El Kaural, banda mexicana de rock, presenta “Suspendido”, su nuevo lanzamiento grabado durante su primera gira internacional en los estudios Romaphonic —el histórico espacio donde funcionó Circo Beat— y co-mezclado y masterizado por Alain Johannes, referente absoluto del rock alternativo por su trabajo junto a Queens of the Stone Age, Them Crooked Vultures y Chris Cornell.
Con un sonido que enlaza raíces latinas y distintas corrientes del rock, El Kaural nació en Tijuana en 2020, integrado por Álvaro Macías, Christian Corona y Néstor López. Tras su debut en 2023, la banda experimentó un crecimiento veloz dentro del público latinoamericano, lo que derivó en una gira breve por México, Chile, Argentina y Estados Unidos a finales de 2024. Ese recorrido incluyó sesiones de grabación en los estudios Ion, Unísono —fundado por Gustavo Cerati— y Romaphonic, donde registraron material clave para su nueva etapa.
De ese proceso surge “Suspendido”, una canción construida sobre la tensión, el clima y la precisión de cada elemento: armonías que se entrelazan para sostener los coros, una arquitectura instrumental cuidadosa y un cierre que desemboca en una melancolía compartida entre la voz y la guitarra. De la misma sesión proviene también “Quiero Saber”, mezclado y masterizado por Patricio Claypole, figura del rock argentino por su trabajo con Los Natas, Los Espíritus y Divididos.
Mientras “Quiero Saber” mostró el costado más directo y agresivo de la banda, “Suspendido” desplaza el foco hacia la dinámica, la precisión y el alcance sonoro de su repertorio. Juntas, ambas canciones revelan dos dimensiones de un mismo proceso creativo vivido en Buenos Aires y funcionan como anticipo del camino que está trazando.
Con este lanzamiento, el trío avanza hacia la grabación de su primer álbum de estudio, consolidando una propuesta que, a solo dos años de su debut, ya pisa firme dentro de la nueva ola del rock latinoamericano.
Ficha técnica de Suspendido
Grabación: Romaphonic (Buenos Aires) Mezcla: Alain Johannes & El Kaural Máster: Alain Johannes Productores: El Kaural Lanzamiento: 17 de noviembre de 2025 Género: Rock Latinoamericano
La talentosa cantante y compositora argentina Avru presenta su nuevo single “La Buena Fortuna”, un tema que refleja su evolución artística y su compromiso con la autenticidad, la sensibilidad y la creatividad. Con este lanzamiento y la presentación de su nuevo EP del mismo nombre, Avru inaugura una etapa más sólida y definida dentro de su proyecto, donde su identidad visual —representada por el color turquesa— se convierte en un símbolo de equilibrio, renovación y proyección hacia lo que viene.
“La Buena Fortuna” fusiona energía, emoción y esperanza a través de un sonido pop fresco y moderno que continúa expandiendo el universo musical de la artista.
En primera persona, Avru describe esta nueva etapa como un renacer estético y creativo. “El videoclip representa para mí el inicio de una nueva etapa artística. Lo siento como la puerta de entrada a un período más fresco, alegre y luminoso dentro del universo de Avru”, explica. Sobre el proceso de creación agrega: “Lo trabajé junto a Mayo Vernetti, con quien armé los guiones, el concepto general y toda la identidad visual. Fue un proceso creativo muy colaborativo: compartimos referencias, buscamos el tono narrativo y fuimos construyendo juntos cómo debía verse y sentirse esta nueva era”.
En esa misma línea, subraya el rol del single como punto de inflexión: “ ‘La Buena Fortuna’ es, para mí, el primer paso de un camino artístico más definido, donde la música y la imagen dialogan desde un mismo lugar. Este videoclip marca ese comienzo”.
Biografía de Avru
Avru es una cantante y compositora argentina nacida en Santa Fe en 2001. Su recorrido musical comenzó a los ocho años, cuando inició una formación de más de una década en la escuela coral Carlos Guastavino de Santo Tomé, experiencia que le brindó una sólida base lírica, vocal y escénica.
Su carrera profesional tomó impulso con una serie de lanzamientos que llamaron la atención por su potencia vocal y su sensibilidad artística. En 2022 alcanzó reconocimiento nacional al participar en el concurso televisivo Canta Conmigo Ahora (Canal 13), donde se destacó con interpretaciones de perfil lírico y llegó a ser una de las semifinalistas del programa.
A partir de esa exposición, Avru se consolidó como una de las voces emergentes más versátiles del país, fusionando pop, rock y elementos líricos dentro de un estilo propio y contemporáneo. Entre 2023 y 2024 presentó diversos singles y ofreció shows en escenarios emblemáticos como The Roxy y La Trastienda, además de recibir reconocimientos institucionales por su trayectoria.
