y duele.
PEt $ellers vuelve a los escenarios con un concierto especial para celebrar los diez años de YA! Civilización y/o barbarie, su primer álbum de estudio. La fecha será el domingo 7 de diciembre a las 21 h en Lalalá (Álvarez Thomas 1541, CABA).
Las entradas anticipadas cuestan $9.000, y también hay una promo 3×2 por $18.000, disponibles a través de Passline.
Además del repaso por el disco debut, la banda adelantará material de Contralgorritmos, su próxima obra estético-política que continúa profundizando su identidad musical: una mezcla de géneros, lenguajes y tensiones conceptuales.
El show contará con la presencia de MWDA Banda como invitado especial, y visuales en vivo a cargo de Emilio_P.
Una propuesta que cruza estética, política y sonido
PEt $ellers se define como un proyecto que experimenta con los límites de la música popular: rock, electrónica, folklore, tango. La banda juega con estructuras rítmicas, armónicas y tímbricas para cuestionar cánones instalados, con un hilo conceptual que atraviesa toda su obra: la tensión civilización/barbarie.
Integrantes actuales:
Lucas Bidon-Chanal: voz, guitarras, sintetizador, cello
“Triunfo de la Guerra del Barro” es el cierre del nuevo disco conceptual de Campo Loop “La Guerra del Barro». El videoclip – ya disponible en plataformas- se volvió viral antes de su estreno tras la filtración de imágenes del backstage que mostraban una rave gaucha, bajo el título: «POV: le pusiste techno a los gauchos».
El nuevo corte es cantado por Dr. Kurnicopia, del grupo Los Tabaleros quien ya posee experiencia en la musica lo criolla con aires modernos y retoma el espíritu del triunfo, un estilo gaucho asociado a epopeyas y batallas, y lo enlaza con beats electrónicos, guitarras camperas y un pulso modernizado que amplifica su esencia ritual. La letra proclama que la pampa siempre permanece, que ha visto guerras, duelos y derrotas, pero que ninguna disputa supera la fuerza de la tierra que lo sostiene todo.
El “Triunfo de la Guerra del Barro” funciona como un canto de victoria, no solo sobre un enemigo, sino sobre el tiempo mismo: la certeza de que la pampa continúa aun cuando sus hijos se enfrenten. La producción, mezcla y mastering estuvo a cargo de Matías Chávez Méndez, aportando un enfoque contemporáneo que convierte este triunfo en una pieza donde tradición y modernidad conviven con potencia cinematográfica.
Este capítulo final narra un territorio devastado y una pampa en resistencia. En este cierre, la tierra recupera protagonismo: “la verdadera victoria no pertenece a los hombres, sino al paisaje”, una idea que atraviesa tanto la canción como su adaptación visual.
El videoclip presenta a un paisano entonando el triunfo rodeado de gauchos que, lejos de ser meros testigos, encarnan la memoria viva de una llanura que los formó y los enfrenta con su propia historia. En esta versión, la música los arrastra a un ritual renovado, mientras la narrativa se intensifica con el duelo de dos SIAM con cabezas de hornero que se baten a facón. Hijos de la misma tierra, su combate simboliza las tensiones internas de un territorio herido, una guerra sin ganador aparente.
Entre el canto, el ritual y la inmensidad de la pampa, “Triunfo de la Guerra del Barro” cierra el universo conceptual y visual del disco: un paisaje eterno que observa, recuerda y perdura mientras sus hijos luchan, celebran y bailan sobre su lomo.
Campo Loop une lo ancestral con lo contemporáneo. Así nació el Electro Folclore Surero Argentino , un lenguaje en el que guitarras criollas y paisajes del llano se entrelazan con beats techno y sintetizadores. El campo le dio raíz; la tecnología, expansión.
FICHA TÉCNICA ARTÍSTICA Video «Triunfo de la Guerra del Barro»
MÚSICA:
Produccion y Beat maker: Matiaz «Chavez» Mendez Mezcla: Matiaz «Chavez» Mendez Mastering: Matiaz «Chavez» Mendez Voz: Dr Kurnicopia (Los Tabaleros) Letra y musica: Campo loop Guitarra: Alexander Echandia Grabación de Voz: Luis Maria Cabezas
ACTORES
Cantor: Germán Romero Siam Jinete: Sebastián Irigaray
Siam Guitarrista: Santiago Chiacchio Guitarrista: Alexander Echeandía
Equipo Técnico
Dirección: Gastón Barbosa – Agustina Barreto Asist de dirección: Matías Rampoldi Coach Actoral: Sol Bravo Producción: Nazareno Gutiérrez Asist de prod: Tiago Tapponnier Dir de fotografía: Agustina Barreto Cámara: Agustina Barreto Cámara handy: Marcio Castañón Asist de cámara: Nahuel Rivero Gaffer: Silvio Torres Eléctrico: Nahuel Rivero Dir de arte: Melina Nielsen Asist de arte: Sol Bravo – Trinidad Arraiza Foto fija: Lucas Pavón Montaje: Nahuel Rivero Color: Nahuel Rivero Diseño Gráfico: Agustina Barreto
EXTRAS
Mariano Cesaroni Mario Rampoldi Oscar Disalvo Jose Sequeira Claudio Rusiecki Marcelo Cacciatto Miguel Marchioni Arturo Cataldo Martin Iturbe Esteban Peti Facundo La Blanca Martin Iturbe Alejandro Chrsitensen Jorge Albero Osa Enrique Jose Osa
PRÓXIMAS FECHAS
6/12 Color Humano, Los Mapuches B7600, Mar del Plata 13/12 Local Support Gorriti 5045, CABA 14/12 Festival Mirador Tec, Paraná
Biografía de Campo Loop
Campo Loop es un proyecto de Electro Folclore Surero Argentino: una fusión de folklore, electrónica y canción que se manifiesta a través de SIAM, un personaje enigmático con cabeza de nido de hornero. Inspirado en la inmensidad de la llanura pampeana, Campo Loop no es solo música: es también una manera de mirar el horizonte y resignificarlo.