En 2025, Avril Lerman da un paso decisivo en su camino artístico y renace bajo el nombre AVRU, dando inicio a una nueva etapa musical, visual y conceptual. Este cambio representa una evolución profunda en su identidad creativa: una búsqueda más consciente, luminosa y personal que redefine su arte y la manera en que conecta con su público.
La música brasileña amaneció de luto tras la muerte de Jards Macalé, una de las voces más singulares y audaces de la cultura nacional. El artista falleció ayer en Río de Janeiro, a los 82 años, cerrando una trayectoria que abarcó más de seis décadas y lo convirtió en símbolo de irreverencia, libertad creativa y profunda sensibilidad estética.
Conocido por su aporte esencial a la Música Popular Brasileña (MPB), Macalé se transformó en una figura irreemplazable desde los años 60, período en el que empezó a desplegar un talento que lo llevó a cruzarse con algunos de los nombres más influyentes de la escena musical.
Macalé, un artista sin concesiones
Detrás del nombre artístico se encontraba Jards Anet da Silva, creador incansable que nunca aceptó moldes. A lo largo de su carrera se desempeñó como compositor, cantante, guitarrista, arreglador y también actor, siempre guiado por una búsqueda estética que priorizaba la autenticidad y la experimentación.
Adiós a Jards Macalé, referente ineludible de la música popular brasileña. Foto Facebook Jards Macalé
Fue protagonista de movimientos de vanguardia y colaboró estrechamente con referentes como Caetano Veloso, Gal Costa y Gilberto Gil, con quienes compartió no sólo escenarios, sino también proyectos que ayudarían a redefinir los rumbos de la música brasileña.
Un disco de culto y la consagración definitiva
Entre los momentos determinantes de su obra aparece el emblemático álbum Jards Macalé (1972), considerado un verdadero manifiesto artístico de la contracultura. Allí nacieron canciones como “Vapor Barato” y “Movimento dos Barcos”, que con el tiempo se transformarían en clásicos del repertorio nacional.
Su estilo, una mezcla de samba, jazz, poesía urbana y experimentación sonora, consolidó una marca personal que lo distinguió en el universo musical y lo ubicó como un artista comprometido con una mirada crítica de la realidad.
El último adiós y un mensaje cargado de emoción
La confirmación pública de su fallecimiento llegó a través de sus redes oficiales, donde se publicó un mensaje conmovedor: “Jards Macalé nos ha dejado hoy. Se despertó de la cirugía cantando ‘My Name is Gal’ con toda la energía y buen humor que siempre tuvo. Cante, canta, canta. Así es como siempre recordaremos a nuestro maestro, maestro y faro de libertad. Gracias de antemano por el cariño, amor y admiración de todos”.
Imagen compartida en las redes oficiales del músico en el anuncio de su fallecimiento Foto Facebook Jards Macalé
El velorio se realiza este martes en el Palacio Gustavo Capanema, en Río de Janeiro, mientras que el entierro tendrá lugar en el Cementerio Bautista de São João. En las redes también se difundió una frase del músico que resume su filosofía artística: “En la suma de todas las cosas, lo que queda es arte / Ya no quiero estar a la moda, quiero ser eterno”.
Una influencia internacional que trascendió generaciones
Además de su obra en solitario, Macalé dejó una huella profunda como arreglador y colaborador. Participó en discos históricos de Gal Costa —como Gal Costa (1969) y Le-Gal (1970)— y fue responsable de la dirección musical de la obra teatral Gal a Todo Vapor. También incursionó en el cine, componiendo para películas que hoy son referentes dentro del Séptimo Arte brasileño.
Jards Macalé en un show del año 2012.
Su voz áspera y su forma visceral de interpretar lo llevaron a transformar cada presentación en una experiencia intensa. En pleno periodo de dictadura militar y luego en los años de redemocratización, su música funcionó como vehículo de cuestionamiento, resistencia y reflexión.
Entre sus composiciones más recordadas están “Mal Secreto” y “Hotel das Estrelas”, piezas que encarnan su mirada crítica y poética sobre el país.
Un legado que no deja de crecer
Macalé no sólo dejó un catálogo valioso, sino también una influencia que sigue viva en músicos de distintas generaciones. Obras como O Q Faço é Música (1997) y Besta Fera (2019) continúan inspirando a artistas que lo consideran faro de creatividad y coherencia estética.
El impacto de su muerte provocó numerosas reacciones en redes sociales y en la prensa brasileña. Actores culturales, músicos de la MPB, referentes políticos y admiradores de todas las edades destacaron su espíritu inconformista y su constante búsqueda “de nuevos sonidos y palabras”.
La partida de Jards Macalé marca el final de una era, pero su obra permanece como testimonio de que la música puede ser, a la vez, libertad, resistencia y belleza.
A días de iniciar una nueva etapa en vivo con dos presentaciones en el Estadio Vélez Sarsfield, Milo Jdecidió regalarle a su público un gesto tan inesperado como emotivo: un ensayo abierto en Niceto, el mismo escenario donde dio su primer gran show en Buenos Aires. El encuentro fue una celebración íntima y poderosa, un espacio sin filtros en el que artista y fans compartieron música, emoción y un ida y vuelta tan genuino que marcó el clima de la tarde desde el primer acorde.
Fotos de Sofía Bravo
Durante más de una hora, Milo J recorrió canciones nuevas y ya clásicas de su repertorio, dando un adelanto del universo que desplegará el 18 y 19 de diciembre en Vélez. En el setlist sonaron temas de La vida era más corta, su reciente álbum, como “Solifican12”, “Ama de mi sol”, “Lucía”, “MmmM”, “Llora llora”, “Recordé”, “Niño” y “Luciérnagas”, entre otros, además de composiciones que lo acompañaron en su crecimiento artístico.
Uno de los momentos más significativos del encuentro fue la decisión del artista de abrir completamente su proceso creativo. Milo J invitó a sus seguidores a vivir desde adentro algo que casi nunca se muestra: la intimidad del ensayo, los ajustes, las búsquedas y la forma en que cada canción encuentra su lugar. Esa transparencia convirtió el evento en un ritual compartido, donde el público no solo miró un show, sino que participó activamente en la construcción de esta nueva etapa.
Video: Sofía Bravo
La respuesta de la gente fue inmediata. El público cantó cada tema a los gritos, acompañó cada cambio de clima y sostuvo una energía que inundó la sala de principio a fin. Hubo miradas cómplices, sonrisas, emoción y un vínculo que confirmó por qué Milo J se convirtió en una de las voces más representativas de su generación. La conexión fue total y convirtió el ensayo en un momento único, de esos que se guardan para siempre.
Este encuentro íntimo funciona también como anticipo de sus dos recitales en Vélez, donde presentará La vida era más corta, un álbum que combina raíces folklóricas, tango, cantos populares y sonoridades contemporáneas, y recorrerá su camino musical a través de los discos 511, EDSM, 111, 166 y Retirada. Será su espectáculo más grande hasta la fecha y marcará un nuevo capítulo en una carrera que crece a un ritmo vertiginoso.
Video: Sofía Bravo
Las entradas para la función del 19 de diciembre continúan disponibles en www.enigmatickets.com, con todos los medios de pago y la posibilidad de acceder a 6 cuotas sin interés con tarjetas Santander American Express mediante la app de Santander o Modo.
Con un origen que lo vincula a Morón y un presente que lo encuentra llenando estadios en Latinoamérica y Europa, Milo J sigue demostrando que su música es un territorio de identidad, emoción y pertenencia. Su autenticidad —esa mezcla de sensibilidad, raíz y modernidad— es la que lo posiciona como una figura clave del presente de la música argentina.
Video: Sofía Bravo
La historia de Milo J
Camilo Joaquín Villarruel, artísticamente conocido como Milo J, es un artista incomparable que deja insuficiente la palabra meteórica para describir su carrera. Alcanzó éxitos y colaboraciones con referentes que trascendieron generaciones y forman parte de nuestra identidad cultural. Fue tapa de Rolling Stone, un reconocimiento que lo posiciona como una de las voces más influyentes de la nueva escena. Además, se desempeña como director creativo de FA y es el creador de FAlklore, un innovador formato que reunió a artistas del género argentino y logró llenar el Movistar Arena y sacar un disco.
Su historia comienza el 25 de octubre de 2006 en el barrio San José de Morón, Provincia de Buenos Aires. El tercero de los cuatro hijos de Aldana Ríos comenzó a explorar la música entre sus 8 y 9 años junto a su hermana mayor, Alma. Componiendo y compitiendo en batallas de freestyle desde los 11 años. En su casa se escuchaban temas de folklore argentino, intercalados con el punk y el rock del momento, el rap y el hip hop. Son los géneros que más lo han influenciado y se asoman en su música. Pero también ha explorado corridos tumbados, baladas y ritmos tropicales. Su precisión y lírica que se debate entre la calle y la poesía lo han llevado a cumplir metas ambiciosas durante décadas de carreras por otros artistas.