Parte de su fuerza reside en el anonimato. Campo Loop encuentra en SIAM, la voz y la imagen de un universo donde lo ancestral y lo moderno conviven. La identidad no está en un rostro, sino en una experiencia colectiva que combina raíces, símbolos y nuevas formas de expresión. Campo Loop honra las raíces gauchas y pampeanas con guitarras criollas y milongueras, y al mismo tiempo late con la intensidad de la electrónica: beats, sintetizadores y proyecciones visuales que invitan al baile y a la inmersión sensorial.
Vane Vanellillega puntual a la entrevista. Entra con la seguridad de quien respeta su oficio y la calidez de quien ama lo que hace. Profesional, amable, precisa, trae en la mirada la mezcla justa entre intensidad y serenidad. Se sienta, se acomoda, respira hondo y la conversación empieza a fluir. Nada en ella es improvisado: cada gesto, cada palabra y cada silencio tienen un sentido. Esa coherencia es la misma que aparece en “Mariposas en el viento”, su nueva canción, un bolero-pop profundo, luminoso y honesto que funciona como una radiografía emocional de su mirada sobre la vida.
La historia del tema empieza cuando Vane tomó una decisión largamente postergada: empezar a escribir sus propias letras. Después de muchos años como intérprete, pasando por bandas, proyectos, escenarios y estilos diversos, sintió que era el momento de que su voz dijera algo propio. En 2021 comenzó a trabajar con la productora Tres Música, junto a Luis Burgio y Nano Novello. Con ellos construyó varias ideas en paralelo, pero hubo un punto donde una sola canción reclamó el centro de la escena: Mariposas en el viento.
—¿Cómo nació la canción, qué expectativas tenías?
—Empecé a escribir canciones propias. Siempre canté, soy intérprete, pasé por bandas muy variadas. En 2021 decidí escribir mis propias letras y me junté con los chicos de Tres Música. Trabajábamos varias ideas a la vez hasta que el foco se puso acá. Yo venía de hacer muchas versiones de rock nacional, pero quería ir por otro lado. Mariposas es un bolero con cosas tradicionales y cosas más modernas, unos sintetizadores, un aire pop. Y quería que tuviera un chanteíto, esa especie de rapeo intermedio que no es rap, ahí participó Rafa Ortega.
Lo que detonó la letra fue un momento vital que ella define como universal: esas noticias que te quiebran, que te dejan sin piso y obligan a reorganizarse aun cuando uno no tiene todas las herramientas. Para Vane, la canción tenía que ser profunda, pero sin solemnidad, con una especie de luz que permitiera respirar.
Habla del desconcierto, de la vulnerabilidad y, también, con ironía amorosa, de ese gesto tan humano de intentar “arreglarle la vida” a quien queremos. Esa escena aparece en la estrofa final, donde menciona terapias y soluciones como una forma amable de mostrar que, a veces, lo único necesario es acompañar.
—¿Primero escribiste la letra y después llegó lo musical?
—Sí, primero fue la letra. Después apareció la melodía, aunque no sabíamos bien hacia dónde iba. Con el tiempo se encaminó hacia este bolero con sus aires pop. A mí me encanta mezclar cosas, romper un poco. No es lo más habitual, y por eso mismo me gustaba. Prefiero arriesgar.
—En tiempos donde las letras suelen perder profundidad, vos fuiste para otro lado…
—Sí, para mí es importante decir algo. Está buenísimo bailar temas más banales para salir a la noche, yo también lo hago. Pero cuando yo escribo, necesito que sea profundo, con mensaje. Me gusta comunicar. Incluso cuando elijo repertorio ajeno soy cuidadosa: respeto lo que quiso decir quién lo escribió y busco meterme en ese personaje.