Milo J entró a su primer estudio de grabación a los 13 años y comenzó a difundir sus canciones en 2021 desde su comunidad Bajo West. La confianza y la admiración de sus amigos lo habían llevado hasta ahí. En agosto de 2022, lanzó “Milagrosa”, una canción que se volvió viral en TikTok y consolidó su nombre dentro de la escena urbana Argentina, pero fue “Rara Vez”, la que demostró en 2023 que no se trataba de suerte. Ese mismo año, estrenó su EP debut “511” (abril 2023), con temas como “FLA” y “Al Borde”. En octubre de ese año lanzó “En Dormir sin Madrid”, un EP colaborativo con Bizarrap que incluía la icónica BZRP Music Sessions, Vol. 57 y exploró otros géneros del trap latino, hip hop y música urbana.
El mismo se posicionó en el top charts de países como España, alcanzando #31 en el Billboard Global 200. Siendo la primera vez que Bizarrap lanzaba un EP junto a un artista. Un mes después estaría lanzando “111”, su primer álbum de estudio, con colaboraciones como Yahritza y Su Esencia, Peso Pluma, Yami Safdie y Nicki Nicole, con quien hoy comparte un vínculo de hermandad artística. De hecho, su anterior colaboración, “Dispara***”, con esta última artista Argentina, lo convirtió a sus 16 años en el artista más joven en ser nominado a los Latin Grammy. Donde, durante la presentación de las tres sesiones más icónicas de Bizarrap, irrumpió en escena con una de sus canciones “Hoy me voy al sol” junto a la clásica murga uruguaya Agarrate Catalina.
En 2024, su ascenso siguió: ganó el primer Premio Gardel a Mejor Nuevo Artista de su carrera, y su colaboración “Fruto” con Bizarrap obtuvo el Gardel a Mejor canción urbana. También fue nominado a los Heat Latin Music Awards (Mejor artista Región Sur), Premios Lo Nuestro (Artista revelación masculino) y Premios Juventud.
El 11 de julio de 2024, Milo J lanzó su segundo álbum de estudio 166, un homenaje a la Línea 166 del transporte público que atraviesa Morón, símbolo íntimo de su recorrido personal. El disco cuenta con 12 canciones, con colaboraciones como Morad, CRTrap y Kelo Ke, el disco fue acompañado por videoclips para cada canción y cuenta su historia de principio a fin.
El deluxe titulado “166 (deluxe) Retirada” vió la luz el 12 de febrero de 2025, con 20 canciones y colaboraciones adicionales como Cerounno, Munic HB, Bhavi y TINI.
El 25 de octubre de 2024, festejó su cumpleaños número 18 ofreciendo un concierto sold-out en el Estadio Nuevo Francisco Urbano de Morón, con más de 30 mil espectadores y la participación de figuras como Nito Mestre, Joaquín Levinton (Turf), Bizarrap, Nicki Nicole, YSY A, Khea, Neo Pistea, Bhavi y Agarrate Catalina. La grabación se publicó en YouTube/Spotify como el álbum en vivo 18 (En Vivo Estadio de Morón) y también recibió nominación a “Mejor videoclip largo”.
En enero de 2025, apenas tres años después de su debut en YouTube, agotó el Palau Sant Jordi (Barcelona), una hazaña pocas veces vista. Poco después, se presentó en el Palacio de los Deportes de Madrid con su álbum 166, junto a su hermano Santino interpretando “Tus Vueltas”; esa misma noche sorprendió a sus fans con un nuevo sencillo junto a TINI (“Lo que me causa”), demostrando su conexión con el público.
La Renga vuelve a imponerse en la escena del rock argentino con el lanzamiento de Solo hace falta un mundo para dar una vuelta (En Vivo), un disco registrado durante la gira europea que la banda realizó en octubre de 2024 por las ciudades de Mallorca, Nápoles y Madrid. El material ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales y también puede verse completo en YouTube, donde los seguidores ya celebran la energía característica que solo el grupo de Mataderos puede transmitir desde un escenario.
Con trece canciones registradas a lo largo de tres conciertos distintos, este nuevo álbum se suma a la larga lista de lanzamientos en vivo que La Renga ha sabido convertir en parte esencial de su identidad. Lejos de los artificios de estudio y más cerca del pulso real del rock, la banda propone un recorrido visceral que expone la fuerza de Chizzo, Tete, Tanque y Manu, cuatro músicos que mantienen intacta su potencia después de más de tres décadas de carrera.
El sonido del disco captura el espíritu particular de cada ciudad que formó parte de la gira. Mallorca aporta un clima mediterráneo que se cuela en el aire del show, mientras que Nápoles imprime una intensidad inolvidable y Madrid suma la efervescencia de un público que recibe a La Renga como si se tratara de un ritual férreo del rock local. En conjunto, los registros construyen una experiencia que trasciende la simple documentación de conciertos: funcionan como una bitácora musical que refleja la conexión entre la banda y su público más allá de cualquier frontera.
A nivel artístico, el grupo reafirma su lugar dentro del rock duro latinoamericano. La potencia de la guitarra de Chizzo se mezcla con una base rítmica siempre sólida y una voz que no pierde presencia ni profundidad. La Renga vuelve a mostrar por qué sus shows son considerados entre los más imponentes del país, y cómo logran trasladar esa intensidad incluso a registros en vivo que, lejos de suavizar la experiencia, la potencian con crudeza y honestidad.
Este lanzamiento también dialoga con la actualidad de la banda, que mantiene una agenda activa y una relación muy cercana con su audiencia digital. En sus redes oficiales, tanto del grupo como de Arte Infernal —el sello visual que históricamente acompaña su identidad gráfica—, se publicaron adelantos, imágenes de la gira y fragmentos del proceso que derivó en este nuevo trabajo. Cada pieza audiovisual refuerza la estética mística y artesanal que distingue a La Renga dentro del rock argentino.
Nuevas fechas para La Renga
La salida del álbum coincide con el anuncio de nuevas fechas que mantienen a la banda en movimiento constante. El próximo 23 de noviembre se presentarán en Florianópolis, Brasil, una plaza que viene consolidándose como parte del circuito latinoamericano de rock en vivo. Más tarde regresarán a la Argentina para tocar el 13 de diciembre en Rosario, donde se anticipa una convocatoria masiva y un clima de fiesta entre seguidores. Luego, ya con el inicio del 2025, viajarán a Chile para un show el 31 de enero, ampliando nuevamente su presencia regional.
El lanzamiento de Solo hace falta un mundo para dar una vuelta (En Vivo) consolida el momento artístico que atraviesa La Renga. No solo demuestra su vigencia, sino también su capacidad para expandir su música por distintos escenarios del mundo. La banda vuelve a encender la llama de un género que muchos consideran esencial dentro de la cultura popular argentina y reafirma su lugar como uno de los grupos más influyentes del rock nacional. Con este disco, los fans tienen una nueva prueba de que cada recital es un universo propio y que el viaje renguero continúa, siempre hacia adelante.
Ariel Fainck no puede señalar un momento exacto en el que decidió cantar. Para él, la música siempre estuvo ahí, como algo natural, cotidiano y casi inevitable. Ya en la primaria se subía a los actos, formó parte de un pequeño coro escolar y encontraba en la soledad el espacio más sincero para explorar su voz. Ese vínculo inicial, casi intuitivo, terminó por afianzarse cuando, durante un evento de la comunidad judía, se subió por primera vez solo a un escenario. Lo que sucedió después fue una mezcla de sorpresa, emoción y certeza: el público lo felicitó, lo elogió y le mostró que ese camino podía ser algo más que un hobby. A partir de allí comenzó a estudiar canto con disciplina y constancia, dedicándose a la técnica y al entrenamiento diario.
Su recorrido musical fue variado desde el principio: en la niñez lo atrapó el rap español; más adelante llegaron Arjona, Luis Miguel, Bisbal y Fonsi; después el reggaetón y el pop urbano; y, a medida que crecía, aparecieron también el tango, la ópera, ópera rock el rock nacional e internacional. Esa diversidad terminó por construir un criterio claro: cuando canta a capela, el género deja de importar. Lo que manda es la voz.
En ese contexto se entiende por qué su primer lanzamiento oficial fue una nueva versión de “El centro de mi corazón”, la canción compuesta por el argentino Alejandro Vezzani e interpretada por Chayanne hace más de tres décadas. Fue su productor, Darío, quien se la mostró convencido de que podía encontrar allí un puente perfecto con la esencia de Ariel. Y él lo sintió así desde el primer segundo.
—¿Por qué elegiste “El centro de mi corazón” como carta de presentación?
—Porque es mi zona de confort emocional. Yo crecí escuchando baladistas, desde Arjona hasta Chayanne. Cuando Darío me la mostró sentí que era una canción adelantada a su época. Es vieja, sí, pero suena actual. Y la letra es preciosa. Cuando la escuché por primera vez dije: “Es esta”. Había otras opciones, pero esa me ganó a mí.
La devolución del propio Vezzani fue uno de los momentos más fuertes del proceso.