El lanzamiento trajo una repercusión íntima, poderosa. Vane recibió mensajes de personas que estaban atravesando momentos muy difíciles y encontraron en la canción un refugio. Para ella, ese gesto vale más que cualquier reconocimiento técnico o estético.
—¿Qué devoluciones te llegaron?
—Preciosas. Mucho amor. Hay gente que la escucha todos los días porque está pasando momentos duros. Cuando alguien se apropia de mi canción y la hace suya, ahí para mí ya está. Se cumplió el propósito.
El tema también la conecta con una mirada crítica sobre el vértigo social, la sobreinformación, la falta de silencios y el exitismo permanente. Vane trabaja el silencio como herramienta: en sus conciertos baja el tempo, obliga al público a detenerse y respira antes de retomar. Allí, dice, aparece la emoción.
Café Berlín —uno de los escenarios que más la representan— fue el lugar donde recientemente volvió a experimentar esa conexión. Entre canciones de rock nacional, se animó por primera vez a cantar un bolero clásico: La nave del olvido, de José José, en una versión inspirada en Mon Laferte.
—¿Cómo elegís el repertorio para el vivo?
—Soy muy atenta a lo que digo. Me gustan las historias. El otro día en Café Berlín canté La nave del olvido porque amo su dramatismo. Selecciono por la letra, por la historia, por el clima. Me gusta generar un lindo concierto, esa comunión con la gente. Disfruto mucho tocar en vivo.
Su próximo show será el 24 de enero en Madrid, en “Peor para el Sol”, junto al pianista Franco Callaci y compartiendo fecha con el artista español Germán Alonso.
Pero antes del escenario está la voz, su instrumento central, su identidad. Hace más de veinte años entrena con Mariana Grisiglione, la misma profesora que la acompañó desde los veinte años y que cuidó su voz incluso en épocas donde hacía once shows por fin de semana en eventos.
—¿Cómo construiste tu voz? ¿Qué aprendiste de tus docentes?
—Muchísimo. Entreno hace más de veinte años con Mariana Grisiglione. Gracias a ella nunca tuve problemas graves en la voz. Soy muy disciplinada: vocalizo siempre, me cuido, antes de un concierto no salgo, no como cualquier cosa. Y para los arreglos y la interpretación trabajé con Dorita Chávez, una genia total. Tiene una humildad tremenda y entiende todo. Yo sabía lo que quería y ella me ayudó a potenciarlo.
El trabajo en equipo es un valor central para Vane. Lo aprendió en sus comienzos, cuando integraba bandas como Contraste y, sobre todo, OYK – Open Your Kantos, donde compartía escenario con chicos que rapeaban mientras ella cantaba. Allí profesionalizaba cada detalle: eran jóvenes, pero se tomaban el trabajo con una seriedad férrea. Tocó en Obras, en Cemento, en recitales multitudinarios y también en eventos privados que le dieron un entrenamiento enorme: repertorios múltiples, estilos cambiantes, animar gente que no fue a verla a ella sino a bailar. Todo eso la formó.
Con sus músicos actuales mantiene un vínculo de familia: el director musical y guitarrista Ernesto Salgueiro (histórico de Nito Mestre), Andrés Pérez Alarcón, Pablo Álvarez Vilariño, Juan Cordima y otros nombres que la acompañan hace más de veinte años. Con ellos comparte vida, rutas, giras, aprendizajes y silencios.
Ese espíritu de camaradería también estuvo en la filmación del videoclip de Mariposas en el viento. Vane fue productora junto a Sebastián Casabe y el rodaje tuvo dos locaciones, bajo la tormenta de Santa Rosa, con su familia y amigos colaborando en maquillaje, peinado, catering y soporte. El director de fotografía fue Diego Poleri —referente de series como Viudas Negras y trabajos con Natalie Pérez— cuya humildad y nivel técnico fueron clave.
—¿Dónde sentís tu mayor fortaleza vocal?
—En la interpretación. Creo que puedo transmitir lo que siento. La gente se emociona y para mí no hay halago más grande. Y sí, también la versatilidad. Haber pasado por tantos géneros y etapas me permite jugar sin miedo.
Además de cantante, Vane es psicóloga. Estudió en la UBA, hizo un posgrado en clínica psicoanalítica de adultos y atiende pacientes, aunque ya no con la intensidad de antes. También da un taller de canto para jubilados y adultos mayores, donde mezcla música y psicología: un espacio que define como “hermoso” y que conecta dos mundos que parecían ajenos, pero que en su vida conviven naturalmente.
—Si tu nombre estuviera en el diccionario, ¿qué diría?
—Cantante del alma.
La frase es exacta. Vane Vanelli canta desde un lugar sincero, emocional, profundo. Desde ese sitio donde la vida duele, pero también enseña. Donde las mariposas vuelan incluso cuando sopla el viento. Mariposas en el viento es apenas un capítulo de una etapa que ya se siente sólida, verdadera y luminosa. Y como ella misma dice, es “de acá en adelante”.