—¿Qué te dijo Vezzani cuando escuchó tu interpretación?
—Primero, que le gustó. Después, que pude transmitir lo que él quiso transmitir. Era mi mayor duda: si podía hacer sentir lo que el compositor sintió. Que él me diga que sí fue un alivio enorme y una satisfacción.
—¿Qué te devolvió la gente después del lanzamiento?
—Mucho cariño. De la familia y del público. Algunos me decían: “La escuchaba cuando era joven y me emocionó volver a oírla”. Y otros, más chicos, directamente no sabían que existía. Eso estuvo buenísimo. Lo que más destaco es que no hubo hate. En redes hoy es fácil insultar, pero yo recibí apoyo y elogios. Es muy motivador.
Más allá del éxito del primer single, Ariel Fainck no siente que deba limitarse a covers ni que deba apurarse a mostrar canciones propias.
—¿Qué viene ahora? ¿Más covers, temas originales, composiciones tuyas?
—Depende de la canción. No elijo por si es cover, si es mía o si es de otro compositor. Elijo si siento que la canción me queda, si puedo expresarla, si puedo transmitir al público lo que quiere decir. Yo compongo, pero todavía no publico nada porque soy muy crítico. Igual no descarto que en algún momento haya un tema propio.
La conversación sobre la composición deriva, inevitablemente, en los miedos propios de cada artista. Y mientras ese proceso avanza, su mirada está puesta también en el vivo. Hasta ahora, Ariel se conectó con su público a través de plataformas y redes sociales, pero el escenario empieza a convertirse en un deseo cada vez más fuerte.
—¿Cómo proyectás tu carrera? ¿Te imaginás pronto en vivo?
—Sí. Tengo muchas ganas. La presentación en vivo es otra experiencia. Me encanta que la gente escuche la canción en su intimidad, solos, en su momento personal. Pero también quiero sentir ese ida y vuelta del escenario, la energía de la gente. Son dos formas distintas de conectar y las dos son necesarias. Mi sueño es llegar a la mayor cantidad de personas posible. Buenos Aires, toda Argentina, Sudamérica… donde sea.
Ariel piensa su futuro con un norte claro: ser un puente emocional. Se define como un intérprete que traduce el sentir de los compositores y lo entrega al público para que cada persona pueda encontrarse con su propia sensibilidad. Por eso, su ambición no es solo profesional: también tiene un costado humano. “Mientras haya una persona que no me escuchó y a la que yo pueda acompañar con una canción, siento que mi trabajo no está terminado”, dice.
Con un single publicado y un horizonte que se abre con fuerza, Ariel Fainck emerge como una de esas voces nuevas capaces de combinar honestidad, técnica y emoción. “El centro de mi corazón” fue apenas el primer paso. Lo que viene —covers, originales o composiciones propias— promete un crecimiento tan sincero como su manera de cantar.
Los Espíritus lanzan “Camina”, un nuevo EP que reúne tres canciones y marca el pulso de la etapa más reciente de la banda. Se trata del primer material discográfico desde La Montaña (2023), en un año de intensa actividad: la banda fue reconocida este año con el Diploma al Mérito en los Premios Konex, un galardón que celebra su trayectoria y aporte a la música argentina. Además, el grupo presentó nuevo material de estudio, recorrió gran parte del país, regresó a los escenarios de México y anunció oficialmente su gira europea 2026.
El EP abre con “Camina”, donde la psicodelia latina de los 70 es reinterpretada en un sonido actual y renovado. Percusiones envolventes, guitarras filosas y un groove hipnótico sostienen un mensaje claro: seguir adelante sin soltar “ese timón de los sueños divinos”.
El segundo track es “Caro”, una canción que se desliza en una cadencia blusera y nocturna. Una postal desde la bruma de la vida que reafirma el estilo inconfundible del grupo, siempre dispuesto a sorprender dentro de su propio lenguaje. El single fue presentado en un show sold out en C Art Media, con la participación especial de Edelmiro Molinari.
Completa el EP “Chopp al Hielo”, una pieza que profundiza ese clima de noche, calle y desahogo, ampliando el universo espiritual y urbano de la banda.
Show de Los Espíritus
Para celebrar este lanzamiento, Los Espíritus se presentan el sábado 22 de noviembre en The Roxy Live, en un show especial donde repasarán su repertorio y compartirán en vivo las tres canciones del EP.
La disputa entre La Rengay el presidente Javier Milei escaló a los escenarios, con la banda de rock realizando una burla directa y provocadora en respuesta al uso constante que el mandatario ha dado a su canción «Panic Show« en sus actos de campaña.
La polémica se intensificó hace unos días cuando el bajista Tete Iglesias afirmó que el grupo no apoya el uso político de su música. “El tema es nuestro, él se lo robó como se está robando todo el país”, dijo.
La respuesta más explícita de La Renga ocurrió durante el festival Dama’s Day en Luján, un evento que reúne a los amantes de las Harley Davidson.
Mientras la banda interpretaba el popular tema «Panic Show», un hombre de baja talla disfrazado de Javier Milei (con una máscara que imitaba el rostro del Presidente) apareció sobre el escenario. El doble, que imitaba los gestos del mandatario, saltó y bailó junto al vocalista, Chizzo, generando un momento de burla que fue rápidamente viralizado.
El grupo hacía mucho tiempo que no tocaba este tema y volvió a hacerlo con una picante indirecta a Milei. «Atención a todas las unidades… Patricia, el león se escapó», se lo escuchó decir el sábado pasado a Gustavo «Chizzo» Nápoli. Durante la presentación de la banda el publicó también saltó bajo el típico canto: “El que no salta, votó a Milei”.
Este acto se interpretó como un rechazo contundente y con humor negro por parte de La Renga al uso de su himno, popularizado por la frase «Yo soy el león…», que Milei ha adoptado como lema.
El video cuando apareció «Milei» en el show de La Renga
A 15 años de Amapola del ’66, Divididos volvió con un disco que no solo marca el retorno de una de las bandas más emblemáticas del rock argentino, sino que también reconfigura su identidad sonora en un presente más introspectivo, cargado de simbolismos y reflexiones. Con la madurez de una banda que atravesó todas las eras del rock nacional y aún sostiene un nivel interpretativo superlativo, este álbum invita a una escucha completa, profunda y emocionalmente abierta.
1. “Aliados en un viaje”
El disco abre con una composición expansiva, casi ceremonial. Hay un riff inicial que se despliega con la paciencia de un grupo que ya no tiene que demostrar nada, pero sí quiere contar una historia nueva. Mollo canta desde un lugar calmado pero firme, con esa mezcla de sabiduría y crudeza que caracteriza sus interpretaciones más recientes. La letra sugiere camaradería, memoria compartida y tránsito: un comienzo perfecto para un disco concebido a lo largo de años y atravesado por múltiples capas temporales.
2. “Monte de olvidos”
Una de las piezas más líricas del álbum. La guitarra limpia sostiene una melodía melancólica, mientras la letra navega el recuerdo, el paso del tiempo y la fragilidad de aquello que creemos permanente. El bajo de Arnedo tiene un rol protagonista, casi narrativo. Musicalmente está más cerca de la veta intimista de Amapola del ’66, pero con una producción más austera.
3. “Bafles en el mar”
Divididos siempre tuvo la habilidad de mezclar imágenes poéticas con escenas cotidianas, y acá se luce. Este es uno de los temas más rítmicos del disco, con un pulso firme de Catriel Ciavarella que lleva la canción hacia un clima dinámico, casi marítimo. La mezcla deja espacio para que el riff principal respire, logrando una pieza que se siente libre y expansiva.
4. “Doña Red”
Una canción cargada de ironía, comentario social y observación del mundo digital. Mollo articula una letra que parece jugar entre la crítica y la fascinación por la comunicación moderna. Sonoramente, Divididos vuelve a sus raíces más funk-rockeras, con un groove juguetón y líneas de bajo que dialogan constantemente con la guitarra.
5. “El faro”
Un momento de pausa emocional. El tema es lento, atmosférico y con un aire de plegaria. La voz de Mollo se vuelve íntima, casi susurrada en los versos. La canción crece a través de capas de guitarras que se apilan con sutileza, sin estallar nunca del todo. El “faro” se vuelve metáfora de dirección, guía y vulnerabilidad.
6. “Mundo ganado”
Uno de los cortes ya conocidos antes del lanzamiento del álbum, y uno de los más potentes. Rock directo, riff frontal, fraseo contundente. Aquí Divididos muestra que aún conserva ese pulso de trío afilado. La letra apunta a la idea de construcción, lucha y conquista propia, con un mensaje de perseverancia que conecta con la lógica de una banda que nunca dejó de recorrer escenarios.
7. “San Saltarín”
Un guiño al costado más lúdico y folclórico de Divididos. Con ritmo veloz y un tono casi festivo, el tema combina rock con elementos rítmicos más orgánicos. La canción toma impulso desde el primer segundo, como si estuviera hecha para explotar en vivo.
8. “Vos ya sabrás”
Uno de los momentos más emocionales del álbum. La canción se construye desde un arpegio cálido que va creciendo de forma orgánica. Mollo está especialmente expresivo: canta con una mezcla de ternura, cansancio y esperanza. La letra parece hablarle a un otro muy íntimo, quizás un hijo, un amigo, o incluso al propio oyente.
9. “Revienta en Mi mayor”
Un retorno al rock potente, con un riff contagioso y un trabajo rítmico impecable. El título funciona como un juego musical y conceptual: la idea de “reventar” en un tono mayor se siente como un estallido luminoso. El solo de guitarra es uno de los más memorables del disco.
10. “Insomnio”
Uno de los sencillos previos, y también una de las piezas más distintivas. El ritmo insiste con una cadencia que evoca la vigilancia nocturna, la mente inquieta, el cuerpo que no encuentra quietud. Las líneas vocales transmiten desvelo y obsesión. Es un punto fuerte del disco y una muestra de la capacidad de Divididos para crear climas sin perder potencia.
11. “Cabalgata deportiva”
Tema ya celebrado por los fans desde su aparición como adelanto. Funciona como puente entre el espíritu clásico de la banda y su versión más contemporánea. Tiene ese motor rítmico característico de Ciavarella, líneas de bajo profundamente melódicas y un Mollo que canta con soltura, dejándose llevar por el ritmo.
12. “Grillo”
El cierre del disco es uno de los más bellos. “Grillo” es una pieza delicada, acústica, que deja al oyente en un estado de contemplación. La letra sugiere silencio, pausa, escucha profunda. Después de un viaje lleno de contrastes, el disco termina con un gesto minimalista, casi de despedida suave.
El disco que tenía que hacer Divididos
Cada canción del nuevo Divididos parece pensada para reflejar una parte del recorrido emocional y creativo de una banda que regresó al estudio no por obligación, sino por necesidad artística. El disco homónimo se siente como una obra honesta, madura y profundamente humana. Conserva la ferocidad rockera cuando hace falta, pero también se abre a fragilidades que la banda ya no teme mostrar.
La sutura de la tapa, el tono reflexivo de muchas letras y la estructura del disco componen un trabajo que dialoga con el presente sin renegar del pasado. Es, en muchos sentidos, el disco que Divididos tenía que hacer hoy.
Hay encuentros en la vida que nunca olvidamos. Mirar a los ojos a un atractivo extraño en algún lugar de la calle. Un pequeño gesto o una pequeña sonrisa que permanecerá en nuestra memoria durante mucho tiempo: en su nuevo single «Lolita (featuring Chloe)», Rum Shakersrelata la historia de un fatídico encuentro y el arrepentimiento de no haber tenido el coraje de iniciar una conversación.
Rum Shakers es el grupo internacional compuesto por el DJ y productor británico Yan Kings, el DJ y productor italiano Matt Petrone y el músico y productor londinense Simon Duffy. Antes de fundar Rum Shakers, sus producciones originales han viajado por las listas de éxitos de todo el mundo, obteniendo el apoyo masivo de los nombres más importantes de la industria, como Martin Garrix, David Guetta, Bob Sinclar y muchos otros. Ahora Rum Shakers continúa ganando impulso con su nuevo single «Lolita«.
Con su himno dance-pop agridulce, Rum Shakers está trayendo de vuelta algunas vibraciones veraniegas alegres, fusionando ganchos pop / dance contagiosos con una poderosa interpretación vocal, un seductor toque francés. «Lolita» se concibió después de que sus caminos se cruzaran con Chloe Edgecombe, una cantante argentina que estaba tocando en la calle afuera de una estación de metro de París. La música de 19 años impresionó inmediatamente al trío de productores con la magia de su voz y su evidente carisma.
Rum Shakers lanza una clara señal
Ocasionalmente, los cuentos más maravillosos son creados por la vida misma. «Lolita (featuring Chloe)» es una conmovedora narrativa romántica que se basa en una historia real. Mientras Chloe actuaba en las calles de París, se había enamorado de un apuesto extraño que pasaba regularmente. Incluso ella podía sentir una intensa química entre ellos, ninguno tenía el coraje de entablar una conversación. Se mudó poco después, y aunque no lo ha visto desde entonces, todavía no puede dejar de pensar en este joven.
Encantados por esta conmovedora historia ambientada en la ciudad del amor, los Rum Shakers están enviando una clara señal al extraño sin nombre por el que Chloe había desarrollado sentimientos tan fuertes. ¿Quizás reconocería su voz única o se vería a sí mismo en «Lolita»? Un romántico «mensaje en una botella» para la era digital que explora profundamente sentimientos como la atracción, el arrepentimiento por las oportunidades perdidas y el anhelo de una persona especial.
